古典音乐的起源篇1
在音乐的发展历程之中，人类将从巴洛克时代一直到20世纪早期的音乐称为古典音乐。而20世纪初到现在，以非传统手法所创作的音乐作品，被称为现代音乐。随着经济的发展，相对古板、严肃的古典音乐渐渐被追求个性的现代人所抛弃，现代音乐则成为主流。而在现代音乐的发展中，古典音乐也是渐渐地被融合进现代音乐之中。所以现阶段，音乐艺术呈现出了一种古典与现代相交织的发展现象。
一、古典音乐与现代音乐的异同
（一）古典音乐与现代音乐的区别
古典音乐严肃、庄重，起源于古代欧洲的皇室音乐，更加注重强调乐曲本身，在创作时任何一个细节都要经过严密的思考甚至是计算，而这也很有可能是现代大多数人听不懂古典音乐的一个重要原因。
与古典音乐相比，现代音乐更注重人声，以演唱者为着重点，相较于严密的古典音乐缺乏旋律的严密和思维的严谨。但也正是因为其通俗、随意，现代音乐在现代更为人们所接受。
古典音乐带给听众的感受是和谐、深刻、优美，让人在欣赏音乐的同时能够很好地感受到作者想要表达的深层的感情。《月光曲》的轻柔、《天鹅湖》的凄婉、《英雄交响曲》的庄严等等，都是古典音乐严密的乐理逻辑和严谨的曲序给我们带来的来自内心深处的感受。不论是哪一个时期的哪一个流派，古典音乐带给我们的都是灵魂的深化，让我们的心情在作者精心营造的音乐环境之中得到沉淀。总之，古典音乐以其或恢宏大气、或轻柔婉约的曲调，给听众不寻常的感受。
与早期为皇室所独享、规格严整的古典音乐相比，20世纪初期开始流行的现代音乐以其不受拘束的旋律和个性洒脱的曲调，被更多的人们所喜爱。现代音乐的类别比古典音乐更为多样，但是无论是狂暴的重金属电子音乐，或者是婉转的蓝调，亦或是令人费解的印象主义音乐，现代音乐给听众带来的，是无与伦比的冲击与震撼。古典音乐因为严密的乐理逻辑，使听众的感觉大同小异，但是现代音乐给听众带来的冲击，却是因人而异的。
从创作的角度进行分析，古典音乐家是将自己的感情糅合进了自己的音乐，而现代音乐的作曲人更加注重的是从自己的生活之中取材，让音乐更加贴近生活，这也是现代音乐给人带来巨大冲击的原因之一。
（二）古典音乐与现代音乐的共同点
无论是古典音乐还是现代音乐，音乐的目的都是宣泄人类内心的情感，所以现代音乐和古典音乐最大的相似之处，就是在于情感的宣泄。古典音乐的创作将自己的感情糅合进乐曲之中，通过不同的乐器与旋律的起伏来渲染感情的表达。而现代音乐则是将现实生活和音乐艺术进行糅合，通过简单易懂的旋律和曲调的风格将现实生活巧妙地展现在了乐曲之中，让乐曲活了起来。而更多的现代乐器在现代音乐之中的应用，也让本就冲击力十足的现代音乐更富冲击力。
古典音乐虽为古典，但是在古典音乐创作的年代，古典音乐也是那个时代的现代音乐。所以浓厚的时代色彩，是古典音乐和现代音乐的另一个相同点。
二、古典音乐与现代音乐的融合
随着现代社会的发展，单一的古典音乐或者现代音乐的渲染力已经不能更好地满足听众对于音乐的需求。而现代音乐的创作者在不断地音乐实践之中，也发现了现代音乐因为太追求个性，而带来的乐理与曲调之上的不足。古典音乐严密的曲调和严谨的乐理逻辑开始渐渐地被现代音乐创作者所接受，很多作者都开始注重将古典音乐加入流行音乐之中，让音乐在给人以冲击的基础上，带来古典音乐厚重的感受。在此基础上，现代音乐也在古典音乐的影响之下开始追求内在的感染力和思想深度，努力营造一种来源于生活而高于生活的音乐环境。
古典音乐因为其浓厚的时代色彩，给现代听众所带来的感情冲击并没有现代音乐那么强烈，甚至很少能够引起听众内心的共鸣，更多的是带给听众一种听觉之上的共鸣。所以现如今的古典音乐演奏，开始向现代音乐学习。在保证古典音乐所特有的内在感染力和思想深度的基础上，从乐器等角度下手，增强古典音乐对现代人的感染力。
古典音乐的起源篇2
摘要：中国的古典诗词是中国古代文学之瑰宝，古典诗词歌曲则是将文学和音乐进行了精彩的结合，给人带来丰富的艺术享受和精神启迪，具有极高的艺术价值。在大力弘扬中国传统文化的今天，探索中国古典诗词歌曲的发展过程有着重要的意义。本文从古典诗词歌曲创作的角度将古诗词歌曲的发展概括为三条脉络，并对当前古典诗词歌曲为越来越多的人所接受良好发展趋势进行简要阐释。
关键词：古典诗词艺术歌曲发展脉络发展现状
翻开中华民族上下五千年的历史画卷，我们看到了灿烂辉煌的古代文化。其中，有着精深的内涵和超高的艺术价值的古典诗词便是这文化宝库中的一枝奇葩。古典诗词，从第一部传承至今的诗歌总集《诗经》算起，至今已有三千多年的历史，可谓源远流长。其在思想和艺术方面都取得了巨大的成就。而中国古典诗词从起源到发展一直都与音乐紧密结合，相互影响。由于古诗词的格律性与音乐有着天然相近的亲联关系，在音乐中，我们会感受到诗词的意境，在诗词中，我们会体验到音乐的韵律美。音乐与诗词的相互渗透、相互结合。
如果说古典诗词是中国古代文学的华彩乐章，那么以古典诗词为词谱曲而成的艺术歌曲则可以说是中国声乐史上一颗璀璨的明珠。
中国古典诗词艺术歌曲有着极为悠久的发展历史，它与中国传统文化有着密切的联系。古典诗词艺术歌曲属于中国传统音乐中的文人词调音乐，在古代是配合着词进行歌唱的一种音乐体裁形式。这类歌曲是由历代具有一定文化修养的知识阶层人士所创作或参与创作的，歌词大都采用历代文人的诗词佳作,故具有很强的文学性。因文人音乐的存在和发展，许多文人所撰写的古典诗词在历史上都有入乐的传统，其中大部分即是中国古代词调音乐所遗存下来的歌词。最早的诗歌集《诗经》就是第一部把流传在民间的歌曲用文字记录下来的诗歌总集，因此也可以称它为最早的中国古典诗词艺术歌曲集。它包含了上古时期各类歌曲的精华。到了唐代，诗歌发展达到鼎盛时期，唐代诗人作品的入乐歌唱已成为当时的一种风尚，许多诗人的诗作都被谱成歌章在宴会上传唱。后来，又逐渐出现了曲子词，宋代的曲子词作是我国长短句的鼎盛时期，这种长短句文词高雅并且易于传唱，其与音乐的结合比诗句更为自由灵活。元曲则是一个可与唐诗宋词并驾齐驱的具时代标志的文学艺术形式，它利用音乐曲牌来叙事、写景、抒情的一种清唱形式，倾向于通俗化。
其实以上所述皆可以概括为我国古典诗词艺术歌曲的发展的第一条脉络。即由古代文人传谱的古典诗词艺术歌曲。我们知道从公元前周代的《诗经》，战国时期的《楚辞》，汉代的《相和歌》，到唐代的格律诗、绝句，宋代的长短句、曲子词，元明清的散曲、琴歌等种种古体诗诗词，皆是可以读、吟、诵、唱的。但由于记谱法的滞后，以及各朝的战乱变迁，社会动荡，绝大多数优秀的音乐歌谱未能得到很好的保存和流传，更多的仅是限于文字的记载、徒以文学的形式流传了下来。现今得以流传下来的古代文人传谱的古典诗词艺术歌曲极为少数。其实，唐宋时期的姜夔、何满子、李龟年、田顺郎等文人均可称之为音乐人。他们懂得音律，自行按词牌或自己读词谱曲，谱写出的歌曲作品音韵优美，格调清新，是名副其实的中国古代的古典诗词艺术歌曲。
