对工艺美术的理解篇1
【关键词】工艺美术；形态；神韵；理解与传承
我国传统图形艺术源远流长，发展到今天已有几千年的历史。早在文字诞生之前，先民就开始使用图形来传达思想与沟通感情，新石器时代的彩陶纹与刻绘在崖壁上的岩石刻等等这一些不仅记载下了先民对自然的理解与期盼，同时也成为了人类最早的图形艺术。中国的图形艺术不仅起源早，而且不断得到发展，虽然时快时慢，但从未中断，如商代青铜器上的饕餮图形；春秋战国时期的蝌蚪文、梅花篆；汉代漆器上的凤形、唐代的宝相花纹以及后来出现的金文形态等。中国传统图形资源是极为丰富的，它们在自己的发展和演变中，既有一以贯之的脉络，又有多姿多彩的风貌，它们以其多样而又统一的格调，显示出独特、深厚并富有魅力的民族传统和民族精神。这些图形随着时间的推移、历史的发展而不断的沉淀、延伸、衍变，从而形成中国特有的传统艺术体系，这一体系凝聚了中华民族几千年的智慧精华，同时也体现出了华夏民族所特有的艺术精神。
一、回顾历史。
中国古代文明中的四大发明，其实大多与中国传统工艺相关，或者说就是传统工艺文明的产物。久远的工艺美术历史留给今人的，既有无数令世人惊羡的产品，还有亟须传承的传统工艺文化及其精神。
首先，陶瓷是中国传统工艺美术中最具代表性的品类。
当代考古资料表明，早在新石器时代晚期，在我国黄河流域的河南、河北，长江流域的江西、浙江，东南沿海的广东、广西等地都已有烧陶器的活动。元代，景德镇成为全国制瓷中心，青花釉里红成为瓷器生产的经典作品。明清时期，各色彩瓷展示着制瓷业的杰出贡献，各种制瓷技艺达到登峰造极的地步，如斗彩、珐琅彩、粉彩、五彩等，形成一个惊羡天下的彩瓷时代。其次，青铜工艺。从公元前两千年左右开始，至殷商、西周达到鼎盛，历经十五个世纪的辉煌。中国青铜工艺其冶铸技术之进步、生产和铸造规模之宏大、生产的品种和造型之多样、设计之匠心、装饰之精美、文化意义之丰富，都可以说举世无双。第三，中国是最早发现漆树、种植漆树、使用天然漆髹涂器物、制造漆器的国家。目前发现最早的漆碗是距今七千年左右的河姆渡文化漆碗，使用朱红色漆。三代时期，漆器是贵族用品，战国以后漆工艺进入了一个长达五百年的鼎盛时期，楚汉漆器是人类漆器史上难以比肩的经典之作。唐宋时代还创制出了各种雕漆，如剔红、剔彩、剔犀等。漆还作为造像的工艺，成为佛教艺术的重要工艺形式。最后，中国人对玉石充满了敬意，在先秦时期人们已经“以玉比德”，对玉质之美的喜好，更是可以溯及新石器时代。有学者曾认为中国文化实可称作玉石文化，我们从新石器时代各种玉琮玉璧的盛行、先秦时代“君子玉不去身”到明清各种玉制品，大到高达两米多的“玉山子”，小到各种玉佩饰，可以说玉见于中国人物质和精神生活的各个层面。
传统装饰艺术虽历经千年的衍变，确未在变迁中暗然失色，反而愈加有东方民族的特色，历经时间长河的冲刷，更显出其独有的魅力。科技革命已经把人类带到一个前所未有的空间中，生活的多元化、意识的宽泛化，使艺术的传承薪火相传。上述简略的回顾，无非想说明，中国传统工艺美术是中华民族文明智慧和艺术心智的产物，是民族文化与历史的真实存续，在任何时代，我们都没有理由将其抛弃。
二、理解与传承。
传统工艺美术本质上说是旧时代的产物，也是旧文化的产物。在科技主导的现代社会中，作为传统手工业生产的工艺美术，不仅其生产具有一定的守旧性，而且在文化层面上也如此。有的产品在形式、风格、趣味诸方面已不能适应当代人的生活需求和审美需要；传承的目的是文化保持，同时它亦有为当代生活服务的要求，创新因此而具有必然性。
但是创新是有限度的创新，是在传承与保持基础上的创新。
因为传统工艺美术的产品、样式、质料、风格等等，都已成为一种定势，有的已作为一种传统和规范而呈封闭状态。如传统玉雕、象牙雕刻，已形成那种较为工整、逼真、细致的雕琢样式和风格，如果采用现代抽象雕塑的创作方法，将玉石、象牙之类的材料作抽象造型，这将使人感到不伦不类，不仅因为传统的玉石工艺通过精雕细刻将玉石和象牙的材质之类充分表现出来，即一件作品展示了技艺和材质两方面，如若采用抽象雕塑方法处置玉石、象牙等传统工艺的材料，着力表现其艺术的观念，似乎离传统工艺美术太远；重要的是，在人们的认识和意识中，已经形成了一种定势和固有的认知结构。
通过上述分析，可以发现这里存在着两个问题，一是原有工艺与材料统合而形成的传统本身具有封闭的结构，所有创新都将面临一个“度”的规定；二是人们的认知结构决定了对其变化的接受程度和可能性。因此，传统工艺美术的创新，既有来自已有作品样式、风格、工艺材料甚至技术的限制，也有人们已有观念、意图、心理定势等方面的限制。
