工艺美术的风格特征篇1
【关键词】歌剧咏叹调形式分析本体流派风格特征
咏叹调是“西洋歌剧、清唱剧或康塔塔中的独唱曲”①。在歌剧中，是人物的抒情唱段，与叙事性的“宣叙调”（又称“朗诵调”）相对应。现在，歌剧中的咏叹调，有许多作为艺术歌曲中的一种，在音乐会上演出。
一、咏叹调的本体艺术特征
对西洋歌剧咏叹调艺术形式分析的第一个层面，是对其本体艺术特征的分析。
众所周知，所谓“艺术形式”，包括文艺作品的体裁、结构、语言、手法、风格等。而对于音乐作品，其“语言”又包括旋律、节奏、和声、调式、调性、力度、速度等要素。
西洋歌剧咏叹调在艺术形式上具有自身独有的艺术特征，这就是：用管弦乐队或键盘乐器伴奏。旋律优美流畅，情感内涵丰富，且强调声乐演唱技巧。18世纪意大利那不勒斯乐派的歌剧中，咏叹调均为反复三段体（aBa），西洋称dacapoaria（意为：从头反复的咏叹调），其中第三段为第一段的反复……②其中的“aBa”三段体，又多采用“快板―慢板―快板”的结构。
西洋歌剧咏叹调这些艺术形式上的本体特征，在许多咏叹调歌曲选段中都有明显的体现。例如，在意大利作曲家普契尼作曲的歌剧《蝴蝶夫人》中，女主人公蝴蝶夫人的咏叹调《晴朗的一天》，就在极为优美、丰富多彩的旋律中，表现出蝴蝶夫人在海边遥望轮船，急切盼望远别的情人突然而至的丰富、复杂的思想感情。
二、咏叹调的流派特征
对西洋歌剧咏叹调艺术形式分析的第二个层面，是对其演唱流派特征的分析。
演唱是咏叹调的中心和生命，如果没有演唱艺术，那么就只有纸上的歌谱而没有真正意义上的咏叹调音乐艺术。
众所周知，西洋歌剧的咏叹调是用美声演唱的，然而人们却很少知道，所谓“美声”，不是“美声唱法”，而是“美声流派”。之所以在中国被称作“美声唱法”，实际上是翻译上的偏差。就连我国权威工具书《辞海》，也称其为“美声唱法”，并专列词条，给出如下定义：“17、18世纪形成于意大利的一种演唱风格。其特点是：具有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力。音色优美、圆润、丰满，音与音的连接平滑匀净，花腔装饰乐句流丽灵活……”③然而，所谓“美声唱法”的意大利原文，正确的翻译应为“美丽的歌声”或“美好的歌唱”，而不单单是“唱法”。对于这种翻译上的错误，声乐教育家沈湘早就指出过。韩勋国教授也在他的编著《歌唱教程》中称“美声”为“美声唱法流派”，采取了综合的办法。这都充分证明，“美声”声乐的确是一个声乐艺术流派，即以西洋歌剧的演唱风格特点为核心标志的一大声乐流派。这完全符全美声流派的风格特点和“艺术流派”的概念界定：“……在中外艺术发展的一定历史时期里，由一批思想倾向、美学主张、创作方法和表现风格方面相似或相近的艺术家所形成的艺术派别。”④美声声乐流派的产生正是与里努契尼的歌剧《达芙纳》、卡奇尼的歌剧《尤里狄茜》、普契尼的歌剧《曼侬・莱斯柯》等咏叹调的演唱风格密切相关所形成的声乐艺术流派。
三、咏叹调的风格特征
对西洋歌剧咏叹调艺术形式分析的第三个层面，是对其演唱风格特征的分析。
艺术风格是“艺术家的创作在总体上表现出来的独特的创作个性与鲜明的艺术特色”⑤。
从总体上而言，西洋歌剧咏叹调的演唱风格是“西洋风格”或“欧洲风格”，即以“洋嗓子”演唱，音色一般较“暗”，变化较大。因其采用“遮盖唱法”（“关闭唱法”），所以音色有一个明显的由亮到暗的变化过程。在共鸣腔的调节上，美声流派多采用鼻咽腔，喉头位置较低，开管大，声流振动靠后，其歌声颤音幅度大。呼吸时排气量也大，故声音厚实。
从个体而言，美声流派又强调风格的个性创造。一方面，世界上各个国家的美声乐派具有不同的风格特点，例如，意大利美声乐派具有热情奔放、夸张外露的艺术风格；俄罗斯美声乐派具有沉实厚重、雄浑宏大的艺术风格；法国美声乐派具有浪漫秀丽、清新典雅的艺术风格；日本美声乐派具有小巧精致、多愁善感的艺术风格，如此等等，不胜枚举。同样，中国的美声乐派也把美声乐派的艺术风格同民族风格有机融合，形成了真挚亲切、自然质朴的艺术风格，被誉为美声的“中国乐派”。另一方面，不同歌唱家的不同艺术风格，也成为咏叹调演唱的创造目标。
注释：
①②③辞海编辑委员会.辞海[m].上海：上海辞书出版社，2000：890，2312.
工艺美术的风格特征篇2
【关键词】罗可可艺术；中国情调；瓷器
罗可可艺术欧洲之行
罗可可艺术起源于路易十四时代晚期，流行于路易十五整个时代。庄严宏伟的古典主义风格开始被一种享乐主义艺术所取代。罗可可是路易十五统治时期所推崇的的艺术，因而又称“路易十五式”。罗可可（Rococo）源于法语“洛克”（Rocaille）,意指“岩状装饰”或“贝壳装饰”。泛指建筑和室内陈设，绘画，雕塑以及工艺品等各个方面的一种艺术风格。这种风格的产生：一方面可以说是对路易十四强大王权统治下严格的古典主义的反动，另一方面罗可可艺术的形成实际上是巴洛克艺术刻意修饰而走向极端的必然结果，晚期的巴洛克艺术某些方面已呈现出罗可可艺术的端倪。罗可可风格是西方美术史上一个重要的时期风格。
罗可可艺术中最重要的特点就是注重装饰性的表现，工艺美术尤为独特，是罗可可与巴洛克一起被认为是欧洲工艺美术发展中继古希腊、罗马以后又一黄金时期。而罗可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，洋溢着中国风情，这也是历史上中国对西方艺术风格一次最具代表性的影响。它的风格在法国持续了整整一个多世纪，波及整个欧洲大陆。直今，罗可可艺术所具有的形式美的观念，与装饰美的手法，仍给艺术创造很大的启示。罗可可艺术主要为宫廷和贵族服务，带有享乐主义的特色。它的风格特征是繁缛精致、奢丽纤秀，呈现出娇柔妩媚、纤巧细腻的特色，热衷于精雕细琢的表现手法，这种追求精细华丽的审美心态促使了当时各种工艺技巧的发展和提高，其精致细腻的做工和华丽奢美的外型至今另人赞不绝口，津津乐道。今天，其主要的装饰手法仍在继续使用，主要表现在家具家居等的装饰设计中。在十八世纪，随着法国对华贸易和文化联系的紧密加强，中国趣味在罗可可时代充当了更为重要的角色。从此，欧洲掀起了搜集和防制中国工艺品的热潮。法国对中国美术和工艺品的爱好是从贵族和王室开始的。
罗可可艺术的中国情节
在罗可可艺术风格的特征中洋溢着东方特别是中国情调，陶瓷工艺、染织工艺、木工艺及金属工艺等无处不在。罗可可艺术吸收中国丝绸柔和的光感，工艺镀金，螺钿镶嵌等方面的装饰，吸收了中国工艺装饰所特有的没有严格对称的唐卷草纹样和漩涡纹样，并明显模仿中国园林和瓷器工艺。
罗可可其精湛绝伦的工艺技巧也为以后的工艺美术技法提供了宝贵的经验。在这一时期，对于工艺美术最重要的贡献是瓷器工艺得到了空前的发展。欧洲生产出了自己的瓷器产品。欧洲硬瓷的出现是在中国文化的影响下和当权者的审美倾向与社会需求下产生的。
路易十四对中国艺术的热爱表现在兴建凡尔赛的“瓷宫”。“瓷宫”残存至今的描金青花瓷瓦仍保存在卢浮宫里。在当时来自东方的色泽形态优美的硬质瓷器为欧洲皇室贵族及整个上层社会所珍爱，使瓷器的价值一度超过黄金。在当时，拥有中国的瓷器也成为地位和财富的象征。
