回忆的独奏篇1
是从何时变得这样忧伤，伤怀曾经。那些真挚的一切，在脑海深处显现，提醒着我，那些真挚的曾经，已经，回不去。
我想踏入曾经的世界，却迷失了方向。
逝去的昨天，终敌不过陨落的宿命。记忆跌入迷宫的泥沼，却如弥散的光线穿过浓重的阴霾，幻化成斑的光点，落入生命的荒原。
回不去的一切，已风干在了尘埃中。我却在努力找寻，努力拾忆，可命运的枷锁中逃不掉，我一次又一次陷在了记忆的旋涡里。
忘不了的欢声笑语，忘不了的畅快淋漓，忘不了的歇斯底里，一切的一切，我都忘不了。记忆的深渊已然将我吞噬，只是我不愿，因为只有在无尽的黑夜中，他们才会一如既往的陪在我身边，可是，终究伤的，只是自己。
曾经的一切，像电影般在我的脑海中闪现，一次又一次，一遍又一遍。当我精疲力竭时，一如既往的折磨我。怎么办？回忆的枷锁已将我重重锁住，即使我已遍体鳞伤。
怀念曾经我们走在记忆的前头，那时的我们有骄傲的自由。只是现在，我将自己所在了铜墙铁壁中，等待着回忆的又一次来袭。
那种叫做记忆的东西，支撑着我，同时，也凌迟着我；而记忆的独奏，已在风的陪伴下，悄然落幕。
回忆的独奏篇2
一、练琴习惯
不良的学琴习惯是演奏中走神的原因之一，即机械的、无要求无目的重复弹奏，或是控制不住胡思乱想的杂念。在实际演奏中杂念越多就越没自信，如果练习时脑子里充满了与所弹奏音乐无关的杂念，那么在实际演奏中这种脑子里的空白会被更多危险(如千万不要出错)的念头所占据。实际演奏中充满了台下练习中从未遇到的分心和恐惧，例如，下一句该弹什么?下一个要弹什么音符呢?还有多长时间才能弹完?可千万别断了啊等等。实际演奏要求精力高度的集中，如果表演者在日常的练习中没有集中精力，那他在演出时的境况就可想而知了。
背谱习惯和技术能力也是导致中断的原因。有些学生背谱时不对作品的曲式、和声结构、音型和音乐的走向等逐句逐段的进行分析记忆，只是机械的手指重复。
二、环境差异
环境差别也是遗忘的原因之一。人在不同的环境下回忆已获知识会遗忘一些信息。获取信息时在信息和背景或环境之间建立了某些关系，在这些关系中知识得以掌握。如果回忆是在不同的背景或环境进行下的，那促使记忆的这种环境特征也会减少，从而信息可能被遗忘。环境变化影响记忆的恢复．当在实际演奏环境与练习环境相同时回忆状态较佳，在这种环境中看似无关的细微变化影响着回忆信息的能力，因此环境对记忆恢复有着不可忽视的影响。
如果学习和测试的环境之间有差别，回忆能力则会降低。在音乐的记忆方面，练习环境可被认为是学习情景，而表演环境则被认为是一个记忆测试。外部周围的环境和表演者内心的感受在练习和实际表演时经常有很大的差异。如果练习环境类似于表演环境，演奏中的忘谱现象会相对减少。
三、解决办法
当我们的内心状态在恢复记忆期间与记录相同时才有较好的回忆能力，我们现时所处的自然环境与当时记忆的环境相吻合时才有较好的回忆力。因为演奏者总是在一种兴奋状态(高度焦虑)中或在他们处于不同于学习环境下的自然空间(音乐厅或礼堂)里演奏．这也是记忆失败的一部分原因。当练习情境尽可能近似表演情境时记忆才会得到提高。那么减少演奏中遗忘的一种办法就是在表演环境中练习或营造类似于表演环境的氛围。因此要提倡尽可能多地在表演环境中练习才能更好地适应实际演奏的气氛，要尽量有意识地创造条件在类似演出环境下的练习。模拟的独奏会和彩排可以在表演环境中举行，而哪怕不在表演环境下为朋友和家人演奏也可以导致类似于表演时遇到的内心失衡。教师可采取彩排的形式给学生“演习”的机会。让学生先在小范围的听众面前演奏，即使一个很不经意的听众也会使弹奏者产生紧张感，而这种感觉恰恰能强化记忆。可在多种场合下让学生尽可能多地进行模拟演出，如在琴房、教室、排练厅以及人多的场所尽可能地模拟实际演出场景，在模拟演出实景中练习对注意力分散导致的记忆流失有较好的帮助。鼓励学生在杂乱、吵闹的环境下练习，这种实习性演奏是一种非正式预演的扩展。
回忆的独奏篇3
八一建军节主持串词【1】
开幕词;各位家长。各位来宾，亲爱的小朋友们大家下午好!感谢大家在百忙之中来参加今天我们红韵筝坊的学习汇报演出，让我们在音乐的盛典中放飞自己的理想吧。
1。8。1建军节，不禁让我们回想起那段红色的岁月，也让我们想到了那些浴血奋战的英烈，还让我们想起了那首经典的[山丹丹花开红艳艳]请欣赏2人古筝连奏山丹丹花开红艳艳。
2。革命的胜利让我们心情激荡，当鲜艳的五星红旗在天安门前高高的飘扬映得北京的金山闪闪发光，我们走在社会主义的大道上，请欣赏5人古筝演奏{在北京的金山上}。
3。56个民族，56朵花，朵朵花儿灿烂在阳光下，下面请欣赏6级古筝独奏瑶族的舞曲。
4。红红的花儿映照在少年的脸上，少年的心中充满对音乐的渴望，请欣赏小提琴独奏，{花儿与少年]。
5。千山鸟飞绝，万径人踪灭，柳宗元给我们留下了一幅宁静空灵的画面，在那空山无鸟的意境中去感受去思考，请欣赏二胡演奏[空山鸟语]。
6。满载一船明月，平铺千里秋江，明日风回更好，今朝露宿何妨，让这曲[渔洲唱晚]为你带来些思古的情怀，请欣赏4级古筝演奏[渔洲唱晚]。
7。对望紫竹让人无限感伤，淡淡的紫色就好象一件梦的衣裳，朦胧，忧伤。请欣赏3人合奏[紫竹调]。
8。还记得那个背上箩筐采蘑菇的小女孩吗?还记得记忆深处这段熟悉的旋律吗?今天染我们重拾记忆吧!请欣赏小提琴演奏[采蘑菇的小女孩
9。春天的苗儿发了牙，春天的树儿开了花，春天的娃而乐哈哈，请欣赏4级古筝演奏[春苗]。
10。春天的花会开，春天桃花笑，春天的乐曲美妙的歌谣，请欣赏小提琴演奏[新春乐]。
11。新春的乐曲还没听够，嘹亮的赞歌又在响起，让我们用饱满的热情来倾听这首二胡演奏[赞歌]。
12。赞歌声中纺织忙，纺织声中白花香，勤劳的人民纺织的乐曲也让我们在劳动中体会到了快乐，请欣赏3人合奏{纺织忙]。
13。天接云涛连晓雾，星河欲转千帆舞，随着节拍我们可以载歌载舞，请欣赏7级古筝独奏[彝族舞曲]。
14。蜿蜒的长城就象一条巨龙盘踞在巍峨的山颠，流传着多少美丽的传说，创造着华夏的灿烂文明，下面就让我们在二胡的乐曲声中欣赏这首[长城谣]。
耳旁还回荡着美妙的长城谣，幸福的舞步忍不住要合上这欢快的节拍，让我们在这首瑶族舞曲中翩翩起舞吧，感谢这样的生活，这样的时代。请欣赏6级古筝演奏[瑶族舞曲]。
15。历史创造奇迹，劳动也可带来快乐，在下面这首乐曲中，也许你会对劳动有了更新的认识和悟道，下面请欣赏4级古筝独奏[挤奶舞曲]。
16。喜欢冬天的腊梅，也爱春天的小草，更爱5月飘来的歌儿，那样的清脆嘹亮，请欣赏小提琴合奏[5月的歌]。
17。长忆西湖，惜日冯兰楼上望，三三两两钓鱼舟，岛屿正清秋，请欣赏古筝2级独奏[上楼]。
18。赛马场上好热闹，各自竞技显绝技，互不相让争第一，看看谁要得第一。请欣赏二胡独奏[赛马]。
19。小小竹排江中游，成就一个小英雄，小小竹排江中游，经典的乐曲岸边流，请欣赏4级古筝独奏[小小竹排]。
20。当离别推开窗帘，但回忆睡在胸前要说再见真的很伤感，只有梦依旧香甜，梦中一别伤感无限，下面请欣赏3人古筝合奏一曲[站台风]。
21。一首枫桥夜泊，让我们的灵魂在寂寞中充满了诗意，黑夜也就有了别样的滋味，姑苏城外寒山寺，夜半钟声到客船曾让多少人魂牵梦萦，那我们就来欣赏二胡独奏[姑苏春晓]。
22。浏阳河转过了几个湾。浏阳河带来了多少感动，浏阳河写下了多少经典下面请欣赏2人古筝合奏[浏阳河]。
23。800里洞庭奇山异水，800里洞庭微波荡漾，古老的文明灿烂的文化，赋予人杰地灵的底蕴，2人古筝演奏的[洞庭新歌]带给你不一样的感受。
24。洞庭湖边鱼米多，洒下黄昏多少歌，渔舟#e#唱晚水云寒，再次带来4人古筝合奏[渔舟唱晚]。渔洲唱晚看斜阳，千古兴亡多少事，悠悠。。。古曲一首解忧愁，大江东流多少缠绵多少愁，下面请欣赏5级古筝演奏[浪淘沙]
25。[渔舟唱晚声依旧，洞庭湖边纺织忙，只听机杼声，乐曲声。欢笑声请欣赏4级古筝独奏[纺织忙]。
26。凤阳花鼓打得欢，一打打到心里面，小小松树快快长，10年以后就成材，请欣赏二胡连奏[小花鼓][小松树]。
27。朱自清先生说，春天象小姑娘从头到脚都是新的，春天给人以朝气给人以力量，，，春天总是给我们一些很神奇的想象，那下面这首乐曲是否也让我们产生了联想，请欣赏小提琴独奏[新疆之春]
28。8月的金秋果实累累，处处洋溢丰收的喜悦，丰收的歌儿唱起来，丰收的锣鼓打起来，请欣赏6级古筝独奏[丰收锣鼓]。
29。浪淘尽，千古风流人物，历史的尘埃已随岁月漂白，多少英雄多少泪多少侠古风流也随岁月烟消云散。。。。请欣赏5级古筝独奏[浪淘沙]。
30。最后在一曲[山丹丹花开红艳艳]的乐曲中结束我们今天的汇报演出，祝愿大家的生活就象那花儿开得红红火火。。。2人连奏山丹丹花开红艳艳
结束语;感谢各位家长，来宾的光临，期待下次再见
八一建军节主持串词【2】
音乐响起5秒减弱
主持词
女主持：各位来宾，亲爱的朋友们，大家晚上好!