中国古典诗词艺术歌曲发展的第二条脉络，就是由近现代作曲家为中国古典诗词谱曲的艺术歌曲。20世纪初期，随着五四新文化运动的兴起，新音乐运动随之而来，效仿西方创造新音乐的趋势明显增强，中国古典诗词歌曲得到进一步的发展。1920年，留学德国的作曲家青主运用西洋作曲理论技法，创作出了至今仍脍炙人口的歌曲《大江东去》（宋，苏轼词)，实现了由传统的学堂乐歌创作向艺术歌曲创作的转变。这首古典诗词艺术歌曲正因与古诗词的结合，使之具有浓了厚的韵味和特点而拥有了强大的生命力。此后，黄自、刘雪庵等一批作曲家也尝试并创作出了大量的艺术歌曲作品。这些作品中大部分的歌曲曲词来源于古典诗词，如黄自的《花非花》(唐，白居易诗)，刘雪庵的《春夜洛城闻笛》(唐，李白诗)等。此外，冼星海1944年《古诗十首》歌集的创作完成，黎英海1982年《唐诗三首》的创作完成更是充分体现了中国古典诗词歌曲创作的又一发展。它的创作，彰显出了中国近现代作曲家对中国古典诗词的浓厚兴趣和极大重视。
第三条脉络则是由作曲家借用古典诗词体裁加以谱曲为现代人而创作的艺术歌曲。中国现代意义上的艺术歌曲是中国古典诗词与西方艺术歌曲相交融的形式。当代作曲家们在继承前辈对古诗词歌曲良好创作的同时对西方成熟的作曲技法手段加以运用，并把具有中国特色的人声、韵律等元素融入作品中，独创性的创作和发展出了具有中国民族音乐风格特点的古诗词艺术歌曲。还有很多词作家尝试结合历史内容创作古体诗，在曲作家的配曲下，呈现出中国味儿十足的现代古典诗词艺术歌曲。如韩静霆、徐沛东的《梅花引》，姚明、付林的《孔雀东南飞》等等。这些当代的古典诗词艺术歌曲作品曲调旋律优美动听，成功的继承发展和创新了中国古典诗词艺术歌曲的艺术魅力。
虽然当代社会流行音乐相当盛行，但作为中华民族独有的文化杰作――中国古典诗词歌曲毕竟有着上千年的深厚历史，是中华民族音乐的母语，具有深厚的文化内涵和独特的艺术魅力。当一首脍炙人口的古典诗词，找到了美妙动听而又能准确揭示其思想内涵的旋律及其演唱来表达时就会很快的为欣赏者所喜爱，并且能够通过对中国古典诗词歌曲的浏览与欣赏，拓宽自己的艺术视野，提升自身音乐修养与内涵。同时，中国古典诗词音乐也给流行音乐的创作带来了一股古朴的清香。一些流行歌手发行的歌曲专辑中借鉴了古典诗词歌曲的元素，其作品中流露出的浓郁的古典韵味及丰富的文化蕴含受到了越来越多人们的喜爱。而这些新型的古典诗词歌曲之所以能够得到大众的欢迎和喜爱，也更加显示出了它独特的艺术魅力和文化价值。在百花争鸣多元文化并存的今天，这独具特色的中国古典诗词歌曲艺术依然散发着蓬勃的朝气，具有旺盛的生命力。艺术的发展没有穷尽，中国古典诗词歌曲也必将继续发展下去，不断弘扬我国传统文化精神，与时俱进，开拓创新，相信必会拥有一片宽阔的前景。
参考文献：
[1]《中国艺术歌曲论》李曙明主编上海音乐出版社2009
[2]《古诗词艺术歌曲的概念问题》郝建红古典音乐(1994一2007)
古典音乐的起源篇3
我平日里尤其注重把一些古典音乐、传统音乐注入教学中。太古典的，学生肯定难接受，我就从古典乐器的基本常识开始，一点点渗入进去。而学生们也就在潜移默化中，慢慢接受了不少古典的瑰宝。
其实不仅小学生难以接受古典音乐，就连一些科班的音乐学院也是如此。早听说一名音乐教授无限感慨着说“现在音乐学院的学生在学校里演奏贝多芬、肖邦的曲子，回到宿舍就马上开启录音机播放当今的流行歌曲……”。
是的，很现实的一个问题：古典音乐的严肃，现在的人已经不欣赏了，而不欣赏的症结所在是兴趣问题，根本没兴趣来接近它们，岂能知晓古典音乐的魅力！爱听“古典名曲”的乐迷呢？他们会说：古典音乐的旋律好听、耐听。尽管流行歌曲中也有许多旋律动听的，但真正耐听的并不多，热了一阵就腻味了，不像古典名曲，越听越有味，越觉得内涵丰富。这部分乐迷已经开始接受古典音乐了，毫无疑问，他们或迟或早，必将成为古典音乐的乐迷。因为根据经验，喜欢流行音乐的人，随着年龄的增长和阅历的丰富，有可能最终转向古典音乐，但喜欢古典音乐的人，一旦喜欢上了，很少再回到流行音乐怀抱中。
旅美大提琴家王健说得好：喜欢流行音乐是一时之事，喜欢古典音乐是一世之事！
古典音乐非常的美，有韵味儿，我们的祖先把最美的音乐留给我们，但是我发现，现在的孩子却不能深入的理解，去品味，而更喜欢那些随之一乐的现代音乐，那么我们在课堂上如何去提高孩子们的兴趣，让孩子深入了解理解古典音乐呢？不知道我们这些音乐老师有没有反思过这些？也包括国外的古典音乐。古典音乐需要用心去体会，而不是表面上应付差事的做作。慢慢融入进去，才能发现曲雅意美，意味深长的真正内涵。古典音乐是这世上为数不多的可以陪伴一个人一生的音乐，当你逐渐茫然、远离于通俗流行音乐的躁动时，或许古典音乐此刻会成为慰藉、平和你心灵的唯一音乐。古典音乐可以让你从这个疯狂的世界里寻回不断迷失的自我，当你沉醉于她的怀抱之际，世间的一切烦恼都会为之烟消云散。古典音乐可以带给你快乐、激情、感动，以及世间一切没有罪恶感的快感。她需要你付出的并不是很多，然而她所给予你的，却远远超越一个有限生命所能承受的。古典音乐可以让许许多多素不相识的人，因为共同的爱好而团聚到一起，因为相通的感动而成为朋友，真正的朋友。古典音乐述说的是一种源于自然、发自灵魂、述诸心灵的生命感动，她需要你用一生的经历与感动去不断地体验、不断地感应，心有灵犀一点通，每一颗时常为生命而感动的心灵，都可以成为她永远的朋友、永远的爱人。我们可以肯定的是，古典音乐的魅力千姿百态、奥妙无穷，谁也无法用三言两语来概括。这大概正是它最大的魅力吧。
古典音乐的起源篇4
关键词：古代雅乐；新雅乐；对比
“雅乐”一词，最早来源于《论语・阳货》：“恶郑声之乱雅乐也。”是用于宫廷祭祀活动或者朝会礼仪所使用的音乐。古往今来，雅乐在中国音乐史上起着不可或缺的重要作用。由兴起到繁荣，由衰退到复兴，雅乐随着历史的变迁而不断发展变化着。上古时期的雅乐从萌芽到定型；中古时期的雅乐从重建到繁荣；近古时期的雅乐从僵化到延续。历史推动了雅乐的发展，时代背景促进了雅乐文化的不同特色。
上古时期指的是远古至战国末，“雅乐”一词也是在上古时期就被提出来的。西周至春秋中叶，雅乐艺术在礼乐制度完善的基础上得到制度化与规范化，趋向于定型。其内容是与祭祀仪式相结合的乐舞，从而发展到对统治者的赞颂，而后包含六大舞、六小舞、诗乐，内容不断增加，形成了多样化、固定化的特点。最早的雅乐包括《大咸》《大韶》等乐舞。刘师培先生认为：“三代以前之乐舞，无一不源于祀神。”①也就是说，这些乐舞大部分来源于对自然的不解，从而以舞来表示对大自然的崇敬之情，因此具有宗教功能。而礼与乐对华夏民族具有重要的教化作用，同时也在战争中起到稳定阶级的政治作用。更因孔子的一句：“尽美矣，又尽善也”②而表现出其审美功能。
