绘本美术教学论文篇1
【关键词】写生美术教育传统写生概念西方写生
“写生”这一在中国唐初v贞观九年即635年w就诞生的绘画用语①，作为东方绘画体系的一个学术美学概念，历经了近1400年的历程并一直沿用至今。然而，其概念随着社会历史文化的发展，虽然也在不断发生着变化，但在200年前都是以遵循东方传统绘画的基本精神《六法》作为其指针，实践并运行着。其核心就是《六法》之第一大法“气韵生动”。因此，写生之精神内核即“生气”“生动”“生意”“生机”“生命”等哲思、哲理的思考在绘画中的体现和延伸。至今，写生这一绘画用语已经把传统的、附有深刻内涵的原始写生概念给颠覆了。这一概念得到了世界之大同，即“对着实物或景物直接绘画”“取客观描写为主的态度”的写生行为了。
一、日本绘画的矛盾时期
从南宗派绘画活跃的18世纪末期到“兰学”②盛行时期，自然科学的研究得到了空前发展。随着自然科学的引进，西方绘画也引入了日本。由于西方写生绘画理念的影响，在佐竹曙山、司马汉江等人的主导下，绘画领域里兴起了西方写实风的写生现象。他们采用“眼镜绘”（图1、图2）那样的西方“远近法”来创作作品。圆山画派等则采用“东方”写实主义的写生画风（图3）。相继出现的写生现象引起了传统画论的理念性变革，并且这种变化也表现在学习绘画的方法上。
在当时的日本画坛，“写实主义”为主导思想的现象日渐强烈，与此同时，“写实主义”的画论也由此扩展，就此，立原庆一做了如下论述：“一是以欧风画的影响为根源的画论《画法纲领》（安永七年1778年佐竹曙山著）中记载的那样，归属于写实性的洋风画法。二是画论《绘之事》（宽政十一年1799年本居宜长著）之重视写生（西方式写生）的学说。③无论是哪一个画论，都与当时拘泥于传统，游离于人们实际生活的画法所不同。当然，作为非现实的反对面应予以认可。”④
这个时期初期体现了西方写实倾向与传统的保守主义（包括圆山画派等的“东方写实主义”）共存的特征。佐竹曙山作为江户时代西方绘画理念的倡导者，是批判东方传统绘画的代表。立原氏对他的画论作了如下论述：“佐竹曙山忽视了日本画的象征性表现方法与超俗的精神，只是过大地看到欧风画的写生手法而写的画论。这只是论述现实世界的写实性描写的理论，这样就不能成为日本美术的原理。这样极端地讲写生派画论不去追求写生以上的东西。不是通过笔墨表达风韵雅致的意境。完全没有考虑将写生置于写意来探索以得到绘画的高雅。始终没能理解日本绘画的真髓，视觉只停留在微弱的态势上。”⑤
佐竹曙山尝试了通过写生将自然风景做写实性描绘。尽管如此，这种西方风的表现在强大的传统氛围中仍显得较为薄弱。因此，这个时期引入的西方绘画理念与技法完全不能动摇当时美术教育中存续的陈旧、保守的传统绘画学习形式。但是，以佐竹曙山为中心成立的探索西方绘画的“兰画”画派为未来美术教育的变革埋下了重要伏笔。
明治维新以前的美术教育形式主要有两种，一种是世袭的传承;另一种是开设私塾，在私塾进行适时教育。学习绘画技艺主要是通过摹写先人的作品。这样的美术教育模式是明治维新以前主要的教育形式。这种形式以自主的实际技能训练为基础，不是国家性、集团式的美术教育。因此可以说当时的美术教育必然是将画论中的“学画论”作为教育方针。以家庭、私塾为中心的教育方式是以模仿为主的绘画技法学习，并通过“画论”作为理解绘画思想、理念的学习手段。在这一点上，南、北宗派的“学画论”大致是一样的。
在“兰学”盛行的同时，西方风绘画的研究也在积极地推进，促进了长期、传统的学画方式变革的要求。并且由于西方绘画的进入，在表现技术上也消除了理念上的障碍。因此，江户末期的人们有着与传统东方绘画不同的感受，并且用完全新的视野去领会西方绘画的写实表现力。由于西方绘画以及写实理论的导入，其表现方法也成为“浮世绘”（图4）这种江户时代民间盛行的艺术样式的重要组成。“浮世绘”所诞生的大量作品就是将西方远近法（绘画透视）表现在日本绘画上的一个明证。
从美术教育的必然性来看，变革的确是一种时代的要求。尊重写实式的西方绘画与尊重写意的传统绘画哪一个正确，成为当时美术教育领域争论的焦点。这种不和谐的矛盾在铅笔画与毛笔画的教育思想论争中得到了充分体现，并且在明治时代的美术教育思想的讨论中展开。
二、明治初期美术教育思想与西方写生的引进
明治时代是日本历史上非常重要的时期，是社会形态、文化经济变迁与发展的崭新的阶段。政治变革的同时带来了一系列的社会变革，美术教育的变革也是其中之一。“学制”这一法令的颁布成为崭新的社会亮点。这意味着那时的绘画教育与传统家族式、私塾式的绘画教育告别。“学校式”教育方式的兴起成为日本教育的主流。首先，与西方美术教育方法相应的铅笔画的绘画教育形式被全面采用，并且西方的写生概念迅速在日本普及。明治五年（1872年）8月“学制”⑥颁布，日本近代的学校教育全面开展。这种学校制度并不是按照国民要求实施的，而是为了国家近代体制的整合与强化的需要，是作为“富国强兵”“殖产兴业”的基盘以及“国民教育”的考量而实施的。学校教育也在政府的学校教育奖励制度之下进行，并得到了显著成果。可以说是营造了一个良好的社会形态。⑦在社会变革的新形势下，必须有强制性的美术教育形式与之相适应。因此，明治时代初期实施的美术教育实际上在思想与哲学基础上并不能做到真正意义上的深思熟虑，而是将西方教育照搬和实施。金子一夫做了如下分析：“日本的情况是，在没有图画应用的工艺、工业的地方引入图画教育。为了将来的应用，是一种的形式。只是作为快速实效、认识陶冶的手段。更进一步讲是西方化的动机所在”。⑧
图画教育的引进可以说是一种冒险的形式。那时的西方绘画教育是向欧美学习，是作为响应“富国强兵”与“植产兴业”的国家政策的一个环节来实施的。因此，从适用与功利两个角度出发，某种程度上对当时的社会起到了积极作用。但同时对传统势力的论争埋下了隐藏危险。明治初期的美术教育思想就是在这种社会背景下形成的。
随着“学制”在社会上的普及与实施，接受美术教育的机会只局限于让少数人的状态得以改善。与此同时也冲破了“美术教育只是培养专门人才”的美术教育形式。美术教育从此变成了面向整个社会的一种新形式。通过全民式的普及形式与教育基本准则，绘画教育在全体国民中渗透。我们应该积极对“学制”的社会效果予以肯定，其颁布对于社会的进步是不可欠缺的。由此普通百姓也得到了受教育的机会，这对于社会的平等具有深远意义。从美术教育角度来说，全民审美素质的提高有助于形成良好的社会环境。西方绘画为何能被日本国民所接受的重要原因之一是西方绘画应用“远近法”“阴影法”将描写对象以及视觉上的立体性在画面上再现。另外，也是由于西方绘画概念具有写实性、客观性、科学性以及普及性。
司马汉江是写实主义的西方绘画派的先觉者。他认为绘画是用明暗表现出来的。中国、日本绘画的描写方法没有明暗、阴影的意识，所以用这种方法不能够进行真实的物像移写。高桥由一借助佐竹曙山与司马汉江的思想进行论述，认为绘画行为具有一种非常的实用性。比如对于各种情报的传递以及各种记录的保留是最有效的手段。进入明治时代，高桥由一以上书的形式向维新政府陈述了自己的主张。这也是明治时代初期所形成的西方美术教育思想与教育方针实施的一个重要原因。⑨
从以上教育思想特征可知，明治初期的美术教育是以西方方式为主要手段来实施的。这个时期所实行的图画教育不含有“艺术”“美术”，而本来持有的“美”或“艺术表现”，全部是从“实例主义”出发，所以可以称之为技术性的图画教育。笔者认为，这个时期的美术教育尽管存在着很大的强制性，但从对美术教育史或社会发展来说，应该得到好评。因为相对于社会的发展，艺术所具有的特殊的审美功效是毋庸置疑的。
三、明治西方美术教育的形成与最初西方绘画的教科书
（一）明治西方美术教育的形成
明治时代以前的美术教育基本都是在一种私塾的教育体制下进行的，受教育的人数非常有限，是培养专业人士的唯一途径。这个时期受西方的影响，有了学校才渐渐导入了美术教育。美术教育的学校化无疑使受教育者在数量上发生了本质变化。从审美普及的意义上讲是一场划时代的变革。同时正因为有了“学校”这一教育形式的产生才有了专业学校和一般学校的美术教育的分化。⑩
综上所述，从明治时代开始的这种学校教育形式的成立到西方美术教育的全面引入，即“作为日本最初的近代学校制度，颁布了‘学制’（中略），这种‘学制’所显示的科目中，小学有‘挂画’、中学有‘画学’，成为日本美术教育的先驱。”?西方教育制度全面被采用，这对于明治时代的美术教育具有重要意义。由此可以断言，西方写生概念是在这样的时代背景下随着绘画知识的普及在日本落户的。对于一般人来说，东方古典“写生”概念非常复杂，相对于内含的“气韵生动”“画意不画形”等知识的理解程度较低。如果不学习绘画或画论就不会认知这一概念的意义。金子一夫就日本最初的美术教育手段与方法作了如下论述：“日本初期的图画教育，由于引入了西方的方法、内容，因此包含了西方绘画教育的形式存在。所以是西方绘画方式对物体的看法及印象修得的场所。”?
日本最初实施的美术教育可以说是模仿西方的。因此，通过学校教育西方写生的概念在日本国民中被广泛接受是可以理解的。并且，西方写生的概念与东方相比，由于具有直感性，只要遵循写实性的原则照原样移写，其概念即很容易理解了。因此，正如佐竹曙山、司马汉江的例子，在挑战西方绘画写生时，即便是教授的先生不存在，在某种程度上，凭借画家的素质就能完成西方绘画的作品。由此可以说明，在日本西方写生的概念是通过明治学校的美术教育制度而成立的。
关于西方写生概念在日本的成立，还有一个理由，就是明治时代以前的绘画领域由于只有专业画家与学者参与其中，一般人是不会关心写生这一概念的。但明治以后随着学校化的推进，绘画成为一般问题。对于一般人来说，在不知道东方的写生概念的前提下，随着西方写生概念进入，顺理成章就被人们接受了，并得以在全社会普及。
至此，就西方教育制度在日本的落户，以及西方写生概念的成立，进行了论述。山形宽指出：“学制时代、教育令时代的‘挂画’‘画学’‘图画’等只是模仿西方法的时代，所以也可以称作为‘西方模仿时代’。另外，由于主要描写工具使用铅笔，也称为‘铅笔画时代’”?。但关于模仿，是怎样模仿的呢？就此产生了疑问。即学校的美术教育是西方美术教育，所以需要有西方绘画的美术教师。但究竟采用怎样的方式授课，西方文明又是用怎样的方法被接受的呢？“明治元年（1868年），明治新政府成立，新政府全力以赴致力于的西欧文化的引入与诸项制度的改革。”?为此明治政府做了各项准备。为了汲取西方文化，派遣的日本留学生与招聘的外籍技术人员中，出人意料的有许多美术家。这给日本现代美术的近代化注入了活力，可以说是明治政府的先见之明。?
在明治政府解决师资力量不足问题的同时，川上冬崖等人为了迎合这一时代的教育变革编写了教科书《西画指南》。这本书对后世西方绘画理念、表现方法在日本的注入带来了极大影响。明治新政府为了全面引入西方绘画教育，很早就制定了规划，并且为了教授西方绘画，着手实施了人才培养计划并编写了教科书。作为国家教育方针的一个环节，为了“学制”的正式颁布作了准备。对此，佐藤道信作了如下说明：“明治时期与其他时代不同特征是，作为十九世纪后半期的国际形势为前提的对外、对内的国家战略，涉及到了美术。并且作为国家政策涉及到美术。‘美术’作为官制的概念被提了出来。各种各样的‘美术制度化’都由政府来主导和推进。”?
