古典音乐的种类篇1
在音乐的发展历程之中，人类将从巴洛克时代一直到20世纪早期的音乐称为古典音乐。而20世纪初到现在，以非传统手法所创作的音乐作品，被称为现代音乐。随着经济的发展，相对古板、严肃的古典音乐渐渐被追求个性的现代人所抛弃，现代音乐则成为主流。而在现代音乐的发展中，古典音乐也是渐渐地被融合进现代音乐之中。所以现阶段，音乐艺术呈现出了一种古典与现代相交织的发展现象。
一、古典音乐与现代音乐的异同
（一）古典音乐与现代音乐的区别
古典音乐严肃、庄重，起源于古代欧洲的皇室音乐，更加注重强调乐曲本身，在创作时任何一个细节都要经过严密的思考甚至是计算，而这也很有可能是现代大多数人听不懂古典音乐的一个重要原因。
与古典音乐相比，现代音乐更注重人声，以演唱者为着重点，相较于严密的古典音乐缺乏旋律的严密和思维的严谨。但也正是因为其通俗、随意，现代音乐在现代更为人们所接受。
古典音乐带给听众的感受是和谐、深刻、优美，让人在欣赏音乐的同时能够很好地感受到作者想要表达的深层的感情。《月光曲》的轻柔、《天鹅湖》的凄婉、《英雄交响曲》的庄严等等，都是古典音乐严密的乐理逻辑和严谨的曲序给我们带来的来自内心深处的感受。不论是哪一个时期的哪一个流派，古典音乐带给我们的都是灵魂的深化，让我们的心情在作者精心营造的音乐环境之中得到沉淀。总之，古典音乐以其或恢宏大气、或轻柔婉约的曲调，给听众不寻常的感受。
与早期为皇室所独享、规格严整的古典音乐相比，20世纪初期开始流行的现代音乐以其不受拘束的旋律和个性洒脱的曲调，被更多的人们所喜爱。现代音乐的类别比古典音乐更为多样，但是无论是狂暴的重金属电子音乐，或者是婉转的蓝调，亦或是令人费解的印象主义音乐，现代音乐给听众带来的，是无与伦比的冲击与震撼。古典音乐因为严密的乐理逻辑，使听众的感觉大同小异，但是现代音乐给听众带来的冲击，却是因人而异的。
从创作的角度进行分析，古典音乐家是将自己的感情糅合进了自己的音乐，而现代音乐的作曲人更加注重的是从自己的生活之中取材，让音乐更加贴近生活，这也是现代音乐给人带来巨大冲击的原因之一。
（二）古典音乐与现代音乐的共同点
无论是古典音乐还是现代音乐，音乐的目的都是宣泄人类内心的情感，所以现代音乐和古典音乐最大的相似之处，就是在于情感的宣泄。古典音乐的创作将自己的感情糅合进乐曲之中，通过不同的乐器与旋律的起伏来渲染感情的表达。而现代音乐则是将现实生活和音乐艺术进行糅合，通过简单易懂的旋律和曲调的风格将现实生活巧妙地展现在了乐曲之中，让乐曲活了起来。而更多的现代乐器在现代音乐之中的应用，也让本就冲击力十足的现代音乐更富冲击力。
古典音乐虽为古典，但是在古典音乐创作的年代，古典音乐也是那个时代的现代音乐。所以浓厚的时代色彩，是古典音乐和现代音乐的另一个相同点。
二、古典音乐与现代音乐的融合
随着现代社会的发展，单一的古典音乐或者现代音乐的渲染力已经不能更好地满足听众对于音乐的需求。而现代音乐的创作者在不断地音乐实践之中，也发现了现代音乐因为太追求个性，而带来的乐理与曲调之上的不足。古典音乐严密的曲调和严谨的乐理逻辑开始渐渐地被现代音乐创作者所接受，很多作者都开始注重将古典音乐加入流行音乐之中，让音乐在给人以冲击的基础上，带来古典音乐厚重的感受。在此基础上，现代音乐也在古典音乐的影响之下开始追求内在的感染力和思想深度，努力营造一种来源于生活而高于生活的音乐环境。
古典音乐因为其浓厚的时代色彩，给现代听众所带来的感情冲击并没有现代音乐那么强烈，甚至很少能够引起听众内心的共鸣，更多的是带给听众一种听觉之上的共鸣。所以现如今的古典音乐演奏，开始向现代音乐学习。在保证古典音乐所特有的内在感染力和思想深度的基础上，从乐器等角度下手，增强古典音乐对现代人的感染力。
古典音乐的种类篇2
西班牙画家达利生前一向出语惊人,表达与修辞别具一格。有人说他放语言烟花,是时代表演癖的一部分,不可当真,但还是有人从中嗅出了一些魔鬼先知先觉的味道(魔鬼在急剧变化的时刻,尤其了解这个世界)。达利对古典音乐的酷语让人印象深刻。他说,他怕古典音乐,像怕得天花一样――听音乐与得天花,在这里画上了等号。
达利对古典音乐的怪话,在互联网与全球化的时代,听来好像并不算刺耳。英国有个乐评家在《谁杀了古典音乐》一书中,对古典音乐在今天的形象,冠之以一个新词――“古典可乐”。他的意思是说,商业的无情渗透与操控,娱乐方式的快餐化,正在完成对古典音乐的谋杀。这番见解形象地说出了古典音乐在消费生活中的身份。纵观四周全球化的影响,深受流动性逼迫,匆忙的当代都市人,有“耐心”与“焦点”去听抵达“心灵内在空间”的古典音乐,即使是瞬间握住“古典可乐”一番啜饮,已算是奢侈与有福了。
关于全球化――有的学者称之为“大屠杀”,许多西方思想家与艺术家都进行过探讨。这一探讨这些年也来到了中国。早在全球化之前,爱尔兰诗人叶芝写有《第二次降临》一诗,充满对新世界来临的惶恐。他写道:“一切都瓦解了,中心再不能保持,/只是一片混乱来到这个世界,/鲜血染红的潮水到处迸发,/淹没了崇拜天真的礼法。”让人匪夷所思的是,叶芝在后几句勾勒了一张“新人类”画像,与当下众人的境况极为契合。
叶芝诗中的“中心”,具体到古典音乐中,应该就是调性。调性的瓦解,标志着现代音乐的诞生。随着奥地利人勋伯格建立十二音体系,许多音乐家(包括他的弟子韦伯恩、贝格,以及后来的斯特拉文斯基)渴求借此技术创造新的音乐语言;在近百年的探索中,不仅去掉了音乐的调性,还去掉了音乐的面与线,最后只留下了点,真如同得了天花一般,面目全非。音乐向上的旋律线没有了,温暖情感也被狂暴的情感取代。叶芝所言之“一片混乱”来到了音乐世界,逐波蔓延,广泛传播。
当年音乐语言的变革者尽管是新式作曲法的开路先锋,却一直得不到广大听众的认同。迄今为止,古典音乐正宗发烧友普遍不接受十二音体系的古怪音效与不和谐的音乐美学。正因如此,很多乐评家论及古典音乐时,把影响巨大的现代音乐之父勋伯格分成两半,以十二音体系为界,只谈之前的勋伯格;甚至有人把古典音乐与现代音乐之间的分野,看做决定论与偶然论之间的区别、有神论与无神论的区别、旧人类与新人类的区别。
在他们看来,带有决定论色彩的上帝退场后,循环论里的人类形象也消失了;现代音乐与光怪陆离的现代世界相契合,是送给已无温暖感的新人类的“全新物种”。顺着这一思路,巴赫、莫扎特、贝多芬等古典作曲家,其音乐与音乐中标举的生命哲学属于有神的温暖世界,勋伯格及其弟子属于背叛天真礼法的无神论者。
如此,听古典音乐成了一种立场选择,具体到中国乐迷身上,也开始有了类似分野。20世纪八九十年代,整整一代的中国古典音乐爱好者,享受到了古典音乐唱片业繁荣带来的盛宴;随着欧美指挥家、演奏大师的名字耳熟能详,一代人接受了一个调性完整、决定论占统治地位的音乐世界。这些作品背后或多或少都有上帝、人子、永恒女性的影子。现在看来,那是古典音乐在中国的一抹暖光。