中古时期指的是秦代至五代末，由于秦始皇焚书坑儒，令先秦雅乐几乎荡然无存。由此，秦代的雅乐开始融入儒家礼乐思想。但是由于民间音乐开始进入宫廷，自然会对纯正的雅乐产生影响，继而将雅乐与俗乐相互渗透融合。到北朝，少数民族在黄河流域建立政权后，胡乐亦开始加入雅乐，甚至在唐代君王喜爱胡乐的原因下，对宫廷雅乐产生了严重的影响。虽然在隋朝，群臣不断反抗与反思，可大势所趋，恢复纯正雅乐已难如登天。正是由于俗乐、胡乐的渗入，雅乐的功能开始扩大，除祭祀之外，娱乐活动也开始使用雅乐，使其取得了较快发展。
近古时期指的是宋代至清代末，我国音乐性质开始发生变化，大量民间音乐得到飞速发展，阻碍了宫廷音乐的发展。而封建统治者对祭祀音乐、宫廷音乐的重视，一味苛求恢复纯正雅乐，反而使雅乐文化日益僵化、没落。在内容上，出现了瑞曲，主要是地方官吏将奇闻异事呈现给皇室，用于谄媚。宋代雅乐在乐律制作方面，将雅乐与阴阳五行相互联系，完全失去了其艺术性。音阶出现五声、七声的分歧，音域出现八度内的十二个半音和叠加四个高八度清音的区别。古云：“今太常乐县钟、磬、埙、篪、搏、拊之器，与夫舞缀羽、、干、戚之制，类皆仿古。逮振作之，则听者不知为乐而观者厌焉，古乐岂真若此哉！”③以恢复“雅正之音”为目的，极端地将雅乐的审美性和艺术性完全忽略的做法，种种矛盾都直间或间接将雅乐推向僵化的发展趋势。
新雅乐是由中国古典音乐演唱家哈辉所缔造的21世纪中国之德音雅乐。其内容纯正高雅，节奏中正平和，旋律磅礴柔美，寓意源于自然，合于中道，内涵深厚，深远怀古，神远韵长，旨在传递“以礼修身，以乐感人”的艺术宗旨，是集“诗歌、音乐、舞蹈”为一体的“新乐”。
哈辉是中国古典音乐演唱家，生于陕西汉中，2000年毕业于艺术学院，现任中央民族大学副教授。作为中国国学推广大使，目前正在潜心研创属于当代中国的新雅乐。哈辉的唱腔质朴醇厚、跌宕起伏，可概括为具有“圆、润、糯”的特色。她也以此被外界评论为具有中国特色的“吟弦腔”。更有国外媒体将其嗓音与演绎形容为“如在丝绸线上滚动的水露珍珠，圆润而轻灵，飘逸而醇香，音聚而带神聚，形散而神不散”。在《哈辉・新雅乐世界巡回演唱会》的表演中，哈辉全面展现出其独到而令人瞠目结舌的个人表演特色。她的演唱技巧柔婉动听，余音绕梁，三日不绝，表演技艺优雅精湛，颇具古典细腻之美，服装风格华丽精细，好似一场视觉盛宴。种种因素互相渗透，将中国古典女性所特有的柔美、含蓄、娴雅与古雅之魅力表现得淋漓尽致，令观众过目不忘，流连忘返。
新雅乐指的是由中国古典音乐演唱家哈辉所缔造的“静雅、古雅、典雅、清雅”之乐，而非传统的古代宫廷祭祀音乐。“新雅乐”提炼传统文化中仍有生命力的古典艺术精华，将之与流行音乐元素融合，在古代与现代、西方与东方、古典与流行中，构造出一种和谐。④“‘新’就是融入时代精神，在中国古代音乐的基础上，在音乐配器的使用、演唱方式及造型等方面有一个时代性的调合。”，诚如哈辉所说，新雅乐并没有脱离古代雅乐，而是在沿用古代雅乐元素的基础上取其精华去其糟粕，加入具有时代精神的、符合现代视听审美感受的新音乐形式。与古代雅乐相比，新雅乐的创新点主要表现在“思想性”和“形式美”两个方面。从思想性来说，新雅乐将礼与乐看作理性和感性的融合，传承了孔子的美学思想。从形式美来说，集合诗歌、音乐与舞蹈于一体，恢复其整体性，化零为整，实现了新雅乐的艺术功能。
雅乐文化渊远流长，其表演内容颇为广泛。像周代雅乐有《象》《大武》，《诗经》中的风、雅、颂，也有很多是雅乐曲目。各种礼仪音乐的歌辞大多来源于《诗经》中的“大雅”“小雅”和“颂”，少数属于“南”。“大雅”是“会朝之乐，受、陈戒之辞”，“小雅”是“燕飨之乐”，“颂”是“宗庙之乐歌”。⑤之后每个朝代的雅乐内容，都在周代雅乐的基础上进行发展。其中有乐曲、瑞曲以及《诗经》中的歌曲，大多数都在原曲的基础上做改动，进行二次创作。在哈辉所引来的当代新雅乐团队中，表演的内容对普罗大众来说都是新颖而又脍炙人口的。说其新颖，是因为当代社会古典文化教育大量缺失，人们对《诗经》《大学》这类经典文学瑰宝的重视程度不高，大多数人不会涉猎阅读。说其脍炙人口，又是因为像《关雎》《游子吟》这类经典诗篇经常在电视、报纸等新媒体中出现，令人耳熟能详。新雅乐的表演内容囊括了儒乐、汉乐、诗乐以及颂乐，纯古典及后古典风格。用当代艺术的形式来讲述国学，传授国学，必能让更多人接受并喜爱雅乐这门艺术。
古代雅乐使用的乐器以编钟和遍磐为主。汉代以后雅乐的主要乐器逐渐被新兴的乐器如琵琶、横吹等所取代。雅乐所用乐器的种类、数目，乐器的摆放位置，甚至规定乐师就位时走过的路线等，每个朝代都有特定的要求。新雅乐使用的乐器有磐、编钟、古琴、埙、笛子等，虽然在编曲方面加入很多时下流行元素，将古典气息与现代韵律相结合，但是坚决不允许出现俗乐的乐器，其目的是严格坚守古代雅乐的品质，还原古代雅乐的形式，将乐器精华元素流传下来。
我国古代较为典型的雅乐歌曲，在演唱时庄严、肃穆、平稳；声音没有太过明显的变化；装饰音等几乎不会出现。哈辉在个人专辑《关雎》的录制以及新雅乐世界巡回演唱会中的声乐演唱中，同样表现得典雅精致，柔婉动听。在演唱技巧上向古代雅乐看齐，力求做到宁静典雅，庄重柔美。同时配器、服饰等都配备现代意识，既没有脱离古典审美，又将“新”与时代相互联系起来。
雅乐是中国音乐史上重要的一块瑰宝，从其繁荣到衰退，僵化到复兴，雅乐始终在中国音乐史上活跃着。通过对古代雅乐与当代新雅乐的对比，笔者发现：1.后者的表演内容是对前者的继承与创新。2.乐器使用方面，后者严格要求还原前者。3.声乐演唱方式上，后者效仿前者，力求做到与前者相通。古代雅乐是在特定的社会中生成、发展起来的，除了政治作用，还具有一定的社会功用。然而随着封建时代的终结，雅乐也走到了它的尽头。如今我们再现雅乐，是对中华民族祖先的祭奠，也是对传统文化的传承。新雅乐被赋予了新时代的精神和气质，大力弘扬新雅乐，是对这一历史文化遗产的宣传和保护，这对增强中华民族的凝聚力，扩大中国文化在世界的影响，具有十分重大而深远的意义。
注释：
①张耀.《雅乐含义及先周雅乐的表现形态》《中国音
乐》，2006年第2期，第163页
②汉・司马迁撰.《史记・周本纪》卷四，中华书局，1959年
9月版，第73页
③元・脱脱等.《宋史・乐志》卷一四二，中华书局，1977年
11月版，第3357页
④《“新雅乐”为哈辉导航》音乐周报/2009年/3月/25日/
第003版
⑤中国大百科全书总编辑委员会.中国大百科全书・音乐舞
蹈卷[Z].北京:中国大百科全书出版社，1989.