明治政府对美术如此重视是由于在美术教育中倾注了战略性的思考。因此可以考虑为是理所当然的。但应该指出的是，西方美术教育全面被采用，对于全民“审美意义”的提高有着重要作用。政府整合“近代国家体制”的活动是政治性战略的“真意”。即其时代背景是“对于处于殖民地化边缘的明治初期的日本，国家体制的整合与国力的增强是至高无上的国家命题。富国强兵、植产兴业就是为了这一思想而制定的军事、经济政策，为此，振兴工艺品的出口也肩负着富国这一国家使命，被称作是远渡重洋的‘产业战士’”。?因此，明治政府对美术重视的原因就很明确了。这样“美术教育制度的确立，其具体作为高等美术教育的机关是在东京设立美术学校（明治二十年，1888年），以及为初等、中等美术教育编写教科书。担当者通常是文部省的官员。”?综上所述，明治西方美术教育作为“近代国家体制”整合的一个环节，即在“富国强兵”“植产兴业”的政策前提下，形成了西方化的美术教育模式。
（二）《西画指南》等初期教科书
《西画指南》分前后两篇，前篇由上下两册组成，是明治四年（1871年）初秋发行的日本最早的图画教科书。“文部少助教川上宽（冬崖）撰译，大学南校出版”?，是日本教育史上值得纪念的美术教科书。然而，这部教科书完全是采用西方绘画的理论和方法编写，儿童教育内容中关于东方传统绘画理念一点也没有插入，是全盘西化的产物。这个时期西方绘画代表的画具之一铅笔成为主要的绘画工具，所以这个时代也被称之为“铅笔画时代”。
这样，儿童首先接受的是西方绘画知识，对东方传统绘画的关心就很淡薄了。这与以后西方绘画迅速扩展到全国有着很大关联。并且，由于这种西方绘画风潮来势凶猛，引起了东方传统派反击。这时以冈仓天心和菲诺罗萨为代表的“国粹主义”开始兴起，这个时期称之为“毛笔画时代”。以小山正太郎为代表的西方绘画势力与冈仓天心与菲诺罗萨为代表的“国粹主义”的论战成为绘画历史上有名的话题。
明治时期学校美术教育中，由于西方写生概念重视直感性以及理论上的理解性被广泛接受，并且迅速从学校扩展到社会。西方写生及其客观性写实的理念通过儿童或“学生”渗透到社会。不过，“写生”这一概念在《西画指南》中作为写生行为充分地表现，但没有直接谈到“写生”这个词汇。对于写生，西方式的理解是通过美术教育而不断扩展的。明治二十六年（1893年）东京师范学校（现茶水女子大学的前生）毕业的河野在各科教授法笔记本中有这样的记述：“写生画，临写或复画以后，其画和类视的实物摆放好进行写生。”?另外，明治二十七年（1894年）发行的市川力i所著的《毛笔画帖解说》中就图画的种类就有如下论述：“第四写生画，写生画是将实物、实景照其原样进行描写，写生时决定好一定的位置，必须要特别集中注意力的。因此由于能培养注意力、观察力以及审美，所以对诸学科的学习和研究都非常有效。”⑴明治二十七年（1894年）发行的松井霞城所著的《毛笔笔画帖》中就图画的种类有如下的论述：“第二写生，写生就是将依据物体的形体为主的实物描写。”⑵
从以上概念来看，当时“写生”的意义与现生的意义完全一致。由此可以得知，在学校中，美术教育已经完全随着全国教育的普及运动而实施了。美术教育中的写生概念随着明治教育西方化的成立而确立起来了。
结语
绘画写生的概念从东方传统向西方转化，需要得到整个社会的普遍认知。明治政府颁布了“学制”，随之而来的是日本美术教育的学校化，因此是美术教育西方化的方针促使了东方传统“写生”概念的变迁。由于学校是集团教育的场所，影响力是巨大的。因此写生概念的变迁是近代学校教育制度的更为直接和重要的原因之一。写实性写生的背后是由科学性的知识来支撑的。正确地运用写生，应必须学习“远近法”“阴影法”“色彩法”“艺用解剖法”等科学知识。因此，由中山形宽编著的《日本美术教育史》可得知，其开始写生时也是“困惑的事情”，关于写生的变迁，原因是很复杂的。从以上研究所得出的结论，并通过以下几点思考，也许就可以找出解密的钥匙。
1.佐竹曙山、司马汉江针对西方绘画中“兰画”的最初实践为写生概念的变化储备了条件。2.美术教育方针将西方绘画定为“摹本”，使其成为主流，也是不可欠缺的要因。3.美术教育的学校化为写生概念的西方化提供了一个重要的场所。4.从明治时代开始，绘画不仅仅是专业人士之独享，一般的人也可以参与。5.“照原样描写”这样写实性的西方写生概念更容易理解。6.所谓的西方写生就是以写实为基础理念的，如果是描绘看到的原样，即使没有教师，在某种程度上也能够学习绘画。这使一般民众都可以学习绘画。7.通过《西画指南》《图法阶梯》等最初的美术教科书的编辑采用，西方绘画的知识得以普及。
由于以上各种缘由，东方传统性的，包含“生气”“意境”的写生概念，乘明治初期由“学制”而成立的，西方绘画教育制度之“风”，变化成“照原样描写”的写实性西方现生的概念了。佐佐木健一先生从美学的角度出发相对于“作品”作了如下论述：“对作品的学问性关心正在觉醒。促使这种觉醒在某种意义上是作品的危机。即与以前作品概念相违背的艺术作品被创作出来，根据支持这一新生作品的理论主张被提出后，那最根本和激进的东西，对美学思想来说，目光将转向其作品的存在。”⑶
作品是画家通过精神劳动产生的。从许多的关于写生的先行研究来看，对写生概念的学问性关注越来越高，这也是自然的。与以前写生概念从内涵意义上赋有哲思之美学境界的传统相比，则进入了一个简明化的思想革命，褒贬还有待于做进一步的研究。但从创造新的写生概念的明治时代开始的理论性主张及其美学思想的研讨为项目课题的思考，也许在某个时候应该是作为模仿美学的一个分支，诞生写生美学。总之，“写生”这一概念告别了1000多年
经营至此的东方传统，从明治之后开始构建新的时代。
注释：
①臧新明.论中国古典画论中之“写真”“写貌”“写生”[J].艺术学界，2009（1）：8.
②1720年德川吉宗解禁了除基督教关联的书的输入，荷兰文得以大量输入，针对医学、天文学、动植物学等自然科学的研究兴起，西方绘画通过书中插图传到日本，针对荷兰的研究被称为“兰学”。绘画研究的兰学被称为“兰画”。
③括弧中的内容为笔者注。西方绘画中的“写生”是指自然模仿，由于与东方的“写生”语义不同，特意补充。臧新明.中国古典画论的写生考[J].济南大学学报，2007（1）：38-41.
④⑤立原庆一.日本艺术教育[m].明星大学出版部，1987：32-33.
⑥本近代学校教育制度是从明治五年8月“学制”颁布开始的。“学制”是明治政府制定的关于学校制度与教师培养的基本规定。关于初等教育，规定国民理应全部就学。从“学制”颁布几年内有2万多个小学校建立，约40%入学。以上内容参照山形宽《日本美术教育史》，桥本泰幸《日本的美术教育》.
⑦桥本泰幸.日本美术教育[m].东京：明治图书出版社，1994：11.
⑧?金子一夫.近代日本美术教育研究：明治时代[m].东京：中央公论美术出版社，2002：3-4.
⑨参照立原庆一.日本艺术教育[m].明星大学出版部，1987：46-47.
⑩臧新明.日本明治时代美术教育特征考[m].山西大学学报（哲学社会科学版），2008（1）：89.
?????⑴⑵山形宽.日本美术教育史[m].黎明书房，1967：4-5;5;4;24;100;99;100.
?谷信一.概观日本美术史[m].美术公论社，1979：391.
绘本美术教学论文篇2
关键词：美术；绘画基础；教学
1绘画基础教学的涵义
画家创作时表现出来的细腻的技法，深入的画面效果以及无微不至的描画能力，这是谈论绘画基础给人们脑海中留下的首要印象。也就是因为这种意识不容易被发现和察觉，给人一种理所当然的感觉，控制着学习绘画基础这门功课人们的思维与学习动力。更有甚者，它导致很多人的绘画基础陷入一种杂乱无章的状态，不清楚为什么学习，也不知道学习的是什么。绘画基础，其实并不能仅仅定义成为一种特定的绘画表现形式，在一定意义上，它就是绘画的一部分，和绘画融合在一起，不是作品外观效果的表现，也没有人们想象中简单。绘画基础是创作作品的保障和前提，厚重的绘画基础在一定条件下制约着绘画本身的艺术生命力，所有未来的绘画规模都来自于绘画基础。详细地来说，长时间的学习绘画理论，并且结合理论不断实践，转换为艺术尝试，这种属于自己的主观认识和艺术手法称之为绘画基础。人们脑海中认为的细腻的艺术手法，只是一种片面的认识，没有全面的分析和理解它。另外，因为作品创作的是否理性和对客观世界的认知和表现有关，所以绘画基础在美术领域，我们也不能忽视画家本身所拥有的独特个性、个人修养以及文化素质。
素描和色彩是我国高校绘画基础教学的主要内容，绘画基础是美术专业教育要求必须重复学习的课程，尽管他们在进入高校之前就已经接受过相关的绘画能力、绘画基础的培养，但是在进入高校之后还要进行更加系统的学习。大多数高校对美术专业的学生要求重新认识素描和色彩，以培养他们的绘画基础。这样做的目的，不仅是为了增强他们的专业水平，还可以提高他们的个人素质。在传授学习方法的同时，培养学生独立的创新意识，让他们学会用自己的眼光、自己的思S去认识和感知周围世界，并将之具体生动的表现出来，传递出去。
2高校美术专业绘画基础教学的现状及存在的问题
近年来，我国高校招生规模不断扩大，美术专业相关教育也不断进步，随着科技的发展，也是不断的开拓创新。大部分高校在美术专业教学上针对自己的办学特色和培养目标以及现有条件设施，来进行相关的调整。在这一背景下，美术教学理念和教学方式、教学内容被革新，教学结构、教学体系也逐渐优化。绘画基础教学在过去的时间里取得阶段性成果，但是还存在着很多的问题。
2.1高校扩招，生源素质不高
随着高校扩招，有一部分并不具备绘画基础的美术专业学生进入高校，但是一些高校录取学生的时候往往是按照分数的高低，对学生的绘画基础能力并不是十分的了解。由于文化课考试的压力非常大，很多文化课基础好，但是美术基础不好的学生，为了确保能进入大学，家长会让孩子报考美术专业，通过艺考来上大学。这就导致了一部分学生在进入高校之后绘画基础薄弱，高校对生源质量不够重视，忽视了学生绘画基础的重要性，学校教学水平和教学质量难以提升。学生为了快速提高美术专业课成绩，放松了对绘画基础的学习，一定程度上也影响了学校的教学质量。
2.2教学理念没有创新，不能和时展同步
传统的教学理念已经不适用于新时代高等教育发展的需要，学生在学习美术专业的过程中，不但要有良好的绘画基础，而且还要有创新精神。目前，我国高校的绘画基础教学理念受传统教育理念的束缚，还比较落后，创新意识、创新思维不太强烈。教师在课堂上仅仅是教给学生一些基本的绘画技巧，这远远达不到培养美术人才的要求，学生对美术专业绘画基础没有深刻的认识，不利于创新精神的培养。还有一些教师认为，只要学生打下坚实的绘画基础，就能在以后的创作中创作出优秀的作品。殊不知，忽视了学生创新思维、创新意识的培养，这对于学生以后的发展道路是极其不利的，限制了学生更高层次、创新型人才的发展方向。
2.3理论教学水平和学生实际需求不符
一些高校受传统教学观念的影响，在美术专业基础绘画教学中只重视绘画的技术，不能对绘画基础教学有系统、清晰的认识。虽然学生在学习绘画技术的同时，绘画基础能力也能得到锻炼，但是这种教学方式对于学生的进步来说相对缓慢。教师在教学过程中只围绕绘画技术，开展相关教学。，而不是原有技术和理论紧密结合在一起，影响了美术专业教学计划的实施，学生基础理论欠缺。学校缺乏对学生实际需求的了解，绘画基础教学不能取得良好的效果，学校教师的理论教学水平没有和学生需求同步，致使绘画基础教学出现事倍功半的局面，学生能力得不到提高，学习兴趣也会随之降低。
2.4教学过程不能激发学生的兴趣
无论从事哪一项工作或者是学习哪一样事物，都必须要培养他的兴趣，对于美术专业的学生来说亦是如此，只有对美术有着无比的热爱，才能持久的坚持下去，才能在美术领域和以后的事业中有所成就。可是现实情况并不如此，一方面，有一部分学生当初是为了进入高校才选择美术专业，他们自身从心底来说对美术专业没有太多的热爱，只把它当成进入高校学习机会的工具，当然美术方面基础能力也不高。另一方面，教师在教学过程中采取“填鸭式”教学，学生感觉比较枯燥，在学习中没有动力和创新精神。
3美术专业基础绘画教学需要采取的措施
3.1培养学生创造性思维和创新意识
虽然我国的美术教育事业取得了一定的成绩，但整体来说还处于素质教育的进一步普及阶段。美术专业学生受传统应试教育的影响，创新思维还比较缺乏，这样就不利于学生以后的发展。为了培养美术专业学生的创造性思维和和创新意识，教师可以在课堂上有意识地加以训练，在讲解的过程中鼓励学生发表自己的见解和看法，充分发挥学生的自主性。还可以安排学生到现实环境中绘画，在大自然中获得灵感和启发，利用环境来促进创造性思维的提高。
3.2实行以人为本的教学模式
“以人为本”就是要以美术专业学生为主体，充分尊重学生在教学过程中的主体地位，让学生个性化、多样化发展。教师要了解学生的兴趣爱好，整体掌握学生的学习能力，因材施教，让学生积极地投入到绘画基础的重复学习中去，提高学生的学习效率，以达到事半功倍的效果。在教学过程中，不但要充分尊重学生的创作风格，通过正确的教学方法和教学方式，还要引导学生树立自己的创作个性。
3.3提高学生的人文素养
培养美术专业的人才，要求学生不但要有扎实专业基础能力，还要具备较高的人文素养，这也是我国高校人才培养的目标。可以在平常的学习中开设相应课程来提高学生的整体人文素养，学校也可以采用宣传的方式，让学生更好的了解人文素养对于自身的重要性，激励他们努力提高自己的人文素养，成为新时代的创新型人才。
3.4理论与实践相结合，激发学生兴趣
美术专业绘画基础教学中，一方面要重视学生的理论知识的学习，另一方面也要进行一些必要的绘画技术练习。不仅要练习绘画技术，也要练习创造性思维，发展学生的个性思维，打破固有的思维模式。在技术练习的过程中，学生也可以通过一些技术手段对在绘画基础中学到的知识进行更深层次的发掘，形成自己独特地绘画技巧，理论和实践很好的结合在一起，培养学生学习的兴趣，让学生能有更好、更大的发展。
4结语
新时代给我国高校美术教育的发展带来了前所未有的挑战和机遇，高校美术教育要抓住机遇，与时俱进。基于此，我们一定要采取相应措施来提升和优化高校美术专业绘画基础的教学水平，教学方法以及教学内容，培养美术专业学生的良好兴趣，通过进一步优化美术教育资源配置更好的促进美术专业学生的全面发展，以适应新时代美术教育事业的发展变化，使我国的美术教育沿着正确的轨道继续前行。
参考文献
[1]钱初熹，普通高等教育十五部级规划教材：美术教学理论与方法[m].高等教育出版社，2005，2
[2]封永辉.我国高校美术教学改革中突出问题及对策分析.大众文艺.2012（6）：254.