男主持：欢迎大家来到《开心-中老年》语音聊天室，参加《军魂颂》八一庆典晚会，愿您在这里度过一个愉快
温馨的夜晚。
女主持：当橄榄绿渲染了你人生的色彩，当军号声吹响了你心中的赞歌，当嘹亮的口号震撼着你沉睡的心灵，当铮铮誓言注定你前行的方向，朋友，你就拥有了一个让人敬佩的名字---军人。
男主持：军人，是大地之子，是和平的保护神，是坚强和力量的化身，是人世间最可爱的人。
女主持：谁说军人是无情的?军人的心中充满着对祖国母亲深深的爱，那爱沉甸甸，军人宁可用青春和生命捍卫着祖国的尊严和领土的完整。
男主持：军人的爱藏在心里，埋在绿中，军人的情写在大地，寄在空中，军人的思念啊远在遥遥相望的日月中。
女主持：他们告别了生养他们的爹娘，告别了繁华的都市、清幽的乡村，告别了温柔可爱的他(她)。
男主持：他们义无反顾地选择了(更多精彩文章来自秘书不求人)军队，将青春的生命奉献给祖国的山河，他们心中充满豪情万丈，他们敢和死神较量。虽然军人的生活中没有灯红酒绿，没有轻歌曼舞，但那荡气回肠的军歌一样可以震天憾地，训练场上的英姿不会让他们寂寞。
女主持：军人不会孤单，虽然为了祖国的安定不能在喧嚣的都市体验繁华，但浩瀚的大海边有海鸥做伴飞翔，茫茫的戈壁滩有流沙相拥同行，绵绵的雪山上，雪莲花骄傲地绽放，寂静的边关上明月深情地注视着你---军人。
男主持：战争年代，军人是一把钢枪，把愤怒的子弹射向敌人的胸膛。建设年代，军人是一块砖，一块瓦，建起一座座高楼大厦。和平年代，军人是一块盾牌，是幸福的保护神，保卫着和平阻挡着邪恶。
女主持：军人，奉献是你的品格，你把青春无悔地交给了橄榄绿。军人，坚定是你的信念，你把生命献给了伟大的祖国。今夜，让我们为每一个军人，每一个钢铁战士送上真挚的祝福!
男主持：今夜，让我们为每一个值得自豪的军人，为我们最可爱的人歌唱!
回忆的独奏篇4
当时我是第一个对郎朗进行采访的记者。在我和郎朗谈笑风生的当儿，还有香港《明报》、《东方日报》、英文《南华早报》及香港电台、电视台等媒体的记者在门外等候，而郎朗的父亲、陪同他巡演的郎国任正在餐厅和朋友吃“早茶”。我带去了一台便携式的Dat数码录音机，将我和郎朗的谈话内容全部录了下来。现在，我将谈话内容整理成文，以飨各位关注郎朗的乐友。
文中以“郎”代表郎朗，“王”代表采访者本人。
王：郎朗你好！这次在香港开独奏会，演奏曲目有哪些啊？
郎：这次独奏会，我将弹舒曼的“阿贝格”变奏曲、海顿的C大调奏鸣曲和拉赫玛尼诺夫的第二钢琴奏鸣曲，这是上半场。下半场弹谭盾的《八幅水彩画的回忆・忆》，肖邦的夜曲，以及李斯特根据莫扎特歌剧《唐璜》改编的“唐璜”幻想曲。
王：谭盾这首《八幅水彩画的回忆・忆》是新作吗？
郎：不是，《八幅水彩画的回忆》是他在1978年写的。（王：那时候他还很年轻！）现在他也还很年轻，而那只是他更年轻的时候（笑）。那时候他在中央音乐学院上学，是在我出生前四年写的，我是1982年出生。在我第一次弹完这部作品给他听之后，他说：“就你来给我做它的世界首演吧！”
王：我是长沙人，和谭盾是老乡。谭盾成名很早，在中央音院念书时写的《离骚》、《风雅颂》以及后来旅美时写的不少作品如《鬼戏》、《道极》、《九歌》、歌剧《马可勃罗》等都反响很大，而让他真正名闻天下的无疑还是他那部比较大众化的作品，也就是他给电影《卧虎藏龙》写的配乐。说起来谭盾的作品可真是不少，每年都有新东西，那么你为什么会想到要弹他这部1978年写的旧作《八幅水彩画的回忆》呢？你特别喜欢它吗？
郎：是的，我很喜欢谭先生这部作品！标题里面的“忆”就是指“家”，表达的是对家乡的回忆，整个这八首曲子都是。我觉得这部作品写得非常有诗意。对我自己来说，这部作品特别令我感动。在我弹这八首曲子的时候，它会提醒我从什么地方来，会提醒我自己是从中国这片土地上成长起来的。而且，它非常有“家乡”的味道，有那种想念家乡的“赤子之情”的感觉。
王：虽然你不是湖南人而是辽宁沈阳人，但是弹起这首曲子的时候也同样有一种“家”的感觉？
郎：对，是这样！
王：那你最早接触谭盾这部作品是什么时候？是不是有个什么契机呢？
郎:最开始的时候是我看到了这部作品的谱子，就弹了一下。最开始我弹的那一首曲子叫做“云”，也就是“行云”。当时，我刚弹了几个小节，就被它深深地吸引住了，觉得它写得非常美，而且完全是一种印象派，觉得它跟德彪西、拉威尔在风格上很像，会把人带到一种富有朦胧色彩的旋律印象里！
王：你觉得它的旋律与和声有什么特点呢？
郎：我觉得它追求的整个形象是偏印象派的，但从和声上来说很“中国”，很传统，是很传统的五声音阶。德彪西有很多曲子也写得很中国化、东方化，而谭盾这部作品更明显，旋律很中式，让人感到离自己的“RootS”也就是“根”很近！
王：你在弹这部作品之前对谭盾有多少了解？
郎：我认为谭先生确实是我们中国人的骄傲，世界闻名。以前我也听过他的《交响曲1997・天地人》、歌剧《马可勃罗》以及电影配乐《卧虎藏龙》。但是交响曲和钢琴曲毕竟还是不一样，相比之下，钢琴曲更能打动我一些，因为我首先是一个钢琴演奏家，有时侯更注重钢琴的作品。谭先生这部《八幅水彩画的回忆》本就完全是为钢琴写的，是他的作品1号――opUS1。
王：你最早弹他的作品就是这部？当时你是拿的印刷好的乐谱吗？连谭盾自己都没有想到你会弹吧？你弹这首曲子的时候有没有注意到当时谭盾是什么表情？
郎：我最早是在纽约的一次新年聚会上弹的这部作品。当时用的就是印刷版的乐谱，已经出版了的。当时他的确很惊讶！我们之间，用英文说是“CHemiStRY”，也就是化学反应！当时我弹完之后就被他的音乐吸引了，而他也被我的演奏吸引了！我们俩马上一拍即合！在那之前，我只是知道他的名字，甚至都没见过他。可这一下，马上就“CHemiStRY”了！（笑）这次他在作品上加了个题献，说要献给我。我的这次巡演也是《八幅水彩画的回忆》的世界首演，而且是整个八首乐曲的首演。当然以前可能有些钢琴家弹过其中几首，像“云”和“小豆之舞”等等，但我现在全都弹！
王：其实谭盾也曾说过你们那回初次会面的情景。你弹这个作品，别人并不知道你弹的是什么曲子，但他自己一听就“震”了一下――这是他还是一个毛头小伙子时候的作品啊，现在一个比当年的他还年轻的旅美东北小伙子会来弹它，他觉得有点不可思议……也正因为如此，你们才很投缘吧？
郎：是啊，哈哈！（大笑）
王：谭盾这部作品《八幅水彩画的回忆》，从根本上来说，如果让你来给它分类的话，你会把它归入什么范畴？比如说，它不是纯正的西洋古典，也不是纯粹的中国音乐。无论在意识上还是表现形式上，它都更靠近哪一类呢？
郎：我觉得这很难说！你可以说它是中国的现代音乐，因为它毕竟是谭盾上学时候写的，是印象派的并且具有中国传统特色的现代作品。
王：你是不是觉得这个作品中最要紧的就是一种“家乡”的感觉？
郎：是！这是一种……就像当年德沃夏克写《自新大陆》交响曲一样，完全就是一种思念家乡的情感，还有一种爱家乡、热爱家乡文化的思想，把思乡之情写出来了！
王：那你说这部作品的艺术价值又如何呢？
郎：现在谭盾已经非常非常出名了，但是像他这部opUS1处女作总是非常特殊的。对一个作曲家来说，第一部作品肯定是会令他记忆犹新的！
王：现在国际和国内对谭盾的作品还是有不小争论的。想必你也知道谭盾与卞祖善先生在电视节目中有过一次著名的冲突？
郎：这个我不太清楚，所以我没法说。
王：那我这样问你吧：谭盾现在的作品经常采用mULti-meDia也就是多媒体的表现方式，比方说随手取用一些日常生活用品，让它们发出任何不可思议的音响，比如说他的“纸乐”《金瓶梅》和“水乐”……那么你个人怎么看待他这种表现方式呢？他这种表现方式的效果在客观上不可否认地缺乏一种可确定性。这与传统的音乐不同。就传统音乐而言，一个指挥、一个乐手看到谱子就有了概念，知道自己该怎么演奏，奏出来会是什么音色，会有什么旋律与和声效果，而观众如果熟悉作品的话，也会大致了解作品演奏出来会是什么样子，怎么着也不会差得太远。可谭盾的东西就不同了！