参考文献：
[1]张耀.《雅乐含义及先周雅乐的表现形态》《中国音
乐》，2006年第2期，第163页
[2]汉・司马迁撰.《史记・周本纪》卷四，中华书局，1959年
9月版，第73页
[3]元・脱脱等.《宋史・乐志》卷一四二，中华书局，1977年
11月版，第3357页
[4]《“新雅乐”为哈辉导航》音乐周报/2009年/3月/2日/
第003版
[5]中国大百科全书总编辑委员会.中国大百科全书・音乐舞
蹈卷[Z].北京:中国大百科全书出版社,1989.
古典音乐的起源篇5
【关键词】中学音乐课；流行音乐；传统音乐
在中学音乐教育中激发学生的学习兴趣、逐步促使学生形成对音乐的学习兴趣，是提高中学音乐教学的重要保证。中学生们拥有着一颗充满活力的心，他们不停地追求着新鲜的事物，同时也被这些新鲜事物深深地感染着，各式各样的、富有动感和冲击力的流行音乐让他们将疲惫与不快尽情地发泄，让无比活跃的神经完全释放，追求流行与时尚。但是，有些学生在盲目追求流行音乐的同时，却忽视了古典音乐和民族音乐的重要性，难以感受、理解古典音乐的文化精髓，对古典音乐和民族音乐“望而却步”，甚至觉得听古典音乐和民族音乐很“闷”、很枯燥，说太旧、太土，不喜欢听。现在流行歌坛吹起一阵浓厚的复古华丽古典风，很多知名的流行音乐人，都在自己的歌曲里加入了古典音乐的元素，有的在古典音乐的旋律上加配歌词，也有在古典音乐的旋律基础下进行再创作，又或是将古典音乐的旋律作为伴奏，进行再创作……针对这一趋势，我试着从学生们喜欢的流行音乐入手，探索实现流行音乐与传统音乐的衔接，达到激起中学生学习音乐兴趣的目的。
一、用流行音乐导入新课，启发学生的心灵，提高学习兴趣
例如第五届全国音乐优质课一等奖《永远的莫扎特》一课中老师先播放了S.H.e演唱的《不想长大》，再和莫扎特的《第四十交响曲》比较，学生发现如此时尚、前卫的音乐竟源于两百年前的古典音乐，出自音乐神童莫扎特之手，用学生喜爱的流行歌曲激发学习兴趣，营造轻松的学习氛围，也成为该课的一大亮点。笔者在音乐课上也尝试用流行音乐导入新课：如《中国京剧》一课用李宇春的《n+1》导入，引出京剧艺术的部分表演特征，包括京剧中的念白、青衣的角色和西皮流水的唱腔等；《天鹅湖》一课用S.H.e的《remember》导入，其主旋律来自经典芭蕾舞剧《天鹅湖》；讲《八音之乐》一课时用北京奥运会开幕式《击缶而歌》引出中国古代的乐器……在不知不觉中学生不但对古典音乐有了一定的认识，而且产生了浓厚的兴趣，也拉近了流行音乐和传统音乐、古典音乐的距离。
二、让一些流行音乐元素融入音乐课堂，激发学生的学习兴趣，加深师生感情
（一）流行歌曲的旋律中包含着当代学生的审美观。歌词来源于生活，往往渗透着生活哲理。青少年一代，喜欢将自己的烦恼、快乐、情感、理想追求等寄托在流行歌曲之中。鉴于此，一方面，我们可以通过对流行歌曲去理解学生；另一方面，我们可以通过与学生共同学习、共同探讨，帮助他们正确理解人生，并且有效加深师生之间的情感。笔者在讲《梨园金曲》时引导学生欣赏了《苏三起解》和陶吹摹端杖说》；在欣赏古典音乐琵琶曲《十面埋伏》时，给学生播放电影《十面埋伏》的片段和流行歌曲《十面埋伏》；在欣赏肖邦的音乐时，欣赏了周杰伦电影《不能说的秘密》里斗琴的片段，并和学生一起讨论，最终得出结论：流行离不开经典。
（二）流行歌曲可激发学生的爱国情操。我在讲《祖国颂歌》一课时，按时间顺序分别让学生欣赏了《歌唱祖国》《中国，中国鲜红的太阳永不落》《我和我的祖国》《我的中国心》《国家》等歌曲，讲述了这些歌曲的创作背景和历史背景，并和学生一起大声歌唱，这些歌曲记录这一个时代，很多歌曲感动了一代又一代的人，可以说当时的流行歌曲，现在也成为经典，课堂气氛很热烈。
（三）流行元素可提高音乐教学实效。面对流行元素的不断发展，教师应根据学生对流行事物的喜爱程度，在课堂上以更大的热情投入到流行元素中。由于流行元素良莠不齐，势必对学校的音乐教育教学带来负面影响。面对挑战，一方面要把课堂音乐教学与社会音乐生活结合起来，采用多种教学手段，如：演唱、表演、讨论等。把一些好的流行元素引入音乐课堂教学中来，逐步培养学生对音乐的兴趣和爱好。例如，在欣赏《动物狂欢节》时，播放《猫和老鼠》的音乐视频片段，让学生从生动活泼的卡通形象中去感受音乐，让他们从听觉和视觉上感受到古典音乐的美妙。
三、在初中音乐教学中要适当渗透“民族风格”的流行音乐
当代出现了大量的具有民族元素的流行音乐，民族元素的流行音乐主要有以下特点：
（一）“民族元素”的流行音乐多采用“宫调式”的主旋律；
（二）在音乐的编曲上大量运用中国乐器：如二胡、古筝、箫、琵琶……
（三）唱腔上运用了中国民歌或戏曲方式；
（四）题材上运用了中国的古诗或者传说故事。
古典音乐的起源篇6
一、流行音乐和古典音乐的简介：流行音乐，大家都很熟悉，就是popularmusic。大范围的流行的，能够让广泛的人们感受到艺术的魅力。流行音乐包括国外的、包括国内的，不再是简单的作词作曲就能完成一首歌。多数的流行音乐的创作者都是青年一代；多数的流行音乐的都是以青年们的情感主体为主；多数的流行音乐使用的乐器都是大众流行的乐器，比如吉他；多数的流行音乐的创作贴近大家心灵，不要求高雅的情操和精湛的技术。流行音乐作品就像他所说的只是“流行”，并不能***长久的保存它的经典。从《纤夫的爱》、《朋友》、《同桌的你》到《天黑黑》、《黄昏》、《他一定很爱你》，无数的流行音乐雨后春笋似地出现，隔一两天就有新专辑。从邓丽君、尹相杰、刘德华到张惠妹、周杰伦、阿杜，无数的歌星献给人们无数美丽的音乐。古典音乐，起源很早，就是classicalmusic。从巴赫、海顿一直到李斯特、约翰•斯特劳斯，古典音乐的魅力让很多人记忆犹新。古典音乐为什么能够久胜不衰呢？那是因为古典音乐比流行音乐更能够震撼心灵、更能让人记住。多数的古典音乐的创作都是经典，没有很强的艺术天赋的人是创造不出经典的古典音乐的；多数的古典音乐使用的乐器都是古老的民族/西洋乐器；多数的古典音乐都是权利和品位的象征；多数的古典音乐有着高雅的艺术情操和精湛的演奏技术。古典音乐有很多作品家喻户晓，像《命运交响曲》、《梁祝》、《星星变奏曲》、《婚礼进行曲》、《蓝色多瑙河》、《爱之梦》等等。古典音乐里有着很多辉煌的创作家，像音乐巨人——贝多芬，钢琴诗人——肖邦，音乐神童——莫扎特，交响乐之父——海顿等。他们多数都有着平凡的一生，并不富裕，也并不渴望富裕，他们用自己的作品反映了那个时代的进步思想，他们的作品了既壮丽宏伟又极朴实鲜明，它的音乐内容丰富，同时又易于为听众所理解和接受。
二、流行音乐和古典音乐的对比：