绘本美术教学论文篇3
关键词：高职绘画透视课教改教学内容课程体系拓展
社会对应用型人才的要求标准日益提高，促成了高职相关专业课程教学的改革。绘画透视课作为高职美术设计专业的主干课程，其教学内容和课程体系的调整和拓展必然成为教学改革中的一项重要内容。绘画透视教学水平和应用水平的提升，自然推动高职美术设计专业培养目标向更高层次发展。本文将以现代教育理念为基本依据，结合绘画透视教学已有的经验，从教学内容和课程体系这两个角度讨论绘画透视课程的教改问题。
一、教学内容的拓展
学习绘画透视的目的就是要解决好物体视觉形态变化与画面空间层次推移的问题。通过对学生系统的培养训练，一是要把握基本形体变化的造型能力。二是要灵活运用透视规律创造性组织画面空间的构图能力。现阶段我国高职绘画透视课程的教学内容大都集中在《技法理论》中的透视篇。透视篇主要讲述了透视的基本概念、视觉运动中的几种单视域空间、平行透视、成角透视、倾斜透视、曲线透视、阴影与反影透视，以及运动中的复合空间的散点透视。就教学内容和学生的实际情况分析得出：首先，由于该内容属学生要掌握的最基础的透视知识和基本的原理，这对于更复杂的实际应用便有了某种程度的局限性。再者，高职美术设计专业的学生，他们进校之前有相当一部分人没有美术基础，更不知道绘画透视，因此，针对这部分“弱势群体”所展开的绘画透视教学工作只能从“a、B、C”起步。根据专业方向、课程设置以及教学大纲的要求，高职美术设计专业绘画透视课为主修课，开设时限一般仅为一年（各院校的开课时限及开课方式不尽相同）。所有这些学习程度与时限方面的不利因素，加之教师之间在教学水平、教学能力、教学经验、教学热情以及教学侧重点等方面必然存在个体差异，均会直接影响到高职绘画透视课程的整体教学质量。因此，如何积极调整和充实高职绘画透视课的教学内容，使学生的学习更富有热情和效率，对知识的掌握更为主动和全面，是一项很值得我们去深入探讨和研究的重要教改课题。
1.加入“绘画透视入门”这一重要教学内容。
“绘画透视入门”主要研究和阐述绘画透视的基本内容、基本规律、基本原则和基本方法，就高职绘画透视课程而言，“绘画透视入门”内容的引入将对两个层面的学生起到积极作用：①对于那些没有绘画透视基础的学生来说，“绘画透视入门”将引导他们准确地把握绘画透视学习中最基本、最具共性的知识内容，并用以指导他们的绘画透视初级阶段的学习，这既遵循了由浅入深，由易到难的教学原则，也发挥了学生的主观能动性，使学习更有成效，更有乐趣。②还有些学生进校时已具备了初步的绘画透视表现能力，对于这些学生来说，“绘画透视入门”一方面将帮助他们更加全面而深入地掌握绘画透视学习的相关要素，使他们的表现水平向着更高的层次迈进，另一方面“绘画透视入门”也会在他们今后可能从事的美术设计工作中起到长期的理论指导作用。
另外，我们根据实践经验提出，“绘画透视入门”应在一年级新生入学后立即开设。
2.适当增加实践性的内容。
绘画透视是一种专业性很强的课程，包含理论和应用两个方面的内容。在绘画透视教学过程中，我们往往只强调理论而容易忽视对学生实际应用能力的培养和训练，对学生今后的工作职位而言，良好的实践能力恰恰是十分必要的。为了弥补教学中的这一缺憾，我们应当在绘画透视教学内容中适当地增加一些实践性的内容，如绘画透视与室内外设计、绘画透视与环境设计、绘画透视与工业产品设计、绘画透视与平面广告设计等。应该看到，这类设计实践的内容是绘画透视艺术的具体应用。这里特别需要指出的是，培养学生良好的绘画透视应用能力，尤其是实际设计能力，可以说是高职美术设计专业绘画透视课程最为实际的教学目标之一。
3.增加有关“绘画透视艺术作品赏析”的教学课题。
绘画透视的学习，不仅是一个技术训练过程，而且是学生专业综合能力养成的过程，这就要求学生必须了解和掌握多方面的相关专业知识，提高自己审美水平和设计能力。有幸的是，我们正处于一个“信息爆炸”的时代，我们可以通过各种渠道、各种媒体获得所需的多种相关资料，例如：绘画透视艺术的形成和发展资料；绘画透视作品图形介绍与作品赏析资料；各种绘画透视版本研究资料等等。通过对这些资料有组织的介绍和对绘画透视艺术作品有目的的赏析，可以使学生们在某种程度上突破绘画透视课程学时以及自身知识水平所带来的限制，从而在较高的层面上对绘画透视艺术有一个更为广泛和深入地了解，并进一步丰富自己对该专业知识的认知水平，增加自己的艺术底蕴，提高整体艺术素养。同时，这方面的教学内容也是对美术设计和美术欣赏课程内容的有益补充，还促进了学生对其它美术理论课程的学习。
4.逐步建立绘画透视艺术资料数据库。
电脑技术的广泛应用为各类资料的收集、整理、调用提供了十分便利的手段。我们可以充分发挥多媒体技术的优势，将上述几方面的绘画透视课程教学内容制作成各种类型的电脑文件，并由此逐步建立绘画透视艺术资料数据库。通过这一有效途径，所有绘画透视教师和学生均可共享丰富的数据库资源，方便地获取所需的信息资料，从而使高职绘画透视课程的教学质量和现代化教学技术水平均得到进一步提高。
二、课程体系的拓展
现行的绘画透视教学形式大多在本质上仍然沿袭了传统的授课方式和教学观念，教学思路仍基本停留在上大课“满堂灌”这一传统的、单一线条的思维模式之中，学生的学习仍处于一个较为被动的地位，而且还可能受到多种客观不利因素的制约。为了适应新的人才培养的目标和要求，也为了高职绘画透视课程教学内容的掌握与应用，我们有必要在不增加课程总学时的前提下，对课程体系进行拓展，在原有的课程基础之上构建更科学、更完整、更富效率、更具有立体感和交互性的高职美术设计专业绘画透视课程体系。
1.授课，我们可以使多种授课方式有机并存。
探讨绘画透视课程的多种授课方式，并且使之有机并存，应该说，其主要目的在于解决高职扩大招生而引起的学生专业基础参差不齐的矛盾，适应不同学习基础的学生如何更好地学习的需要，使绘画透视教师能从以往的授课方式产生的教学工作质量不佳的窘境中摆脱出来。因此，我们进行多种授课方式的尝试显得格外重要。（1）合班课。沿袭绘画透视教学传统的授课形式，从师资利用的角度讲，至今仍具有其不可取代的重要价值。一般可以两个以上班级为教学单位，在合班课上，主要讲授“绘画透视入门”、“绘画透视作品赏析”等以知识性、理论性为主的教学内容与教学课题，并适度地降低教学要求和难度。合班课应充分利用多媒体等各种现代化的教学手段，生动地展示各种内容、各种形式、各种技巧和各种风格的绘画透视艺术，开展多层次、多侧面、立体感、全方位的教学活动。（2）分班课。这一教学形式，以十几人甚至几十人为一教学单位，是交互性较强的教学授课方式，能高效率地实施绘画透视教学。在分班课的教学过程中，须统一内容，并基本统一学习进度。分班课主要着眼于传授绘画透视图绘制的基本知识、基本要求和基本方法，解决在绘画透视学习过程中较易出现的、又较具普遍性的问题，因此，适用于绘画透视基础偏低的教学对象，且学生数量适中。（3）个别课。这是绘画透视教学授课形式在另一概念意义上的拓展和延伸，通过个别教学，教师可以十分细致而深入地观察并解决每个学生在绘画透视表现中所存在的不同问题，在技术和艺术这两个层面上开展极具针对性的教学工作。个别课适合于各种不同程度的学生，更侧重于有一定基础的学生水平的拔高，为其他学生树立学习标准。
2.展开第二课堂活动，钻研、探讨、提高。
作为对授课形式的一种有益的补充，我们可以针对绘画透视教学中的各章节内容定期地开设展开第二课堂活动，进行不同范围、各种形式的观摩、讨论与经验交流，以此拓展知识的宽度，挖掘知识的深度。其学习范围及内容可由教师制定，也可以在教师圈定的范围内由学生自由选择，并在轻松、自觉、开放性学习气氛中进行。教师还应当注意指导学生进行自我评价，使学生增强自主学习意识，提高学习能力。
3.展览会，搭建交流平台。
这里所指的展览会具有双重含义。一方面，我们应该经常性地组织学生去美术展厅欣赏具有较高艺术水准的美术设计展览作品，使他们能够在现场切身感受绘画透视在美术设计艺术中的作用与表现魅力，从而激发起学生更高的学习热情。另一方面，我们也可以经常性地安排、组织学生，举办各种形式的学生绘画透视应用作品展览，促使他们走出教室，走进绘画透视作品与美术设计作品展览厅，展示自己勤奋学习的丰硕成果。这类美术展览，既为美术设计专业学生开展其必不可少的艺术实践活动创造有利条件，同时，也为学生乃至教师提供了相互观摩、交流和学习的良好机会。
4.展开技能大赛活动，亮出自己的风采。
在高职院校每年开展的各学科的技能大赛活动中，争取把绘画透视应用的成果也展示出来，如绘画，室内外设计、环境设计、工业产品设计，平面广告设计等，诸多学生的作品，向观众亮相，以此为平台进行相互交流，并激励和促进学生对本专业的学习积极性，达到绘画透视学习向实际应用的方向发展，以期实现专业课开设的最终目的。
三、结语
高职绘画透视课教学内容与课程体系的拓展牵涉面较宽。它涉及到教学大纲、教学计划的修订与调整，相关教材的整理与编写，相关课题研究的展开和深入，多媒体教学手段的应用与推广，各种活动的组织与进行等等。它还对绘画透视专业教师的教学水平、教学能力、教学热情和综合业务素质也提出了更高和更为全面的要求。可以说，高职绘画透视课程教学内容与课程体系的拓展，是对学生专业技能的提升和专业综合素质的增强不失为一种有益的尝试，而且其效果是明显的。同时，高职绘画透视课程的教学改革将能进一步促进美术设计专业学科内部各课程之间的合理优化整合，从而积极推动该学科的建设和发展，使我们的教学工作更加符合学生的实际需要，也更加符合社会对高质量美术设计专业人才的需要，当然，也符合高职院校教育教学改革和自身发展的总体需要。
参考文献：
绘本美术教学论文篇4
关键词：中学美术教学现代绘画艺术创新意识融入
一、我国中学美术教学的现状分析
在过去很长的一段时期，由于学校教育追求教学成绩，我国中学美术教学一直处于较为不明显的位置。作为中学教学课程体系中最无存在感的学科之一，各个学校美术教学的教学质量参差不齐，该学科的教学成果在很大程度上取决于美术教师自身的美术知识、艺术理论的掌握程度以及艺术素养等等，绝大多数的教师在教学过程中采用的是单一式传承教学模式，这种教学模式对于美术等艺术类的学科教学而言，缺乏一种艺术教育的灵性。
1.中学美术教学的状况
自从国家推行素质教育策略以来，各教育机构都在朝着素质教育的方向努力。现阶段，我国中学美术教学在国家全面发展素质教育的背景下，极力改进美术教学的总体质量。从其教学成果来看，在现代中学教育体系发展的带动下，学生能够充分理解一些最基本的美术技能以及美术知识[1]。我国中学美术教学的课堂中存在一种普遍的现象，那就是教师试图通过传统模式下的教学方法来推进中学美术教学，将学生绘画技能的培养放在了首位，忽视了学生对美术艺术的审美以及兴趣的培养，这就给中学阶段的美术教育埋下了隐患。