郎：我觉得现在还很难判断现代音乐的发展究竟应该怎么样，但我坚信谭先生的多媒体这种形式我很喜欢！因为古典音乐需要打破界限和框框，尤其是古典音乐不仅要面对中国市场，而且要面对全世界！这样一来，就得让各种文化来接受你！而现在，有些现代音乐你一弹出来，很多人就听不懂，说你搞的这是什么东西啊？而听贝多芬，听柴科夫斯基，人们就有“好”这个概念，因为它们有很强的吸引力！所以我觉得现代音乐这种多媒体做法就很好！其实不光是多媒体这种表现手法，我觉得如果人想到什么主意都能用上，那我们的社会才能进步，我们的古典音乐才能继续放光，才能继续出现像贝多芬和莫扎特那样的伟大人物。要不然，如果专门写那样无调性的东西，走的完全是比较死板的路子，我觉得很难进步！为什么我觉得中国在21世纪非常有发展？因为我觉得有些作曲家而且是非常爱国的作曲家能运用自己的中国文化背景来发展这种现代音乐，这是非常成功的！现在如果是要德国再来发展一些新的音乐，我认为很困难，因为他们的底子已经用完了，他们还有什么能够用的呢？他们已经涌现了太多伟大的艺术家了！他们已经到了一个“瓶颈”！
王：你的意思就是――一切为了表现，一切为了创新，一切为了发展，只要能达到这个目的，可以不顾一切甚至是“不择手段”？（笑）
郎（激动起来）：不能说是不择手段，但是我们就是需要新的发展！像莫扎特，在他那个时代，也有很多人反对他的东西。像德彪西，刚做出他的印象派，就被当时的学院派骂得“狗血淋头”。还有柴科夫斯基的第一钢琴协奏曲，这么伟大的一部作品，当时竟然被安东・鲁宾斯坦骂成是“垃圾”一样的东西……我觉得要想创造一些新东西的话，因为它是先锋派，肯定地会受到冲击。但我想应该看一百年以后大家对你的看法才行！如果没有一点刺激、没有一点波澜的话，也不会创造出什么有价值的东西。一个人必须经历一些波折才能达到一定的境界，不可能永远一帆风顺，音乐也是一样。世上没有“天上掉馅饼”的好事啊！
王：你现在是21岁了，（郎：对，已经21岁了，6月份满的！）已经成名于世界，那么你人生中肯定有些人和事是对你影响重大、至关重要并且令你不能忘却的！我想问你：迄今为止，你的人生中最难忘的事情是什么？最宝贵的机会是什么？
郎：我最难忘的事应该是在1999年。当时我17岁，作为替补与芝加哥交响乐团合作演奏柴科夫斯基第一钢琴协奏曲，当时是由斯特恩大师介绍上台的。那真是令我最难忘的一天，因为从那天开始我步入了世界乐坛。我完全觉得那是人生中“最幸福的时刻”。要说“最宝贵的机会”，也可以说是这件事。这很难说！机会这个东西应该综合来看，不是说一个机会就能让你成功，但是这个机会对我来说肯定是最难忘的，因为正是它使我走向了世界！
回忆的独奏篇5
一李斯特钢琴作品及创作背景
李斯特一生创作了大量的音乐作品，作品包含着他的思想品质和精神，对于整个社会来说都是一批不可估量的艺术瑰宝。他的创作涉及各种曲式和体裁，其中占有十分重要地位的还是钢琴作品，包括《六首帕格尼尼大练习曲》、《十二首超级练习曲》、《两首钢琴协奏曲》、《十九首匈牙利狂想曲》等等。
钱仁康在《欧洲音乐简史》一书中说道：“李斯特不像柏辽兹那样，以为在音乐中表达抽象的观念是可笑的；但他的标题音乐作品绝不是枯燥的说教，而常常具有鲜明生动的音乐形象和意境深远的诗情画意”。同时，李斯特也是最早把匈牙利民族音乐提升到世界水平的民族音乐家，他的音乐语言是诗歌和语言一脉相承的高度结合。人们在研究李斯特的钢琴作品时，发现大部分钢琴曲都具有炫技性质，同时具有管弦性质的特征，也体现出他的美学思想和思想内涵，从而达到了能与管弦音乐媲美的效果，《十二首超级练习曲》就是代表之一。
1826年，年仅十五的李斯特完成了十二首超级练习曲的写作。它是李斯特在受到堪称为旷世奇书和富于魔性风采的小提琴家帕格尼尼的启迪，是经过发奋图强、闭门练琴的艰苦磨练后创作出来的，从这些具有大胆狂放的激情和异乎寻常表现力的练习曲中，快速的音阶、琶音、双音、八度音、装饰音和长时间的震音、颤音交织在一起，形成了一个绚丽多彩的世界，他使钢琴变成了一件万能乐器，能与管弦乐队的表现力相媲美，能表达作曲家想要倾诉一切的音乐。其中最为流传的有《鬼火》、《英雄》、《狩猎》和《回忆》等，每一首都将我们引入不同的境界，感受着不同的氛围，煽情而优美。李斯特的作品带着对人生经历的思考，发人深省，催人奋进。超级练习曲是高专业钢琴教学中常用的优秀曲目，其中被称为“古典音乐中最美的一首”便是第九首《回忆》。
二练习曲《回忆》的艺术特征
《回忆》采用andantino速度，以柔和甜美的音符将音乐细细道来。主题旋律一次比一次深入，层层递进，扣人心弦，悠远灵动的音符将现实拉进回忆，让人沉浸在过去那美好而甜蜜的生活之中，都是愉快的记忆，久久不舍离去。
（一）曲式结构
这首是一首奏鸣曲式结构的练习曲，速度为andantino，降a大调，6/4拍子。1至15小节是引子，16至59小节是呈示部，呈示部的主部主题是单三部结构，副部主题是51至59小节，60至72小节是展开部，73至98小节是再现部，73至89小节是缩减的主部主题再现，90至98小节是副部主题再现，99至109小节是尾声。主部主题单三部结构的第一段a是16至23小节，第二段由10小节的对比材料B（24至33小节）和9小节的主题变化C（34至42小节）构成，第三段就是第一段a的再现（43至50小节）。
这首曲子整体感觉是平静温婉的，旋律部分有大量的炫技性华彩，右手有很多如流水般的跑动，曲内有情绪激动的变化，铿锵的和弦与丰满的和声，将音乐中生机勃勃的意境描绘得十分贴切。
（二）调式和声
该练习曲的引子部分1至15小节以降a大调的属音进入，采用八分音符的流动和琶音和弦相结合，加上自由的休止，营造出一种渐渐步入回忆的氛围。从属调上进入，时快时慢，抑扬顿挫，如倾如诉。在第8小节处，出现右手单音的跑动，如随想一般，在柔和的音响上，把人们拉进回忆的思绪。在第12小节进入稍活泼的行板，左手采用跨度稍大的琶音进行来丰富和声，使旋律的走势能得到左手和声的推动，直至第15小节处右手到高八度轻快而迅速的三十二分音符，灵动且清晰的跑动，加之左手的琶音轻轻点缀，就像不远处经过山腰的小溪，水花四溅在旁边的石头上，使得听众进入无限的回忆与遐想。
经过第15小节安静的长休止，呈示部主部主题是单三部结构，从第16小节以明亮的大调式进入，右手旋律清晰悦耳，以左手稳定的和声作支撑。主题短小而精炼，右手旋律有部分随兴处理的跑动，让音乐给人一种舒适、随意的轻松感。每一乐句的开头都加入了灵动的装饰音，使音乐在平稳柔美的进行中，又不失活泼，平添了几分俏皮有趣的色彩。
第24小节是主部主题中的对比材料，右手采用八度，拓宽了音域的表现力，左首低音与装饰和弦的结合，将和声丰满起来。在第29小节处，右手八度以及各种双音跳奏递进，左手低音旋律变化，旋律线条集中在外声部上，左手的轻柔衬托出右手的跳动，使和声整体显得生机勃勃，曲子的发展也进入了一个新的小高潮。第35小节转而进入左手跑动，右手分为两个声部，外声部为主要的旋律线条，内声部以丰富和声织体。一个乐句长度后，左右手功能交换，右手一直以琶音跑动，行云流水，从而烘托处左手中声部的旋律。第43小节是又回到主部主题的主题部分，令人感受到更加深刻的回忆。
从第51小节开始是呈示部的副部主题，和声织体更加丰满，以主和弦进入，左右手和弦的整体跨度达到宽广的状态。右手的外声部为主要旋律线条，其他声部作为低音陪衬，突出旋律外声部的倾诉，烘托旧时美好的回忆。当外声部旋律渐强，低音陪衬声部也逐步渐强，采用协和的旋律音、经过音推动旋律发展，使音乐情绪激昂。右手和弦同左手八度音程相结合，为后面激动地展开部提供契机。
从第60小节开始是展开部，右手的颤音带动音乐进入起伏不安的旋律，左右手在不同的音区采用相同的乐音和节奏，运用减七和弦琶音，增添极不稳定的色彩。同时，左右手在音乐上达到高度的统一，双手推动进入高潮。第64小节处的八分休止符使音乐突然停顿，紧接着加入颤音以半音阶形式的递进，使和声极不稳定的向前推进，亟待解决，此时，却以右手琶音跑动，左手旋律继续推进的形式使音乐进入顶峰。从第66小节起，右手炫技性华彩大量使用，渲染如梦如幻的氛围，左手采用和弦琶音与旋律音层层递减的形式，将轻盈如梦般的美好回忆描绘得淋漓尽致。
从第73小节开始是再现部，回到主部主题，进行缩减的再现，双手的和声织体不论是从和弦丰满程度还是音域力度方面，都达到了新的高度，多次以不稳定的和弦连接，层层推进，使和声在十分饱满的基础之上达到ff的力度变化。第89小节采用开放式自由延长，进入再现部的副部主题，又将音乐拉回安稳平静的氛围，给人留下无限的遐思。此时，悠长宽广的旋律部分再次展开，渐渐进入回忆的尾声。
从第99小节开始是尾声，尾声部分在右手以轻盈波动的琶音之下，更加显得安谧悠远，深深地沉醉于轻柔美妙的回忆之中。
（三）旋律特点
该曲的旋律是在平稳幽静的基础之上带有情绪激昂的起伏。前奏是平静安谧的，寥寥几个音符，恰到好处的连音和温柔的琶音将人们带入一个恬静而美好的氛围之中。右手一连串的琶音就如回忆的线索，旋律灵动，温润如水，营造出昨日重现的气氛。