而欧洲人对瓷器的爱好进一步表现在对中国瓷器的订购仿制热潮上，这些仿制品自然也带有中国的特色。十八世纪是欧洲陶瓷工艺史上的一个辉煌时期。而瓷器又是罗可可艺术中最常用的材料，它象征着罗可可时代特有的线条、光彩、色调和优美。中国高贵的象征皇权的黄颜色和典雅的青蓝色都是罗可可艺术喜欢的颜色。欧洲宫廷及上流社会为了显示自己的富有和高雅，对瓷器的兴趣更是无以复加。中国瓷器在当时的欧洲无疑是极其奢华的高档消费品。这些因素使欧洲人看到自己对远东瓷器的需求，并在财政支出超常的情况下，决定自我研制瓷器的制法和发展制瓷工艺，以防资产外流，而增加国家财富消耗。经过反复研究实验，于1790年3月烧制出了欧洲第一件白釉瓷器。这些生产的瓷器装饰风格仍具有浓郁的东方色彩，尤其是中国的装饰特征。
在瓷器的仿制上，法国更是后来者居上，成为十八世纪的欧洲制瓷中心。路易十五甚至宣布：要掀起一个日用品的变革运动，要用中国的瓷器代替旧日的金银器皿。而模仿中国瓷器并且在设计和装饰上最具有东方特色的是著名的尚蒂伊瓷。这和尚蒂伊城孔蒂公爵对东方工艺品的爱好有着密切的关系。尚蒂伊瓷虽然还是软瓷，但其所独具的温柔手感和艳丽而典雅的彩绘，却别具风采。至今在巴黎的一些博物馆里还保存着有描绘中国题材的工艺品和中国瓷人。还有斯普特窑的英国骨灰瓷和哥本哈根窑的丹麦陶瓷也是产生于罗可可时期的瓷器，深受罗可可风格的影响。宫廷和贵族对东方艺术的喜好也促使两国的瓷器艺术得到飞速的发展。所以，在欧洲各国掀起了竞相仿制罗可可风格瓷器的热潮。
中国瓷器在外国有名已久，最早接触要早先于罗可可艺术，但是中国瓷器在欧洲罗可可艺术时期直接导致了其瓷器的发展。可以说是他们的瓷器发源于中国。从我们熟知的名称翻译，中国的的英文翻译为china而中国瓷器的名称翻译同为china，这一点看，可更近一步的说明中国瓷器的著名性和历史性。而这样著名的影响力同中国瓷器对于罗可可时期瓷器的交辉是密切相关的。从这一点也可扩大的一步说，中国对于罗可可时期的形成与发展有着密不可分的联系，是罗可可艺术形成的决定性和重要条件之一。如果否定了中国风格的影响，对于罗可可时期的艺术的了解与研究就是不全面的。
参考文献
[1]田自秉著.中国工艺美术.东方出版中心1985.1第一版(2002.8重印)
[2]王宏建袁宝林主编美术概论.高等教育出版社1994.7第一版(2003)重印
工艺美术的风格特征篇3
关键词：插画艺术；新媒体；创新
插画原本是指是对正文起补充说明或艺术欣赏作用，附在书刊中的图画，包括一切书刊、印刷品中与文字结合的平面艺术作品。而随着现代社会的发展，插画的概念也随之宽泛开来，所有含有叙述思想的艺术作品，是运用图案表现形象的一种艺术设计都可以称之为插画。
随着插画传播媒体的增多，插画的表现形式也越来越多元化。现代插画在平面设计领域中的应用主要分为四块：出版物、商业宣传、包装设计、影视多媒体。读图时代的来临，带来了插画时代的第二次辉煌。在许多的广告中，尤其是户外广告中，多运用平面设计语言，在借助光色本身的视觉特点下，用抽象的和直观的造型，引发消费者对商品本身内在气质的延伸联想。
在我国，整体插画艺术的实力还相对薄弱，没有得到像动漫那样的重视，插画市场的竞争也存在着不规范的情况。这种情况随着社会的发展，相信会有越来越多相应的专业设立，设计机构的出现，相信插画市场会更加完善。
一、传统手绘插画与新媒体下手绘插画的不同特征
（一）传统手绘插画的主要特征
传统手绘插画以其创作过程中的随意性与不可控性因素决定了其绝无仅有的艺术特征一不可复制性。人不可能两次踏入同一条河流，传统手绘插画的艺术特征与魅力即在于此。手工绘画不可复制的特征在传统手绘插画中体现得淋璃尽致。例如传统绘画的拨墨创作法，以及写意山水画的墨色晕染法，其艺术魅力的体现正是由于其创作过程中不可预知的随机性。由于传统手绘插画画师的个人技法差异与外在环境的影响，每一幅手绘作品都不可能做到完全一样，甚至在创作中出现的一些意外小插曲。
（二）新媒体环境下手绘插画的主要特征
在新媒体环境下，手绘插画的创作特征主要体现在三大方面，即功能性、审美性、原创性。首先从功能性上来看，作为一门大众艺术，手绘插画是有其“使命感”的。仅仅从表面上去欣赏视觉文本，我们无法透过表面去探索艺术家所期待我们能够理解的内在含义。观众必须通过作品了解作者在作品中想传递的信息，即作品的本身必须有其实用性的价值，在传播艺术文化的同时兼具社会使命。而对注重传播价值的大众而言，功能性是首位的。其次，就审美性而言，手绘插画在艺术形态上符合当代大众的审美感性思维，即视觉完整与表现形式上的“原汁原味”。而新媒体时代的数字艺术在视知觉的理论基础上给予了我们创作思路上的调整，特别是光影艺术给传统绘画带来了影响。手绘插画的视觉语言要求创作者在单幅或多幅图像中呈现一种比较完整的视觉概念以及达到视觉美的效果，它相比传统绘画更注重于与观众的视觉互动。
二、新媒体环境下手绘插画的主要风格转变
手绘插画在新媒体时代的展现平台依靠主流的视觉媒体，而视觉媒体分为传统的纸媒体与新型的视觉媒体，纸媒体主要指报刊杂志与书籍，这也是传统手绘插画主要的创作发表平台。但随着数字媒体的崛起，人们渐渐将目光转向了更为全方位的数字传播媒介，新型的数字媒介有着传统媒介无法比拟的优势，即随时性与影像立体性的特征，打破传统纸质媒体只能通过纸张的携带来完成信息的传递的劣势。而在这一革新变化之下，手绘插画向大众所呈现的风格也发生了变化。目前看来，新媒体环境下手绘插画所呈现的风格可以总结为以下三类：
（一）流行动漫风格
流行动漫风格是手绘插画现代化后崛起较为迅速一种风格。它因其视觉语言轻快活拨而受到广泛瞩目。20世纪90年代，日式动漫风格开始影响中国，如《圣斗士星矢》等作品深受广大少年儿童的喜爱。这一时期中国的流行动漫风格的发展深受日本的影响，此时中国正经历着改革开放后艺术百废待兴的局面，中国的动漫产业的风格受外国影响居多。进入二十一世纪，中国的经济和文化迅速崛起，通过吸收外来文化，流行动漫风格开始有了自己的风格，大批优秀的动漫风格作品迅速地崛起。不同时期的动漫风格，随着当下的流行趋势发生着转变，流行随着时代的发展，也有可能成为经典，但不变的是它的流行性特征，以及紧贴时代脉搏的视觉表现。
（二）唯美典雅风格
与流行动漫风格形成对照的是唯美典雅风格。它的视觉表现力偏向平和，比较注重作品的装饰性，也更贴近大众的视觉心理诉求。提起手绘插画，人们的第一印象往往是唯美一词。“唯美”一词的含义在今天只是单纯解释领域的形式绝对美，即对美的要求不含其它杂质，旨在追求视觉的纯粹状态。因此，今天我们所指的唯美风格，多数是插画作品在色彩与构图呈现上，表现出一种平和、精致的艺术美感的手绘插画作品。如多数现代手绘插画艺术家，以其线条的精致与画面的优美而著称，作品也因其唯美的创作风格受到大众的喜爱。成为这一风格的代表人物之一。
（三）前卫视觉风格
前卫视觉艺术萌芽于上世纪70年代，之后迅速崛起并成为手绘插画艺术风格中的独特一支，是一种“超前”的艺术风格。前卫艺术创作指代上的概念较为抽象，但总体而言，是指超越了当前时代风格的一种艺术表现。因此人们将具有强烈时代感的新潮视觉风格统称为前卫的视觉风格。如荷兰的著名手绘插画家LauraLaine便是前卫艺术风格的代表人物之一，其作品以超前的视觉语言与前卫大胆的艺术表现形式受到了大众的瞩目。
三、结语
随着数字化创作与传播方式的改变，手绘插画艺术的艺术形态与创作手段也逐渐发生了改变，通过信息和科技的互联，手绘艺术插画的传播方式变得触手可及，甚至在创作领域也不再是那样的高不可攀，人人都可以拿起画笔，这也使得当今的手绘插画领域发展呈一个良好的上升趋势。另一方面，尽管本文提及了目前手绘插画在新媒体环境下的几种主要风格，但是相信伴随着数字化创作技术的不断提高，社会经济文化的不断进步，手绘插画将展现越来越多样化的风格。