2.中学美术教学的实效及其局限性
通过对我国过去一段时期以及当前中学美术教学状况的分析，可以更清楚地了解到，虽然中学美术教学的成绩较以往有所改善，但其中仍存在一定的问题亟待解决。其中，最重要的一个问题便是，在美术教学的过程中，美术专业教师传承知识本身的同时缺乏培养学生创新意识的环节，这样就导致中学美术教学中艺术灵魂的缺失，换句话说，就是当前的中学美术教育模式不能吸引学生来投入地学习美术艺术，而仅仅是泛泛了解美术。这对于我国整个教学体系的完整构建极为不利，同时，也无益于学生艺术素养的提升。
二、中学美术教学需要现代绘画艺术创新意识的渲染
艺术素养并非人人都具备，同样，现代绘画艺术创新意识的强弱也因人而异，因此，对于中学美术教学而言，作为课堂教学的主导一方，专业的美术教师要能够用自身的艺术素养来激发学生对美术艺术本身的兴趣，进而才能将美术技能以及专业知识等内容更顺畅地传承给中学生。同时，在兴趣的导向下，中学生对于美术这门学科的认知也会有所提升，比以往更能融入美术的学习氛围中。
1.在中学美术教学中融入现代绘画艺术创新意识的前提条件
（1）中学专业教师美术艺术素养的提升提升教师本身的美术艺术素养是培养具备创新意识的中学生的重要前提。在实践过程中，我国从事中学美术教学的专业美术教师在以往也做了诸多探索，深深意识到创新意识对于美术教学的重要性。教师自身的艺术素养与艺术理论的认知及其对美术艺术的鉴赏能力息息相关。有的美术教师尽管在教学过程中能够将美术专业的知识点与理论知识教授给学生，但由于其自身艺术素养的缺失，往往就会在教学过程中给学生留有一种枯燥、机械的印象，这对于日后教学十分不利。所以，作为美术学科的专业教师要首先从自身的教学能力、对美术艺术的鉴赏能力、分析能力等方面来提升本身的美术艺术素养，进而在教授学生的过程中，也能够充满强烈的艺术感染力[1]。（2）学生对美术学科有着强烈的兴趣中学美术教师自身美术艺术素养的提升对于美术教学能起到一定的作用，与此同时，学生对美术学科的兴趣也极为关键。素质教育要求教师能够通过一定的教学策略来调动学生学习的积极性，从而提升学科教学的有效性。这对于中学美术教学而言同样适用，教师要以兴趣导向式的教学模式来进行美术教学，并且将现代绘画艺术中的创新意识渗透在教学的过程之中，与教学实践有机地融合在一起，让学生感知到美术这门艺术的灵性。中学美术教育的首要任务是让学生形成对美术这一学科的学习兴趣，为他们将来的全面发展和终身学习打下良好的基础。从生活中来看，艺术之美是无处不在的。生活当中存在着各种形式的美，要想发掘并认知这种美，以及提高学生的审美能力，从小就应该给学生创造一个良好的学习氛围、学习环境和优越的学习条件，使学生对美术教育有一个正确的认识[2]。
2.现代绘画艺术创新意识的融入，促使中学美术教学朝向素质化方向发展
在现代绘画艺术的领域中，很多中国画家在继承传统绘画艺术的同时，为了使得绘画创作更为完美，融入了很多国内外的新兴艺术风格，进而创造出自己独特的绘画艺术特性，令作品活灵活现。从中学美术教学的角度来看，将现代绘画艺术创新意识融入到教学的过程中，实质上就是在专业教师的引导下，激发学生个性化的美术创作激情，教育学生不拘泥于形式，仔细体察自身对美术艺术的独特感觉，尤其是对于青春期的中学生而言，每个人的艺术感觉可能都会有所不同。
三、现代绘画艺术创新意识在中学美术
教学中渗透的意义对于中学美术教学而言，对学生进行现代绘画艺术创新意识的培养需要循序渐进，既不能忽视绘画艺术的创新性又不能过于强调美术艺术的创新，教师要能够把握其中的内涵价值所在。探究现代绘画艺术中的创新意识对于学生进行美术作品的创作十分重要，如若大部分学生都能够领悟到美术中的艺术内涵，那么现代中学美术教育的质量就会理所当然地提升上来了。
1.现代绘画艺术及其创新意识
（1）现代绘画艺术概述现代绘画艺术，顾名思义，就是在现代艺术氛围中滋生出来的绘画作品，而且，相对于传统的绘画艺术而言，现代绘画艺术与生活的关系较为密切。通过对现代绘画艺术的观察可知，很多绘画艺术作品中都存在中西方美术艺术文化的影子，而且，经历了漫长的历史时期文化的渲染，以及社会变革的影响，使得现代绘画艺术本身有着较为独特的味道，其中不乏一些创新的内容[3]。绘画艺术创新，是绘画艺术家们所追求的最高境界，可以看到，即使是同一个艺术家，他在不同时期所创作的绘画艺术风格也都不尽相同。（2）现代绘画艺术的特征从总体情况来看，现代绘画艺术有着几个较为明显的特征，其中，最为突出的一个特征便是现代绘画艺术中所潜藏的艺术精神以及创作理念几乎彻底颠覆了传统的美术艺术，这也是代表着一个时代的艺术者对于珍视现代美术艺术的态度。从传统绘画艺术与现代绘画艺术的差别来看，后者忽略了对画面物体本身的形象性勾勒，转而表现绘画艺术所能给人们带来的视觉感受[4]。绝大多数艺术形式都是较为抽象且充满美感的，只不过人们对艺术本身的认知与领悟能力存在差别，所以，对同一艺术作品的感受就有所不同。（3）探究现代绘画艺术领域中的创新意识通常情况下，我们在研究现代绘画艺术时，难免要关注它背后独特的创新意识。从现代绘画艺术作品中，一个具备基本鉴赏能力的人，能够从作品中体会到创作者在绘画的过程中所具有的独特创新意识。在现代绘画艺术的烘托下，将创作者的创新意识也传达出来了。事实上，现代绘画艺术与人们的生活有着千丝万缕的联系，但它又高于生活。一个致力于现代绘画艺术创作的文艺工作者往往会通过较为激烈的手段来强调艺术本身的独立性，在现代社会的喧嚣中，找寻艺术氛围中的片刻宁静。
2.中学美术教学与现代绘画艺术创新意识的融合
从教学实践过程来看，尽管了解到了现代绘画艺术中的创新意识对于美术教育的重要性，但对中学生创新意识和鉴赏能力的培养并非一蹴而就的。从具体教学策略来看，中学美术教学与现代绘画艺术创新意识的融合需要一个长期的培养教育过程，教师通过对现代绘画作品内涵的解析，来启发学生创新意识[5]。可能有的学生对现代绘画艺术创新的领悟能力会有所不同，因此教师对学生进行现代绘画艺术创新意识的培养要循序渐进，不断地启发学生、鼓励学生学会欣赏现代绘画艺术作品的演变过程，以及艺术家们在创作作品时的细节变化。只有在教学过程中融入这些内容，才能有助于学生更好地理解美术这门艺术的内涵价值、学好美术这门课程，并以此来提升中学美术教学的质量[6]。（1）教师通过对现代绘画作品内涵的分析，启发学生的创新意识在诸多现代绘画艺术作品中可以发现，绘画艺术大师终其一生都在不断地进行艺术创新，从一幅幅绘画作品中，便可以窥见艺术大师创作理念的变化以及创作风格的转变。创新，是艺术大师区别于普通画家最明显的一个特征。现代绘画艺术创作的思路源于生活，但它又高于生活本身，而且，有很多艺术创新理念都是源自于中西方绘画艺术火花的碰撞，从而滋生出一个新的创意点，借助艺术大师之手，将创新的思维通过绘画艺术这一表达形式呈现给世人。教师在教学过程中，要启发学生对现代绘画艺术创新意识的领悟，并要鼓励学生在创作个性化美术作品时，要能够将自己创新的内容融合在作品当中，进而形成自己的风格[7]。当然，教师要提示学生，独立美术创作风格的形成是在具备一定美术技能基础上才能够实现的。（2）对学生进行现代绘画艺术创新意识的培养要循序渐进，以此提升中学美术教学的质量中学美术教学的过程中，往往会出现与艺术本身偏离的状况[8]。从现实的角度来看，中学美术教学与现代绘画艺术鉴赏也不可能完全契合，但却可以将二者有机地融合在一起，让现代绘画艺术创新意识的枝丫在中学美术教学课堂中任意滋长。由于现代绘画艺术与生活的关联性真实存在，而现代绘画艺术家们在创作的过程中又在时刻强调着艺术创作的独立性，以及他们毫不掩饰对创作自由的追逐，因此，在其艺术作品中经常可以发现一个似乎远离社会的空间存在。基于此，在中学美术教学中，教师要能够把握好现代绘画艺术对这种海市蜃楼般景象的追求意识，将艺术家在绘画艺术作品中所融入的似是而非的创新理念提炼出来，给学生以启示[9]。从某种程度上讲，现代绘画艺术创新意识在中学美术教学中渗透的意义十分重大，不仅可以促进中学美术教师自身技能的提升，而且还有利于培养学生鉴赏美术艺术的能力，进而转变现代美术教学培养的方向，令中学师生都能够具备一定的艺术素养[10]。从现代教育领域的发展进程中可以清楚地看到，学校教学的过程绝不仅仅是传授固有的知识内容，而是需要注重对学生思想意识的培养，以及通过有效的教学策略来激发学生的艺术灵感，进而为国家培养出一批批有着创新思维能力的优秀艺术型人才。从教学实践中发现，萦绕在美术学科专业教学过程中的现代绘画艺术创新意识极为宝贵，同时也能够明显感觉到，在中学美术教学中融入现代绘画艺术创新意识较为可行，可以在一定程度上提高中学美术教学的质量，同时也为培养未来致力于发展艺术专长的高材生夯实美术功底。———————————
参考文献
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绘本美术教学论文篇5
一、引言
传统文化艺术，特别是民间文化是现当代艺术的母体与本源，更是宝贵的绘画艺术资源。河北省的各类民间文化艺术资源极为丰富，都散发着浓厚的中国文化气息和地域特色。同时，民间美术具有脱胎于真实自然生活与风土民情的关怀和深厚情感，其艺术形式依托于自由想象与联想，不受客观规律的限制，这些都是艺术家在进行创作时应具备的素质。
而当今我国年轻一代的艺术家由于受到外来文化的影响，出现了疏远或排斥本民族的传统文化的艺术倾向，使艺术愈加与母体文化脱离，同时也使整个社会文化遗产的保护传承受到脱节。所以在高校特本文由论文联盟收集整理别是绘画艺术类学科开设民间美术类课，拓展并深化学生对民间艺术在形式与内涵的理解与在实践中的运用，并在此基础上建构合理健全的民间美术教育体系。
二、民间艺术在我国文化教育方面的发展概况
近年来，我国相关部门对民间文化艺术的传承和发展的研究逐渐重视，在2002年“世界遗产年”召开的会议中，就明确提出了将民间文化艺术作为人类文化遗产引入高等教育中。与此同时，在艺术教育界引起了巨大的呼应与行动，在全国范围内，大多数的艺术院校和有相关艺术专业院校都纷纷开设了民族民间艺术的相关专业或者相关课程。
最早提出对民族民间艺术关注的是现清华大学美术学院张汀先生。他早在二十世纪期间，不断探索着民族化的现代艺术教学模式，提出了重传统、重民间、重实践的美术教学方针，推动了中国美术教育走向新阶段。中央美术学院还在国内高校率先创建以中国民间文化艺术研究为宗旨的新学科，将此正式、系统地列入大学艺术教育，填补了高等艺术教育中长期忽视民间艺术认知教育的空白。
通过开展民族民间美术教育，极大地增加了学生们的自我认同感以及对民族文化的认同感，培养了大量从事民族民间艺术的人才。同时，教师通过言传身教的学习，提高的不仅仅是学生的动手能力也是增强了学生的民族自豪感和保护民族艺术的责任心。