十几年过去,我们正遭遇一个众人跟着资本起舞、无暇他顾的全球化时代。古典音乐在这个时代的确节奏太慢,里面传达的天真礼法与温暖感情,在都市的高楼大厦里找不到对位。至于巴赫音乐中荣耀上帝的乐思,莫扎特作品中潜在的基督教神学,贝多芬交响曲里自我的冲突与超越,渐渐变成了学问家的题目。时代无情,也是时间无情,听古典音乐现今有点类似上教堂;即使到了弥撒时间,人们低头默念的也未必是上帝。古典乐迷尚且如此,新乐迷感知些什么,是另外一回事了。
古典音乐的种类篇3
关键词:经典音乐;流行音乐;艺术价值;审美价值
音乐艺术如同建筑、绘画、雕塑等艺术一样,是人们在不断的劳动中创造的,是人类精神文明的结晶。在人类社会的发展进程当中,音乐艺术扮演了极其重要的角色。从纯粹宗教用途的格里高利时期的宗教音乐,到宣扬以人为本新思想的文艺复兴时期的音乐以及后来的巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期。不同时代的音乐都有着厚重的时代背景,对当时人们的社会生活有着不可估量的价值。
随着社会物质文明的发展,人们的思想也更加丰富,对音乐作用和价值的认识也越来越全面、越来越深刻。可以说,有多少人聆听音乐,音乐便体现出多少种作用,有多少人研究音乐,音乐便具有多少种价值。然而正因为如此,如何才能正确地判断音乐的价值成为一个比较复杂的问题。长期以来,人们习惯用“经典”与“流行”将音乐分为两大块,本文就从“经典音乐”与“流行音乐”的角度出发来谈一谈音乐价值判断的有效性。
1956年美国芝加哥大学人类学家Robert.Redfield在《乡民社会与文化》一书中提出了“小传统”(littletradition)与“大传统”(greattradition)这一对观念,用以说明在较复杂的文明之中所存在的两个不同层次的文化传统。而在音乐文化中恰恰可以用这两种观念来进行分类。所谓大传统是指一个社会里上层的士绅、知识分子所代表的文化;而小传统则是指一般社会大众,劳动人民所代表的生活文化。这两种文化也可以称为“学者文化”和“大众文化”。对于音乐文化而言,我们分为“经典音乐”(classicmusic)和“流行音乐”(popularmusic)。
这里的“经典音乐”应该是一个比较广泛的概念,包含了平时我们所说的“高雅音乐”“古典音乐”等等对欣赏者的文化水平和艺术修养要求比较高的音乐作品;而“流行音乐”则是比较通俗一点的,易于流行的,易为普通大众所接受的音乐作品。围绕着这两种音乐形式的种种争论既是自古就有的“阳春白雪”与“下里巴人”的雅俗之争的延续,同时也是现代生活方式变革中不同价值体系冲突的表现。
对于如何有效地判断音乐的价值,应该从两方面入手。一是音乐作品本身的音符、技法以及文化底蕴等方面的价值,也就是客体自身所具备的属性或特值,即音乐作品的艺术价值。二是由音乐作品与欣赏主体之间价值关系所带来的音乐价值,也就是满足欣赏者审美需要的属性,即音乐作品的审美价值。
个人认为,单从艺术价值上来看,经典音乐的价值确实要高于流行音乐的价值。这里艺术价值不单单包含了音乐方面的价值,甚至还包括了历史价值、文学价值、宗教价值等等其它方面的综合性价值。这是由经典音乐自身的定义所决定的。经典音乐中最具代表性的是西方古典音乐。古典音乐主要以乐谱记录和传播,和大多数民间音乐口传心授的模式不同。也有人认为“古典”是对应于“流行”而言的,因为这些音乐经得起时间的考验,能够引起不同时代听众的共鸣,故认为应当称之为“经典”(classic)的音乐。但如果细究古典一词,本意可以理解为古代留传下来堪称经典的音乐作品(古代加经典),但是一般来说,古典音乐是具有规则性本质的音乐,具有平衡、明晰的特点,注重形式的美感,被认为具有持久的价值,而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于古典(classical)与经典(classic)的不同。古典音乐(classicalmusic)本来是专指德奥在1750―1830年间以海登、莫扎特、贝多芬为代表的音乐,即所谓“维也纳古典乐派”的音乐(或翻译为“维也纳古典主义音乐”),这就是狭义的古典音乐。从这个狭义的古典音乐概念出发,我们可以向前追溯到巴赫、韩德尔,乃至更早的天主教、基督教的宗教音乐,向后延伸到浪漫主义、民族乐派,以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐,也就是基于这个传统的,无论是继承和发扬这个传统,还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试,都可以归入今天广义的经典音乐范围之内。所以说,经典音乐是时间的积累而不是浮躁的社会娱乐,它承载了太多人类精神文明的精华。
1979年,帕海贝尔的《卡农》由于太过著名,作为代表人类文明的标志被美国宇航局通过卫星送入太空,同时上太空的音乐还包括贝多芬的《第九交响曲》、德彪西的《月光奏鸣曲》、莫扎特的《魔笛》以及中国的古琴音乐《高山流水》等经典作品。
东方音乐文化的无价之宝《十二木卡姆》,有“音乐活化石”之称的《西安鼓乐》,格鲁吉亚的复调歌曲《查克路罗》,产生于17世纪的古老的俄罗斯教会音乐的《塞梅斯基口头文化》等等这些经典的、民族的音乐形式都已经成为世界非物质文化遗产。
看到这儿,经典音乐的艺术价值应该就不用再多加赘述了。但是,这并不是说流行音乐就没有价值。流行音乐也叫通俗音乐,在西方称为“popularmusic”。广义上讲,流行音乐是社会文化的一种形式;狭义上讲,流行音乐在形式上短小、简练,在内容上贴近生活、注重反映普通人的生活状态与情感经历。在中国有亿万人是听着流行音乐长大的,流行音乐对当代中国人的生存状态和价值取向的影响是深刻的。也就是说“流行音乐不只是一种艺术现象,也不是个体现象而是社会文化现象”。
我国流行音乐是通俗性的大众文化产品,所以它经常选择与人们的日常生活息息相关的内容作为歌词创作的素材,并且集中反映老百姓的喜、怒、哀、乐,反映人们对物质生活的满足或是对精神生活的困惑。闽南歌曲《爱拼才会赢》“三分天注定七分靠打拼,爱拼才会赢”带给我们的是一种精神,一种要勇于面对人生,坚忍不拔的拼搏精神。孙楠的《红旗飘飘》,刘德华的《中国人》彰显的是一种爱国主义热情,宣泄出了人民对祖国越来越强大的一种信心和自豪。
流行音乐不仅具有鲜明的节奏、优美的旋律,在一些作品中也会有充满文学意象的词曲创作。周杰伦和方文山正是这样一对组合。方文山以“中国风”为流行音乐注入另一种的色彩,何谓中国风歌曲?方文山曾在《青花瓷―隐藏在釉色里的文字秘密》一书中引导读者从编曲、旋律、唱腔与词意去解读:曲风为中国小调或传统五声音阶;编曲加入中国乐器,如琵琶、二胡、洞箫,以及歌词夹杂古典背景元素的用语,如拱桥、绣花鞋、蹙眉、红颜等,均可视为中国风歌曲。在《东风破》的歌词中,方文山融入古典背景的用语,并巧妙借代引用与转化古典诗词,一盏离愁、一壶漂泊、一曲东风破……温婉的、娓娓道来一段忧伤的情事,这样的中国风成功的营造出一种时空,幽幽地引人进入一种思念的氛围,令人沉醉。