主部主题是明亮的大调，带给人们希望的感受，柔美的音符如歌颂一般，款款诉说着往日的美好情景。主部中新的素材的进入，如同回忆昔日的一件趣事，情绪有所起伏，充满着无限的生机，随着音区提高，音域拓宽，节奏也更加丰富了，增加了跳音、六连音、大连线，赋予了音乐生命力。从第35小节起，右手的旋律一气呵成，左手旋律层层推进，右手如氛围，左手如意境，使音乐一直向前发展，回忆像溪水般涌动，往日种种欢乐的记忆浮上心头。主题音乐的再次出现，更加渲染了回忆的美好氛围，随着旋律的变化，情绪的高涨，使音乐更具表情。然而，旋律又转至低沉，如诉如泣，这种“泣”是满怀甜蜜的欣慰，是对往昔欢乐的怀念。
通过温婉旋律的铺垫，层层递进，音乐展开进入到高潮。交响曲化的音响光彩逼人、想象丰富、曲调旋律动人心弦。右手流畅的旋律，加之以行云流水般跑动渲染氛围，左手是主题旋律线条，讲述着那段令人无比留念的美好故事。炫技性华彩和情绪起伏的高度结合，正是该曲旋律的一大特色。音乐随后进入尾声而转为平静，如梦境一般，此时右手旋律的跑动如远去的流水，虽然越来越远，但也使人更加不愿离去，依然醉心于美丽的回忆当中。
（四）情感内涵
该曲描述了平和温婉的音乐形象，是趋于悠远平静的美好回忆。这首曲子的高潮和炫技性华彩相结合，融入了作者的思想感情内涵，表现出了作者丰富的内心世界，是全曲的点睛之笔。音乐的层层递进，从轻盈到扣人心弦，再到最后的升华，往日生活的愉悦历历在目。旋律从八度的音域拓展到节奏的丰富，再到双手呈现出近似交响乐的音响效果，加之炫技性华彩使曲调旋律十分饱满，和声织体丰富动听，深入人心，描绘出对过去点点滴滴的回忆与怀念，对昔日的亲人、朋友的思念，对往昔一切美好事物的深切回忆，完全沉浸在曼妙的音乐之中，极具诗歌一般的文学性，时时透露出作者对美好往事温婉而甜美的回忆。
三结语
回忆的独奏篇6
【关键词】记忆内心听觉分析分手练习
【中图分类号】G71【文献标识码】a【文章编号】2095-3089（2016）10-0222-02
从李斯特（19世纪）开始，背谱演奏慢慢成为钢琴音乐会的基本要求。这是历史的必然。钢琴演奏技巧在浪漫时期飞速发展，钢琴这件乐器本身也随着工业革命带来的技术进步而不断推陈出新，键盘宽度的增加在拓展音域范围的同时也增大了演奏难度。更加激情的音乐使弹奏速度和大跳距离都达到了空前的程度，一边看谱一边弹奏的演奏方式在各种令人眩晕的惊人技术片段中再也行不通了。因此，专注于键盘和双手的背谱演奏成为唯一选择。然而无论是学钢琴还是学小提琴，或是其他乐器，背谱，都是困扰着众多学生甚至是演奏家的一大难题，为什么总是背不下来呢？为什么好不容易背下来了，到了真正要考试、表演的时候，一个闪神就脑袋一片空白，再也背不出来呢？每次学生在课堂上背谱背得结结巴巴，都会这么说：在家背都好好的啊！现在换了地方又换了钢琴，又有老师坐在旁边，不习惯嘛！在音乐会或者观摩、考试当中就有不少因为记忆失误不得不中断的演奏。实际上，即便是历史上的钢琴巨匠也遭遇过滑铁卢，拉赫玛尼诺夫回忆安东・鲁宾斯坦（antonRubinstein）在演奏巴拉基列夫的《伊斯拉美》时，由于分神忘谱不得不作即兴弹奏直到记起剩下的部分。忘谱，无疑是比错音更为可怕的一种事故。既然忘谱如此令人恐惧，那么为何演奏者们依然坚持背谱演奏呢？或者说，钢琴演奏一定需要背谱吗？凭记忆弹奏是绝对必要的，背谱对一个好的演奏着来说，是非常重要的，也是必要的，为了演奏中尽可能地照顾到乐曲所有的细节，必须熟记整首乐曲，有的著名演奏家上台时带了乐谱，其实他们还是凭记忆演奏的，带上乐谱只是为了加强安全感罢了。
通常孩子在学完一首乐曲后，就要把乐曲给背起来，如同语文课学完课文要把课文给背起来一样，究竟背谱有什么好处呢？背奏包括表情、力度、速度、休止、和声进行等等方面的细节，并在演奏中融入自己的二度创作，你如果要靠看谱子才能照顾这些东西的话，只能用“不熟练”来形容了。就像演讲，离不开讲稿的演讲决不会是最精彩的。演奏一个曲子，如果完全可以背谱，演奏者可以将所有的注意力完全投入到演奏中，可令其发挥到及至。反过来，如果在演奏中还要去看谱，难免会分散注意力，影响到整个曲子的发挥
首先，在舞台上背谱，是一种对观众以及对舞台本身最基本的礼貌，代表著演奏者对他的演奏曲目了然于心，能够把更多的心思放在如何诠释一首乐曲，而不是一边想如何演奏一边还需要分神去观看乐谱。
其次，对孩子来说，背谱演奏可以强化记忆，背熟的曲目可以更花心思去思考如何诠释，增进弹奏时的乐曲深度，发挥琴技；乐谱背熟之后，演奏时孩子的目光会集中在键盘上，可以帮助孩子更熟记琴键的位置，在盲弹时就算不看琴键也能准确的抓到位置。
今天无论是普通的考级、考试，还是比赛、音乐会几乎都是背谱演奏，看谱则说明演奏者准备不充分或是熟练度不够。
演奏时如果想要让大脑中准确地再现出乐曲完整的音效，手指准确地表达出，就需要有一套科学的方法。提高记忆的有效性，这个有效性，就是演奏的稳定性。背谱记忆是一种综合能力。以下是几种背谱的方式：
一、动作惯性记忆法
这是背奏的根本要求，是演奏者对于作品掌握的熟练程度的直接体现。对于演奏而言，即使能将乐谱默写下来也并不代表能在舞台上准确流畅的演奏。只有通过大量练习，使动作形成连续性，即便以“心不在焉”的状态也能准确、流畅地演奏才算是达到了登台的基本要求。因此，适当增加慢速段落或作品的练习时间是相当必要的。
二、键盘位置记忆法
这种方法特别适合调性比较复杂、调号和临时升降记号繁多、把位变换频繁的作品。出于乐理与和声写作的要求，乐谱中往往会出现较为复杂的音高记录方式，比如重升G，虽然在理论上绝对不能用还原a来代替，但在键盘上确是还原a，因此当我们遇到这样的音符时无需去记忆它到底是重升G还是还原a，而是直接记忆相应的键盘位置就行了，这样可以大大降低乐谱的复杂程度。
三、和声分析记忆法
众所周知，西方近代音乐的创作基础就是和声体系，而钢琴的发音原理使其具备比任何管弦乐器都复杂得多的和声运用，因此，学习和掌握必要的和声知识对辨识和记忆乐谱能起到举足轻重的作用。但是在国内的专业钢琴教育过程中普遍存在两点遗憾：一是各专业院校的和声课程往往开设较晚，只有高年级学生才能系统学习相关知识；二是有些学生以一种较为孤立的方式来学习和声等专业理论课程，在实际的练琴过程中并未将其与钢琴演奏相结合，因此，学得深不如学得活，关键是要学以致用。
四、结构分析记忆法
此处提到的结构并非完全指曲式结构的划分，而是包括对作品中所有音乐元素或动机的发展分析。通过对作品发展的脉络和线索进行梳理，作品在头脑中形成从整体到局部都能清晰回忆的印象，这将大大提高背谱的把握性。比如，运用所学的曲式知识对奏鸣曲的调性分布做一简要分析，对比呈示部和再现部的副题部分存在的调性差异，就能避免前后混淆这一奏鸣曲背谱过程中的“常见病”；再如，将复调作品分成若干小段（一首常见的两页长度的平均律中的赋格最好细分为8至10段），将其编号并做成纸签条，然后自己抽签背谱，如果每次都能顺利完成，那么即使是在舞台上出现一些意外也不会“致命”，因为每一小段的开头都是一个“紧急出口”，就算出错也能让演奏继续下去。
五、内心听觉记忆法
大量听唱片的众多益处不言而喻，除了给学习者提供足够的演奏提示和音乐处理的启发之外，还能帮助记忆。在实际演奏过程中，演奏者在头脑中能预先“听到”即将弹奏的音符，有时就像在视唱练耳课上进行听力训练一样，这时，即便演奏者忘却了演奏的动作和键盘位置，也能跟随内心听觉记忆顺利演奏下去。当然，这种方法对演奏者本身的素质要求颇高，一般较适合于具有绝对音高辨识能力的演奏者（据估计只有约两百分之一的人具备这样的天赋）。尽管这种绝对音高辨识能力很难依靠后天的培养而形成，但是学习钢琴专业的学生由于听辨钢琴声音的时间较长，因此完全有条件加强对自己内心听觉的培养。没有可靠的资料显示贝多芬拥有绝对音高辨识力，但是在他完全聋了以后仍能依靠强大的内心听觉创作出众多经典作品，这足以说明内心听觉的重要性和可塑性。
六、乐谱视觉记忆法
顾名思义，通过反复看谱在头脑中形成视觉映像，就像是对于某一图形的记忆一样。这样，当演奏者在背谱演奏的过程中，眼前会浮现出乐谱的内容，演奏者会产生仍然是在照谱弹奏的感觉。
七、变换速度记忆法