三、高校绘画艺术人才培养与民间艺术资源整合的意义
绘画艺术即是造型艺术，要求艺术家对形象、色彩、形式等方面具有极高的能力与素养，同时不多深化拓展自身的审美领域，是作品更具内涵与厚度。同时，造型也是中国民间美术存在与发展的首要因素。中国民间美术作为一种造型艺术实用性的特征，它来源于中国古文化的积淀，来源于中国农村特定的社会结构和文化结构所形成的集体审美意识，来源于民间艺术家独特的思维方式和造型意识。对民间美术的学习，不仅需要了解它的造型方式、创作方法，同时还要了解它产生和应用的社会背景及文化内涵。因此，对于民间艺术造型的学习，可以拓展学生对绘画造型与形式美感认知的深度与广度，完善绘画艺术的造型建构。
于此同时，高校是培养人才的基地，对人才的培养不仅仅限于知识的传授，而应该是全方位的素质培养。在美术教学中，要善于联系民间故事、民族历史、民族风俗习惯、自然地理环境、民族民间文学等来理解其艺术作品，指导学生在美术创作中融入民族文化，使之更富于民族特性。从学习民间美术的造型方法和基本特征入手，加强学生的实践活动，以民间美术的思维开启学生的发散思维，把美的材料、形象、色彩，变化为身边的美，提高学生的创新思维，实现美术教学目的。
四、高校绘画艺术人才教育与民间艺术结合的途径
绘画专业学生毕业后大多从事与美术相关的绘画教学、艺术设计和研究管理等工作，因此，应比其他专业学生有较高要求。
1、将绘画专业的民间美术课程正式纳入绘画教学体系。
应在绘画专业课程中加入中国民间美术概论、民间美术作品赏析、民间美术工艺制作、民间美术采风考察等相关课程，从而发挥民间艺术实践性强的特点，鼓励学生将民间艺术与绘画创作有机融合，创作出包含本民族文化精神的艺术作品，既而发觉艺术与生
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活的关系，加强作品的群众基础与深厚情感，增强学生的能动性。
2.建立民间艺术研究室。
高校不仅应成为民间美术的教育中心，完成理论与实践性教学工作，还更应注重对艺术问题的理论性探究和总结，承担起研究和拓展民间美术发展的使命，成为民间美术的研究中心。因此，应建立民间美术研究室，由本校绘画专业教师作为主干成员，同时广泛吸收部分民间艺人参加，进而组织和实施民间美术教学工作，并对民间美术资料进行搜集与
3.建立民间艺术陈列室。
民间美术的重要特征就是其实践性。高校应建立常规的民间美术陈列室，为教学提供观摩欣赏场所，让学生能经常性直观地接受民间美术的熏陶。同时，在陈列经典作品的基础上，还可以收藏陈列师生临摹仿制或创作设计的精彩之作。
五、结束语
绘本美术教学论文篇6
摘要以写生装备为研究对象，就其在小学美术教学中的实践应用进行探究。
关键词写生装备；小学美术；教学模式
中图分类号：G623.75文献标识码：B
文章编号：1671-489X（2016）11-0091-02
1前言
小学美术教学的根本目的在于培养学生的美术素养和审美能力，扎实他们的美术绘画基础，以便为后续更进一步的美术学习奠定扎实的基础。特别是随着素质教育的深入，提升小学美术教学质量具有重要的意义。传统的教学模式和方法无法激发学生学习的兴趣，写生装备的合理运用可以彻底解决这一问题，增强教学效果，所以对其在教学中的应用实践进行探究具有重要的意义。
2摆脱教材束缚，增强实践应用
在当前小学美术教学过程中，美术教师大都按照教育部所颁布的美术教材以及教学大纲来为学生按部就班地讲解有关美术方面的基础理论知识以及绘画技巧，很少要求学生亲自动手来进行绘画。这种授课方式显得有些虚无缥缈，也过于枯燥、乏味，无法有效地调动学生学习美术知识的积极性和能动性，更无法从根本上提升学生的绘画能力以及审美能力。因此，美术教师必须要摆脱美术教材的束缚，为学生准备一些“物”的东西，即借助写生装备的合理运用来更好地锻炼学生的实践动手能力。
理论上来讲，小学生大都已经具备写生创作所要求的能力和欲望，所以此时美术教师可以合理地在美术教学中引入绘画板等写生装备，使学生灵活运用这些绘画设备来开展自主绘画练习，激发学生参与美术教学的兴趣，自主投入到教学中来，从而不断提升美术教学的质量和效率。
基于上述所述，在小学美术教学过程中，教师要打破传统小学美术教学模式，引导学生学会自主动手来绘画，使他们在实践练习过程中来提升绘画技能，从而使学生在小学时期就掌握基本的美术绘画技能。但是为了确保写生装备应用的合理性，美术教师也必须要充分发挥自身在教学过程中的引导作用，不可单纯地放任学生自主去毫无目的地去绘画，更不可忽略必要的基础知识讲解，而应该平衡美术理论知识讲授和写生装备实践应用教学二者所占用的时间，以充分发挥写生装备在提升小学美术教学质量和效率方面的积极作用。
此外，为了进一步发挥写生装备在提高小学美术教学质量方面的作用，美术教师需要引导学生走出课堂，在课外多观察。这样一来，小学生不再将屋顶只画成三角形状，太阳也不再只放置在一个角落中，从而转变当前小学生在绘画中表现出的千人一面的绘画问题。同时也可以丰富学生的绘画素材，使他们可以更好地按照自己的意愿来进行绘画，不断提升绘画技能[1]。
3巧用写生装备，激发学习兴趣
为了进一步激发学生学习美术知识的兴趣，小学美术教师可以在课堂教学过程中合理引入写生装备，借助画板等写生设备的合理运用来激发学生绘画的求知欲，促使他们积极主动地投入到绘画中来，从而不断提升课堂教学的质量。传统的写生装备体积比较大，小学生使用起来比较困难。随着科学技术的发展，尤其是电子画板的应用，可以帮助美术教师和学生更轻松便捷地进行绘画操作，学生也可以快速对绘制的图画进行修改，实际学习效果比较好。因此，在开展小学美术教学过程中，美术教师可以合理运用电子画板来引导学生进行绘画练习。
首先，美术教师可以将电子画板应用于提升学生的美术技法中来。电子画板可以丰富学生的绘画形式，比如在绘制某种物体时，借助电子画板，可以将其以差异性的形式展示出来。小学生在这种多样化的绘画方式中感受到各种不同绘制方法的差异性，从而可以培养画感。而学生也会被电子画板所具有的多样化绘画方式而吸引，可以满怀兴趣地投入到绘画中来。如此一来，学生不再将绘画练习作为一种负担，而是当成一种乐趣来全身心地投入进去，那么学生的绘画技巧也会在不知不觉中得到提升。
其次，美术教师可以将电子画板应用于提升学生的想象力上来。想象力是小学生学习美术知识和绘制图画中必备的一种重要素质和能力。但是由于受到传统教学观念的束缚，当前我国大多数小学美术教学的开展中均常常忽视培养学生的想象力，以至于学生单纯地有绘画技法，却没有创作灵感。久而久之，小学生的想象力会逐渐枯竭，从而会影响后续的美术学习以及其他学科知识的学习。因此，在开展小学美术教学过程中，美术教师可以合理运用电子画板来让学生在自由作画的过程中不断地刺激自己的感官，锻炼思维能力，从而不断培养和提升想象力，为后续更进一步的学习奠定扎实的基础。
最后，美术教师要将电子画板应用于提升学生的审美能力中来。学生学习美术知识的过程实际上就是培养和提升审美能力的过程，美术教师要在平时的教学过程中注重培养学生的审美能力。此时美术教师可以在课堂教学中合理引入电子画板，借助其来为学生展示各类优秀的美术作品，以不断提升学生的审美能力和对美术作品的鉴赏能力，这是学生学习美术知识所必须要具备的基本素养。古今中外的绘画作品均饱含画家对于美的理解和处理，甚至情思，学生在欣赏美术作品过程中会不自觉地受到画作的影响，从而可以不断地积累和提升自身的审美能力。
除了借助电子画板来展示有关的绘画作品之外，美术教师可以要求学生自己在电子画板来绘制图画来表达自身的审美情绪，以不断提升学生的审美层次和鉴赏力。
4加强实践训练，增强学习效果
正所谓熟能生巧，为了帮助学生更好地提升美术技能，在学生掌握了基本的绘画技能之后，通过反复的实践训练，达到真正掌握的效果。因此，在开展小学美术教学过程中，教师可以多为学生组织一些课外写生作业，让学生在户外借助电子画板等装备来自由进行绘画练习，以通过反复的实践训练来培养和提升学生的审美能力和素养。在学生写生训练过程中，美术教师需要结合学生的认知特点和绘画技能来设置一些绘画主题，同时要充分发挥自身在写生训练过程中的能动性，帮助学生有计划、有目的地进行各方面内容的专项训练，增强学生训练效果，从而不断提升学习质量。
如在开展写生训练过程中，美术教师可以以“我的家庭”为绘画主题，要求学生在课下完成有关作业。为了降低学生绘画的难度，教师可以要求学生只绘画家庭中的一些重要部分，比如庭院格局、室外轮廓或者室内各种家具、桌椅的布置等，从而使学生自由地按照家庭的实际情况来进行绘画。这样一来，不仅可以提升学生的绘画能力，也可以培养和提升他们的审美能力、想象力和创新能力，一举多得。因此，在平时小学美术教学中，美术教师要注重多为学生组织一些写生训练活动，使学生在写生活动中提升绘画能力。
5结语
总之，写生装备在小学美术教学中的应用可以彻底打破传统教学模式的束缚，有利于激发学生学习的兴趣，促使学生自主投入到美术教学中来，从而可以在很大程度上增强美术教学的效果。因此，在平时开展小学美术教学的过程中，美术教师需要结合学生的学习情况来合理引入写生装备，从而不断培养和提升学生的绘画能力和审美能力。
绘本美术教学论文篇7
关键词：中世纪；美学思想；绘画
中图分类号：J205文献标识码：a文章编号：1005-5312（2014）08-0154-01
很多人提起西方的中世纪，最先想到的便是肉体的压抑、精神的枷锁、残酷的统治，贫贱的生活。而艺术好像除了半圆的穹顶和高耸怪诞的建筑以外什么也不曾留下。但事实或许并不像表面看起那么苍白。
无疑中世纪对于欧洲绘画、雕塑来说算是漫长孤寂的一千年，自476年西罗马帝国灭亡直到伟大文艺复兴，并未出现大艺术家或是传世巨作。对比是显而易见的，之前是另它黯然失色的古希腊古罗马的古典艺术――帕特农神庙中的雅典娜神像和那细腻得让人心醉的《弗拉维安王朝的少女肖像》。后者则是推动了人类世界大踏步发展的辉煌时期――文艺复兴。而“中世纪”这个词，从最初就带有一种贬义，暗喻欧洲文化史的毁灭和空白。美学思想在这一时期也出现了停滞，基本上就是把柏拉图美学思想中夸大精神世界、夸大“神”的唯心观点与宗教融合到了一起。