从整体而言经典音乐中所附加的文化价值要高于流行音乐。经典音乐基本是社会上层人士创造和欣赏的,从巴赫为城堡主写的华丽的协奏曲,到莫扎特为宫廷做的曲子,到斯特劳斯富丽堂皇的圆舞曲,这些都是各个时期有钱人才享受的起的。不是一般农民和小工人能产生共鸣的,毕竟他们没有这样的生活,没有这样的闲情逸致。但是并不是说经典音乐完全是上层人士的创造,他也是从民间积累出来的,不过表现形式和复杂程度比较高一些。比如李斯特的匈牙利狂想曲、肖邦的玛祖卡和众多的民族主义乐派。所以综合看来,经典音乐应该是人类高级文明的建筑之一,具有较高的艺术价值,但这是针对人类全体而言,并非每个人。
说完了艺术价值,再来看看经典音乐与流行音乐的审美价值。前面我们提到过审美价值是音乐作品与欣赏主体之间价值关系所带来的音乐价值,也就是满足欣赏者审美需要的属性。因此审美价值的判断是个人主观性的,它是由主体依据个人感受需要的适宜性决定的,并非是外界客观的。而不同的欣赏主体都有着一把标准不同的尺子,你认为非常好听的音乐如果我不喜欢,那对于我来说它就没有任何审美价值,正所谓“萝卜青菜,各有所爱”。
审美价值的意义是在于向人们提供良好而丰富的听觉享受与情绪体验,并通过唤起广泛的情感反应与认识思考,进而达到认识与教化方面的目的,这也是音乐素质教育的根本目的所在。音乐艺术之所以能够在人类生活中处于不可替代的位置,不是由于它具有认识世界与改造世界的能力,而是因为它具有丰富人类感性生活的能力,丰富人类的感性体验才是音乐艺术得以在人类社会中存在的本质功能与根本价值。艾耶尔在《语言、真理与逻辑》一书中认为所有的价值判断,无论是道德判断、审美判断还是任何其他判断,本质上不过是情感的表达,最多是在要求别人能够赞同他的态度。
音乐何为?它应该是一门艺术,这才是第一位的。艺术之美尽管会产生其它实用价值,但美的本身才是根本的观点,它不含任何目的性。因此,音乐的价值只能是审美价值,是人们的一种审美需求。它的前提应该是“无用”,所以才得到“不用之用”的美学价值。不管是经典还是流行,只要能够给我们带来精神上的愉悦,并从愉悦中得到陶冶的就是有价值的音乐。
参考文献:
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[3]卓菲娅•丽莎.于润洋.卓菲娅•丽莎音乐美学译著新编[m].北京:中央音乐学院出版社.
古典音乐的种类篇4
关键词：吉他；课堂教学；可行性
一、古典吉他如歌的旋律
古典吉他宽广的音城，不同音区的音色，在和声织体的伴奏下流淌出动人的旋律，《爱的罗曼斯》通过三连音的伴奏音型，浪漫抒情的主旋律在高声部，分解和弦在中声部，简捷的低声部音型，使许多青少年从此爱上古典吉他，激发学生学习热情和兴趣，为课堂开展古典吉他教学打下坚实的基础。
二、古典吉他丰富的节奏
世界各地各民族的舞曲节奏，古典吉他都能演奏，分解和弦的种类无计其数，具有独特的艺术魅力。扫弦更具有舞蹈性，通过消音所制造的节奏效果具有鲜明的个性，技巧性强，能够迅速地提高学生的节奏感。
三、古典吉他完善的和声体系
吉他是和声性弹拔乐器，能演奏多声部音乐，能完成各种和弦的演奏，三和弦、七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦，以及变化和弦的原位，转位，都可以在吉他把位上弹出，有助于学生和声听觉的训练，为歌唱伴奏提供了丰富的和弦选择。
四、古典吉他多样的形式
古典吉他可独奏、重奏、合奏以及协奏。还有体现学生综合能力的吉他强唱。在学习的过程中培养了学生协作精神，有利于提高学生扎实的演奏基础，学校可成立吉他小组，以各种形式，繁荣校园生活，举办古典吉他比赛及音乐会，推动古典吉他的发展、培养、挖掘青少年古典吉他音乐人才。转贴于
五、古典吉他音色的变化
古典吉他在演奏时，右手手指拔弦位置的改变，音色将发生变化，例如：右手手指拔指板和音孔衔接处，可发出木管音色，再向上方可发出弦乐音色，在音孔1/3处可发出清晰结实的弹拔乐音色，在琴码附近可发出铜管音色。吉他拔弦奏法用piZZ表示，产生扪音的音色。在四、五、七、十二把位的自然泛音，以及任何品位的人工泛音的音色，在琴码处用母指的掌部敲击产生的大鼓音色，在九品位五六弦交叉，产生了小鼓音色等，丰富的音色有助于学生对音色的区别，这是其它教学乐器所不具备的。
六、古典吉他规范的教学体系和作品
古典吉他作为西方传统器，经过3500多年的发展成为现今的形状和构造，在世界各地的音乐学院都设立了古典吉他演奏专业，著名吉他演奏家，教育家主持教学工作，教材、作品采用卡尔卡西、阿瓜多、冈萨雷斯、维拉—罗伯斯、卡雷巴洛、泰雷加、罗德里戈、索尔、朱利亚尼、托罗尼、庄村清志、山下和仁等，完善的教学体系对于吉他的教学将具有推动作用。
七、古典吉他进课堂的几点建议和草拟方案
我国正在深入开展素质教育，中、小学校建立一个现代化的吉他教室将为吉他教学的开展打下基础。
在德国音乐教育的基本思想：音乐教学是普通教育的一个重要组成部分，音乐、诗、歌、舞的统一对于培养学生的基本技术和整体素质的提高起着重大的作用，音乐和唱游作为一种素质基础教育的手段，并不是为了培养特殊的音乐人才为目的。吉他作为一种乐器更适合音乐课堂伴奏乐器和直观的教具，在德国音乐教学中，教师很善于应用吉他弦与弦之间的音高和单指弹拔来帮助学生了解乐音的高低、长短、强弱、也善于用吉他弹奏节奏音型，让学生即能在听觉上有分辨能力，又能在视觉的观察中熟悉节奏音型，开展节奏回声游戏，由于德国的音乐教师普遍具备古典吉他的演奏技能，所以学生在学习时，能在吉他乐曲中领略优美的旋律，然后又渐渐地在吉他的和声性伴奏中抒情地歌唱。同样在唱游教学基本形式的表现也处处体现了吉他的轻便易携的优越性，音乐教师始终能以身作则，积极使用吉他悦耳动听的旋律指导、启发、参与学生的音乐教学活动。
综观德国音乐教学各项内容，我们必然能发现吉他在音乐教学中的功能是相当显著的，可以说吉他为本已绚丽缤纷的音乐教学又增添了一份色彩。摘自《吉他艺术》。
古典音乐的种类篇5
关键词：《猫和老鼠》；古典音乐；儿童音乐启蒙
中图分类号：J605文献标识码：a文章编号：1005-5312（2013）24-0105-02
随着时代的飞速发展，科学技术日益创新，作为孩子家长越来越用科学严谨的视角来看待早期的启蒙教育的重要性，音乐启蒙更是家长们几乎必选的启蒙方式之一。音乐对人的智商、情商、记忆、认知等等方面都产生巨大而深远的影响。正基于此，孩子的家长们在早期音乐启蒙中付出了很多人力、物力、财力。就美国动画而言，声音主要的用途更主要用于增加角色个性的描绘，用音乐预示即将发生的事及控制情绪的转换。这样的作用，常常可以在迪斯尼动画电影或是动画片中看到。《猫和老鼠》又叫《汤姆和杰瑞》，它从1940年问世以来，一直是全世界最受欢迎的卡通之一，故事内容简单，基本没有语言，都是通过背景音乐来表达故事角色的思想活动。在《猫和老鼠》这部作品中，古典音乐与动画处于并列和相互的关系，不再是音乐服务于动画，而是两者合二为一，这使观众第一时间感受到视觉与听觉相统一的冲击力，对孩子启蒙教育影响较大。