在钢琴演奏的过程中，动作惯性的记忆永远是最不需要劳神费心的方式，只须机械的重复练习就能形成。但是这种最“顺其自然”的方式却存在一定的危险性，即很容易产生对弹奏速度的依赖。惯性与速度成正比，这个物理定律在钢琴演奏中也是成立的。因此，以极慢的速度完整地背谱是检验背谱牢靠程度的重要方法，因为在慢速弹奏的过程中，动作惯性消失殆尽，只有真正在头脑中清晰地存有乐谱的人才能完成慢速背谱。
八、分手练习记忆法
绝大部分钢琴作品总是将旋律和技术任务更多地安排给右手弹奏，因而右手的印象总是最深刻的。而左手通常以承担伴奏部分为主，不但容易被忽略，而且缺乏旋律性的织体有时确实更难记忆。因此，在舞台上右手忘谱的概率极小。针对这一情况，演奏者应单独将左手部分背熟，消灭忘谱的隐患。当然，如果作品的旋律不在右手上则需反其道而行之。我就曾在个人独奏音乐会上出现过一次右手忘谱的“小事故”，那是因为旋律在左手上造成的。总之，分手背谱是保证演奏完整性的必要手段。但是需要特别指出的是，这种背谱方式完全不适合三声部或以上的复调作品。因为在这类作品中，中间声部往往是由双手交替完成的，单手背谱必然造成中声部的支离破碎，这样的背谱是有害无利的。
九、无琴无谱记忆法
在背谱的后期阶段可以尝试完全在头脑中“默弹”的方式来加深印象，如果能够清晰地在想象中弹出每一个具体的音符而非一片音流，则背谱的熟练和牢靠程度已达到可以登台的标准了。
十、演习检验记忆法
回忆的独奏篇7
养成良好的练琴习惯，达到乐曲
演奏如“信手拈来”的程度无论学习何种乐器，养成良好的练琴习惯是成功演奏的第一步。第一，要养成正确读谱的好习惯，做到视奏时能正确演奏音符、节奏，控制音乐速度、把握乐句的起伏、旋律张力等。曾经有心理学家研究证明，人们对新事物的认识或记忆有着“先入为主”的潜意识。所以，正确读谱是成功演奏的第一基石；第二，要掌握良好的练琴方法。合理的练琴方法是由慢到快地分句、分段反复弹练，并把技术难度较大的乐句单独挑出来反复练、分手练，直至能双手熟练弹奏，这样循序渐进提高琴技，逐步达到完整娴熟的演奏全曲技能；第三，要有浓厚的学习兴趣和持之以恒的练琴决心，保证每天有足够的练琴时间，使技术的训练由量变到质变，逐步达到演奏水平“质”的飞跃；第四，养成背谱演奏的好习惯。背谱有动作记忆、图像记忆、旋律记忆和音符记忆，每一个演奏者都有自己的记忆方式和记忆方法，但不管运用哪种记忆的方式与方法，只要能使自己记得牢靠就行，要重视这种记忆的训练，背谱才牢靠。总之，养成良好的练琴习惯，就是事半功倍，达到随时随地演奏都能有“信手捻来”“倒背如流”之感。
把握音乐的“气息”和“神韵”，增强表现音乐的自信心
自信心是每个演奏者所必备的素质。演奏家的职责是用自己的音乐音响打动广大听众的心灵，充分的自信是征服广大听众的基础，要用个人的表现告知世人——我行。阿图尔•鲁宾斯坦曾说：“当我走上舞台,我便是国王”。因而，在走上舞台的那一刻，演奏者一定要信心十足，相信自己演出一定能够圆满成功。但在平时的训练中，却要勤奋加细心。应对自己的曲子有诸多的不满意，然后逐个去解决和克服。看看是手指不够灵活、力度掌握不好还是速度掌握不准，然后经过无数次的反复练习就能成功。当乐曲达到能熟练弹奏的时候，一定要用理智的头脑，静下心来认真地思考、分析，使所弹奏的乐曲有“气韵生动”之感。“气”在中国古代哲学中是被用来概括构成万事万物最基本元素的范畴。《易•系辞》中的“精气为物，游魂为变”，说的是精神与形体结合，成为生物；精神游离于形体之外，即产生变异。《庄子•知北游》：“人之生，气之聚也。”聚则为生，散则为死。若生死为德，吾又何患？故万物一也，……通天下一气耳。言人所以生皆气聚也。①这段话说明了“气”包含有气息、气质、气韵等。气息，即指呼吸，是万物有灵的第一体现。在音乐中，它是融化于乐曲之中统领整个音乐演奏的灵魂，正确的分句可以充分地表现音乐形象。如长句（四小节以上）与短句（两小节以内）所表现的音乐情绪与内涵是不一样的。长句子音乐有舒展、宽广之感；短句子音乐有机智、灵活之觉。因为音乐进行的激烈、舒缓；旋律的张弛、强弱都离不开气息贯穿的作用，领会乐句气息，正确划分乐句，才能使音乐演奏首尾连贯，上下贯通，才能领会到音乐美的真谛。而后，在整体把握音乐所表现的韵味的基础上，多思考、多实践，领会音乐形象，挖掘音乐所表现的意境，才能领略到音乐所表现出的神韵，享受音乐所带来的精神愉悦，达到满意的效果。这时，才会有成就感、成功感。每当这时更要“精益求精”，进行认真思索分析，抓住那美妙的瞬间，把这种美好的感觉永远留在心底，然后再加以巩固——再记忆——再巩固，不断地体验和感受，使这种感觉能在以后的练习、回课或考试、演出中再现，把内心所要表现的音乐成功展示给听众，从而使自己获得成功感，并激发了潜在的演奏欲望，自信心自会迅速得到增强。
增强演奏“集中精力”的时长，学会适当自我控制与调节
回忆的独奏篇8
关键词：节奏；音乐教学；训练
中图分类号：J616文献标识码：a文章编号：1005-5312（2013）30-0109-01
节奏是音乐旋律的一种运动形式，也是和声的支撑骨架。音乐可以没有曲调，也可以不用乐音，却无法脱离节奏而存在。因而，没有节奏，也就失去了音乐这门艺术，节奏在音乐艺术中有着极为重要的作用。只有精准地表现出乐曲的节奏，才能展现乐曲的性质、风格以及内在情感。但对于广大音乐学习者而言，真正把握节奏的本质并非易事，它首先需要认识到节奏的重要性，继而将节奏的训练落实到具体的音乐教学中，让节奏融入每一个音乐的知识点，从而使学生多方位、全身心地感受到节奏训练，更好地理解和掌握音乐。
一、节奏在音乐教育中的重要性
（一）激发学生情感，建立对音乐学习的兴趣
毋庸置疑，音乐节奏能够唤起和激发人的情感，带动人的主观情绪跟着节奏的变化而跌宕起伏。在音乐教学中，节奏的此种特性能够有效地激发学生的内心情感，帮助其树立正确的价值观和审美观，从而认识音乐的内在美，建立起对音乐学习的热情和兴趣。
广义的节奏涵盖了旋律起伏、和声张弛、调式转换以及曲式结构等，通过对节奏的听辨和联系，学生能够很好地把握音乐作品的内在情感。譬如歌曲《英雄凯旋歌》，它采取了慢四拍的节奏，二分音符的节奏型较多，在此之下，万众欢呼迎接民族英雄凯旋的高涨情绪被淋漓尽致地展现，学生也能在这种激昂的节奏下感受到英雄归来的壮观场景，由此激发民族热情和深厚的个人情感。
（二）开发学生智力，拓展其创造力
节奏的训练是一个系统性的过程，它能帮助学生抓住乐曲的实质，更好地理解和把握音乐。无论是何种乐曲，其节奏不可能单一而平仄，即便它具有基本的速度，但为了表现出不同的情感，也会通过节奏来区分。
与此同时，节奏以直接的方式诉诸于情感，而情感则能通向创造力，在某些时刻，炙热的情感能够激发人的创作热情，催生音乐作品。
（三）促进学生的协调能力，锻炼学生思维
人在聆听音乐的时候，就是使自身随着音乐情绪同步发展的状态，这就是体态律动。体态律动是新兴的美育学科，它通过人体对音乐律动的参与达到提升智力和音乐素养的目的。体态律动强调学生结合已有的生活经验，从节奏入手，以语言、动作、舞蹈、游戏等形式强化学生的音乐节奏感，引导学生用自己的身体去感知、理解和表现音乐。
二、音乐教学中发挥节奏作用的方法
（一）掌握基本的节奏型
节奏的组织形态千变万化，各种长短时值不同的乐音有机组合就成为了各式各样的节奏型。音乐教学中的节奏训练必须从基本的节奏型入手，扎实学生的基本功。为了帮助学生清晰明确地认知不同的节奏型，可以根据节奏型的组合规律对其进行分类。
（二）准确记忆节奏
准确记忆节奏是把握乐曲的重要前提，在节奏训练中，模仿和听写节奏都旨在对学生的节奏记忆能力进行考察。在模仿节奏的环节，要注意对节奏的回想，采取分区域记忆的方法，先行记住整体框架，继而再分解到部分，使节奏的记忆更具针对性；在听写节奏的环节，首先要明确的听写的目的和任务，做好充分的准备，以尽可能地优化听写效果，将注意力集中到识记对象上，更好地记住节奏。
（三）重视对休止符的训练
在音乐中，休止符一般起句读作用，表面乐句的分句、换气，但对休止符而言，更重要的作用则是表达音乐的情绪，并塑造出音乐的形象。但在实际学习中，不少学生将休止符认为是可有可无，从而忽略了休止符的存在，而改变了音乐作品的本来面貌。对于此，就需在音乐教育中深化对休止符重要性的认识，采取针对性措施强化对休止符节奏的训练。
综上所述，音乐教学中必修高度重视节奏训练的重要性，采取有效手段帮助学生识记并掌握节奏，促使学生音乐素养的提升。
参考文献：
[1]廖洪立.音乐节奏教学方法浅谈[J].中国校外教育.2009年08期.