【参考文献】
[1]李欢.时尚插画风格分类探讨与应用研究[D].重庆大学，2014.
工艺美术的风格特征篇4
摘要装饰艺术运动是一场风格特殊的设计运动无论从材料的使用上还是设计的形式上都受到了现代主义的影响.但在色彩上强调服务权贵这与现代主义立场相悖.是20世纪最后一场装饰运动的尝试.但同时影响了建筑设计的风格，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会。当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行，大约1928年，快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。artDeco这个词虽然在1925年的博览会创造，但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。
关键词设计手法几何形态法国装饰运动装饰材料设计师艺术作品
一、装饰运动的概况和特点
1．装饰艺术运动的概况：（1）时间：20世纪20年代到30年代。（2）地点：法国、美国、英国等。（3）起因：1.了解到新时代的必然性，不再回避机械形式、新的材料2.采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，并把其作为一条新的探索途径3.20年代西方的普遍繁荣造成了新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。
2．装饰艺术运动的特点：（1）包括范围广泛（从20年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案；到30年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑）。（2）从思想和意识形态方面看，它是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动，反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。（3）它服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵。（4）放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光。（5）摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物。（6）速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展。（7）几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题。（8）新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利。（9）打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等。（10）古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象。（11）明亮对比的色彩。
3．装饰艺术运动的设计手法：（1）东西方特色结合。（2）人情化和机械化结合。
二、装饰运动受到的影响
1．埃及等古代装饰风格的借鉴。（1）埃及大量出土的文物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的结果。（2）古埃及时代的建筑装饰图案，如盛开的纸草式柱头，纸草和莲花交织组成的柱头等。
2．原始艺术的影响。来自非洲和南美洲的原始部落艺术（非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练）。
3．简单的几何形态。（1）热衷中心：与大工业生产联系比较密切，具有强烈时代特征的简单的几何外形；动机来源：古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（如玛雅文化、阿兹台克文化、印加文化）。（2）常用几何图案：阳光放射型、闪电型、曲折型、重叠箭头型、星星闪烁型、阿兹台克放射型、埃及金字塔型。
4.舞台艺术的影响。两种舞台艺术风格，舞蹈（特别是芭蕾舞），美国的爵士乐。
5.汽车的影响。20世纪初，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆的采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机。
三、装饰艺术运动的发展
1．法国的装饰艺术运动
法国：“装饰艺术”运动的发源地。
巴黎：运动的中心。
高峰时期：1925年的“装饰艺术展览会”。
设计发展特点：非民主化的、权贵与精英主义的、资产阶级的。
（1）家具与室内设计
家具设计：法国“装饰艺术”风格的最集中体现。
两种设计风格：1.比较注重东方的、怪异的方式：受到俄国芭蕾舞团的舞台设计和服装设计的影响（在1920年前后达到高潮）2.注重新材料的运用：受到现代主义的影响（出现在30年代）。
共同特点：“采用新的材料，采用新的技术，创造新的形式”。
代表人物：1.埃米尔―贾奎斯•鲁尔曼：通过精细的表面处理来传达某些传统图案的运用，喜欢采用昂贵的木材及象牙进行某些功能性部件的镶嵌（如扶手、把柄等），用简单明快的几何外形和复杂的表面装饰形成强烈对比，取得特殊效果。
（2）陶瓷设计
装饰特点：以人物与强烈的几何图案为主。
设计影响：中东和远东古典文明的陶瓷设计，在釉彩方面受到中国陶瓷的釉彩方法和风格影响。
代表人物：1.埃米尔•德科：造型非常单纯，往往采用单色釉（如黄色、蓝色、粉红色、绿色和白色），表面处理也常常采用中国陶瓷的一些手法（如冰裂开片、挂彩等）。
（3）漆器设计
设计原因：对于东方装饰的迷恋导致了对于东方装饰重要手段之一的漆器的模仿和发展。
设计内容：室内的屏风、门、壁板、家具和其他装饰构件。
代表人物：让•杜南：1.漆器屏风和室内壁板采用非常华贵的色彩计划，装饰图案精致，装饰动机采用东方的（如埃及、日本的古典装饰动机），且比较具有优雅的女性化特征。
四、装饰艺术运动的评价
装饰艺术运动在20世纪20年代兴起，到30年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。
装饰艺术运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20、30年代的这个设计运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。
参考文献：
[1]李军苗.浅谈法国装饰艺术运动.美术大观.2009.06.
[2]马坷.论装饰艺术运动的设计风格.苏州丝绸工学院学报.2000.02.
[3]紫图大师图典丛书编辑部.装饰艺术运动大师图典.陕西师范大学出版社.2004.02.