一、古典音乐的内涵
古典音乐作为音乐形式中的一种，具有很强的文化影响力。从广义上看，古典音乐在西方很多国家发展得都比较快，而且有一些知名的作曲家，尤其是欧洲的创作艺术，更是在古典音乐的历史上增添了很多文化特色。一般来说，音乐按照发展的阶段来分有古典音乐和现代音乐两个大类。现如今，我们对古典音乐的定义一般是从中世纪的格里高利圣咏开始，一直到19世纪结束前所创作的音乐，我们统称为西洋古典音乐。一般人印象中的古典音乐往往会被认为是西方音乐的代名词，也有人认为古典音乐是经典和高雅的代表，这些看法并不全面。古典音乐有广义和狭义之分。广义上的古典音乐指的是从西方中世纪格里高利圣咏开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的音乐，包括了巴洛克音乐时期、古典主义音乐时期、浪漫主义音乐时期等不同时期、不同体裁的音乐；而狭义的古典音乐则指的是一种带有古典音乐风格的音乐，是以海顿、贝多芬、莫扎特为代表的“维也纳古典乐派”。
古典音乐的表现形式是多种多样的。大量古典音乐大师为人类留下的宝贵音乐作品在许多动画片中被引用。由于这些音乐的加入，使得原本枯燥单调的动画赋予生机，也使得虚拟的卡通形象更加立体生动。
二、动画片《猫和老鼠》中的古典音乐
一般来说，在动画创作中的前期美术设计制定部分，尤其是角色场景的设计都会直接涉及到造型、色彩、声音彼此间的搭配，这些在当今的动画制作中已经是一个非常普遍且被广泛认知和接受的部分。但如果考虑在前期结合一定的古典音乐，创作者很可能从心理学视角将古典音乐要素的色彩引入，进而体现出画面的音乐韵律感，甚至音乐的画面感。在影片中色彩的冷暖变化甚至同一个场景中不同色彩之间的搭配也是有节奏韵律的，角色造型、场景制作的高低胖瘦厚薄远近实虚，也是有节奏韵律的。《猫和老鼠》通过对各种交响乐和管弦乐的使用来表现剧情，而汤姆和杰瑞的动作也和音调的变化同步。没有任何语言，在通过画面编配的大量的背景音乐的衬托下，人们只需要根据汤姆猫和杰瑞鼠滑稽的表情以及夸张的动作，就能够被深深的吸引，从而尽情地感受每一集故事的幽默和风趣。
古典音乐在《猫和老鼠》中应用十分广泛。在动画片中，音乐的配乐是为剧情的需要服务的，它往往能够根据剧情的发展，场景的过渡，画面的转移，卡通人物的情绪变化来运用相对应的音乐元素，从而在揭示主题、渲染气氛、表达情感、塑造形象等方面起到十分重要的推动作用。
如在名为《好莱坞音乐厅》的一集中，汤姆猫化身为交响乐团的指挥，身着燕尾服，手拿指挥棒，派头十足，而老鼠杰瑞这时也赶忙来凑热闹，也想来指挥这场音乐会，而汤姆猫对于老鼠杰瑞的到来却完全不欢迎，其恶劣的态度惹恼了老鼠杰瑞，从而老鼠杰瑞进行一系列报复行动，使得汤姆猫为了演出的顺利进行而疲于奔命，无暇顾及指挥，最后老鼠杰瑞如愿成功指挥全场而告终。在这一集中所用到的乐曲是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯所创作的《蝙蝠序曲》。《蝙蝠序曲》的序奏部分采用三部曲式，乐曲以一个速度为小快板的全奏开始，热烈而欢腾，而此时汤姆猫隆重登场，指挥范儿十足。在汤姆猫的指挥下，乐曲也逐渐舒展开来。在整个乐队轻柔的伴奏下，双簧管奏出充满生机的主题，流露出明显的喜剧色彩。老鼠杰瑞也适时登场。在交响乐团的演奏中，指挥是至关重要的，而在本集中，更引人关注的则是汤姆和杰瑞的激烈交锋，而它们之间的火花也与整首乐曲的演奏契合起来。当老鼠杰瑞决定实施行动来对付汤姆猫时，全曲进入最高潮，在波尔卡舞曲的欢快节奏下，速度越来越快，情绪也愈加激昂，全曲也在这热烈的氛围中告终。
再如在名为《猫的协奏曲》的这一集中，汤姆猫化身为钢琴演奏大师，为我们倾情演绎着弗朗兹·李斯特的《升C小调匈牙利狂想曲2号》。在汤姆猫进行演奏的同时却无意中吵醒了置身于琴箱中安睡的小老鼠杰瑞，从而展开杰瑞的一系列报复行动。李斯特的《匈牙利狂想曲》具有浓烈的匈牙利民族特点，饱含着李斯特对于祖国的深厚情感。在汤姆猫和老鼠杰瑞的斗智斗勇中，乐曲由开始的沉重压抑逐渐进入欢快跳跃的部分，乐曲的速度越来越快，力度也越来越强，仿佛带领着我们进入了一场狂欢派对。一如既往的是汤姆猫不敌老鼠杰瑞，在一番征战中，汤姆猫已无力招架，整场表演则在一派热烈的气氛中结束。
在《猫和老鼠》中还有许多很经典的古典音乐作品。比如在名为《飞行猫》的一集中，汤姆猫为了捉住金丝雀和老鼠杰瑞无意中学会利用裙伞做成了飞翔的翅膀，当他得意且悠然地飞起来时，我们耳中能听到欢快的圆舞曲调，这时我们听到的乐曲，正是“钢琴诗人”肖邦所创作的《降e大调华丽圆舞曲》，这首身心都在跳跃的圆舞曲在此时为汤姆猫插上了翅膀。这些悦耳的乐曲和生动有趣的画面吸引着孩子们，潜移默化，并伴随着孩子们的童年，成为孩子们音乐启蒙的第一课。
三、《猫和老鼠》中古典音乐对儿童音乐启蒙的效果
（一）听觉注意力的培养
从一定层面上来说，动画对儿童启蒙的影响不仅仅因为其中画面所具有的吸引力，也不能小视音乐在其中的作用。在《猫和老鼠》这部作品中，对儿童听觉注意力培养的影响非常明显，能让儿童感受到来自视听两个层面的艺术冲击。例如，在《猫和老鼠》作品中，我们经常能看到汤姆拼命追赶杰瑞的场景，而在这一场景里面少不了急促的钢琴声、猛烈的鼓声和响亮的锣声，再配合频繁的色彩变换和场景切换，能让儿童对动画片有种别样的注意，尤其是能跟随着音乐节奏的变化，产生感染，增强儿童的听觉注意力。
古典音乐中不同作品、不同场景、不同乐器都可以产生很大的听觉差异，对于儿童启蒙而言，好听的音乐对于儿童以后的教育都会产生一定的影响，尤其是对音乐美感的认识与判断。在《猫和老鼠》这部作品中，不同的乐器种类以及各种乐器的不同演奏风格等等，都在刺激着儿童的听觉，吸引着他们的注意力，影响着他们的心灵，这就是音乐启蒙的魅力。
（二）音乐形象的初步建立
儿童对音乐的认知具有很大的不确定性，在音乐启蒙教育时期音乐的熏陶作用、规范性等都会对儿童音乐形象的建立产生很大影响。相信《猫和老鼠》对儿童的影响范围应该是以亿为计量单位的，这种影响绝不仅仅是杰瑞和汤姆之间的斗智斗勇，而是其中近乎完美的声音效果，尤其是二位主人公与背景古典音乐之间的契合度非常高，高兴时、搞恶作剧时、悄悄做事时等等场景灵活生动的音乐，能让儿童听到音乐，即使不看画面也能想象到会是怎样一个场景。这就是音乐产生的效果。
音乐形象属于哲学中的美学范畴。我国儿童音乐启蒙教育与欧洲国家存在很大差别，其中之原因也少不了宗教音乐背景的影响差异问题。在《猫和老鼠》的作品中，音乐是作品的灵魂部分，其作用甚至超过画面的效果，汤姆的出现经常有种“伪绅士”的感觉，而老鼠杰瑞的出现常有一种明星闪亮登场的范儿，音乐贯穿于作品之中，儿童通过其中的音乐能产生情感的变化和对美的认识，建立良好的音乐形象。