每一个人从内心都会肯定古典音乐的魅力，只是有时还认识得不很透彻，才没有表现出来而已。这个“认识”不但包括对音乐的领会力，还包括教育程度和周围环境的影响。所以即使是肖邦，他休闲的时候说不定也会乐意听听迈克儿的热血作品，因为当时他为能休息而兴奋不已，需要比钢琴曲更激烈的东西来表达。
三、流行音乐和古典音乐的探讨：为什么从过去的只听钢琴曲、交响乐，转变到现在兼容并包的局面呢？因为流行音乐的感情蕴涵非常浅显，能够瞬间唤起听众的感情。因此，听众不需要特定的心情、特定的环境，就可以直接进入到主创人员创设的情景中，从而达到与演唱者一起激动、一起忧伤、一起回味悠长的境界。流行音乐的流行就是因为它实在太大众化，根本不需要你有任何的条件，是完全的大公无私的音乐。如今的社会节奏日趋快速，大量信息的广泛传播需要及时处理，商业谈判分秒必争，学习生活如同绷紧的弦。人们的生活越来越紧张，需要以音乐来加以调剂。这种情况下古典音乐那种深深埋藏的韵味怎么会是享受呢？一位音乐爱好者拜访了一位友人，她家中的光碟数目绝对是瞠目结舌，但找不到任何音乐盛典、外文歌曲，哪怕是老一辈歌唱家的单集、合集。“您认识李古一吗？”“听说过李双江吗？”甚至，“你知道蔡琴和高胜美吗？！”摇头，自始至终。已经忘却了近似常识的音乐知识。这也是沉迷流行音乐，不听古典经典带来的后遗症。还好，像这些还未引退的老一辈歌手还有人认识，伟大巨人贝多芬一生的事迹未被遗忘。中学是性格爱好形成的时期。目前迷恋流行音乐而不能自拔的大多是十几岁的初中、高中生，试想他们一旦迷恋流行音乐而彻底排斥古典音乐。没有正确的引导，青少年追星简直到了
不可思议的地步。这就更是流行音乐的悲剧了。不过我承认，被追星追得不可思议的大多是实力超群的，像刘德华、周杰伦等，的确是优秀。但现在不但世界是在多极化发展，音乐界也在！还有这么多古典经典被抛弃，不知当人们都忘却了古典音乐的时候，音乐界是个什么样子。
古典音乐的起源篇7
一、中国古典音乐的分析
(一)中国古典音乐的概念
中国古典音乐是众多音乐形式中的一种音乐类别。中国古代的音阶分为:宫、商、角、变微、徽、羽、变宫,称为七声音阶,就是现代音乐中的C、D、e、F、G、a、B。七声音阶通常以雅乐和燕乐作为主要载体。通常在宫廷的祭祀活动或者朝会仪礼中会采用雅乐。雅乐起源于我国周代,起初用于祭祀天地、祭祀祖先、宫廷朝会、军事大典等。燕乐指的是在中国隋唐时期到宋朝时期的宫廷宴请所用的歌舞音乐,具有很强的娱乐欣赏性,又称宴乐。宴乐由声乐、舞蹈、百戏、器乐等几种音乐形式组成,其中舞蹈、歌唱音乐在隋唐时期占有较为重要的地位。燕乐中的乐器有箜篌、方响、筚篥、羯鼓、琵琶、笙、笛等。
(二)中国古典音乐的特点
中国传统古典音乐通常具有抽象、深邃和虚幻的特点,可以使人体悟到真实的高山流水、山竹花鸟,随着缓缓的音乐应运而生,通过这种深邃的音乐可以将千古缠绵不绝的生命呼唤显现在人的眼前。那种说不清、道不尽的唯美感觉,就是中国古典音乐所崇尚的一种淡泊、典雅、含蓄、委婉之美,也是中国古典音乐独具之美。中国古典音乐注重的是心灵和心理上的感觉,就是通过音乐将生命的体验和领悟表现出来,最能体现的是中华上下五千年的生命意蕴。中国古典音乐,无论是在心灵上亦或是在感情上,所崇尚的都是一种同大自然的交织相应,显现的都是诗情画意般美的意境。
中国古典音乐注重对情感的反映,通过乐曲可以使听众得到一种主观上的感受,通过乐曲也能够展现出当时的社会意识形态及人类情感世界。中国古典音乐通过作曲者对情感的捕捉,再配上旋律、声调、词、曲等综合形式,把作品呈现出来。中国古典音乐可以通过旋律、声调、词曲等元素的变化展现作品的内涵意境所在。中国古典音乐具有极强的感染力,使听众在听觉和感官上得到一种自然美、人性美、社会美的意境感受。
二、钢琴演奏的分析
(一)钢琴乐器的表现力
钢琴是众多西方乐器中演奏的表现力最为丰富的乐器之一,素有“乐器之王”的美誉,演奏起来非常引人入胜。没有任何一种乐器,可以独自将宏大的气势表现得丰富多彩、绚丽辉煌。钢琴的音域很广,可以达到6到7个八度,通过力度由弱到强的变化,表现多彩的变化,足以同一支交响乐队相媲美,钢琴演奏者可以独自一人通过钢琴创造出一个完美的作品,塑造一场生动的画面。
(二)钢琴演奏的音色特点
在数以百计的音乐弹奏中,钢琴演奏具有其独特的美学效应和发音特色。钢琴具有独特的如歌般的清脆悦耳的灵透的音色,可以将演奏者的情感表达得淋漓尽致,对于钢琴的演奏,要求必须具有纯熟的弹奏技艺,加上演奏者对于音乐深层内涵的理解。钢琴演奏出的音色时而优美甜蜜,时而咆哮愤怒,时而微微细语,时而奔腾豪放,其音色的变化具有极为广阔的空间和延展性。钢琴所独具的音色之美,是其他乐器无法比拟和仿效的。
三、中国古典音乐同钢琴演奏结合所产生的美学效应
通过中国古典音乐同西方乐器钢琴的结合就产生了一种全新的音乐——中国钢琴古典音乐。中国钢琴古典音乐同以往所说的单独钢琴音乐不同,同单独的中国古典音乐也不同,它是一种通过钢琴所演奏出的中国古典音乐,是一种全新的音乐艺术表现手法,是一种东西方的艺术相互结合所产生的结晶。中国古典钢琴音乐演奏具有极强的复杂性,演奏者除了要对音乐深入理解,还要在演奏时极为投入,把握和领会中国古典音乐真正的灵魂及内涵。只有把中国古典音乐与钢琴发音极为巧妙地结合在一起,才能够弹奏出极具中国神韵和静雅风格的中国古典钢琴音乐。
中国古典音乐同西方的音乐,在情感和意境表达、创作手法和表现形式上都有很大区别,中国古典音乐追求的是“神”“韵”“意”的传达和表现,音乐所要展现的是意境和内涵。通过与钢琴的结合,能够很好地弥补中国乐器所演绎的不足,更好地将中国古典音乐通过钢琴的音色表现出来,完美地展现出中国古典音乐的内涵。
(一)对于意境美的表达
钢琴具有极为立体化的音色,可以将中国古典乐曲的意境很好地诠释出来。在中国古典音乐作品中,无法找到纯粹的写实之物,大多是用来歌咏和抒情之作,无论是借景抒情还是借情叙景,都是一种在心理上的感情抒发。下面笔者以几首作品为例,对中国古典音乐用钢琴弹奏表达意境美做更深入的分析。
1.由王建中改编的现代钢琴曲代表作《梅花三弄》通过改编之后,使人们可以透过音乐感受到梅花的时而动态、时而静态的美,并且可以感受到通过傲骨之梅所创造出的意境,从而更加深刻地表达出作者高洁冷峻的情操。改编后的《梅花三弄》不仅再度发挥了原创的艺术之美,并且在原作旋律的基础上,更好地诠释了原作的精神内涵。
2.由陈培勋改编的现代钢琴曲之作《流水》,改编之后,使这首作品更加凸显出作品所要展现的流水之动态和人类同自然界之间相互依赖的意境。听众可以通过钢琴弹奏感受到作品所描绘的流水潺潺的小溪和波涛彭湃的江河,正是作曲者所要抒发的对祖国大好山河的热爱之情。