回忆的独奏篇9
我想就器乐演奏者从事演奏活动而产生的复杂而细微的心理过程加以探讨。在演奏时，中枢神经积极参与活动而出现各式各样的心理过程与心理状态（感觉、思维、记忆、情绪意志力强化等），这些神经心理活动、状态，使演奏者再现音乐时的创造性每每表现不同。现在我来分别解释一下前面所提到的器乐演奏中出现的各种过程和状态。
一、感觉
感觉其实是一种很简单的心理过程，是对物质世界物体特质的下意识反映，或是我们躯体的一种状态。通过感觉器官，我们会得到各种声音、色彩、气味、冷热、大小等周围事物特质的必要信息。在演奏实践中，感觉作为心理过程的起始，对激活演奏者身躯内外复杂的心理活动形式的转化，起着特殊的导向作用。器乐演奏者是根据自己感觉体验，获取演奏过程各方面信息，确定或以这些感觉为介质来指导自己的实践。
在人体的多种感觉中，对于器乐演奏者最为重要的是：听觉、视觉、触觉、肌动与疼痛感。听觉是任何职业演奏家的根基，使他能对复杂的音乐信息流向进行引导，即决定音高、音量、音色、时值、音准以及它们的声音特质。演奏者借助视觉识谱、辨别各种记号，保持演奏者姿势，观察指挥动作，判定周围物体的形状、颜色，确定空间位置等。触觉为演奏者保持与乐器的密切接触，特别是指下唇同哨片的含接特点，上唇与上齿同嘴子气口的含接，手指在音孔音键及指板上的位置等等。肌动感觉指示演奏者控制演奏过程中的时值与各种动作的准确度——手指动作、唇器官的动作、呼吸肌的涨缩等。此外，感觉会告知、分辨躯体的紧张度，避免肌体过劳。最后，痛感是肌感觉的一个特殊形式，它的重要性是为躯体起特有的保护功能，是预告某一肌群是否出现过度紧张。在大多数情况下，过劳常出现在持琴的右手大姆指根部，双手掌指骨连接处，嘴角、下唇中部以及其他部位。
二、知觉
在认知过程中，除感觉外尚有知觉。知觉与反映部分刺激因素的感觉的不同，是人的感知器官对物体和现象的整体反映，是称之为知觉属性的组合。但是，作为感觉的组合体，知觉并不是总量，而是质量上带有新特点的新的认知阶段。
知觉并非感觉器官的独立实现，而是带有各种特质、愿望、兴趣、知识与生活经验的鲜活的人的感知觉。同人的心理特征、知识经验的积累有关的知觉，有一个称谓：统觉。知觉至关重要的特征是它的活跃好动。人的知觉会产生许多相联运动——领会的——动作，它们合而为一作用于感觉器官。人是在如此这般过程中认知事物和现象，下意识地掂量它们，并用已熟知的类似事物找出相同点，为此便要调动自己的知识和已有的经验。因而，知识越丰富，经验越多，认知的事物特征越多，感知也越多样化。
知觉的特异性会影响到它的内涵，心理定势作为心理特定状态的实质，是摆在人面前的特定目的与必有的动作“调动”他的感觉器官、分析器官、肌肉组织等去成功地完成任务——事物或现象形象的内在结构。这一调动的重要条件，是应用过去经历过的经验提前预感早已料到的活动。最后，知觉同感觉相比，要大脑去做更为复杂的分析综合活动。对任何事物或现象作为一个整体去理解，应把它先划为几部分（分析），然后再把这些部分汇合起来（综合）。音乐知觉也是建立在这些先决条件之上的。例如，一位有着相当音乐经验的器乐演奏者，在听自己演奏时，定会进行多次的分析综合：把音流划分为数个乐段，确定部分与整体的关系，整体与几部的对比，突出旋律声部与伴奏声部，找出旋律、和声、节奏特征，认清整个作品及其各乐章等等的感情形象的内容等。对于演奏者所有这些运作，都带有指导意义，根据他的领悟程度确定用固定的方式调整自己的心理机制去完成具体的认知与积极创造性的功能。
演奏者较听众对音乐的艺术思想理解感知独特之处是在于他的生活经历，因为生活经历中饱含着人生活的情绪、感情、运动动作、时间、空间、社会等各个方面。对于领悟音乐具有特殊意义的是，个人的时空、动力经验。正如现代研究家所提出的，时空经验有两个衡量尺度：一是空间范畴（演奏者与听众所占有的空间、容量、形式以及演奏场地音响条件等）；二是内部空间状态（按三维条件测试音响的实际空间）。所以，音响的特有的“深度”是音量的强化与弱化使得声音或远或近，模拟“回音”等手法的错觉而得；“纵线”是各声部在不同音高线上构成的，即音乐织体的多计划性；“横线”是音乐在时空发展中得到的，换句话说，音乐作品各元素循序进行和对称分布是音乐形式与结构的基础。
那么什么是动力经验呢？这一经验对音乐节奏结构感知有着直接的影响，人对音乐速度节奏感知的规律，在很大程度上是同他特有的各类节律运动形式有着内在联系。这些是心跳、呼吸频率、步行或跑步速度、劳动的节奏等。这些非音乐动作率，会成为肌动感觉与概念，也化为感知音乐节律及其表现的基础了。在领悟音乐时，提前预想原则、预测其发展有着极大的作用，这是在感知过程中经常发生的。经验丰富的听众往往不单感知到每一个乐音的进行，而且能预感到音乐构思的进一步发展。最典型的是会从音乐进行逻辑里预先想到，感觉出调式倾向、主题的相似性、预期高潮以及某些其他进行。
三、思维
思维是客观现实在了解、判断、做结论之后的反映过程，是最高级组织物质——大脑的高级产物。与感觉认知过程不同，思维所反映的是事物、客观现象的本质特征，事物的联系与关系。人借助思维丰富了感性经验，深入到“物质的深处”，探求现象之间的联系及其规律性。思维的内容是在这些感觉、知觉与概念基础上积累起来的。但人类的思维活动与动物不同，不单靠感性认识，而且以语言语汇的相互联系为特征的。思维从语言获得必需的特质外壳，无此，思想不会变成直接的现实。
思维以目标明确和提出问题为特征。人类在实践活动中不间断地发现新目标、新课题、新环境。思维在相似的带有问题的情境下，会积极地探索，一般的会提出问题（为什么？怎么回事？什么？），以发现了某种新东西作为结束——判定所寻求的联系，找到了未知的东西等，即获得了新知识。积极思维过程是工序型的，这就是比较、概括、分析、综合、归纳、演绎。思维问题的解决通常不会只靠某一个程序（如只靠比较或只靠分析等），而是要运用整套思维运作，对此善于操作，证明个人大脑智力发展水平高低。思维同人类其他所有活动一样，具有个人属性特征，激活思维的起因的动机是取决于每个人的个性的。思维的个性特点表现为它的独立性、灵巧性与速度快慢。但是，所有思维重要特质（或称特征）却与个人特点无关，要看是否善于根据事物或现象的本质特征作出判断并及时作出新的概括而定。
具体到器乐演奏，演奏者的思维是以积极的心理过程涌起，是以大脑的综合分析为基础的。为了判明这一过程的特点，让我们来看一看艺术创作实验室对器乐演奏者在演奏音乐作品期间的实验结果。
不论何种器乐演奏家，演奏属于真正创作性行为，分为三个时期或三个阶段，每一个阶段都要求有不同的思维活动。在第一阶段是集中视觉、听觉以及情绪意志的感知觉加上意识的综合活动，预想出反映作品主要特征（风格特点、主要主题材料、调式设计、节奏特点、基本技术难度等）大小不等的整体形象。演奏者在此阶段只对作品有一个初步构想，细节并不完善。第二阶段的特征是演奏者开始活跃思考，积极寻求不同演奏技法的时期。这一阶段是使演奏构想在声音、节拍、速度与缓急法、力度、分句法及其他成分具体化，也就是把整部作品各细部进行细致化阶段。演奏者此时的思考基本上是对作品的音乐织体进行必要的分解、分析，提出阐述观点。第三阶段是这一创作过程中最为复杂的阶段。从这一刻起，所有的细节分析、草创计划全让位于“贯穿”演奏与全面接受作品了。演奏者根据视觉、听觉以及自动动作概括而来的长时间分析工作，“再现”了整部作品，不过已是新高度了，也就是把所有细部都有机地统一融入整个作品上了。演奏者的思维在这一阶段过渡到高级综合期，使分析与综合达到了有机的统一。
音乐作品分析对演奏者帮助最大的是音乐想象力。想象力与思维不同，是以概念形式提前反映了现实，是以人的想象和创作幻想为特征反映在具体形象形式之中。可以说，这种反映形式是各种艺术创作形式所特有的，当然也包括音乐家的创作活动了。想象运用于各式各样艺术实践中，其中也包括音乐，可以是创造性的与再创作型的。创作想象可能无依托于某种外部客体再造新的音乐形象。同类的想象是作曲创作活动不可剥夺的一个方面。靠再造想象而创作出的音乐形象，是从具体原谱基础上发生的。所产生的想象具有演奏者创作活动的特点。
演奏实践多次肯定，创作想象——首先是积极的艺术探索。器乐演奏者依据音乐作品的总体构思，去探索未知（或尚未清晰想象的）音乐形象的特征，发掘作品内涵新而又新的各个侧面。艺术探索过程与新的音乐发掘质量，在很大程度上决定着演奏的个人特点。想象与创作幻想的重要意义还在于，它们有助于焕发演奏者特有的情绪紧张度与创作冲动，无此助力情绪饱满的音乐演奏是难以想象的。
四、记忆
在多种心理过程中，记忆对人的认识活动有着非常特殊的作用。这一过程的实质是识记、保存以及再认和再现所接受的现象、过程、消息等等构成人的生活经验的东西。换言之，我们借助记忆可能在我们的意识中反映早已接受过的现象，而这些现象并非是我们现在经历的。记忆的机制是极其复杂的。它的生理构造源于大脑皮层反射联系，是内外刺激体相互作用产生的。
既然记忆同人的生活经历的各种表现密不可分，因而形式也多样：运动的、形象的与语言逻辑的。运动的或自动记忆是识记、保存和再现各种运动。记忆是养成各种实际技能的基础。情感记忆是对情绪和情感的记忆，这一记忆是人的需要和利益满足程度的标志。人利用保存在记忆中的情感体验成为信号，唤醒他进行具体行动或保持它们。