（三）促进身心健康发展
音乐对于儿童启蒙时期的教育非常有帮助，能有效促进其身心健康发展。一般而言，儿童年龄到3岁之后就开始识别不同旋律之间的差异，4岁之后就有音乐的节奏感，5岁之后就能分辨声音的响度和美感，6岁之后就能有音乐的欣赏和协调能力，7岁之后的韵律感和节奏感都进一步完善，9岁之后对音乐的美感认知基本形成，并具有一定的音乐辨别和判断能力。因此说，不同阶段的儿童对音乐的认知是在不断发展变化的，启蒙时期的音乐教育影响着儿童的身心健康发展。
《猫和老鼠》的作品中，实现了人物形象与音乐虚幻的完美融合，人物的喜怒哀乐都与背景音乐相协调，让儿童在观看的时候有种身临其境的感觉，能够置身于动画之中，去学习、思考、领悟其中的音乐与动作之间的关系。在儿童音乐启蒙时期，对于音乐的感觉以及对于肢体的协调性的控制都是在发展的，儿童的注意力和兴趣都随着故事情节的发展而变化，能在心灵上产生想象力和感染力，并逐渐形成抽象思维，产生有意识的心理动机。
四、结语
科学的实践已经证明音乐启蒙教育对于儿童的成才至关重要，音乐会影响到儿童的智商、情感、思维、能力等等很多方面，从一定意义上来说，对儿童进行音乐启蒙教育会收到事半功倍的效果。儿童启蒙音乐的发展越来越倾向于潜移默化的影响，注重对儿童音乐审美的培养。首先，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的整体意识。其次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的节奏意识。再次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的欣赏意识。最后，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的审美意识，一些经久不衰的曲目带给儿童足够的美感，视听效果通过神经传递到孩子的心里，能引导孩子客观理解音乐的整体性美，达到音、心、形的完美统一，使儿童确立正确的音乐审美和世界审美。
参考文献：
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[6]陈斌.在多元化的交融中凸显民族个性——新时期中国动画电影音乐发展的思索[J].当代电影，2011（02）.
古典音乐的种类篇6
近日，我在国外见到几位当地音乐学院的中国留学生，谈话间，他们表达出对古典音乐前景的担忧，一致认为培养新的听众是当务之急。他们希望有更多的音乐评论人把古典音乐介绍给年轻人，使更多的年轻观众能充分了解古典音乐的文化价值，了解古典音乐之所以能流传久远的缘由，知道它们到底好在哪里，又应当如何欣赏它们，进而从古典音乐中得到精神的养分，陶冶自身的道德情操，直至提升整个社会的文明风尚与文化素养。
欧洲音乐自中世纪以来经过了漫长的积淀过程，已经形成了非常完备的音乐体系，并以其系统的理论规范、难以计数的作曲家和音乐表演家、浩繁卷帙的传世之作，在欧洲乃至全世界文化进程中产生了巨大的影响，已成为人类社会共同拥有和分享的文化财富。人们一般所说的古典音乐，从狭义上讲指的就是这些范畴的内容。
这里需要澄清一个概念，我们所说的古典音乐不能等同于古老的音乐，也并不特指某一国度或民族的音乐。从广义说，它应该是指在音乐历程中所有的经典作品、理论、录音、表演及音乐家等等。试问以中国民族音乐为素材、运用欧洲交响乐体裁创作的小提琴协奏曲《梁祝》是归类于中国民族音乐还是古典音乐的范畴呢？答案应为后者，或者说是二者的结合体。从这个意义上说，将古典音乐的概念从广义上扩展开来，还应包括世界各民族与地域的经典音乐，当然这其中也包括中国的传统民族音乐。
古典音乐的种类篇7
古典吉他原名古典6弦琴，因定型于古典主义时期而得名。与竖琴、鲁特琴同属西洋弹拨乐器。古典吉他此名称并不表示其仅限于演奏古典音乐，不同的音乐风格，例如古典音乐、弗拉明戈、爵士乐等皆能以古典吉他演奏。
古典吉他也是吉他家族成员，也应当同钢琴、小提琴并列在世界三大乐器之中。和竖琴、鲁特琴等同属古典式弦琴大类。在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚，音色丰富，没有防护板。主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指触弦都有严格要求，技巧精深，是吉他家族中艺术性最高，最具代表意义，最受艺术界肯定的一类。
古典吉他以独奏为主、兼顾一定量的重奏、协奏等；手指直接弹奏并结合各种特殊演奏技巧；从音乐的表现来讲：古典吉他以演奏古典乐为主，兼顾一定量的现代经典乐曲。细腻而多变的音色，丰富的多声部和声演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的音乐都能诠释自如。
（来源：文章屋网）
古典音乐的种类篇8
【关键词】古典音乐;艺术;美学
当我们听到一首美妙的音乐，在享受其旋律给我们带来的美感的同时，更多的通过有限的形象不自主的捕捉和领会到其中更深远的东西。艺术之所以能永久的蕴藏着生命力和美，正是因为他们共同具有在有限的艺术形象中充满了无限的生活本质的内容。艺术正是这样把美的深度的客观社会性和它的生动的具体形象性两方面，集中提炼到了最高度的和谐与统一。中国传统美学思想精髓可谓是从现实生活立足的具有实用体征的内容与形式相互融合贯通的哲学思辨体系，更注重艺术理应遵循于特定的美学价值规范。中国古典音乐就象一颗镶嵌在艺术银河中的璀璨明珠，以其所独有的艺术表现形式，向听众传达出沁人心脾，荡涤心灵的情感语言，让人为之陶醉、为之倾心、为之销魂。这就是中国古典音乐所具有的美学特性，所产生的动人心魄的艺术效果。
在远古的时候，中国就产生了一大批著名的音乐作品，如相传为黄帝时代的《弹歌》;尧帝时代的《咸池》;舜帝时代的《韶乐》等等。中国古典音乐，一直以优美动人的曲调与多重美的特性给听众以无限愉悦而闻名于世。关于古典音乐的无穷魅力，在历史古籍中多有记载。如《左传・襄公二十九年》所言：在公元前544年，吴国季札在鲁国听《韶乐》的演奏，曾发出如此感叹：“德至矣哉，大矣！如天之无不帱也！如地之无不载也”。可见中国古典音乐的神奇魅力和感人的力量。为什么中国古典音乐会具有如此神奇的力量，可以使人为之如醉如痴？这主要归功于中国古典音乐所具有一种与人类心灵息息相通的美质。这种美质，最主要体现在以下几方面：
一、中国古典音乐“天人合一”的美学特性