[4]胡伟飞.从装饰艺术运动到后现代主义设计.艺术探索.2008.02.
工艺美术的风格特征篇5
一、多元性
声乐的第一大美学特征,就是它的多元性特征。这种多元性特征,表现在许多层面。
首先,从演唱方法上分,可分为美声唱法、民族唱法、通俗唱法三大类。
所谓美声唱法,源于意大利,它追求声音效果,讲究发声方法,注意运用华彩与装饰。
所谓民族唱法,追求自然质朴,讲究民族风格与地方特色。
所谓通俗唱法,系现代工业社会电子传播技术广泛运用之后出现的一种歌曲演唱方法,演唱者常手持话筒或胸麦、耳麦,追求时尚自然,对声乐训练没有太多太严格的要求。
一般来说,美声唱法强调国际化、民族唱法强调多样化、通俗唱法强调时尚化,从而从总体上构成了多元性的大格局。
而且,三大类唱法中每一种又可细分为多种,也在其“子系统”中呈现多元性的格局。例如美声唱法中包括歌剧、声乐套曲、艺术歌曲等;民族唱法包括戏曲、曲艺、民歌、民族歌剧等;通俗唱法包括乡村歌曲、校园歌曲、摇滚音乐等。
同时,这其中的每一种,还可以再细分为更小的“子子系统”,如“民歌”就可以再细分为山歌、小调、劳动号子、创作民歌等等。
其次,从声乐形式上,也呈现多元性特征。例如美声唱法,就有咏叹调、宣叙调、咏叙调、重唱、合唱、独唱等等。
再次,从演唱者的声音特征来划分,也呈现多元性特征,除了总体上分为男声、女声两大类以外,每种唱法中的男声或女声又各自分为高音、低音、中音三大声部,合起来计有18种之多,可谓真正的“多多益善”了。
二、抒情性
声乐同音乐一样,都是抒情性的艺术。演唱者就是将词曲作者在歌曲中所表达的情感,化为自己的情感,再通过演唱将这种情感传达给听众,从而在听众中产生情感共鸣,以收到“以心拨心、以情动情”的艺术效果。
因此,从声乐的本体特征而论,其情感的真挚性、浓厚性、强烈性,便成为其主要内涵与核心内容。而从演唱者而言,在演唱中以情带声、声情并茂,也就成为题中应有之义。
三、节奏性
节奏是声乐最基本和最重要的美学特征,声乐的节奏包括乐音的长短、高低、强弱等变化组合的形式,它是歌曲旋律的骨干,也是歌曲结构的基本构成因素。
从本质上看,“节奏是主观和客观的统一,也是心理和生理的统一。”节奏不仅可以增强歌曲的表现力,而且使旋律具有特色,从而使听众以节奏为依据来把握不同的声乐体裁。
四、表现性
由于声乐是时间艺术与听觉艺术,它不提供直接具体的艺术形象,所以表现性便成为它的另一大美学特征。
这种表现性特征,主要通过声乐本身形象的蒙性、非语义性、多义性、不确定性,调动听众的联想、想象、情感体验,从而使听众获得“只可意会不可言传”的审美享受。
五、表演性
声乐的另一个美学特征是表演性。
工艺美术的风格特征篇6
【关键词】动画；中国动画；艺术表现形式；传统文化；美学风格
中国动画作为一个文化载体，已成为一种新的文化形态和社会现象，对大众生活产生很大影响。中国动画在国际上素来有着“中国学派”的称号，其风格在50年代中后期形成并贯穿于此后30多年的创作之中，出现两次高潮期，涌现出一批感动了几代人的作品，这些正是得益于我国传统文化的精深丰厚，丰富多样的民间艺术形式成为中国动画产业宝贵的资源。
1.探寻民族传统艺术表现形式
注重美术已经成为我国动画电影的美学风格特征之一，值得我们关注。比如在塑造动画形象时，美术家们不仅要用笔、墨、刀、剪来刻画轮廓，还要在其眼神、眉宇甚至装束上画出其性格，设计形象“首先是开脸，注意它的眼神以及眉宇间的善良或是邪恶，鼻形与口形的美与丑的匀法，也能左右性格。其次是塑造全身的形状，分为肥瘦长短，然后可以从线条的变化中，表现出正直和狡猾的性格，再加上动作，就能成为有生命力的东西了。”可见美术线条的变化能够表现人物的性格特征，这不仅与设计者娴熟技巧及细腻作风相关，也受美术创作风格的影响。
1.1国粹戏剧艺术的滋养
中国以其悠久的历史，广大的地域，丰富的文化孕育了多种多样的艺术形式，这些艺术形式经过历史的沉淀、艺人的积累、提炼和升华，到了近代都己经相当成熟，成为中华民族艺术殿堂中不可缺少的珍宝。在中国戏剧中，程式化的运用十分广泛，表演动作也因此充满了夸张和变形不过，这些程式化的表演动作，并不是随意的，而是具有规范性和通用性的，某种类型的人物和某一情境用某一种行为模式是有固定模式的，这些模式在舞台上经过反复表演实践，已成定规，观众也经过多年的耳濡目染，形成了相应的欣赏习惯。因此可以说，程式化也为戏剧艺术构建起一个与真实人生完全不同的艺术世界，并形成自身的合理性模式，传达出虚拟艺术的独特意味，使中国观众为之痴迷。
同时，我们在前文比较过“中国学派”同迪斯尼动画艺术之间的差别，提到过中国动画并不像西方动画作品那样通过丰富的想象、夸张的造型来实现其假定性的特征，而是更多地运用了“写意”手法。而中国传统戏剧中的虚拟性表现手法为国产动画创作提供了可行的表现方式，特别是在形象的造型动作、武打和脸谱化设计方面采用程式化的国剧语汇，创造出了别具特色的艺术效果，这些艺术语汇的借鉴在一定时期、一定层面上是符合观众的审美习惯的，因此在追求民族化艺术表现形式的作品中都有所表现。
水墨画是中国绘画艺术中的主要画种，素以中国特有的笔、墨、纸、色为工具，特殊的材料形成工具的质地和性能，加之工具之间的特殊的相互作用关系，使中国的水墨画具有特殊的韵致。墨可分“焦、浓、重、淡、清”五色。由于水与墨的比例不同，纸张、用笔的不同，墨与墨之间相互作用时产生不同反应，使墨色具有丰富的层次和变化，具有较强的艺术表现力，形成著名的水墨风格。
由此，我们可以说，国产动画电影艺术特色的形成在很大程度上得益于中国绘画艺术，同时其美学风格的确立及其在世界上的影响，也与我国精湛的绘画技法有关。
1.2皮影、窗花、剪纸艺术的启发
动画的造型构造不仅得益于传统绘画艺术，国产动画电影创作者们也从我国的皮影戏、民间窗花、剪纸中得到了艺术灵感，还在1985年诞生一个新片种——动画剪纸片。我国动画电影的元老之一，万古蟾导演的第一部剪纸片《猪八戒吃西瓜》首战告捷，让人们看到了这一片种的艺术魅力。
剪纸片是从中国民间艺术的土壤中开掘出来的新品种，它是将皮影戏和窗花的艺术形式与动画电影的拍摄原理相结合而成的。早在11世纪左右，我们祖先就创造了皮影艺术，它成功地汲取了我国古典图案与民间图案中的精华，具有装饰风格，是造诣极高的平面雕镂技艺。它用驴皮和牛皮镂成各种人物形象以及背景道具，在白色幕布上由人用支棒操纵表演。有人说中国皮影戏就是动画电影的鼻祖，这话虽然使之偏颇，但至少说明这两者之间有很多相似之处。皮影戏表演时从后面配上灯光，确实很像电影银幕，人物造型及运动方式也与动画形象极为接近。
2.中国传统动画人物形象的民族审美特征
2.1显见的民族生理特征