讲述中世纪美学思想，必须提到一个人，就是普洛丁（plotinus），可以说他是古典艺术与中世纪艺术承上启下的“交界线”。当时的罗马政权，已经极度腐朽，现世享乐主义充斥着人们的感官，在高官贵族骄奢淫逸的糜烂生活下，广大的穷苦人民只能把希望寄托于来世，寄托于万能的神。在这种大环境下，普洛丁的思想就产生了浓厚的悲观禁欲及否定现世色彩，认为人只能从对神的信仰中才能找到解救的道路。因此，在美学中他才认为：“物质世界的美不在物质本身而在反映神的光辉。”是神放射出美，这种放射说也称分享说，究其本质还是对柏拉图“最高理式”的发展。他的思想也影响到后来的圣奥古斯丁（augustine）和圣托马斯・亚昆那（St.thomasaquinas）两位中世纪著名的美学思想家。圣奥古斯丁的美学专著《论美与适合》对一般美所下的定义是“整一”或“和谐”，美的物体则是适当的比例加上悦目的颜色。另一位圣托马斯・亚昆那的美学观点在他的《神学大全》中也提到了美的三个因素：完整、和谐与鲜明。由此看来，中世纪的美学思想家们也都认为完整与和谐是美必不可少的要素，这种思想从古希腊就一直被美学家们推崇。因此，中世纪的美学则是更加反动的发展了把美的本质归结为“神”特有的、放射出去的现象。
中世纪艺术上最伟大的成就来源于教堂建筑，因此就连绘画与雕塑都是依附于教堂、教会，为传播教义而存在。当时的绘画也主要是以教堂当中的彩色玻璃窗、教堂壁画或传播教义的手抄本插图的形式出现。由于中世纪文化相当落后，这些绘画实际上就是为了教会服务，而教会对于世俗文化是极其仇视的，因为所谓的世俗文化就是古希腊古罗马的古典文化教育，是现世教育，是尊重人性，以人为本的教育。这与基督教的教义――神权中心与来世主义正好相悖。基督教中认为人存在的现世是孽海，一切罪孽的根源在于肉体的需求和欲望。基督教神父特尔屠良曾说：“真理的主宰痛恨一切虚伪，把一切不真实的或伪造的东西都看做邪淫。”在这位神父的言论中“不真实的或伪造的东西”指的就是绘画、雕塑、文学等艺术形式。
由此不难看出，无论是当时的美学观点使然，还是教会为了“愚民”进而达到长期统治的目的，都需要一种既可以反对现世享乐主义精神，又可以有效传播教义的艺术形式出现。绘画在这种大的环境下，必然产生形式上的逆转。古典艺术中“人神同形同性”，从赞美人性，把个别的美，高度概括成理想中的美；注重完美的内在结构，强调对自然的忠实摹仿，这些以人为本的美学思想都被毫无保留的直接抛弃了。相反，为了迎合当时教会的高压统治以及符合当时主流的美学思想，绘画完全成为了宗教与神学工具，这时的绘画不再注重摹仿客观真实世界，而是要强调精神世界。因此，这种绘画必须为了重视精神世界，而把现实客观世界进行夸张、变形。把原本丰满圆润的肉体，表现成干瘪、痛苦，惆怅的模样，来表现人的“真实”；欲望的“淫邪”。
中世纪美术中包括了拜占庭美术、爱尔兰――撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术，这些美术形式也都是欧洲绘画史中不可或缺的部分，因为他改变了古典美术传统，中世纪美术为了形式而形式，以形式作为绘画的重点，以东方式的线条装饰性和抽象性为主要表达手段。但是这种绘画的局限性是不言而喻的。首先，由于宗教成为绘画发展的源动力，一定会极大的禁锢艺术的蓬勃发展，都是以宗教教义出发，在很大程度上泯灭了人对于艺术的能动性。其次，内容与形式的单一。由于大部分绘画是为了宣传教义用的插图或教堂壁画等，在内容上一定不会有创新的题材出现，形式上更是以非写实和平面化为主。因此，从这两点来说，中世纪绘画一定会被更伟大的绘画形式所取代。“物极必反”是一切事物的本质规律。中世纪后期的哥特美术就已经有了世俗美术的影子，宗教的笼罩渐渐减弱。直到十三世纪后期，伟大的画家乔托，终于把中世纪绘画所追求的平面、装饰性效果拉回到逼真的再现。
正如，周宪在《美学是什么》一书中用“初发芙蓉”和“错彩镂金”分别比喻中西方美学思想一样，或许“错彩镂金”才是西方绘画贯穿始终的主线，而中世纪的这场“线描”表演，只是一首别样的插曲。这种绘画形式的出现或许是教会绑架了美学的结果，亦或是美学启发了教会。无论本质如何，作为历史长河中的观者，我们只要用心感受其特殊的艺术魅力即可。
参考文献：
绘本美术教学论文篇8
[关键词]儿童美术心理；儿童美术教育；文化心理学
传统儿童发展心理学下的儿童美术心理研究，主要是关于儿童绘画发展阶段的研究，即将儿童绘画能力作为儿童心理发展的重要标志，通过对儿童绘画的分析研究，为儿童心理发展阶段研究提供科学的实证材料。显而易见，发展心理学中的儿童绘画阶段研究，还不是完全意义上的儿童美术心理研究，因为仅仅依靠对儿童绘画阶段的分析判断，还不足以揭示儿童美术活动心理现象的根本规律。
立足于生命哲学起点的儿童美术心理研究，首先关注的是儿童生命存在的价值，而不是儿童为艺术生存的价值。从学科属性来看，儿童美术心理研究不是直属于艺术心理学的范畴，当然也就不能简单套用艺术心理学的研究策略和方法。儿童美术心理研究的对象应是处于特定文化环境下的儿童心理问题，美术教育作为一种文化环境要素，对儿童美术心理的发生、发展具有决定性的作用，不仅能促进儿童美术特殊能力的发展，同时也应促进儿童情感、人格的成熟。
一、儿童美术心理研究的嬗变与发展
传统的美术心理学从毕达哥拉斯的“数的原则”到亚里士多德对“秩序”“匀称”的判断，直至“黄金分割律”标准的应用，自然科学的价值判断在审美研究领域被推崇到了极致。这种建立在自然科学方法论基础上的美术心理学，在决定论和还原论的主导下，一直试图在复杂的美术活动中探寻永恒的心理客观规律，不论是在生物学、生物化学支持下的“实验心理学派”，还是其后受物理学影响的“格式塔心理学派”，都成为美术心理学的奠基理论，使美术心理学沿着科学化的方向走到了今天。
建立在儿童发展心理学基础上的儿童美术心理学研究，其重要的标志性研究是儿童绘画发展阶段理论，“皮亚杰的认知发展理论与罗恩菲德的绘画发展理论之间存在着惊人的对应性，这种明显的对应性证实了以儿童画作为思想标志探索儿童思维发展的可行性”。在皮亚杰的儿童心理发展阶段学说的影响下，1927年英国心理学家里德发表了他的“儿童绘画发展阶段说”，首次把儿童绘画发展分为“涂鸦期”“线描期”“叙述的象征期”“叙述的写实期”“视觉写实期”“压抑时期”“艺术复活期”7个阶段。同时，他与罗恩菲德同时提出了儿童绘画发展的“直线型”模式，认为儿童绘画能力的发展是一个随着儿童智能不断成熟而成长的“直线型”发展过程。
然而，到了1978年，在美国“U型行为发展会议”上，儿童发展心理学家们开始提出儿童心理的“U型”曲线发展模式，认为儿童绘画是一个有峰谷曲线变化的发展过程。上个世纪80年代后期，英国、美国有关学者在这一研究基础上更是提出了“多轴媒体表现说”，认为“不同儿童在同一阶段的绘画会呈现不同风格，而且文化环境因素往往决定绘画能力的发展，儿童在社会文化资源和日常生活中受到环境文化影响，所以，不同民族、地域文化会影响儿童绘画的知识认知和形式表现。”可见，当今的儿童美术心理研究已从单学科走向多学科，从关注儿童个体发展走向宽阔的社会文化领域，儿童美术心理的发展不仅与美术教育具有直接的关系，而且与民族文化之间具有重要的关联。
二、传统儿童美术心理研究中的若干问题
儿童美术心理作为儿童个体生命现象，不仅反映出儿童生命存在的本真，同时也折射出儿童作为社会文化存在的特征，儿童美术心理活动自然离不开美术知识形态，而且必然地受到美术审美心理结构以及社会文化结构的影响，所以有关儿童美术心理的研究不仅会涉及儿童美术活动的生理与心理机制问题，也会涉及美术知识与审美情感问题，同时还会涉及儿童美术心理发展中环境文化影响的问题。
(一)关于儿童美术活动的生理与心理机制问题
如同人类存在语言模式的生物发展结构一样，人在发展过程中也可能存在着审美发展结构，人的审美经验甚至在儿童使用蜡笔、颜色之前就已经开始了。研究生命发生基础的生物学理论一直是研究儿童美术心理发生问题的重要理论依据。“儿童作为生命发生体，天生就携带着一种先天性的‘自然结构’和图式，这是儿童与生俱来的一些审美心理原感。”传统儿童发展心理学基础上的儿童美术心理研究立足于儿童物质生命的本原，对儿童美术心理中的视知错觉和生理变化问题给予了高度关注，而现代儿童发展心理学基础上的儿童美术心理研究则立足于儿童的社会文化属性，对儿童美术心理中的文化符号认知理解和体验问题情有独钟。
“心理学是否是纯自然科学，是否应当列入生物科学的范畴，这应当是一个应该继续讨论的学术问题。心理学也可以应用比较法，通过和各级动物的比较，来进一步说明人的有关心理现象，但是，无论如何，绝不应该把人的心理机械化和生物化。”建立在儿童生理成熟机制上的儿童美术心理研究把儿童美术活动能力首先归于其生理机制的成熟，特别是有关儿童美术技能研究的生理成熟论者往往把幼儿手腕、手掌大小、肌群及手臂肌肉发达程度作为儿童美术心理发展的主要原因，并且把美术活动有形的结果视作衡量儿童美术动作机制成熟的重要标准。其实，通过美术活动结果来判断儿童生理机制发展水平，往往会让研究者过分相信儿童美术动作技能的“记录”功能，但事实是，对于那些有动作技能不良记录的儿童，之所以没有表现出美术能力，往往不是因为他们的手臂、手眼协调机制没有达到成熟水平，而只是由于缺少有关经验而已。比如“发展知觉能力和肌肉运动能力可以为临摹几何图形提供必要基础。从表面上看，这似乎是符合逻辑的。与此相反，我们认为上述研究所得结论也未必完全正确，因为，他们(研究者)把临摹几何图形的能力看成只不过是知觉能力和运动能力的相加，这显然是不够的。”传统儿童发展心理学忽视儿童美术活动特有的整体性，仅仅把儿童绘画视为一种感知意义上的心理现象，而非多元因素作用下的学习过程。尽管以格式塔心理学为代表的传统儿童发展心理学认为知觉感官的功能同样具有抽象、推理等理解上的意义，但是儿童美术活动毕竟不是一种单纯的视知觉心理现象，仅凭这些“儿童知觉感官功能的抽象、推理”显然不能让儿童顺利完成复杂的美术活动任务。
传统儿童发展心理学的儿童美术心理研究由于固守实验、实证的方法研究儿童美术活动中的生转贴于理心理机制，所以就不可避免地出现了把儿童绘画作品作为“试纸”，试图依此判断儿童智力水平的现象。如20世纪60年代流行于美国的“画一个人”的测量工具，它旨在依据儿童画中出现的细节详尽程度来判断儿童对环境认知的水平，让心理学家由此断言：“那些虽然在纸上自由画出一些符号，但还没有能力画出‘封闭形状’，或是不能将自己在纸上所画的符号与他们周围环境之间联系起来的儿童，可以看作是三岁儿童的智力水平，在三岁年龄阶段，这样的绘画水平是正常的。”时至半个世纪后的今天，在我国还依然能够看到当年美国“画一个人”测量的影子，如当下我国长期热度不减的“少儿美术考级”，其实就是一种变相的儿童美术心理测试。
(二)儿童美术心理研究中的知识与情感问题
“人不仅在其本质上是乐于求知的，而且人的生命、全部现实生活也是由知识所建构的。”从儿童美术的发生看，游戏是儿童美术活动的重要原生形态，如果说艺术是游戏的一种形式，那么儿童的游戏就是一种艺术形式。知识既然是认识和经验的总和，那么儿童美术活动的知识就应包括对游戏中物质媒介操作的经验与相应的内心情感体验。儿童美术活动不是狭义的艺术专业化的生产或欣赏活动，而是伴随游戏过程的一种广义的学习活动，所以它一方面涉及非专门化的宽泛的造型艺术知识，另一方面涉及游戏活动规则以及由实践操作引发的认知理解行为，即当儿童把玩绘画工具，进行涂鸦游戏时，不但认识操控了工具，同时也体验了整个游戏所带来的精神愉悦。