中国传统文化根植于农耕文明，就必然注重对自然、天象与气候的观察，由此而产生出务实的“实践理性”。重视自然的和谐、人与自然的和谐、人与社会的和谐、人与人之间的和谐以及人自身的身心和谐。并由此认为天与人、天道与人道、天性与人性、天情与人情是相类相通的，从而实现和谐统一，即“天人合一”。从《周易》到儒家、道家、释家都认为，人和自然，你中有我、我中有你，彼此都相融而无真正对立。他们或主张泛爱自然万物，或宣扬回归自然，都追求人与自然的和谐融合。这种追求人与天、亲近自然的观念，对艺术审美产生着非常深刻而强烈的影响。如《礼记・乐记》曰：“感于物而动，故形于声，声相应，故生变。变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐。”再如，庄子在《齐物论》言：“天地与我并生，而万物与我同一。”中国古典音乐美学精神承受传统文化“大一统”思想的美学特性，蕴涵着独特自然生命的艺术形式。它反映在音乐艺术上则强调一个“和”字，即要综合“五声、六律、七音、八风”诸种因素以及“清浊、大小、短长、疾综、哀乐、刚柔”等生命情感。为此，“大音希声”、“至乐无乐”的形而上境界则随着音乐之和的世俗化，而采取了“以人合天”与“以天合人”的方式而转变。诸如：“大乐与天地同和”以及“天籁”、“地籁”、“人籁”等艺术生命理念的诠释和体现。
中国古典音乐更多地借助其结构来表现天地自然和生命意识的一体化，更多地呈现出一种“游心于万物之初，天人合一”的思维方式和宇宙观念，由此形成随机开放的以时空意识为先导的艺术思维模式，形成一种象征生命运动的主体文化心理的乐之随心结构范式，以此作为中国古典音乐美的思想源泉。“中和”音乐观既是世界观与方法论，也是音乐的审美准则。由此派生出“刚柔相济”、“虚实相生”、“高下相倾”、“音声相和”、“前后相随”等一系列完整的自成体系的审美法则。在中国传统音乐、戏曲舞台上不置一物而万物俱在，将其“无中生有”、“虚实相生”的法则体现得活灵活现。中国古典音乐正是运用这一即兴性的自由变化的反复，主体的情感与心理变化随机发挥而又统一于结构之中，注重整个音乐进行过程中的感受与体验，故能给人一种浑然一体的整体美和自然性结构美的印象。所以，中国古典音乐一般是一种散体性的结构，它不追求内在的一种张力，而更多考虑的是一种自然的融入，注重对宇宙自然一草一木、一事一理细细嚼味的生命领悟与情感体验。犹如中国古典水墨画的长卷构图，自由而松散，虽然没有一个严格的整体布局，但却错落有致，通过音乐速度与节奏的疏密变换、对比与统一来体现其对音乐的合理组织，即所谓贵在意到情适。如《十面埋伏》琵琶古曲，曲式结构采用多段体和变奏的原则，但是音乐之间又有密切的联系，具有传统戏剧及章回小说的叙事特色。这种联系，不是靠逻辑和结构来进行整合的，而是自然的一种发展和变化，也就是我们通常讲的是情感的需求与变化的需要。中国古典音乐美学的“天人合一”音乐观，坚持以平和、恬淡为美，讲求“温柔敦厚”、“乐而不淫，哀而不伤”、“和而不同，违而不犯”的整体平衡与和谐，这始终是中国古典音乐基本的审美要求和准则。
二、中国古典音乐“气韵生动”的美学特性
中国古代哲人认为气为万物之源，一气化生万物。气是宇宙的生命之源，天地之间无气则一片沉寂。艺术家则认为气是艺术的出发点，气贯穿于艺术作品的内外。无论何种艺术，都是太一之气化生。《左传・昭公元年》中言：“天有六气，降生五味，发为五色，征为五声，淫生六疾。”也就是说，古乐五声――宫、商、角、徵、羽，都为天之“六气”所化生。《淮南子》云：“合气而为音”。《后汉书》亦云：“五音生于阴阳”之合气。由这些乐论中可见，古人普遍认为音乐产生于太一之气，气不仅是启动艺术灵府的开关，也是艺术生产的基因。气为一切艺术之本源所在，由此也形成中国艺术讲究生机盎然、活泼生动的情趣韵味。气郁结为艺术，艺术也由此而展开一个浩荡的生命世界，充满生机与韵味。“气韵生动”由此而成为中国古典音乐的又一突出美学特性。中国古典音乐在立意、为象，随意转而出的散板、散拍、散节奏方面，无不使音乐的线条呈现出自由抒发的生命活力，如吟、揉、绰、注、推、换、压揉等。中国古典哲学认为，宇宙天地是一个大化流衍、生机浩荡的生命整体。中国古典哲学在一定意义上可以说是以生命为本体的哲学。中国古典哲学认为，只要是生命，就具有孳生化育之能力，从而使万物之流转，天地之无限，新新不停，息息无尽。中国古典艺术美学始终坚持：一切艺术生命都是整体中的生命，乃自一物之生命表现宇宙全体之生命，可谓“一花一天国，一沙一世界”，从一花一草可洞察宇宙之奥妙。在微尘中显大千、有限中见永恒，这就是中国古典艺术的所独有的创造法则。
正是在这种“气韵生动”的美学思想的支配下，才使得追求对生命本质的完美表达，对生活中生命情趣的自我表现，成为了中国古典音乐的重要精神内涵。中国古典音乐无不是通过身体与心灵的内在体验的方式去构建或接触音乐世界，以生命直觉体验去发现和把握音乐的内涵。“气韵生动”的美学特性，造就中国古典音乐重视情感和体验，重视艺术家用“心”去完善自身体验的心理过程，重视把“生命”作为中心来加以强调的深层体现。中国古典音乐美学思维遵循的不是理性的逻辑思维程序，而是生命的、情感的趋向。在中国古典音乐理念中，音乐是心灵世界的直接产物，“音者，心声也”的观念自然得予肯定。音乐正因为是发乎人心，自然比语言要显示出更多的优越性。正如古琴曲《流水》，之所以被演奏者钟爱，就在于乐曲本身是内心世界对自然的静穆观照，以及同宇宙自然相互悠游所产生的体验境界，所激起的不单纯是情绪变化，更是生命之道的超升。所以，乐曲虽然表面上是对景物的描述，而实质是借景抒情，体现着一种坦荡阔大的胸襟以及百折不回、勇往直前的精神境界。正是这种扑朔迷
离的虚灵飘逸感，使中国古典音乐具有了一种缕缕不绝、品玩不尽、三日绕梁的余韵，给人一种“情乱迷离”的魅力，引领思索、探究与把握，却始终捉摸不定，犹如烟消云灭。它不即不离地在脑海、内心深处盘旋。
三、中国古典音乐“意境”的美学特性
中国古典音乐的演奏乐器有古筝、古琴、琵琶、箫、埙等，由于主要为古人文人所用自娱功能，所以追求的正是弦外之音的深邃意境。“意”的概念在古典音乐学中的运用大概始于汉代。《淮南子》云：“瞽师放意相物，写神愈午，而形诸于弦者，兄不能以喻弟。”《风俗通》亦云：“伯牙鼓琴，钟子期听之，而意在高山……倾之间，而意在流水”由此可见中国古典音乐是一种寄意的载体。中国古典音乐的境界是雄浑、无尽、深微、幽远、恬淡的，以最少的声音物质来表现最丰富的精神内涵。古琴、古筝、箫、埙等音淡、声稀，意得之于弦外、声外，正是言有尽而意无穷。古乐重意境，以幽静深远者为主，其表达手法则以借景抒情和托物言志为主。如古琴，民初杨宗稷认为琴曲的艺术表现手法为“拟声、象形、会意”三类。会意则统领拟声与象形，因为后二者仍未脱离音乐的表面物化形态，必须提升至会意才是最终阶段。中国古典音乐重融情入景、情景交融的抒情方式，这是中国艺术虚实对立统一手法的运用，是古人“融实入虚”、“虚实相涵”自然宇宙观之体现。至情景交融才能虚实如一，才能借有限之物表达空灵和幽远之韵。古曲中多用轻柔微弱之音以表达人内心深厚的情感。如《流水》、《平沙落雁》、《哀郢》、《阳关三叠》、《忆故人》等，多景中含情或情中寓景，使人之精神有所寄，意有所会。