形象记忆的产生是人们对早期留存的事物或概念的形象，如周围的人、自然景观、各种声音等。某一形象记忆各种变体鲜活再现，往往同某个人的职业活动分不开；如视觉记忆对画家最重要，听觉记忆是音乐家的专长等等。人的语言逻辑记忆是体现于各种语言形式（语汇、概念、数字及其他）的思维记忆。这类记忆保持形式有其特点，因为它们同第二信号系统活动有关，并影响到对各类形式的识记发育。语言逻辑记忆对掌握巩固各种知识至关重要。每一种记忆形式都各有独特之处，不同于其他。其记忆的保存，再认传输过程也各自不同。其不同点全在于人的素质，有的人记得快，记得牢，有的人则可能没做好准备接受较迟。谁记得快记得牢，再现越容易越快捷，说明此人有效记忆整体素质高。
音乐家的职业，要求演奏者要学会并养成记忆和持久记住诸多乐段的技能与习惯：从短小的乐句到展开的套曲作品，也就是说，音乐演奏家必需有发达良好的音乐记忆。音乐记忆是听觉、视觉、自动动作、情感、语言逻辑诸记忆的有机组合。在专著中经常提到的是三种记忆形式的实际运用：听觉、视觉与自动动作。音乐家的听觉记忆是指记住音高、音量、音色、节奏、旋律型、调式、和声等各种音乐成分，做不到这一点，职业活动便无从谈起。保证音乐听觉记忆质量的，主要是要有发达的内听觉能力，内听觉使人有潜力能在内心感觉到音乐声音。
视觉记忆对音乐演奏家同样非常重要。某些人的这一记忆特好，能够过目不忘地记住所阅读过的乐谱直到细部。这一能力对背谱非常有用，是记忆力强的一种技能。最后是自动动作或动感记忆，这一记忆能确保演奏者记忆并发挥出各种演奏技能。对各类演奏动作的记忆以及记得如何运指，使演奏者能够从中选最佳奏法并通过系统地训练逐渐达到高度的自动化动作。
上述的各种音乐记忆形式（听觉、视觉、自动动作），在音乐演奏实践中并非纯单一的形式，按照常理，它们是互相纠结在一起的，可称之为综合记忆形式：视听、听动与视动形式。这些组合中最根本的音乐记忆，当属听觉记忆，而视觉与自动动作是其补充。例如，某些演奏家会相当容易地找到必需的声音，能下意识地思考着用于乐谱上，用于自己的乐器上，等等。正如人们所说的，内听非常发达的演奏家，不单看的是谱，而且同时“听”出了谱上的每一个音。
听动记忆之间的联系，有如一个演奏者在回忆到某个音的进行时，他会意识到如何在乐器上把这个音奏出的联想。俄罗斯心理学家切普洛夫写道：“动作契机和具有原则性重要意义……是当它们需要通过努力导出并保持音乐想象之时”。听动两者之间的积极作用帮助演奏者发挥音乐想象，因为这时用于演奏的自动动作成为建构特定音乐形象的共同参与者。听动记忆对于演奏者的重要性还在于，帮助演奏者找到最合理的演奏动作，并使之保持，借助它们可用较少的时间与精力达到最需要的声音效果。
识记作为记忆的初级阶段，是使音乐演奏者要使正常的技术动作符合特定要求。其一，识记必需是保持正确，换言之，演奏者应善于感受并掌握流动的音响材料。演奏者识记音乐，应特别注意各种相似的、等音量的音乐瞬间，并注意那些不相似或中间有差别的瞬间。实践提示我们，演奏者的记忆常在相似处“陷入窘境”。其二，识记应把记忆的音响，音乐语言各部分组合（旋律、节奏、和声、复调、曲式等）进行分析综合。在进行这一思维活动中，起重要作用的是演奏者内听觉，随时可能把留存在记忆中的声音脱口而出。
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音乐材料在记忆中留住或保存时间的长短，是记忆过程的第二阶段，它对音乐演奏者也很重要。记忆保持是否牢固全在于演奏者个人的天赋，特别是神经活动水平，还加上他本人情感生活丰富与否。记忆的持久性与巩固度，同音乐材料的内容也密不可分，还要根据演奏者对作品的理解和兴趣。大家知道，是否能快速识记并长时间对一段音乐材料的记忆，那是演奏者对它的艺术趣味浓厚，或者是他实践中需要的内容。音乐家应有一个明确的概念：同遗忘音乐知识作斗争的主要手段，不仅是保持记忆，更重要的是深层地、创造性地掌握它。
五、情感与情绪
情感与情绪是人在生存过程中不断体验的特殊心理形式。人处在同周围世界（人、物、宇宙）各种关系中，会产生欢喜、悲伤、激动、惊讶、惊喜、自豪、恐惧、愤怒、屈辱等多种情感与情绪的变化，而这些变化又常常同他的各式各样自然界的、社会文化需求有关，从而做出自己的行动。尽管情感与情绪极其多种多样，就其本质到生活现实，基本分为两类：正面的，负面的。
与其他心理过程一样，情绪、情感同中枢神经活动相联。情绪的基础是分布于大脑半球皮层，大脑皮层下中枢扩展的过程，包括向植物神经系统的反映（心跳、呼吸加速、脉管胀缩等）。人的精神生活的丰富与多样性会以各种形式——情绪、情感、效率、应激反映、心态表现出来，但都不能独自表现，应同众多的心理状态组合在一起，统称为高级感情。这些效能的、理性的、道德上的审美感，实际上还是各有其特点的。
效能感同人的劳动成果密不可分，在这一过程中它会确立具体目标，订下实现的方式，最终会有成就感或失败感。智力感表现人对各种思维（真伪、惊奇、茫然等）的特殊关系，在这里赋予惊奇感以相当大的含义，它是人刺激感知活动的原因之一和一个方面。道德感是一个人对其他人的关系的态度与如何履行自己的社会义务，这些情感体验过程会产生对他人以及自己行为的道德评价，这一评价是以社会行为总的准则与标准为基础的。审美感是人在感受、评价或创造生活与艺术中最美质的能力，做到这一点，必须经过专门的训练和培养。人对艺术美感的重要之处，是唤醒深处的审美趣味。指导从美学角度审视现实，以艺术形象思维、使人养成美学标准。欣赏大自然对培养人的审美观也相当有意义，探求并评价自然界缤纷绚丽的声音、色彩、气味的和谐融合真谛，这一切的一切，会使你获得真正的美学上的满足。
音乐演奏活动更有另外一种联系，即人所共知的同人的心理学上的情绪情感境界有关。表演艺术要求演奏者深刻刻画作曲家对作品的构想，并表达他那情绪化形象结构。既然是生动的创作行为，音乐演奏所表现出来的却是演奏者最细腻的情绪、情感和心情，演奏者对所演奏的音乐带有个人的感情色彩。上述所有情景对任何器乐演奏者都不例外。一位高超的演奏者的演奏，总是会产生情绪高潮，这时的声音会特别温馨而变化多端。假如演奏无情无绪、呆板干涩，必然使听众感到无味，定然引不起听者的共鸣。
器乐演奏者应当学会深入作品内容情感形象深邃，并千方百计地表现出来：忧伤、悲痛、快乐、喜悦、庄严、幽默等，把这些内容都传达给听众。在器乐演奏中还有更重要的一点，要把感情升华——效能的、理性的与唯美的。这些细腻而复杂的情感帮助演奏者清醒地组织并支配自己的音乐活动，即为自己树立固定的创作目标，找出实现这些目标的途径、手段，满足自己所认识到的不同需求，对所演奏的作品以及本人的演奏各方面给予美学的评价。高级感情越活跃越发达给予器乐演奏家的音乐演奏灵感越大，继之，他用情绪的审美作用于听众的力度越强烈。
六、意志
人类的各式各样实践活动，包括音乐演奏在内，莫不带有既定的目的并为达到此项目的而需要克服内部或外部障碍。此等做法称之为意志力。人的意志或称意志能力，将会实现通过意识的积极活动行为。意志会调节人在各种状态下的行为，有的时候会促使你完成理性目标，有的时候会限制你不去做不理想的行为。任何一项明哲之举都标志着复杂的心理内涵，是以相关行为链为基础：目的、行为动机的确定，实现既定目标的手段的思考，反驳相反的诱因，采取正确决断，最后，执行既定的决断。这一链接的每一环，都要求要有相当大的意志能力，而其中最复杂的不外乎两点——采取措施并付诸实践。
前面已提到，为达到目的往往会生出一系列障碍，这些障碍带有内部（主观）和外部（客观）性质。有时一个小小的目标，如不能同自己的懈怠和意志薄弱作斗争也无法顺畅实现（自我松懈则愿望可能停止，如每天的早操，早晨早起等）。为此必须要战胜自己，需要发挥意志力。客观性障碍（如走远路，为完成重要劳动任务的长时间体力消耗等）的克服，也要求具备顽强的意志力。
执行决定或完成一项强意志的行为，永远有内心体验相伴随。目的达到会在人的情绪上产生喜悦、满足并对自己充满信心，而一旦失败，则会产生伤心、失望感，不再相信自己的能力，对自尊心是一大沉重打击。
意志力对不同的人群，表现也不一样。每个人的意志品质各不相同，有的坚强和不屈不挠。其中最重要的是：坚毅、果敢、独立决断的能力，坚持性或自制力。这些品德的形式，即使不具有决定性意义的话，主要是个性决定的，即责任感强，生活目标明确，信念坚定，以及社会使命感等等。再有，在不断克服前进道路上艰难险阻的同时，也是对人的意志的锻炼，巩固对自己能力与潜力的信心，有助于心灵健康和个性的和谐发展。
器乐演奏过程是一种十分复杂的专业活动形式，它要求演奏者有十分顽强的意志，不具备顽强的意志是无法解决该职业所要求的各类任务——从最起码的发音起。器乐演奏者为把自己的演奏构思化为真实的声音，他必然要将自己的演奏器官——气息、唇、舌、手指与听觉动员起来，不仅是意识还要有意志行动。正是自觉的意志力使演奏者吐音、换气、移动口唇张力、指挥舌、指的积极运作、品评声音效果，也就是全面监督检查演奏过程的全程。