由于传统儿童美术心理研究过分强调儿童美术活动的有形成果，强调儿童美术知识的所谓专业化，因此就难免使自身在儿童美术知识认知与情感表达之间陷入自相矛盾的境地。他们一方面认识到“现代绘画方法确实给儿童提供了表现其心理活动的机会”，使儿童能够不受传统技法知识的束缚来自由表达自己的内心情感，但是另一方面他们又担心儿童这种自由表达“不仅鼓励了那些所谓的自发笔画和因一时冲动而闪现出的形象的大量出现以及由混乱不整的色彩所组成的粗糙的艺术品的大量涌现，而且干扰了受视觉控制的形式的准确性。粗糙的画笔以及滴色的油笔，仅使儿童们创造出某种片面地表现他的心理状态的画。”他们看到了传统写实主义艺术观念下技法训练的弊端，“传统方法就是让儿童用一支削尖了的铅笔一味地把模特描摹下来，”因此使儿童受到了束缚，但同时他们又主张“阻止儿童运用艺术品去再现他所观察到的现实”。由此可见，传统儿童发展心理学家在尊重儿童自由表达与维护经典美术知识的权威之间徘徊不定。
其实，如果我们摆脱经典艺术知识观对儿童美术心理研究的约束，从儿童美术活动的生命价值出发看待儿童美术活动中知识的个体经验特征，就可以避免上述矛盾，因为如果心理学也是科学，它就要研究被人们认为是主观的、个别的、偶然的现象，并且不能否认它们的合规律性。
(三)儿童美术心理研究中的民族文化影响问题
心理现象是由社会活动、自然环境及社会活动和自然条件所产生的概念等建构而成的。时至今日，虽然科学实证方法仍然是包括儿童美术心理学在内的心理学研究的重要途径，但是，“科学如果没有社会环境的需要和刺激，是不可能得到发展的”。受实验心理学科学实证观的影响，传统儿童发展心理学的儿童美术心理研究一直忽视儿童所属民族文化对儿童美术活动产生的影响。20世纪70年代，美国康达尔大学家庭研究与人类发展学教授w.L.布雷顿曾充分肯定儿童美术发展阶段理论的价值，认为“在美术的发展上，世界各地的儿童似乎都遵循着一条共同的规律，他们都是按照上述的美术阶段发展的。我们曾经收集了另外一些国家的儿童绘画，像巴基斯坦、巴西、埃及、印度、乌拉圭、日本以及许多欧洲国家等，从这些国家的儿童画中也发现了同样的情况。由此可见，儿童早期的美术作品所采取的形式在世界各国都是相似的，其差异仅在于画面上所反映的内容有所不同，这些差异不是因为各国文化的不同所造成的，明确地说是因为儿童在绘画中所反映的各国不同的风土人情所造成的。”从以上论述我们不难发现，当“风土人情”没有作为文化要素进入儿童美术心理研究时，儿童早期绘画被认为都是相似的。
形成于20世纪80年代的文化心理学则认为某一文化语境制约着语境环境内的人对刺激的反应，文化是人类创造的符号表象系统，“人的心理尤其是高级心理活动主要是符号活动，是创建或制造、运用、操作符号的过程。”照此观点，儿童美术心理活动同样应该是儿童在一种特定文化环境中的符号认知与操作过程。上个世纪90年代，我国发展心理学研究者张增慧、林仲贤合作开展了3－6岁壮族与蒙古族儿童颜色爱好的研究，结果表明：受所属民族文化的影响，不同民族儿童对颜色的爱好具有差异性。此研究结果为我们认识民族文化与儿童美术心理之间的关系提供了重要支持。进入本世纪后，世界各国的儿童美术心理研究进一步表明：“文化的因素将决定绘画能力的发展，儿童从社会文化资源、日常生活中学习绘画……即使共属同样的文化传统，地区环境的因素也会影响儿童的认知及绘画表现。”
三、不同价值观、知识观与文化观的美术教育对儿童美术心理发展的影响
“环境和教育在儿童心理发展上具有决定作用，遗传只提供儿童心理发展的可能性，而教育则规定儿童心理发展的现实性。”不同教育观念下的儿童美术教育直接影响着儿童美术心理的发展。我们认为，儿童美术心理研究与儿童美术教育研究的重要区别与联系在于：前者是针对儿童美术心理现象的事实问题进行归因分析；后者则是从社会要求出发，在明确儿童美术教育价值、目标的前提下，通过对儿童美术现象的分析研究来检验美术教育内容、过程与方法的有效性。当然“这并不是说，心理学不是实验教育学的一个必要的参考因素，而只是说，实验教育学所参考的问题不同于心理学的问题。实验教育学的问题所涉及的不是儿童一般的和自发的特征和智力，而是有关的教学过程对于这些特征所产生的变化。”
(一)不同价值观的美术教育对儿童美术心理发展的影响
正确看待幼儿原始美感的发生以及遗传基因的文化属性是儿童美术心理研究的重要哲学起点。“卢梭要求把儿童当做儿童对待的观点是应该加以检讨的，因为儿童不仅是一个‘儿童’，而且还确实是一个‘人’，儿童的活动不仅是‘儿童的活动’，而且还是‘人的’活动。看不到‘儿童’与‘成人’之间的差别是错误的，但是，看不到‘儿童’与‘成人’之间作为‘人’而存在的共同性也是不对的”。正是受卢梭的影响，传统儿童美术教育家往往在“保持儿童艺术天性”和“适时美术教育干预”之间摇摆不定，就连著名的儿童教育家蒙台梭利博士也不例外。在她看来，“没有什么绘画的进阶练习能引人达到艺术创造，儿童的绘画是依自己的情感制作，就象促进自己的语言的成熟一样，儿童的努力是自发的，因此她坚信儿童绘画是不可教的，但是她又以激烈的语言谴责当前学校展出的那些具有‘自由画’儿童期特色的可怕的美术作品，她认为心理学家收集、观察，并加以分类的‘幼儿心理的文件’，其实不过是智能上不法的可怕表现而已，‘它们显示出儿童的眼睛未受过训练，手是迟钝的，心对于美丑同样地无感觉，真假不分’。”蒙台梭利顺应儿童的自然成长，确认儿童的努力是自发的，但是又惧怕儿童因缺失训练而变得美丑不分，同时把这种现象归罪于心理学家，显然有失公允。
儿童美术教育的专业化往往把儿童美术学习看成是儿童接近艺术经典的必然途径，从而忽视了儿童美术心理的自发特征。“艺术教师很容易有尽可能早地教学生中心透视法这类诀窍的倾向，它使老师显得很内行，使想尽快达到成人标准的学生感到高兴，也会给家长留下深刻印象，但是，它很快就变成笨拙的洗脑。”显而易见，儿童美术教育家在目睹了实验心理学关于形状知觉、图形记忆与外在刺激条件的研究成果后，会更加坚定利用美术手段促进儿童上述方面发展的信心，于是也就出现了旨在训练儿童专门化形状知觉与形状记忆能力的教学内容，如儿童写实绘画训练，原本是借用了一种艺术式样的普通美术活动，由于教师偏颇的教学理念，即要刻意强化儿童对客观形状知觉记忆的刺激条件，结果出现了固定僵化的儿童美术教学内容与机械死板的训练模式，使儿童陷入被动的苦恼之中，尽管儿童所画的形象与客观实物越来越像，但其自主表达的能力却越来越差。因此，有美术教育家认为：“发展知觉能力和肌肉运动能力可为儿童绘画奠定重要基础，但是，美术活动中的技能操作不是知觉能力与运动能力的简单相加，如果排除了有关理解、想象和情感兴趣等其它心理因素，而一味希望通过专门化的感知训练来达到发展儿童美术心理的目的，可能会让儿童付出惨痛的代价。”
(二)不同知识观的美术教育对儿童美术心理发展的影响
“幼儿心灵的成长在最好的情况下也是一个脆弱的过程，很容易受到在错误的时间灌输的错误内容的干扰，在艺术及其他教育中，最出色的教师并不是将自己的所知倾囊相授，而是凭着一个优秀园丁的智慧、观察、判断，在最需要帮助的时候给予帮助。”儿童美术教育的目的必须通过美术知识来实现，这其中包括从学校教育和社会教育获得的美术知识。传统的发展心理学认为，“在专门组织的感觉训练的条件下，知觉的发展最为有效。”同时，“儿童为了正确感知图画，必须学会考虑绘画的特点，他应当掌握社会上已经形成的素描和色彩画的艺术标准。”如果从儿童的特殊才能或特殊儿童教育培养角度看，上述主张似乎并不错，但是对于普通儿童发展意义上的儿童美术教育来说，这种狭隘的美术知识观显然已经背离了儿童美术教育发展的健康轨道。
关于儿童美术的概念，在《牛津艺术指南》中，其条目的主要内容是：“如果给予儿童方法和机会，他们会用线条和色彩表达自己，或者会塑造他们能找到的造型物质，这种能发展成表现物体的素质将持续到青春期。显然，儿童的美术知识不应是专业化美术知识形态的代指，在鲁道夫·阿恩海姆看来，儿童美术“知识的根本是一个感性世界，是我们可以体验的，从一开始，儿童就试图用公开的形式表现出他的体验，这种形式的形成既受到他所接触到的并知道如何运用的媒介的制约，同时也只有用这种媒介才得以产生。”以上论述虽然没有为我们界定出明确的儿童美术知识概念，但是，正是这种模糊的表达显示出儿童美术知识的人文性特点，因为儿童美术知识不仅仅是显性的知识形态，作为人文知识，它理所当然地还具备隐喻性特征，即作为一种人的体验与表达，它不是“通过逻辑的、实证的渠道来进行的。”。只有基于这样的儿童美术知识观，儿童美术教育才能在促进儿童审美情感、发展儿童审美知觉等方面发挥积极作用，并使儿童美术教育成为儿童美术心理发展的外在动力。
(三)不同文化观的美术教育对儿童美术心理发展的影响
绘本美术教学论文篇9
关键词：文艺复兴；绘画美学；意大利绘画美学
中图分类号：J205文献标识码：a文章编号：1673-2596（2013）08-0203-02
文艺复兴是在14世纪的意大利兴起的一场波澜壮阔的思想文化运动。它是以复兴古希腊、罗马文化为标志而全面推行的一种新的人生观和新的生活方式，并引发了学术思想、艺术和美学观念上的全面变革。文艺复兴运动波及了整个欧洲大陆，先后持续了300余年之久。这一运动预示着欧洲近代社会的产生，并为近代社会的发展奠定了思想和文化基础。
作为一个持续了近300年的思想运动，文艺复兴对艺术的冲击和影响是非常显著的。文艺复兴运动中兴起人本主义、自然主义和科学主义直接改变了中世纪以来的美学观念和艺术形式。而在14世纪的意大利，文艺复兴所带来的突出影响首先冲击到的是绘画艺术，在意大利文艺复兴运动中，涌现了一大批杰出的画家，他们在艺术上取得了极高的造诣，所留下的绘画美学理论惠及整个西方绘画领域。
一、绘画题材的突破
（一）宗教
在文艺复兴时期，艺术所服务的对象和赞助人仍然是教会，所以绘画题材依然是耶稣、圣母、圣徒事迹等从中世纪传承下来纯宗教的题材。但与中世纪绘画根本不同的是，在文艺复兴时期的绘画艺术中已经极少出现表达单纯基督教宗教含义的绘画。当时的教皇、主教、国王、贵族等都想要通过永恒不变的艺术形式使自己的形象保留下来，借以获得不朽，由此促进了世俗性艺术题材的绘画作品大量出现。面对世俗性题材的客观需要，艺术家们必须使绘画成为“一切艺术之花”，使“死人在许多世纪之后还栩栩如生”。①也就是说画家必须把写实、逼真放在创作的首要位置加以研究。