在中国古典音乐中，创作家努力使作品具有某种意境，而欣赏者也凝神静听其中的意境，这种意境的传达要求创作家具有精湛的技艺，意境的营造在一定程度上是通过音色、节奏和曲式结构等音乐要素表现出来的。音色是中国古典音乐意境产生的重要条件。中国古典音乐对于音色的要求是非常高的，不仅要在音色中体现精湛的演奏技巧，更要体现创作者的人生追求与意境情趣。中国古典音乐中最普遍和突出的特征是节奏、节拍的不明确。如，古琴谱有一百八十多种演奏技法，然而记录时值的符号却很少。正是中国古典音乐节奏、节拍的不固定，从而实现通过自由的韵律同天地万物相应和，追求天人合一的自由境界。除了通过一定的音乐要素表现音乐的意境，更重要的是“神”与“形”的统一，正所谓“意之深微”，意境存在于深微之处，幽邃之中。然而，它又是“深于游神，得于弦外”，它既要求在乐曲之中，又在乐曲之外，人们既可以通过有限之曲去领会其中意境，又需要超越乐曲的限制，驰骋想象去得到意境，意境是要靠想象实现的，没有想象就没有意境。同时，意境的创造需要创作者本身具高尚的人格素养。中国古典音乐虽靠声音传达，相同的乐曲，但由于人生追求和精神境界不同所演奏出音乐的含义会截然不同。中国古典音乐强调演奏时要将音乐的音响与自然的情怀和对生命的感悟结合起来，追求肤浅和人生态度淡漠的人是很难演奏出深刻的含义的。“意境”是中国古典音乐美学的最高境界，也是众多音乐创作者和演奏者追求的目标。中国古典音乐的意境中，渗透着中国传统哲学与美学等思想，并逐渐积淀为民族的审美心理，成为中国古典音乐绵延不断的生命力所在。
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古典音乐的种类篇9
1.古典与流行音乐结合的必要性
古典音乐和流行音乐是两种不同构架、不同风格的音乐形式，古典音乐规模宏大，清新典雅，流行音乐情感丰富，易于传唱。两者虽然在表现形式、受众等方面有所不同，但是它们的基本结构和本质是不变的，它们都是人们表达内心情感的音乐形式。如今，许多古典音乐在表达形式上日趋流行化，古典音乐与流行音乐的结合也更加紧密。大学生虽然已经具备了一定的音乐欣赏能力，但是由于审美方面的爱好不同，音乐素养差异，加之年龄所限，缺乏阅历，身心发展还不够成熟，因此，音乐教学中，应该针对不同对象的喜好，在高校音乐教学中将古典音乐与流行音乐结合起来，以丰富音乐教学内容，满足大学生的情感和表达需求，提高学生的审美能力，使大学生养成健康的审美情趣和道德品质。
2.大学音乐教学中古典与流行的结合途径
2.1丰富教学内容，改革教学形式。由上述可知，古典音乐和流行音乐有着不同的特点，两者的受众在审美兴趣、喜好等方面也有所不同，针对两者的差异性，教师可以课内外教学内容一体化理论为指导，构建课内外教学内容一体化的教学模式，将古典音乐与流行音乐都引入到高校音乐课堂上去。确切来说，高校音乐教师在音乐教学中，要树立开放的教学思想，要结合大学生的身心发展规律、审美心理特征进行音乐教学内容和形式创新，广开音乐选修课，为学生提供更多接触多种音乐种类的机会。在音乐教学中，教师要加强音乐教学与社会生活的关联，将学生喜爱的流行音乐如《告白气球》、《不将就》等用到音乐教学中来，一方面满足学生的审美需求，激发学生的学习兴趣，一方面地学生进行正确的价值观教育，提高学生的思想认识。在讲述到与古典音乐有关的音乐乐理知识时，教师要积极借助多媒体、投影仪等现代教学设备来形象讲述古典音乐知识，借助多样化的教学方法和经典古典音乐如《高山流水》、《梅花三弄》等，加深学生对古典音乐艺术特色、乐理知识的认识和了解，构建富有传统韵味的音乐课堂，真正使学生了解古典音乐，爱上古典音乐。2.2提高大学生的学习兴趣和音乐素养。就古典音乐和流行音乐比较而言，大学生显然更喜欢流行音乐，究其原因，许多学生从小就接触到流行音乐，他们对流行音乐也更感兴趣。在许多大学生看来，古典音乐虽然高雅别致，但是已经过时。高校古典音乐与流行音乐综合教育，首先要改变的大学生对古典音乐的偏见，而要想改变大学生对古典音乐的偏见，教师要想方设法激发学生的古典音乐学习兴趣，提高学生的音乐素养和综合素质。这也要求高校音乐教师在教学中，在选用的教材、课堂练唱教学中，合理掌控古典音乐和流行音乐的比例，抓住一切机会给学生普及一些古典音乐知识。如在课堂休息时间，教师可以根据当天天气情况、社会热门话题播放一些应情应境的古典音乐，或根据该堂课所要讲述的内容，将古典音乐和流行音乐进行对比分析，以引起学生对古典音乐的关注，使学生慢慢接触并接受古典音乐。2.3借助校园文化进行音乐教学。如今，随着社会发展，高校音乐教学的开放性不断增强。在高校文化建设中渗透音乐教育，进行音乐教学资源开发，是大学音乐教学创新的有效途径。因此，高校要以校园文化建设为基础，将音乐教育与校园音乐文化建设结合起来，支持学生创建音乐社团，鼓励学生以社团为单位开展各种音乐学习、交流活动。与此同时，丰富学生的校园文化生活，开展各种音乐表演、欣赏和文化活动，举办各种音乐比赛、音乐会，推进校园音乐文化建设，培养大学生的音乐素养。或者引导有音乐特长的学生积极参加社区、地方举办的音乐比赛、文化活动，并给予他们帮助和指导，使学生在艺术实践中掌握更多有用的知识，提高音乐素养。
综上所述，在大学音乐教学中，将古典音乐与流行音乐结合起来，具有一定的必要性。高校要以音乐教学改革为出发点，积极探索古典与流行的结合途径和新的教学方法，通过两者相互结合、创新教学实现音乐教学目标。
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古典音乐的种类篇10
有效的音乐欣赏方式是充分理解所体验的音乐作品的前提条件。所以面对不同类型的音乐作品和欣赏者不同的目的应该相应有侧重地采取不同类型的（一种或几种）音乐欣赏方式，以期获得最佳的欣赏效果。从当前专业音乐欣赏课程的教学实际和教材编排的情况来看，一个十分明显的特点就是西方古典音乐的欣赏曲目比例偏多，而现代音乐的欣赏曲目比例过低，造成了学生音乐欣赏知识结构和审美体验的不平衡、不完善，历史经典和旧传统与当代名作和新观念之间出现了断裂和分离。由于了解和欣赏的少，以至于学生在面对这类作品的时候出现了晕眩和困惑的感觉，在体验的同时却不能理解。
由于许多现代音乐作品本身的审美价值涵量相对于古典音乐来说大大降低，所以许多的音乐欣赏者在面对现代音乐时或是采取了慎重的回避态度――“袖耳旁观”；或是采取了极端的批判态度――彻底否定。这些做法实际上都是拒绝进入现代音乐世界的表现，而那些愿意进入现代音乐世界的欣赏者也因欣赏方式的不得当而未能深入体验和理解作品。所以本文在上述的六种一般的音乐欣赏方式的基础上尝试提出一套具体可行的关于现代音乐欣赏的操作方式，以期为现代音乐欣赏的教学提供一套程式化操作的方法。
一