3.由黎英海改编的现代钢琴曲《阳关三叠》,通过改编之后,成为一首三段式结构的重奏曲。这首改编曲既保留了原作唐代琴歌的音乐特色,又加入了钢琴的特色,融入了一些不同类型的音色,使作品更加丰富,使人能够感觉到更多的层次感,作品改编后,非但没有失去古曲的特色,还增添了音乐的充实感,使旋律线条的音乐更能适应现代钢琴的演奏。
由以上几首古曲改编后的代表作来看,在旋律和音调上仍然具有传统音乐的古朴特点,又在旋律和音调上做了新的创造和发展,使作品不仅能适应现代钢琴的演奏,更创造出了一种深邃久远与现代派融合的意境,彰显了古典音乐的古雅内涵,又使乐曲显得更加余韵无穷。
(二)对于情感美的传递
通过钢琴演奏出的中国古典音乐可以更生动地传递出作曲者想要表达的情感之美,透过音乐的聆听仿佛能感受到作曲者在向人们描述着一个远古的故事。无论何种艺术作品都有其所要表达的情感内涵附着在作品里,听众能够在欣赏乐曲的同时,感悟到乐曲所要表达的情感,欢乐或是悲伤、幸福或是忧郁,都能够在享受乐曲的同时深刻地体会和感受到。
1.感受乐曲美妙情感
对于乐曲美妙境界的感受,是通过钢琴弹奏出的音符来传递的,无论欢快的还是低沉的乐曲都能够带给人全新的体验,使听众跳出现实世界,暂时“停留”在乐曲里进行一种精神层面的享受,更多地感触乐曲中的人与事物。
2.感悟乐曲情感之内涵
透过中国古典钢琴音乐,能够更深层次地挖掘到作曲者的思想意图,从而产生一种情感共鸣,感悟到作品中的灵魂所在,充分感受到作品中鲜活的人物及情感。透过中国古典钢琴音乐,可以把作品中某一时期的情感灌注其中,充分展现作曲者所要表达的意图。
3.灵魂的震撼体验
中国古典钢琴音乐可以拉近听众与作曲者的距离,排除时间的距离,实现两者间的时空对话,灵魂交流。钢琴所发出的的音色,可以使听众体验到作品当时所处的环境,从而通过对听众灵魂的碰触,感受到一种全新的震撼。在人类的灵魂深处,都存在着某种最为真实的情愫,恰巧通过音乐可将其唤醒,通过音乐使灵魂得到一种全新的震撼体验。
(三)对于旋律美的表现
对于音乐而言,其线条之美感是由旋律构成的。音乐透过旋律直接影响听众的听觉感官,使其直接获取到一幅臆造的景象盘旋于脑海。例如《渔舟唱晚》,透过颤音、滑音、跌宕起伏的旋律可以使听众仿佛置身一艘出海的渔船之上,感受到渔船被海水击打的水浪和渔家的歌唱萦绕在耳畔,击浪声、欢歌声美妙地相互交织在一起……中国古典钢琴曲在旋律上力求保留古典滑音、颤音,还加入了新的创造,在旋律上赋予了新意。通过对于音色变化、音乐力度和节奏的把握,使乐曲在旋律上更加丰富生动、起伏跌宕。通过钢琴演奏,不仅能表现出乐曲的古典之神韵,还能够融入西方的复调方法,使乐曲更加具有旋律上的线条变化之美,使乐曲更具表现力等。钢琴演奏更能够帮助欣赏者加深对原作的理解,激发其对美好事物、情感或生活的体验,进而展开对其的追求及创造。
(四)对于古雅典范美的诠释
中国古典音乐通过改编成钢琴曲,可以在保留原曲目的基础上融入西方音乐的曲式结构,形成一种全新的具有古雅之美的乐曲。中国古典乐曲通过改编能够更好地发挥出其古雅典范之美,听众可以透过钢琴美妙绝伦的飘逸质感,呈现古曲的淡泊幽静的古雅之美,更加拓宽了中国古典音乐的美学意境。中国古典音乐通过改编成钢琴曲,会将原有的淡雅从容、从俗到雅的平和幽静展现得淋漓尽致,使这种唯有中国古典音乐独具的博大、深邃、广袤的情怀得到一种极致的展现。如改编后的《梅花三弄》更加深刻体现了原曲的内涵精神,在乐曲的前奏上使用了低音八度的装饰音,使乐曲的音域更加浑厚辽阔,呈现出一种遥远的古雅之美;在乐曲的高潮部分,改编者利用翻滚的音色凸显出梅花的孤傲之雅;在乐曲的结尾上,利用小二度的旋律使整个乐曲的基调变得轻松幽静,表现出古曲的格调及变化创新,让听众感受到梅花不惧严寒的高尚品格,同时又美丽孤傲的淡泊风雅之感。整个乐曲分为六个部分,第一部分旋律较和缓,在缓慢的乐曲中描绘出梅花的透明清秀;第二部分略见活跃之感,利用高音与低音的对比刻画出梅花的淡雅之美;第三、四部分则情绪高昂,显示梅花的刚烈气质;第五、六部分又转入平静舒缓,让听众联想到梅花的典雅之风。这六部分通过钢琴跌宕起伏的演奏给听众一种意犹未尽之感,梅花的超凡脱俗的气度及浑然天成的淡泊之美被一一呈现出来,极致地反映出东方艺术的古雅之美。
古典音乐的起源篇8
关键词：中国风流行歌曲民族音乐元素
民族的才是世界的，每个民族都是独特的，我们中国文化久经未衰，实在是因为它有太多迷人和宝贵的地方。近几年，一批新生代音乐创作人和歌手开始向民族音乐找寻灵感，将中国的一些民族文化元素融合在自己的歌曲中，形成了独特的“中国风”流行音乐。
一、何谓“中国风”
“中国风”这个词对我们来说不陌生。但是究竟什么是中国风音乐呢？通过查找资料和对有关文章的总结，基本得出一个相对比较完整的定义。
“中国风”，按字面上解释，即有中国特点的音乐风格。关于“中国风”音乐的定义，得到大家普遍认可的是音乐人黄晓亮在《中国风音乐史》中说道的：“中国风就是三古三新（古辞赋、古文化、古旋律和新唱法、新编曲、新概念）结合的中国独特乐种。歌词具有中国文化内涵，使用新派唱法和编曲技巧烘托歌曲氛围，歌曲以怀旧的中国背景与现在节奏的结合，产生含蓄、忧愁、优雅、轻快等歌曲风格。”也有人说：“中国风”指的是于2005年开始兴起的，以周杰伦、王力宏、陶为代表的，以R&B音乐风格为主，在创作手法上强调与民族传统文化元素相结合，作品中蕴含中国传统文化符号，并能引起听众民族审美心理共鸣的流行音乐民族化创作风潮及其音乐作品。
二、“中国风”流行歌曲中的中国情结
1、“中国风”流行歌曲中的古典诗词情结
“中国风”音乐最突出的特点是在歌词中包含中国古典文化。当一个人在诗词与流行音乐中读到自己相同的情感寄托，那瞬间的感动足以说明诗词、流行歌曲在情感表达方面有着莫大的异曲同工之处。
有“亚洲流行天王”之称的周杰伦，可以说是开创华语流行音乐“中国风”的先声。他的作品如：《东风破》、《青花瓷》、《兰亭序》等，都被大家所熟识。其中《东风破》的歌词:“一盏离愁孤灯伫立在窗口……你走之后酒暖回忆思念瘦”。歌名本身就是词牌名，而“离愁”、“古道”、“思念瘦”等充满古典意象的词语更是营造出悲凉的气氛。《青花瓷》“素胚勾勒出青花笔锋浓转淡瓶身描绘的牡丹一如你初妆……”极力渲染了江南雅致淡然的景色，构成了极具画面感的内容。可以说，古典诗词是“中国风”音乐在歌词内容上的主要特点。
2、“中国风”流行歌曲中的传统戏曲情结
戏曲音乐是我国传统文化的国粹艺术,流行音乐是当今社会的主要音乐形式,当传统的戏曲因素出现在流行音乐中时,会让我们有种怎样耳目一新的感觉呢？
具有“台湾Babyface”美誉之称的陶，将传统歌曲重新编曲，赋予经典歌曲全新生命力。他将京剧“苏三起解”编成一曲《Susan说》，当中还将“苏三”成为同音谐音“Susan”，并对苏三的故事感怀而创作新词，更值得留意的是，陶在此曲的间奏中加入了用假嗓模仿京剧“苏三起解”的片段：“苏三离了洪洞县，将身来在大街前……”让人们在瞬间有一种时空交错的心灵震撼，有一种柳暗花明的意境。