所以，画家对于耶稣、圣母等宗教人物的描绘，也不再是以超尘脱俗的神圣面孔出现，而是用现实生活中人的形象来表现神性。他们创作的重心已不仅仅是在塑造人物形象上，而是深入人物的内心情感世界，立足在常人常情来展示圣人的崇高感，由此唤起人们普遍的同情和共鸣。在文艺复兴早期卓越的画家乔托的壁画《哀悼基督》中，他将圣母塑造成一个用手臂搂住儿子的头，左手轻抚着他的颈项，悲痛不已哭泣着的普通妇女般的形象，而其他的人物也以各种形态体现着他们无法遏止的悲痛的心理状态，从而使作品具有了强烈的生活真实感，使人物形象更加富有人情味。
（二）人体
中世纪的基督教禁欲主义认为，赞美人体、欣赏人体是一种重大的罪恶，然而文艺复兴时期的画家们重新发现了人体美，他们在复兴古希腊和古罗马文化之时，巧妙地利用了基督教“上帝造人”的理论来开创对人体美的表现。这正如丢勒所说：“上帝按照人应有的样子一劳永逸地铸造了人。我认为，完美的形式和美都包含在一切人的总和之中。”②而在当时的意大利上层社会的聚会中，总是会有参与其中，那些助兴取乐的往往在聚会上受聘于画家的人体模特儿，这从客观上增强了人们对人体美的欣赏兴趣和审美能力。
可以看出，当时社会流行的享乐主义对基督教禁欲主义产生了冲击，开创了一种新的面对现世的生活方式，为绘画艺术开辟了一个全新表现人体美的创造领域。从此，无论是表现基督教思想的题材还是表现古希腊罗马的题材，都成为了不可或缺的形象。虽然当时的教会对人像进行了猛烈的抨击，但是画家们关于人体是最难表现、最高境界之美的信念已坚定不移。正是在这种信念下驱使下，才成就了拉斐尔、提香等一批卓越的画大师。
（三）自然和谐之美
除了对人体美的发现外，享受大自然之美也是文艺复兴时期审美情感的重大转变。15世纪弗兰德斯画派的胡伯特和约翰・梵・艾克开始专门创作风景画，这对意大利绘画产生了极为重大的影响。
阿尔贝蒂是文艺复兴时期较早倡导艺术“师法自然”的理论家，他认为：“大自然，只有它才能充满自己的各种形象，所以我们要师法自然，并且要师法到那种程度，使观者能与哭者同哭，与乐者同乐，与悲者同悲。”③他强调大自然可以提供绘画的各种形式，绘画也当逼近大自然而进行。
自古希腊以来，“美”和“和谐”都是艺术家和美学家所追求的目标。中世纪时，这两者被理解为“神圣上帝的整一性”，而艺术的“和谐”就只是对这种整一性的模仿。对于文艺复兴时期的艺术家们，“这种和谐，就是指艺术客体各个不同部分相互之间及与整体之间的完全一致”。④触发这一对自然风景题材新诠释，正是来自大自然自身的和谐。
二、绘画技巧的创新
（一）透视法
早在希腊化时期，艺术家们就已开创出“短缩法”，但他们不知道为什么物体离我们远去时体积会越来越小，也不懂得如何让物体在画布上逐渐变小。正是在此基础上，文艺复兴时期的艺术家们借助当时的数学和物理知识开创了“透视法”。吉贝尔蒂发现了直线透视法，马萨乔发现了空间透视法，而佛罗伦萨画家保罗・乌切洛在研究“透视法”数学原则的基础上，在创作中把“透视法”付诸实施。在他们的努力下，过去绘画上平面的二维空间变为虚拟的三维空间，事物在空间中的比例关系逐渐明确起来，画家在画布上表现的空间同人们的视觉感受开始吻合起来，产生了逼真的艺术视觉效果。
（二）人体的数学比例
文艺复兴时期，科学技术的观念和思想方法的变革也推动了绘画艺术的更新。意大利的画家们为了更科学、准确、生动地表现人体美，将数学、解剖学与绘画人体相结合，并亲自去解剖尸体，研究人体的内在组织、肌肉结构和在运动状态下的变动等。达・芬奇就曾解剖过30多具尸体，在他的笔记中留下了大量的解剖图和文字说明，为人体比例学成为绘画科学中的重要部分产生了重要的影响。达・芬奇对比例相当推崇，他认为：“美感完全建立在各部分之间神圣的比例关系上，各特征必须同时作用，才能产生使观者往往如醉如痴的和谐比例。”⑤
（三）渐隐法
在前人的研究透视学的基础上，达・芬奇通过创作实践延展了透视中的隐没透视和色透视（又称空气透视）。隐没透视是研究物体为何离眼睛越远会越模糊，而色透视则是研究物体离眼睛远近其色彩的变化规律的。达・芬奇认为：“透视学是绘画的缰辔和舵轮。”⑥在透视学和光学的理论基础上，达？芬奇发明了绘画中著名的“渐隐法”。“渐隐法”是用极为柔和的色彩与柔和的明暗对比使物体呈现渐淡甚至消失轮廓的视觉感。这种模糊不清的轮廓使得描绘的物体互相融入，从而造成一种晕光效果，使物体的层次感更加丰富。色透视法从根本上打破了人像绘画千百年来以轮廓线划分空间位置和范围的传统。
三、范畴与理论的重构
处在文艺复兴时期的美学思想总是在新旧之间徘徊。这个时期的艺术家们的创作，无论是内容还是形式，都同时带有新旧两种时代特征。在从中古时代到近代的转型过程中，一些新的美学命题和美学范畴出现了。
大量世俗性绘画题材作品的出现，使画家们把作品的写实性、逼真性放在了创作的首要地位加以研究。古希腊罗马艺术中提出的“模仿说”和写实精神也成为了艺术家们的倚照和借鉴对象。他们用中世纪的“镜子”比喻来说明“艺术是一面镜子，艺术反映自然”，虽然这样的解说已不符合中世纪“镜子说”的观点。
达・芬奇等人为代表的“镜子说”代表了当时新的写实和审美观念，在此基础上，“逼真”、“真实”等美学范畴产生了，这些新的美学原则奠定了近代绘画美学的基础，并直接促进了艺术领域中科学主义、自然主义精神的出现。
文艺复兴时期意大利的绘画美学理论以乔托、阿尔贝蒂、达・芬奇为代表，他们在探讨艺术的真实性上取得了高度的一致。乔托提出了画面构图的新美学观念，他认为绘画“不仅仅是文字的代用品”，“好像亲眼看到真实事件的发生，跟舞台上演出时一样”。⑦由此他的构图多主题鲜明，情景集中，多组人物趋向一个中心，显示出多样化统一而形成的和谐。
而对新古典艺术理论影响巨大的阿尔贝蒂则有着丰富的创作经验和渊博的理论修养，他倡导的艺术的“师法自然”，师法到“使观者能与哭者同哭，与乐者同乐，与悲者同悲”。这正是强调了艺术应当模仿自然，并且要真实地表现人类的情感及行动。
阿尔贝蒂的理论思想直接促成了达・芬奇关于艺术理论的宏伟构思。除了以上已经提到的“镜子说”，达・芬奇提出的透视、光影色、比例等都是绘画创造第二自然的标准，这也正是文艺复兴时期自然科学同艺术创作实践相结合而不断创新发展的结果。正如达・芬奇所说：“绘画，实际上是科学和大自然的合法女儿。”
综上所述，文艺复兴时期，因社会变革而引发的美学观念的变革，新的写实的美学追求，它所蕴含的写实性、逼真性，迫使艺术家改变了过去使用的绘画表现手法，使新的革新成果广泛应用于艺术领域，使文艺复兴的艺术以崭新、独特的形态展现在人类的艺术舞台上。
注释：
①加林.意大利人文主义[m].北京：三联书店，1998.63.
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绘本美术教学论文篇10
关键词：素描；听障儿童；美术；教学；特殊教育
中图分类号：G42文献标识码：a文章编号：1005-5312（2013）32-0245-01
一、聋校中的美术教学与素描
（一）素描的基本内涵
素描是绘画艺术中的基本概念之一。素描的基本内涵主要是指以单色线条来表现客观事物或者主观想象、态度和情感甚至抽象形式。由此可见，素描是一种正式的艺术创作，讲究比例、透视、形体、结构以及临摹等。众所周知，素描是绘画、雕塑、设计等造型艺术形式不可或缺的基础。
（二）素描在美术教学的意义和作用
在现代绘画艺术教育中，素描有着十分重要的意义，是美术教学的基础科目，只有进行了系统而完整的素描学习，才能掌握绘画艺术的基本方法、基础理论以及造型语言，才能进行更深一步的美术创作。而素描在美术教学中的作用主要表现在于：它有助于培养学生绘画的基础知识和基本技能、提升学生的观察力、感受力和表现力、陶冶学生的艺术情操等方面有着十分在重要的意义和作用。
（三）聋校中美术教学的特殊性
与普通学校的美术教学活动不同，聋校的美术教学有其独特的一面。聋校美术教学的特殊性主要表现在其面对的教学主体是具有特殊的身心特点的学生。一方面，聋校的学生都具有一定的生理残缺，视觉、听觉、触觉或语言能力的缺陷为学生学习和掌握绘画技能产生了一定程度的影响和制约，为美术老师的教学活动带来了更大的挑战和压力。另一方面，聋校的学生因为生理残缺而心理思想上存在敏感、自卑、内向的一面，更需要老师的关心、尊重和鼓励。由此可见，聋校的美术教学有其鲜明的特殊性，任课教师务必从听障学生的身心特点出发，不断观察和体会学生的心理表现，研究和探索切实可行的教学方法，以便确保美术教学活动的正常进行。
二、素描在聋校美术教学中的重要性
（一）素描有助于听障学生掌握绘画的基础知识
在聋校的美术教学中，美术教师根据听障学生自身的特点讲解和传授线条、比例、结构、色彩等素描的基本知识，从而帮助学生逐步掌握素描艺术的基本知识，不断提升素描艺术的理论水平，为绘画技能的掌握和提升打下良好的知识功底。
（二）素描有助于锻炼听障学生的绘画技能
在聋校的美术教学中，素描对听障学生绘画技能的锻炼和提升的作用是不言而喻的。聋校的学生在美学课程中可以通过素描了解和感悟比例、透视、形体、结构等绘画艺术的基础知识，逐步掌握绘画艺术的基本方法，逐步培养造型技能，为下一步的美术课程学习奠定坚实的基础。
（三）素描有助于培养听障学生的观察力、感受力和表现力
众所周知，素描课程的教学重点在于逐步培养与锻炼学生对客观事自然形态的观察、感悟和临摹的能力。听障学生在素描教学活动中通过美术老师的指导和帮助，逐步学会如何观察客观是事物，如何用心感知某一事物独特的美，如何用手中的画笔来表现这种独特的美。由此可见，特殊学校中的听障学生通过素描学习能够不断观察、感受和掌握素描写生的步骤、方法以及造型语言，逐步提升自身对美术这一艺术形式的鉴赏力，提高对客观事物的观察里、感受力以及表现力。
（四）素描有助于培养听障学生健康的思想情操
听障儿童因为自身的残缺而难免出现敏感、内向、自卑、悲观等某些负面的心理思想倾向，如果不加以及时的干涉和矫正，有可能影响他们自身的身心健康。素描这一美术课程的入门科目，因其操作性强、易学易懂、重视对视觉和触觉的锻炼和培养等特殊优势，更有利于听障学生的理解和掌握，有助于陶冶听障学生的高尚情操，提高听障学生的审美能力，增强听障学生的自信心和成就感，充分激发听障学生更加热爱生命、热爱生活。
三、结语
随着现代教育事业的不断发展，特殊教育也获得了前所未有的进步。面对听障学生的素描教学在当今聋校中的地位和作用越来越重要，它对于锻炼学生的绘画技能、培养学生的观察力、感受力和表现力、培养学生的健康的思想情操等方面都有着不可替代的作用。因此，在特殊教育的美学教学活动中，必须从听障学生身心特征的实际情况出发，不断革新教学理念，探索教学方法，坚持以学生为中心，采取示范与交流并重的教学方法，用丰富多彩的教学内容与形式为听障学生的健康成长探索一条可行路径。