人物形象的生理特性是直观的。在动画的民族化特征表象上，人物形象的生理特性是决定民族化性质的重要因素之一。形象的民族化要求主体形象的生理特征符合人们心目中传统的对中华民族的界定方式。在习惯思维上，中国人是黑眼睛黑头发黄皮肤，是“龙的传人”，图腾是龙，是长江或黄河的子孙。但是，中国是一个多民族国家，各个民族的生理特征有着一定的区别，在这个意义上统一民族生理特性，将存在很多的争论，因此，我们以普遍性为主，遵循中国文学、艺术的“炎黄”观念，以此来区分其它国家动画人物形象的生理特性。
工艺美术的风格特征篇7
【关键词】洛可可时期；欧洲；艺术风格；金属工艺
洛可可源于法文，意为岩石或贝壳饰物，后指以岩石和贝壳装饰为其特色的艺术风格。这种风格虽然源于法国宫廷，但由于它吻合了王公贵族们的审美需求，于是很快就在18世纪的欧洲诸国宫廷中盛行起来。它反映出洛可可时期欧洲上流贵族的审美理想和趣味，18世纪欧洲流行的主流艺术样式。路易十四时代的官方古典主义以庄严、华丽、沉重的外貌、深刻的思想为其特征；而洛可可及其传统以艳丽、轻盈、精致、细腻和表面上的感官刺激为追求。
洛可可艺术特点中最重要的就是十分注重装饰性的表现，以工艺美术尤为独特。洛可可是欧洲工艺美术发展中，与巴洛克被一起认为是继古希腊、罗马以后又一个黄金时期。并且洛可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，流露着浓郁的中国风情，这也是历史上中国对西方艺术风格一次最具代表性的影响。直今，洛可可艺术所具有的形式美的观念，与装饰美的手法，仍给艺术创造很大的启示。
一、充满女性色彩的洛可可时期
欧洲工艺美术的历史中，我选择了洛可可时期，除了因为洛可可时期的风格特点纤细、轻巧、华丽和繁缛，由各种曲线和艳丽浮华的色彩作装饰之外，更重要的是，这个时期充满了女性色彩，如果说巴罗克时期是男人的世界，那洛可可时期则是女人的世界。
例如，电影《绝代艳后》讲述的是法国国王路易十六的王后的故事。电影充分展现了洛可可时期宫廷服饰非常柔和、非常女性化的特色，包括大裙撑，紧身胸衣，低低的领线，还有很多小花边、蝴蝶结，用一种夸张的语言突出了女性的曲线，强调了女性的特点。艺术作为文化的一种，在交流的过程中不断地吸收新的东西，不断的发展，最终形成特有的风格。洛可可风格的艺术正是在这个不断循环的过程中发展的。它与工艺美术和绘画的联系也是密不可分的，洛可可风格在法国持续了整整一个多世纪，波及整个欧洲大陆。洛可可艺术所具有的形式美的观念与装饰美术手法，至今仍给予艺术创造以启示，值得我们深入探索。
二、洛可可时期金属工艺的特色
洛可可时期的金属工艺在这个时代虽然不是站在主角的地位却也有着它自身的特点。这个时期的许多金属工艺作品都反映出了这个时期很少有纯金属的工艺作品，大多都是金属和其他材料混合搭配，例如，以金属为主，兼搭宝石、陶瓷、玻璃等其他材料制成物品，丰富了作品的装饰效果，增强了作品的豪华程度。
洛可可时期的金属工艺都有一共同特点，那就是坚硬而冷峻的金属都可以被装饰的柔软而温馨，让人倍感亲切，在我们的现代设计中更可以运用这样的方式，金属工艺不代表是纯金属的，在我们作设计的时候可以充分发挥自己的想象力，发挥现代社会材料多种多样的时代优势，复古的同时不断创新。在那个时期的金属工艺代表类型就是洛可可式的挂钟，运用对比的方式，使钟摆和钟面形成明暗上的强烈对比，规则和非规则的对比，钟面是明亮的正圆，钟摆则设计成神秘色彩的洞穴，运用各种女性温暖的装饰，像花盘，天使，图案也是采用颜色鲜艳的花朵图案，和一些植物的翻转卷曲，并在枝条梗叶间穿插一些悠闲。
洛可可时期工艺美术的成就为欧洲工艺美术增添了辉煌的一页，而且也为世界工艺美术史谱写了灿烂的篇章。它在工艺技巧上的突破和制作技艺上的精湛，将工艺美术的水平提高到了一个崭新阶段。洛可可时期工艺美术是纯粹的宫廷艺术，表现了宫廷艺术共有的特征，注重装饰性的表现，带有明显的享乐主义色彩，风格特征可概括为：繁缛精致、奢丽纤秀、华贵妩媚，呈现出阴柔之韵和矫揉造作的气质，热衷于精雕细琢的表现手法。洛可可风格促进了各种工艺技巧的发展和提高，同时也展示了工艺技巧的精湛和完美。尽管洛可可时期工艺美术体现了女权高涨时的装饰风格，在审美上倾心于对某些古典艺术形式盲目的生搬硬套，并刻意追求繁复的装饰效果，但其精湛绝伦的工艺技巧是前所未有的，它为以后的工艺美术技法提供了宝贵的经验。
洛可可风格的工艺美术，以艳丽的色彩、细腻的工艺、丰富多变的曲线和不均衡、不对称，甚至带有反秩序、反常规倾向的装饰构成，给人以强烈而充满动感的视觉冲击力和豪华奢丽的印象。洛可时期金属工艺主要体现在宫廷日用品上，此外在镜框及家具的装饰上也广泛采用，比起我们今日的金属工艺，仍是属于精细的作品。
三、洛可可时期金属工艺的实用性
在当今的社会，我们的生活被各种风格的设计充斥着，在这个年代，我们提倡个性张扬，有人喜欢极简主义风格的，有人就是偏爱复古的各种物品，充满了时代的气息，而洛可可这个时代色彩鲜明时期的金属工业作品则是我们设计奢华风格所要学习和研究的最好对象，令坚硬而冷峻的金属变得柔软而精巧，洛可可是巴洛克风格合乎逻辑的自然演化，是巴洛克趋于衰落走向柔媚的结果，注重装饰性的表现，所以我才说洛可可是充满女性色彩的时代。纤巧、华丽、繁琐、精美，追求视觉和舒适实用，是一种高度技巧性的装饰艺术，如果我们把这个理念运用到我们现在的设计中，尤其是珠宝或饰品的设计中，一定会获得复古华丽派的大力支持，在现代的时尚风潮中加入了欧洲古典的宫廷气息。
洛可可时期的金属工艺的另一个实用性，就是这个时期的艺术风格洋溢着东方，特别是中国的情调。都说如果没有中国式瓷器、漆器、金银器等的流行，从法国兴起，盛行于欧洲各国的巴洛克和洛可可艺术风格，可能会难以出现，这虽然有些夸张，但中国工艺品中蕴含的美学意味，启发、影响到西方的艺术界和社交界的趣味，则是毋庸置疑的，例如，18世纪初经德国迈森等地瓷工的努力，欧洲人终于烧制出属于自己的硬质瓷器，但很多生产者仍从中国大量订购素胎，然后自行描绘烧制而为成品。展览中一件彩绘描金圆盘就是这类作品。它采用清代中期的中国产瓷胎，以欧洲的写实风格绘制城市风光和人物活动的场景。
中国出口的瓷胎很多时候都经过欧洲匠人的再加工，镶嵌上繁复华丽的金属外饰，装上底座或顶钮，兼具了中西艺术的美感。展览中的“仿宋哥窑包铜装饰盖瓶”就是代表开片细密的白瓷瓶肩部被安装了纽纹式黄铜嵌边，加以层层盘绕的圆形握柄，雕花底座和花苞形顶钮相互呼应。两种气质、风格完全不同的材料，形成了一种巧妙的平衡。
洛可可时期的金属工艺在吸收东方文化的方面更是说明了不管是工艺还是文化，各个国家直接都应该相互吸取相互学习，在学习工艺美术史这个过程中最大的收获是我发现原来很多把外国古典元素运用的很好的设计作品都可以在这里找到元素的介绍和历史的发展，甚至是形成这种风格的原因，和社会背景，可以充分理解这种艺术风格的形成。
【参考文献】
[1]周锐.巴洛克与洛可可艺术探讨[J].大舞台，2012（03）.