3、“中国风”流行歌曲中的民族乐器情结
中国音乐应该起源于中国乐器，一个娱乐性的说法是“有了好听的乐器，人的声音才能从说话变成歌唱”。当代流行音乐习惯以西洋键盘乐器、打击乐器和电子音乐为主，而“中国风”音乐掺夹使用了传统的乐器，使中国韵味被积极地呈现出来，是一种全新而且独特的音乐表达。
周杰伦的一系列中国风歌曲，旋律优雅和缓。乐曲中将琵琶、二胡、扬琴等中国传统乐器当做伴奏。以《东风破》为例，歌曲中首先用钢琴演奏四个小节来揭开序曲，加入miDi模仿的扬琴来演奏和弦，二胡独奏在歌曲的间奏处作为连接，琵琶也在歌曲的副歌部分出现，歌曲尾声使用钢琴，与前奏遥相呼应。从表面来看，传统乐器在歌曲中的作用也仅仅是点缀、辅衬，其实，它起到的真正作用是渲染气氛、画龙点睛。
4、“中国风”流行歌曲中的历史典故情结
中国文化博大精深，历史典故自然成为流行音乐取材的来源，同样在中国风歌曲中也有了很好的展现。
陶的《susan说》，以京剧名段《苏三起解》为蓝本，并对苏三的故事感怀而创作歌词，将古今人物的情感，对真爱追求的执著展露无疑。周杰伦的《乱舞春秋》以三国故事为题材；王力宏以昆剧经典戏曲《牡丹亭》为主题，重新诠释以《在梅边》唱出新声音；五月天以《西游记》的故事出发，谱出《孙悟空》一曲；中国内地歌手薛之谦则至少引用11个历史典故完成歌曲《钗头凤》。
由此可见，“中国风”让歌曲创作的范围一下子拓展开来，可以不只停留在现代人的情感基础上，而是积极努力的去学习历史，学习中国文化，挖掘精髓，表现在大众传播的歌曲上，是一个很有意义的方向。
5、“中国风”流行歌曲中的古典意境情结
在中国传统艺术中，意境是中国古典审美精神的重要体现。王国维在《人间词话》里说:“气质，言神韵，不如言境界。有境界，本也。气质、神韵，末也。有境界而二者随之矣。”
周杰伦的《青花瓷》似乎诠释的透彻，悠扬的曲调和水墨风格的唯美画面，组合成了独特的意境，恰似那“自顾自美丽”的青瓷极品，洗尽铅华，古朴典雅。一曲《台》：“残满地伤你的笑容已泛黄……”渗透着无边的惆怅，情景交织，成了绝美。
三、“中国风”流行音乐存在的意义
在此之前，没有人想到民族音乐、流行音乐可以如此和谐的融为一炉。但是“中国风”流行音乐的存在，确实承载了许多中国传统文化的思想精髓。
1、“中国风”流行音乐弥补了流行文化的缺憾，它通过特定的行为方式，将传统的东方文化、古典的西方文化巧妙地糅合在一起，使人们得到审美的愉悦，从而满足了大众的社会文化需要。
2、“中国风”流行音乐作为一种文化现象，其内容承载了许多中国传统文化的思想精神，充分表达了中国的民族气派，让人们产生出一种积极的民族情感。
“中国风”流行音乐是向着中国民族特色的音乐艺术发展方向前进，来表现中国传统文化的精髓。因此我们说：“中国风”不是对中国元素的简单拼贴，而要贯彻能够切入中国人心灵的中国精神、中国气血！从古典中汲取精华，由传统中得到提升，在通俗中得到流行。当传统与流行，历史与现代，古典与通俗完美结合的时候，华语乐坛一定会有更加出彩的表现。
参考文献：
[1]刘锡梁.我国当代流行歌曲民族化概论
[2]黄晓亮.中国风音乐史
[3]洪啸音乐教育工作站
[4]金兆钧.光天化日下的流行：亲历中国流行音乐人民音像出版社
古典音乐的起源篇9
关键词流行音乐多元化探索
中图分类号：J60文献标识码：a
流行音乐是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏，流行一时的甚至流传后世的器乐曲和歌曲。流行音乐在西方的发展已百年有余，经过一个多世纪的发展和演变，它已经形成了一个复杂的局面。在历史的长河中，在多元文化的作用下，它已派生出众多支系，呈现出众多风格，在各大支系和风格之间，千丝万缕的关系交织成了一部浩瀚的流行音乐史。
大体来说，西方的流行音乐可以分为爵士、摇滚、乡村音乐三大块，分别有自己的发展和演变过程。而近年来，中国流行音乐中中国元素有逐渐增多的趋势，如流行音乐出现了戏曲元素、古典元素等，使得我国流行音乐得到了更大的发展，我国的流行音乐中的音乐元素也开始呈现多样性的发展景象。
1流行音乐的多元化发展之路
流行音乐兴起于19世纪，欧美国家的城市化和工业化进程推动了流行音乐的传播和发展。城市化使得大批农业人口涌入城市，城市人口结构的变化为代表着新文化的市民阶层提供了丰富的创作空间，人们通过音乐，抒发自己思念故乡、怀念平静乡村生活的朴素情感，这也是早期流行音乐的基础。
流行音乐在美国得到了迅速的发展，其主要的因素也源自美国的多元化文化氛围，在这样一个新兴的移民国家，各种文化风格兼容并蓄，造就了流行音乐的多样性和长足发展。当时的黑人音乐也给流行音乐注入了许多新的内容和灵感，爵士乐的起源就和黑人音乐有着千丝万缕的联系。爵士乐的演奏方式和演唱方式都别具一格，高低音富于变化，风格多样，极大地扩展了流行音乐的发展空间和创作空间。
二战之后，摇滚乐、蓝调、乡村音乐等各种风格的流行音乐蓬勃发展起来，摇滚乐兴起于20世纪50年代，其创作来源广泛，风格各异，形式多样，适合跳舞，给人强烈的听觉冲击力，迅速流行起来，并形成多种表演风格。1985年在伦敦和费城同时举行的大型赈灾义演音乐会，把摇滚乐的影响力推向了顶峰。几十支不同风格的摇滚乐队，向观众展示了摇滚乐的魅力和感染力，全球观众过亿，演出募得的捐款用于资助非洲忍受饥荒的灾民，这也使音乐的意义得到了升华。
蓝调音乐兴起于美国南部，音乐开始时往往带有忧伤的风格，因此和代表忧伤的蓝色联系起来，被称为“蓝调”。这种音乐强调自我心灵的疏解，崇尚即兴演奏，后来发展成为多种音乐形式。乡村音乐来源于美国南方农业地区的民间音乐，最早受到英国传统民谣的影响而发展起来。最早的乡村音乐是传统的山区音乐，它的曲调简单，节奏平稳，带有叙述性，带有较浓的乡土气息。乡村音乐进入20世纪90年代就已经完全融入了流行音乐的主流，在世界各个角落都能听到它，只是少了一些原始的乡土味，多了一些时代感，这种焕然一新的乡村音乐已成为全世界人们共同的乡音。
当代美国流行音乐的外延更加广泛，我们可以感受到其器乐作品节奏鲜明，轻松活泼或抒情优美，演奏方法多种多样，音响多变，色彩丰富，织体层次简明，各类乐队规模不大，作品多使用最新的电子设备，而声乐作品生活气息浓郁、抒情、幽默风趣、音域宽广，曲调顺口，歌词多用生活语言，易被听者接受和传唱。当代的流行歌手多自成一格，发声方法各有千秋，不受传统学派的约束，演唱时感情重于声音技巧，自由不羁，亲切自然，容易引起听众的共鸣。
2当前我国流行音乐的多元化探索