意志力还表现在每日的练琴中，通常要一天练数个小时。在练琴中往往要不断克服难点，要表现出耐心和不达到具体演奏目标（掌握复杂指法、特定的节奏型、背谱等）决不放手的毅力。青年演奏者——学生往往在这些时候放松自己（草草收场，与同学们跑去看电影，玩电脑等等）或情绪反常，不得不去进行加强意志力的锻炼。独奏者音乐会演出对锻炼演奏者的积极的、目标明确的意志行动，特别重要。有时，即使最有经验、最熟练的器乐演奏者在广场独奏时，也会激动失态，不能全面发挥出自己的演奏才能。之所以如此，是这样的演奏者在出场前缺乏自信心，他们所最恐惧的不外乎是：听众、剧场环境、乐器质量、记忆力等。为“战胜自我”，克服内心慌乱，限定胆怯感，演奏者应充分调动自己的意志力，首先是自觉性。既然决定出场演奏，那就要提起勇气，摒弃各种不利的杂念，一心投入到即将参加的音乐会的准备中去。果敢和信心永远是器乐演奏者参加演出时必不可少的，否则那会是对音乐会的准备不充分所致。经验告诉我们，凡是缺乏自信和出现怯场之时，大多是对作品练得不熟或最难点尚未掌握好。假如将全曲练会练好，那会使演奏者更加充满信心，力量充沛。
坚定性是重要的意志品质，它保证演奏者成功地完成预想的决定。自制力强的学习者会精力饱满地坚持系统学习全程，并毫不动摇地通向终点，不论会遇上哪样的困难。即使目标是到音乐厅公开演出，意志力也会驱使演奏者坚定地有计划地投入到演出准备中去，在演出时完整地完成既定的演出任务。
自制力或坚持性，即不论在乐器演奏中出现任何情况都善于控制场面的能力，也同样是高贵的意志品质。在重要公开演出中，更需要巨大的坚定性、精力集中和善于自我控制。哪一个器乐演奏员不曾在合奏、重奏以致独奏中出现过极窘的情况呢！按键由于唾液而发出“吐噜”声，哨片突然在个别音中出现“啸音”，或者突然“压不住”嘴子了，提琴琴弦突然断了。所以演奏者要有自控能力，不慌不乱，迅速排除障碍（如在第一个休止时抹掉键下积水，移换一下哨片位置等），而更主要的是故作未出现异常情形。此外，吹奏者还应学会对已出现的纰漏不加理睬（如偶然出现的错音，或者忘音等），因为如果纠缠在临时误谬上，会阻碍整个作品的顺畅。
演奏者在演奏过程中具有坚强的意志行为，不但会克服内外障碍，且可锻炼自己的意志与性格——促进本身珍贵的意志质量的形成、巩固与发展，这是音乐演奏家不可缺的职业需要。
七、才能
众所周知，才能是人的心理能力，是顺利完成某种活动的条件。人的能力会影响知识、本领和技能的获取，但并不表现在这些因素本身，而是获取的进程，因为关系最大的是，这一进程迅速、深刻和牢固的程度，才是衡量一个人才能的准则。才能的大小只由人们的实践活动过程加以肯定。如车工的才能看他加工金属件，画家——看他绘画过程，音乐家则评价他的演奏等等。具体才能发挥到高级水平，可称为天才。这样的人能够成功地独立完成并且是原汁原味的最复杂的工作。不过，即使是最具天才的人，若不经过长时间的顽强苦练，也难以技能纯熟。在打磨自己的过程中，养成有益的生活经验，完善必不可少的知识、本领和技能综合训练，弥合对创作任务的理解与正确的解决方案之间的断层。
才能的训练需要对某项活动的强烈兴趣，随着专业训练而高涨，而且特定的才能训练还同个人的全面发展存在直接关系。在我国，对某些具体才能积极发展，并不是目的。即使最具天赋的人（特别是青少年），在培养技能的同时，也不能忽略对高尚的道德信仰、完美的人格、整体文化素养的提高。一个从事音乐事业的人，自然必须在音乐听觉、节奏感、音乐记忆有专长，还要具备善于领悟音乐内涵及其他方面的才能。
对音乐听觉的解释是两种能力：调式感、听意象能力。调式感是从情感上分辨旋律音的调式功能，这是同音高感与对旋律对音准的感觉认知能力密不可分的。听意象能力是任意运用听觉概念以及反映音高进行的能力。这一能力是根据听觉再现旋律，在唱歌中更是如此。此能力达到高度发展时称之为“内听觉”。它便是音乐记忆与音乐想象的内核。
节奏感是强化（动感）感受音乐，从情绪上感受音乐节奏的表情并准确地使之再现。这种能力在于及时感受，瞬时再现。
感受音乐内涵的能力，对于音乐家是非常重要的。凡是选择音乐为专业的人，不论是在听到、本人演奏或进行创作，在遇到这一优雅艺术时，都不会不产生内心的冲动。善于体会音乐内容“音乐基本特征”的能力，是“应相当细致地分别感受、‘倾听’音乐”。必须指明，前面所提及的各种才能理论上似乎是独立存在的，而实际上它们是紧密相连的。可见，这里讲的不是有这种才能或缺少这种才能，而是讲述它们之间的相互关系。这些共同的音乐才能是从事任何种类音乐教育必不可少的。
结语
根据综述的器乐演奏心理学，可得出下列结论：
1.器乐演奏要演奏者完成一系列受大脑支配的心理活动。这些心理活动所表现出来的独特心理过程与状态，完全因人的才质而异。
演奏者借助感觉而获得演奏过程中各种必不可少的信息细节。其中最重要的当属演奏者的听觉、视奏、触觉以及肌动感觉。听觉是为音乐流动定位；视觉用于识谱；触觉助你必须同乐器接触的位置；肌运动是要你及时准确地执行全部演奏动作。所有这些感觉加在一起，将成为认知和掌握道路上复杂独特心理活动形式的传达者。
2.知觉是感觉事物与现象的整体反映，使演奏者有可能再现一系列综合分析行为（听、研究作品），从全曲到细节，到部分（每个单位结构，音乐语言要素），再从部分到全曲的相互补充。认知音乐的过程是艺术地解析思考音乐的基石，靠的是音乐演奏者在感情、自动动作、时间、情绪等方面的专业与生活经验。在感知音乐过程中具有重要作用的是“超前反映”原则，这会使器乐演奏者不单感应到每一音响要素，还可以预见音乐材料的后续发展。
3.思维是认知所反映事物、现象有其本质特征的最高级阶段，是以理解、判断、推论的形式互为表里的。积极的思维过程是器乐演奏活动必不可缺的条件。例如，在对音乐作品进行分析研究的过程中，目的明确的思维工作有三个阶段：对整个作品构思的总体感觉，不计细节；演奏构思具体化，即细致地分析全篇曲谱各章节；“通篇”试奏，全面感知作品，并对整部作品的深入研究成果给予评价。思维才能的典型特征，是灵活、快速并独立进行，并以此判断演奏者是否才思敏捷，智力超群。
4.记忆是识记、留存与再现所体验到的现象、过程与知识等，对演奏家职业作用非常之大。器乐演奏者所应具备的听、视和运动记忆，是音乐记忆的几个单元。然而这些单元并不能以“单一”形式出现，而是以视听、听动、视动听综合记忆表现出来。在这些联合运动中，听音是全部音乐记忆的核心。演奏者在记谱过程中所依赖的是大脑的综合分析活动，还有内听力，内听可以提供已发出的声音。识记久暂与是否牢固，取决于个人的才质、音乐内容和演奏者对该曲兴趣的浓淡。
5.情感与情绪是人一生中永远存在的，同音乐艺术演奏关系尤为密切。任何乐器精湛而艺术性强的演奏都需要感情充沛情绪饱满，神态漠然是无法达到和表达音乐作品的构思的。器乐演奏应善于表达各种情态（忧伤、欢乐、壮丽等），此情感要求声音明快、温情和情绪化。同时还应该声音昂扬，首先是真实、智慧与美感。器乐演奏家应当以这些质感组织，指导自己的音乐活动，作为自己的创作目标，决定实现这些任务的途径与手段，满足自己智能的需要，给予所演奏作品与本人的演奏以美学评价。
6.人的意志力，是达到既定目的的必需条件，以意志决定形式或同积极的理性思维贯穿始终。其核心是相互行为的链接，即：理解、目的，确定行为动机，选定实现目的手段，删除不利条件，接受并实现决定。上述意志行为，在演奏过程中也同样存在。因为，坚强的意志力会助你吐音、换气、指导唇、舌、手指动作，评价演奏的音响效果，也就是监督演奏全过程。
坚强的意志力是在每日的练琴中练出来的，在练琴中演奏者要克服许多困难，为达到演奏目的要表现出耐心和坚定性。独奏演出更需要出众的意志力，不论是在准备时和在准备过程中，都必不可缺果断、顽强和锲而不舍的自制力。这些珍贵毅力品质的形成，个人的品性起很大作用，但日常不断克服困难的训练，也会锻炼意志和性格，建立不达目的不罢休的信心。
7.作为心理能力的才能是成功完成某项活动的条件，对于音乐演奏家，有其特点。这些特点是指音乐才能，如良好的音乐听力，精确的节奏感，发达的音乐记忆，对音乐启发的激情以及其他等。此外，学器乐还要有专业要求的材质——生理解剖方面（唇的形状与构造，牙齿与下颌的构造、舌型、指形），还要加上音乐思维的主动性与发挥水平，以及情绪意志等方面。只有这些资质才能配合得当，方得造就出无愧于这些天赋的、高超的演奏大师的最佳条件。
参考文献
[1]《心理学与艺术》李璞珉主编，首都师范大学出版社1996年版
[2]《音乐能力心理学》捷普洛夫著，孙晔译人民教育出版社1990年版
回忆的独奏篇10
淅淅沥沥的雨，我愿意伏在地上听这精灵的曼妙的脚步，心里为之蠕动。撑一把伞，漫步雨中，寂寞苼歌，索绕心头，久久不散，仍见明月，独酌相思。还有几只鸟儿，缩一只脚在电线上，咕噜咕噜的叫个不停。
风，有些黑，树，有些冷。远望，几家灯火通明，如同一只只灯笼。听着雨声，心中总有潮起潮落的独奏，曾经的毫不在乎的坚强，骤然的心事，以及那些被丢在记忆废墟的雷电交加的淹没的泪水，都在此刻找到了出泄口，冷冷的空气打湿了眼眶，露出了那深藏的忧郁，只剩下一个人的我，真的没有勇气走出这个雨季，伞下的曾经熟悉的痕迹，都被雨模糊了记忆。
雨，轻迈脚步，汇聚在低洼地理，满地晶莹，如同一个个的宝石，衬着月光，演奏着一曲孤独的协奏曲。黑夜是看不到雨的行迹的，其实即使被赋予一双眼睛也会被裸的现实刺痛，而变得伤痕累累，一如我们的感情，积水的感情始终走不出分离的轨道。