工艺美术的风格特征篇8
风格“style”这一术语来源于拉丁语的stilus,它原义指罗马人用于蜡板刻写的工具――“尖笔”。它由工具逐渐派生到书写。到了作家西塞罗那里就被喻指作家的写作手法。
在希腊时期，style还指希腊柱stulos,它的派生形式涉及圆柱体，因此与空间艺术有着词源上的直接联系。随着自古到今的”文人高于艺人”的社会学话题的发展，它的文学关联意义早已经掩盖了古希腊术语的建筑意义。
除了风格“style”这个词外，还有一个词“manner”和它意思接近。
在罗马时期，“风格”(style)和“手法”(manner)具有互指关系。在视觉领域，用manner指称“风格”有着悠久的历史，直到侣世纪的温克尔曼才将文学中的style替换了造型艺术中常用的manner。所以可以这么说，风格的时间艺术术语来源于拉丁语stilus，空间艺术术语来源于希腊语stylos。
在文学风格中，风格style主要指语言的修辞特征。亚里士多德、西塞罗、昆体良都把风格看成是思维的恰当的修饰，这就是得体原则，就是说风格耍合乎场合的适宜原则。比如说把下里巴人的话语用于严肃的场合是可笑的，同样，把庄重的言语用于琐碎的话题也是可笑的。所以是风格纯正的关键是得体。“登峰造极的技巧往往离堕落只有一步之遥。只有不断研究风格的最伟大模范，才能保持风格的纯洁。”――西塞罗。昆体良、泰奥弗拉斯托斯、斯威夫特、巴利、朱斯、斯蒂芬厄尔曼、布丰等都对风格确立了很多原则和详细论述。
在视觉风格中，视觉艺术批评中用的是带有个人手艺色彩的manner来指称视觉艺术风格的。在14、15世纪，法语和意大利语都指称优美高雅的风度和精于世故的举止。
西方艺术史之父瓦萨里在他的《意大利杰出画家，雕塑家与建筑家的生平》正式提出手法manner为五个评价标准之一，认为风格进步是通过长期临摹最美丽的事物，将最漂亮的各个部分组合起来，创造一个完美的形象。而视觉艺术批评中的mannnerlsm(手法主义)则被用来指瓦萨里之后的17世纪初的一段时期内的艺术现象。
风格style这个词还有很多现实作用和意义。18世纪的温克尔曼在他的《古代艺术史》中创造性地用文学中的style替换了manner,用于分期，还用于区分不同民族或个人的艺术方式，因为manner无法用来指称特定时期的最高艺术成就。这种论述为后来各个时期的艺术史分期的方法铺平了道路。艺术史中所采用的表示风格的各种名称就是规范带来的产物，他们不是指一种对古典规范的适当依赖，就是指一种对古典规范的不当偏离。例如哥特Gothic风格原来指罗马破坏者们的野蛮风格，巴洛克Baroque是由“奇异”“怪诞”的几个词组合而成的。洛可可Rococo一词是大卫的学生1797年前后造出来用于嘲弄巴杜夫人时代的那种浮华风格用的。同样，“手法主义”指的是败坏文艺复兴纯正风格的矫揉造作。总而言之，古典主义，后古典主义，罗马式风格，哥特式风格，文艺复兴风格，手法主义风格，巴洛克风格，洛可可风格，新古典主义风格这一系列都纪录了古典完美理想的次次兴衰沉浮。所以说“风格”概念给艺术史提供了一个最富理解力的结构。风格概念有利于艺术历史与批评的研究，使单个艺术品建立起有效地联系提供了一个有效方式。虽然风格概念有利于艺术历史与批评的研究，但各种风格的性质特征处于不断变化的状态，用风格概念划分历史界限是在处理历史问题时为了抽象某个类型而简洁化处理的。
工艺美术的风格特征篇9
关键词：传统图案；染织艺术；纤维艺术；应用
1染织与纤维艺术中传统图案的分类
染织和传统纤维艺术形态繁杂多样，不仅具有鲜明的艺术特征和明快的色彩搭配，其材料的选用也独具特色。染织和传统纤维艺术往往根据不同的材料和创作题材选择不同的装饰纹样，传统图案是其设计过程中的重要组成部分，能够表现鲜明的中华民族特色。从现有的染织和纤维艺术制品来看，其选用的传统图案形式多样，大致可以分为图画图案和符号图案两类。
图画类传统图案包括：龙、鹿、象、龟、鱼、凤凰、鸾鸟、狮子、麒麟、仙鹤、十二生肖、孔雀、大雁、鸳鸯、蝙蝠、糊蝶、峰蜍等鸟兽类图案；竹子、牡丹、梅花、兰花、、桃花、松树、芙蓉、玉兰、莲花、海棠、金橘、水仙、灵芝、桂圆、石榴、桃子、佛手、月季、山茶花、万年青、绣球花、宝相花等花卉类图案。符号图案类传统图案包括：笔、墨、纸、砚、海螺、、宝伞、白盖、莲花、宝瓶、金鱼、盘长、八卦、福字、禄字、寿字、禧字、回纹、万字、盗甲纹、曲水纹、山石、海水、江崖、祥云、花瓶、宝灯、如意、宝扇、宝剑、鱼鼓、拍板、崩、花篮、荷花、横笛等。众多的传统图案应用在染织和传统纤维艺术可以产生出各式各样的变化，但是有一点是相同的：这些传统图案纹样富有浓厚的中华民族气息，成为表现染织和传统纤维艺术中国风格的重要元素。
2染织与纤维艺术中包含的传统图案的美学特征
染织与纤维艺术既具有与绘画形式相同的审美特征，又有着后者所不具备美学价值。染织与纤维艺术综合了西方绘画、现代设计理念和中国传统图案纹样等多种表现形式，因此展现出现代与传统相结合的美学特征，极富内涵。
染织与纤维艺术的美学特征首先表现在其内涵和诗意上。它的传统图案纹样不仅有形式上的特征，更能够传递生理想和伦理道德规范等精神内涵。例如，传统染织与纤维作品中常用的吉祥图案通常表达着浓浓的民间乡土情感，表达着真诚的祝福或美好祝愿；各种花鸟鱼虫纹样的使用则体现着中国人民对自然和美好社会的向往和追求；中国传统的太极图案、九宫格图案、米字格图案等运用到染织与纤维艺术中则通过现代设计和绘画的手法表现出既多样又统一的中国独特形式内涵。中国传统艺术形式讲究意境的表达，染织与纤维艺术的意境通过诗意表现得淋漓尽致。设计者通常用简约的设计手法和传统图案纹样相结合，营造悠远的想象空间和广袤深邃的诗意境界，给人含蓄温婉的精神特质。