要获得充分的音乐审美体验和形成对音乐作品的正确理解与把握，没有欣赏主体的积极投入是不可能的，这应被视为是音乐欣赏的前提条件，无论欣赏古典音乐还是现代音乐皆是如此。之所以在这里做出强调，是因为在现代音乐的欣赏过程中，欣赏者进入音乐作品的世界（包括音响世界和音乐世界）发生了极大的困难，究其原因，主要是因为现代音乐的音响形态和音乐理念异于传统，在人们审美的耳朵习惯了古典音乐的感觉之后，现代音乐往往在音响形式上给人以怪异、荒诞的感觉，让人无从去捉摸潜藏在这些毫无美感的音响形式下的深度表现理念，由此而产生的听觉排斥也就成为了现代音乐欣赏所面临的一个主要问题。在这样的情况下，现代音乐欣赏难以进入的情况也就不难理解了。但是音乐主要作为一种听觉的艺术，是需要欣赏者投入充分的听觉热情去感受的，所以对于现代音乐欣赏者而言，欣赏者首先要排除主观成见，将现代音乐作为一种现实存在的文化现象去感受，这种感性的体验将形成一种初步的认识，为尔后的音乐理解奠定必要的感性体验的基础。
需要进行说明的是，在面对现代音乐作品充分敞开听觉的同时，还要融合丰富的想象力于其中，通过充分的情感体验去探求音乐的意义。想象力是艺术实践活动所必不可少的一个重要因素，对于音乐欣赏来说同样如此，其重要性不低于音乐创作和音乐表演，因为音乐欣赏是一种对未知作品意义的“读解”过程。由于音乐艺术的非语义性和非具象性，使得这种“读解”过程显得十分困难。只有在音响感知的直觉基础上充分想象，才能够在把握音乐作品的音响形式的基础上去推论出音乐作品的意义。
二
除了欣赏者以一种比较积极的听觉状态面对作品以外，对于有关现代音乐的一些背景知识的了解也是充分理解作品的有效手段。笔者认为，对于这些背景知识应该从以下的三个方面把握：
第一，基于社会环境方面的时代特征的感受。我们知道，任何的艺术作品都会带有时代影响的烙印，任何优秀的艺术作品都是充满着时代特征的。现代音乐作品作为一个特定时代的产物，它本身必然会受到时代精神的深刻影响。20世纪以来的现代音乐作品之所以会和之前的传统音乐相比有着巨大的差异（包括形态差异和表现内容的差异），归根到底是因为20世纪人类的社会生存环境的影响所致。
20世纪是人类文明高度发展的世纪，同时也是人类历史上产生最大灾难的世纪。一方面，人类所创造的文明成果超过了以往各个历史时期的总合，科学技术的巨大发展使得人类的生存方式发生了巨大的变化，生存环境的改变使得人们的情感心理、思维方式和行为方式和以往相比有了很大的改变，这样也就导致了作曲家的创作理念发生了根本的变化，音乐作品的创作成为了表达某种观念、思想甚至于哲学的载体，这样，作曲家不再关注音响的审美价值涵量，而专注于音乐意义的理性价值涵量，同时充分扩大音乐音响的区域范围，做出了一种音响形式新奇、音乐表现深奥的作品，由此因为它不再以听众为根本而导致了现代音乐作品缺少听众；因为它不再以表现美感为中心而导致了现代音乐作品美感的缺失。另一方面，20世纪经历了两次世界大战和多次的地区局部战争。这些战争对于人类的物质文明和精神文明的毁灭性破坏是以往人类历史上的任何战争都无法比拟的。战争造成了经济萧条、生产破坏、社会混乱等等，但更为严重的恐怕还是人类精神领域中所产生的信仰危机。人生价值的丧失造成了人性的扭曲，诸如恐惧、忧郁、压抑、不安和紧张等心理状况常出现在人们的现实生活中，人的异化变得越来越严重，这一切都必将反映到艺术创作中。比如勋伯格的《一个华沙的幸运者》，和诺诺的《飘零之歌》这类的作品，若没有对于时代特征的认识与感受是很难理解它们的。
第二，基于形式层面对于作曲家创作技法的了解。作曲技法是音乐创作的基础，是作曲家音乐表现意图的一种选择性载体，所以对于作品技法的了解将会有助于我们进入作品的形式世界，以更好地理解作品的音乐表现。但是要做到这一点即使对于专业的音乐学习者而言也并不容易，因为他们往往接受的是关于传统古典音乐的作曲学习和训练，所以在此特别提出这一点。
我们知道，现代作曲技术的出现本身是和作曲家新的表现意图联系在一起的，作曲家往往在表现要求上异于传统，如表现人的潜意识心理，如勋伯格的《期待》：表现某种生命状态；如凯奇的《芳塔娜混合曲》：表现一种灾难所带来的人的精神扭曲；如潘德雷茨基的《广岛受难者的哀歌》。诸如此类新的表现要求必然导致对于传统作曲技法手段的更新。20世纪的许多作曲家都自有一套独特的音响结构方式，在现代音乐的欣赏过程中，需要对这些作曲技法做一些初步的了解，以理性的方式从形式层面解读音乐作品。20世纪的新音乐已经成为了一种“专家音乐”，作曲技术层面的选择趋于高度的理性化，作品的音响结构体系本身就可能在表达着某种智慧。所以欣赏现代音乐也要从了解作品的外部形式结构入手，比如对中国作曲家赵小生的《太极》这一秩序井然的音响世界的欣赏和理解必须要从作曲技术层面做起。
第三，基于内容层面的对作曲家音乐创作的美学思想的把握。这一点是进入现代音乐欣赏最为重要的一步，因为作曲家所创作出的作品本身就是某种音乐表现思想的结果。下面主要从现代音乐与古典音乐在审美意识层面上的差异来大略地谈一下现代音乐所依据的美学思想。
20世纪是人类社会生产力取得巨大进步、社会变革加速发展、社会生活产生剧烈动荡的一个世纪，这一切使得人们的思想状况发生了巨大的变化。对于传统价值的否定、对于传统思维的背离成为了这一时期的思想潮流，反映到艺术领域内，就有诸如意识流、达达主义、表现主义、结构主义、解构主义等艺术思想流派，这些都深刻地影响了现代艺术的创作。而现代音乐正是产生在这些现代艺术的理念基础上，可以说，现代音乐创作的美学意识是对于传统音乐的全方位的背离和反叛。
古典音乐的审美意识是以观审美好、美妙、美丽来进行的，它要求音乐作品的旋律符合人们歌唱声调的纯性美，节奏充满着律动感，曲式结构原则表现为对称、均衡，这一切都与人们的生活状况紧密相连，古典音乐的一切表现都反映为美好的，如：爱情、亲情、和平、歌颂英雄之类的主题常出现古典音乐的作品中，总之，古典音乐把哲理性与抒情性的统一，协调发展到了一种最为完美的境界。
现代音乐是传统的古典音乐发展到现代的一种必然。因为传统的古典音乐在发展到其高峰以后，自身也需要变革以获取新的发展动力。从审美的角度来说，现代音乐不再着力表现美，而是着力去表现丑、战争、灾难等一些反方面的价值和事物，因为作曲家认为现实就是如此。现代音乐了传统古典音乐的旋律、节奏和曲式诸原则，以噪音取代乐音，以声响代替音响，以理性取代感性，比如把非歌唱性的人声加入音乐作品中，把表演性的方式加入到音乐表现的过程中等等，诸如此类的做法在现代音乐的创作中很常见，这一切做法实际上导致了现代音乐走向了其本质的对立面。
中国当代作曲家贾达群教授认为，音乐的作用有两个方面，即承载情感和表达智慧。如果说古典音乐更多的是将音乐用于承载情感的话，那么现代音乐则更多的在表达着作曲家的智慧，这样一种事实说明，现代音乐与古典音乐在审美意识上存在着必然的差异，而这种差异也就最终导致了一部分现代音乐走向了一条非音乐的道路。