2.1中国元素融入流行音乐
作为大众文艺的重要部分，流行音乐本来就应该具有较强的地域性和文化特色，近些年流行乐坛的“中国风”就很好地印证了这样一个发展趋势。周杰伦和方文山共同打造的一系列中国风作品，如《发如雪》、《青花瓷》、《兰亭序》、《千里之外》、《东风破》等等，引发了人们对于“中国风”的追求和热望。这些作品之所以能够打动观众，就在于歌曲的旋律和歌词内容会给听众带来一种对传统文化的体验和认同。现代流行音乐的表演风格同民族音乐有机地结合在一起，加上方文山那颇具神韵和色彩迷离的词风，都引发了听众对古老文明和文化的遐思，去追寻祖先的印记。流行音乐中国风的兴起，是和整个社会的文化潮流和氛围分不开的，近年来国学的盛行以及民族文化的复苏，都使得人们更加渴望在音乐领域寻求一种民族认同，因此，中国风作品能够受到热捧也就变得很自然了。
2.2古典元素扩展了流行音乐的意境
中国风作品的兴起，唤起了人们对精致典雅、意境宏阔的古典诗词以及古典音乐的记忆，因此，古典元素也不断地被带入到流行音乐的创作中。当下许多流行音乐作品也借用古典音乐的演奏方式和表现手法，无论在深度和意境上都有很大的扩展和提升。带有古典意蕴的曲调和歌词，都给流行音乐增加了精致、华美和忧伤的基调，扩展了流行音乐的创作空间。当然，流行音乐还是要保持自身的特色，具有大众性和娱乐性。
2.3戏曲元素为流行音乐拓新风
中国传统的戏曲和诞生西方的流行音乐看似相去甚远，似乎没有什么联系，但近几年的流行乐坛，却出现了不少带有戏曲元素的流行音乐作品。借用京剧的唱腔和配乐来表现流行音乐，把戏曲唱法和流行音乐的唱法交替融合在一起，形成一种全新的音乐风格，比如陶吹摹Susan说》、王力宏的《在梅边》、陈升的《北京一夜》等都属于这样的作品。这类作品，将戏曲的特色唱腔和艺术魅力引入到流行音乐中，起到了画龙点睛的作用，也使流行音乐的演唱显得新颖、别致，给人深刻的印象，便于传唱。这种歌曲形式，不但很好地传播了戏曲文化，更增加了人们对流行音乐的民族认同感，也是一种颇具新意的尝试。
总之，无论是在西方还是东方，流行音乐的发展和演变都要充分考虑到大众的消费需求和审美需求。同时，流行音乐也朝着个性化、多元化的方向发展，更好地展现不同地区和民族的特色以及人们丰富的感情和内心变化。流行音乐的制作者和歌手也应该在不断的探索和革新中，创造出各种风格的作品，只有这样，才能保持流行音乐的生命力。
注：沈阳师范大学音乐学院科研立项；课题名称：当下中国流行音乐的多元理论与实践研究；课题编号：2012yyxy-4
参考文献
[1]白丽萍.浅析中国流行音乐的发展趋势[J].北方音乐，2009（6）.
[2]刘臣.浅谈中国流行音乐的崛起之路[J].北方音乐，2010（7）.
[3]梁书琴.对流行音乐多元化时期歌曲原创性的思考[J].世纪桥，2010（13）.
[4]任芳.流行音乐中的“中国风”元素和新诗的发展思路[J].青年文学家，2009（4）.
[5]罗旭.浅谈中国流行音乐发展的历史阶段[J].成功（教育），2010（1）.
古典音乐的起源篇10
首先，我们要分清楚吉他的种类，吉他可以分为两大类。
一类是原声吉他，又叫木吉他。之所以叫做原声吉他，是因为这一类吉他演奏时仅凭吉他本身就能发出我们想要的声音，不需要插电，它们的发声原理是通过琴弦的震动，使吉他的箱体发生共振，从而发出声音。
另一类是电吉他，这种吉他由于没有原声吉他的木质面板，不能把琴弦的声音放大，所以只能在琴身上装有一个拾取琴弦声音的电子装置――“拾音器”，演奏时需要插电，与音箱相连接，这样才能把琴弦的声音通过拾音器，把声音放大到音箱上。
了解了吉他的分类之后，我们下面具体说说原声吉他（俗称“木吉他”）与电吉他的历史与区别吧。
吉他的历史
原声吉他可以分为古典吉他和民谣吉他两种。其中，古典吉他起源于8世纪，期间经过了多次形态上的变迁，最终才发展到现在我们看到的样子。古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。古典吉他是吉他艺术的最高形式。古典吉他不仅限于演奏古典音乐，而且不同的音乐风格皆可用到它，例如古典音乐、弗拉明戈、爵士乐等。
民谣吉他的起源可以追溯到公元前3000千年前的古埃及。它常被用作歌曲的伴奏形式出现，但并不仅局限于此，它在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌中都是很常用的乐器。民谣吉他是吉他家族中最“平民化”的成员。
电吉他是现代科学技术的产物，诞生至今才100年左右。虽然年轻，但由于电吉他音量可大可小，音值可长可短，音色可以任意调节，所以比起原声吉他来，在演奏方面有着更强的表现力，因此，在现代音乐中有很重要的位置。
发声原理的区别
木吉他是物理发音，其中没有电信号的参与，只通过琴弦震动发声；而电吉他使用钢丝弦，并无共鸣箱，只能通过电子拾音器将弦振动转换为电声，然后用扬声器发声，另外，加上各种音效的效果器就可发出丰富多彩的音色。它是属于电子发声，所以必须插上一根电缆线。
结构的区别
木吉他有自己的面板形成的箱体，可以将琴弦的震动通过箱体的共振将声音放大；而电吉他没有箱体，在不插电的情况下音量会很小，所以只能通过“拾音器”这个装置来拾取声音，再通过音箱来放大声音。说到这里一定有人会问：“我见过有人演奏一种吉他，它的外表是木吉他，但却也连着一根线，这是怎么回事呢？”其实，这种吉他叫做“电箱琴”，它只是在原声吉他（通常是民谣吉他）的琴身上安装一个拾音器，将吉他本身的声音经过电信号处理一遍之后，再通过音箱发出声音来。电箱琴实际上仍属于木吉他，但由于经过了电信号的处理，它的音色会多了一层“电子味”。
音色的区别
前面已经说过，木吉他是物理发声，电吉他是电子发声，所以这两种吉他的音色肯定会有很大的区别。电吉他的音色有很强的“电子味”。另外，在电吉他与音箱之间一般还要连接一个“效果器”，它的作用是把拾音器拾取的声音信号进行二次处理，从而发出很多不同的音色。
演奏方法的区别
虽然木吉他与电吉他控制音高的原理基本是相同的，但是它们之间也有着乐器独特的演奏方法。比如木吉他的箱体可以作为一种打击乐器，在拨弦的同时还可以敲击箱体。电吉他的演奏方法就更多样化了，比如点弦、摇把颤音等技巧。另外，大多数情况下，木吉他很少演奏很高把位的音，但电吉他却经常用高把位来演奏。
手感的区别
说到手感，这里要介绍的就不能只是原声吉他与电吉他的手感区别了，因为不同的原声吉他的手感也有区别。之前已经介绍过，原声吉他一般指民谣吉他和古典吉他，由于民谣吉他与古典吉他的琴弦材质不同，导致古典吉他的琴弦要比民谣吉他琴弦软很多，手指按民谣吉他琴弦要更吃力一些。另外，古典吉他的指板要比民谣吉他的宽，所以握着的手感也不同。