除此之外，从意形结合、图案规律以及图案与作者思想情感的交融方面也能总结出染织与纤维艺术的美学特征。中国传统绘画讲究“写意”，而染织与纤维艺术则运用设计的手法达到“意形结合”的境界。中国传统染织图案大多追求寓意美和内容美，用相对抽象的物体作为设计的蓝本在其上进行抽象、变形、夸张等处理，达到寓意和物形的结合。例如，染织与纤维艺术常常用五只蝙蝠表示“五福临门”，用南瓜、玉米等五谷杂粮象征“五谷丰登”，用寿桃表示长寿。这些普通的事物由于“意形结合”而有了丰富的意义，从侧面展现了中国特有的艺术风格和审美情趣。设计与绘画的最大区别在于图案具有规律性，染织与纤维艺术的传统图案就遵循了这一规律，使传统的艺术形式得以与时代性相结合。艺术的生命不仅在于其艺术性的高低，也在于其与作者情感的交流。染织与纤维艺术家们常常通过有代表性的事物寄托自己的情感，促进作品主题的深化。在中国特定的文化背景下，这种艺术与情感的交融令传统图案经久不衰且历久弥新。
3传统图案在染织与纤维艺术中的继承和发展
通过对染织与纤维艺术中传统图案的分析和对比，我们不仅发现了其图案的特点和美学意义，更了解了它艺术生命力经久不衰的潜在原因。随着时代的发展，我国的艺术形式也在不断发生变化以适应现代人们审美的需要，对于染织与纤维艺术，我们要做的不仅仅是继承传统图案纹样和表现形式，更重要的是做到如何在保持传统风格不变的前提下赋予其鲜明的时代特征。
将传统图案应用到现代染织与纤维艺术中，使作品兼具有民族性、时代性和民族文化特色，这一点需要人们对传统文化的感知和深层认识，单凭艺术处理和情感交融是做不到的。在染织与纤维艺术中运用传统图案不能简单地模仿或照搬，应该在遵循传统图案规律的前提下结合现代社会需要和人们的审美习惯进行综合考量，对图案纹样进行理解和分析，使之与设计作品达到传统图案特色和时代感的完美结合。例如，现代社会设计的旗袍与中国传统旗袍虽然都使用传统图案纹样和基本样式，但却展现出迥然不同的审美效果。现代旗袍添加了现代刺绣工艺和新式的剪裁方式，因而在浓郁的民族风情中洋溢着时尚气息。这种改良手法既保持了中国传统又规避了单纯的模仿复制手法，使旗袍在新时代有了新的生命。因此，传统图案的运用手法在染织与纤维艺术中起着至关重要的作用，只有在传统中发现新的灵感才能使其设计始终处在发展的过程中，得到充实和完善。
4结语
染织和纤维艺术的发展具有综合性，其发展不应固步自封而应朝着兼容的方向发展。在现代社会中，染织和纤维艺术中传统图案的使用令这种艺术形式紧随时代步伐在新时期散发出传统的光辉。在设计过程中，染织和纤维艺术完整地继承了传统图案并进行不断探索性的创新，越来越多的人们开始认识并了解它。我们只有在充分了解的基础上进行创作，才能促进其可持续性发展。
参考文献：
[1]段建华.中国民间工艺风采丛书――民间染织[m].中国轻工业版社，2005.
[2]张怡庄，蓝素明.纤维艺术史[m].华大学出版社，2006.
[3]回顾，中国图案史[m].人民美术出版社，2007.
工艺美术的风格特征篇10
关键词：勒内・拉利克；女性元素；玻璃；自然
1新艺术运动产生的背景
新艺术运动源于1895年萨穆尔・宾（SamuelBing）在巴黎开设的一间名为“现代之家”的商店，他在那里陈列的都是按这种风格所设计的产品。当时简单地称之为现代风格。同时它恰当的改良了矫揉造作的装饰流行风格，为现代主义的出现做了铺垫。
新艺术运动强调自然中不存在完全的直线与完全的平面，装饰上强调凸显曲线，设计的动机基本来源于自然界。新艺术运动的艺术家在崇尚“师法自然”的过程中寻找一种抽象的、有机的象征情调，以线条的运动感体现设计的基础。当这种崇尚自然的风格体现在首饰设计上时，蜿蜒流动的线条，鲜活华美的纹彩使得珠玉宝石获得了奇异的生命力，赋予了设计更深层次的含义。
19世纪下半叶的工艺美术运动，是一次装饰性艺术与设计相结合的一次革命，主张恢复手工艺生产、提倡自然风格和东方风格。在日本的艺术美学中，简明、纯粹，平坦的画面，不对称的比例，不过度强烈的线条，瞬间定格的描绘手法，以及在题材上选用花、鸟、植物等自然主题，与新艺术运动对自然的推崇不谋而合，给艺术家们带来了新的灵感，尤以法国的新艺术珠宝受影响最深。此外，日本艺术的技法和材质也深刻影响到新艺术珠宝的发展。例如，珐琅的色彩、漆器工艺以及双色金属镶嵌等。
新艺术运动在矫揉造作的设计泛滥时期，重新回归了自然设计的优良传统。在世纪之交它起到了承上启下的作用，成为新时代与旧时代的一个过渡。
2勒内・拉利克简述
图1勒内・拉利克
勒内・拉利克（RenéLalique，1860～1945，见图1）作为一名玻璃设计师，设计中给人印象深刻的香水瓶、花瓶、珠宝的创作而著名。在他的艺术创作中我们可以看出，勒内・拉利克是一位集想象力和创造性为一体的艺术家。拉利克让昆虫重新回归美的主题，展示其鲜为人知的艺术魅力，他善于捕捉精妙的细节用以点缀自己的设计，并探寻将平凡的材料塑造成灵性四溢的杰作，真是一位伟大而又神奇的魔术师。
勒内・拉利克作为新艺术时期的珠宝设计师，用流畅的线条和韵律，搭配上花草、鸟类、昆虫等元素融入玻璃中做成胸针和饰品名扬世；另一方面他还用强有力的线条构造把玻璃的制造延展到各个领域。拉利克柔美的思维与创造力，以及敢于付诸实践的勇气给予我们现代设计各种各样的启迪。拉利克还沿袭文艺复兴时期的艺术风格，将女性形象运用于珠宝装饰，这在当时的确是大胆之举。因此，他的首饰创作不只是使持有人拥有高价值的宝石，还创造了全世界的兴趣以及人们巨大的需求。同时他的名字成为创造力、美感和品质的代名词。
3勒内・拉利克作品特点
众所周知新艺术运动侧重在让艺术回归自然，不再拘泥于各大艺术派系。而认为来自于自然的、绿色的、原汁原味的才是真正能给人们带来美的东西。所以传统的艺术形式（如绘画雕塑等）不仅都加入了自然的元素，更借鉴了日本的风俗版画艺术，创造出不加实体修饰的艺术形式。在东方和西方的艺术碰撞之下，新产生的艺术形式一开始就受到了这种影响。在最新创始的家具设计、艺术书籍装帧艺术、玻璃艺术、珠宝装饰艺术等都加入了糅合的艺术形式。在借鉴传统形式的同时，更加新颖和大胆的主题被新艺术运动中的艺术家们所引用，创造出惊世的艺术品，在我们今日看来依然绚烂夺目。这其中勒内・拉利克无疑是最辉煌的艺术家之一。
3.1女性元素的描绘――意识的觉醒
以女性元素作为珠宝艺术主题一直被认为是不得体和缺乏品味的，直到新艺术运动的发生，这场处于新旧时代重大转折期的艺术革新运动，为珠宝艺术带来了一股新鲜的空气，以女人脸庞或胴体为主题的珠宝设计逐渐成为当时的主流，女性形象不再如维多利亚时代般忸怩、羞怯，而是更加优雅、大方与高贵。女性元素在珠宝艺术中的大量使用，既包含了这一时期西方社会追求感官娱乐、尊重人性的现代意识，也标志着当时代女性的社会地位更加开放与自由。勒内・拉利克是位热爱生命的艺术家，以前卫的专业设计手法完美演绎了许多不朽的艺术作品，重新诠释了现代珠宝的含义。设计来源是大千世界的一切动物、植物、人物，设计中大量运用自然的装饰图案。
图2蜻蜓胸饰
拉利克在设计的蜻蜓胸针（如图2）中加入了一个女体作为设计，将女性形象与蜻蜓结合。设计中蜻蜓翅膀的细心雕琢，看上去极具有透明的质感，充满灵性与生机。静谧、淡然的绿色与小颗钻石的闪烁将自然的真实和虚幻融为一体。这种组合设计象征着到底是美丽纯洁还是邪恶诱惑。这种别具一格的奇思妙想的树立了新艺术独特的风格与面貌。
3.2玻璃的应用――独特的创意与构思
探索新材料与新技术。在这个时期，玻璃器皿制作艺术已在绘画、雕塑传统艺术领域之外独树一帜。随着家具设计的发展和人们对精美饰品的需求，珠宝设计、玻璃器皿和水晶制品在欧洲的上层社会开始风靡。1910年，勒内・拉利克将他的创作热情从珠宝转向了琉璃，全新的材料成了为他设计作品中的主体。他运用失蜡法倒模出各式各样的琉璃造型，将琉璃部位趁热熔接至作品表面，采用吹塑与模压技术为FrancoisCoty香水公司生产香水瓶，从而奠定了香水瓶工业化生产的基础。经过数年奋斗，勒内・拉利克探索出了一整套用来创作华贵典雅装饰作品的工艺手法，使琉璃的创作技巧日臻完美。
拉里克这次的设计更美妙，因为他的设计让玻璃这种普通材料显示出了高雅。他批量生产的作品用色鲜艳，如翡翠色和孔雀蓝或使用无花纹磨砂玻璃（如图3）。玻璃设计提高了普通设计材质的质量，通过普通材料的设计使得豪华的装饰风格在大众的潜意识思想中广泛的传播。玻璃容器能将空间隔而不断，拉近了人与客体的距离，模糊了人造与自然的概念，通过光的设计制造了一种理想。拉利克充分借助玻璃容器的材料来体现香水的品质。顾客普遍的心理是容器材质越贵重，内装产品越高端。拉利克认为，经过一些特殊工艺的设计，玻璃容器能让每个人联想到内心深处丰富的情感。
图3Lalique香水玻璃瓶
3.3曲线的应用――大自然的灵感
新艺术运动倡导自然风格，强调自然界中不存在直线和平面，装饰上突出表现曲线和有机形态。这种风格大量采用花卉、植物、昆虫等图案，主张运用“自然元素”作为创作灵感和扩充“自然”元素的资源并且融入设计之中。
被视为“百鸟之王”的孔雀（如图4）是最美丽的观赏品，是吉祥、善良、美丽、华贵的象征，它自然无法逃脱设计师的视野。在19世纪末，它几乎成了所有国家首饰设计的基本图案。孔雀兼备幻想和自然美的特性，使它成为新艺术主义潜在的自恋的象征。在对鸟类的描绘上，新艺术主义是最理想的表现形式。鸟儿浓艳鲜明的色彩完美地转化为闪光的或者是闪着金色微光的珐琅彩釉。鸟儿翅膀、羽毛、头冠上密布的网状线条和纹理以及鲜明丰富的色彩，刚好适合表现珠宝设计所需的线条和色彩的变化。象征吉祥、善良、美丽、尊贵的“百鸟之王”孔雀、代言高贵、骄傲、纯洁的白天鹅、寓意黎明、希望、力量的公鸡、诠释灵活、秀气、亲和的燕子以及营造怪异气氛的猫头鹰和蝙蝠等，都成了新艺术珠宝艺术家们热衷的艺术语言。
植物以其种类的丰富性、形态的优美与浑然天成、色彩的清新与丰富，特别适合表现新艺术运动的曲线风格以及符合回归自然的宗旨。最常见的植物题材是洋兰，以及（如图5）、蔷薇、蒲公英、枫叶、松果、葡萄等，在这些植物中，既有寓意深厚的文化性植物，又有名不见经传的普通植物，由此可见，新艺术珠宝在选题上，更多注重的是线条和造型之美，而植物的天然形态本就诉说着人们对大自然和田园生活的向往。
图4孔雀
图5
4新艺术运动对现代设计的影响
新艺术运动对首饰的发展影响深远，让首饰设计表现手法多变，让装饰创造具有自己独特的特点，引导设计师去探索新的设计思路。在选题上使设计更符合人们的审美倾向。新艺术运动的自然选材，让首饰拥有了一种有机的符号象征，引导现代设计在形式美上不断地探索，那些流动、蜿蜒、鲜活的珠宝设计构造，赋予了首饰奇异的生命力。我们的设计可以细节更加的别出心裁，更加的美丽动人。新艺术运动促使现代首饰设计更加地融入大千世界，在自然的灵感驱动下，首饰设计能更加的符合人们审美需求。
新艺术运动对现代设计的影响不统文化的照抄照搬，仅体现在它的装饰特征和表现手法，更在于它在首饰设计艺术的题材和形式的实验与探索上所表现出的超人勇气和大胆想法，是对现代首饰设计的艺术探索的重大借鉴和启示。今天的中国首饰设计界面向全球，依赖模仿找不到首饰设计的出路，迫切需要我们创造属于自己的东西。
5结语
新艺术珠宝，以舶来的东方艺术重新演绎不对称的动感；以灵动的曲线诠释美好的自然、灵动的生命、女性的艺术美；以鲜明的珐琅色彩塑造性感和永恒的主题，对当代的珠宝首饰设计具有重要的借鉴意义。例如，“师法自然”，寻找大自然之美；重视手工艺和设计；极具想象力的大胆创意构思；尊重人性的现代意识等。随着现代珠宝材料与工艺的不断发展和变革，越来越多的时尚珠宝首饰逐渐地走进了大众的平常生活，作为珠宝首饰的设计师，必须与时俱进，应时代的需要来创作出不同珠宝艺术主题。
参考文献：
[1]朱和平.世界现代设计史[m].安徽：合肥工业大学出版社，2011：48-51.
[2]邵敏.新艺术运动镜像下的现当代首饰设计[J].深圳大学学报（人文社会科学报），2012（01）.
[3]闫启文，赵晴.“新艺术”装饰风格的演绎与延伸[J].美术大观，2009（10）.