三、研究主题。
“形态”是工艺美术的造型主题，而它们的表现形式，也就是它们的造型方式，却随着每个历史朝代的更替而转变，总是与当时当地的材料工艺、艺术技巧、社会风尚相适应，往往具有鲜明的时代特色和地域特色。
人们之所以历代不厌其烦地反复描摹一个图形，不仅仅是因为其具有审美意义的外形，而是在这些我们看得到的图形符号的背后，往往蕴藏着深层的象征意义，图形符号只是这些内在意义借以表达的外在方式，是“观念的外化”。这些意义最初大多源于自然崇拜和宗教崇拜，进而衍生出期盼“生命繁衍，富贵康乐、祛灾除祸”等吉祥象征意义，正是由于人们对美好生活的向往和企盼，正是由于人们对这种“意”的执著追求，才使“形”得以代代相传，并衍生出许多旁支左系，可以说，“意”的历史延伸催生出了“形”的历史衍生。例如“日中有乌”、“天命玄鸟，降而生商”的传说，人们对阳鸟图腾的崇拜，使得中国传统的鸟纹有了阳鸟———朱雀———凤鸟的历史衍变；太极图中“通乎阴阳”的鱼形纹饰，在历朝历代的器具装饰中都有其不同的表现形式。
“神韵”是工艺美术的重要思想，尽管每个历史时期的变化往往与前一个时期大相异趣，但我们仍能感受到在这些形式多样的造型中所特有的精神气质，不论是彩陶上稚拙的鸟纹和蛙纹、青铜器上的狞厉的饕餮、还是汉代漆器上飘逸的凤纹，在经历了漫长的时间的淘洗之后，仍然承现出一种惊人的生命活力，感动着我们现代人。而这中神韵的承传来源于中国传统的造型观念，即中华民族特有的哲学观念和审美意识。
人们之所以反反复复地描摹着同一个图形，不仅仅是因为它的外形具有多么美好的欣赏价值，更重要的是在于我们所看到的这些传统图形后面，往往蕴藏着更多更深的吉祥意义。
对工艺美术的理解篇2
关键词：工艺美术设计；艺术创想；应用与分析
一、艺术创想的概念
所谓艺术创想即艺术的创新思维，创新也就是通过对过去的经验与理论进行分析总结，并根据时代的特点，并分析出潮流的走向与发展趋势，做出适应当下市场需求的理论和理念。
二、艺术创想的重要性
社会在进步，时代在快速发展，大家开始追求物质和精神上的享受，尤其是对各种生活物品的要求也逐步提高，大家往往不只是满足于它本事价值所在，越来越多的人开始在意其外在形式。自从我国实行改革开放，使得国民生活水平得到大大改善，过去大家追求的不过是一日三餐可以吃饱，现在大家物质生活得到了显著提高，就要求精神上的愉悦和满足，更多的人对艺术和美都有了自己的看法和理解，因此，如果还是一味的在工艺作品上不思进取，不做艺术上的创新，就会对大家缺少吸引力，让大家觉得没有个性化，让大家缺少兴趣。要想满足大家对工艺品精神上的追求，就这要求工艺品的设计者不仅仅拥有创新思维的理念与能力，还能够把这种理念与自己作品融合起来，让其作品可以在其他作品中崭露头角，更具有时代特色和吸引力。这也就充分体现了艺术创想在工艺美术设计中的重要性。
三、艺术创想在工艺美术设计中的表现形式
让设计者在设计过程中通过对艺术品的主要元素进行创新以后，运用独特的表现形式进而呈献给社会大众，这就是艺术创想的主要作用。具体表现在如下方面：
（一）图形上的创新。工艺美术设计的魂之所在就是图形，当给大家一件作品时，工艺品的外在就是大家最先关注的。因此，设计者既要拥有创新意识，还应该把创新思维和自身特点相融合，进而把自己新的有内涵有特点有创新的东西展现给更多的人。
（二）色彩上的创新。工艺美术设计中色彩上的创新同等重要。各种各样的色彩存在于我们的大自然之中，这些色彩代表的含义不同，大家对不同色彩的含义也存在不同的理解。所以，工艺美术的设计师就要根据色彩不同传达效果以及大家对待不同颜色的不同理解这一特点，结合自身艺术信息，不断创新色彩的搭配和运用，让设计本身更彰显生命力，也能够更好的凸显出设计者的意境所在。
四、艺术创想含括的领域
（一）时间与空间
时间不是静止不动的，我们时时刻刻都能体会到时光流动。艺术创想的动态性就是说随着时间的推移，过去的设想即将成为现实，随时调整与发展同时也是艺术创想的特征之一。艺术创想的动态性在工艺美术设计中是不容忽视的。艺术创想的方向会在时间和空间的互换交织下，变得难以捉摸。因此要求艺术创想不仅要顺应时代潮流还应该与时俱进，面向于未来。所说的空间是和时间处在同等地位的不同事物，具体指的是上下左右四个方向的具体轮廓。很多事物都只是以自我存在，没有目标和方向，这些基本都处于第一性范畴内。可是一种事物被给予了适当方向和目标后，这类事物就进入了第二性的范畴内，换而言之，这类事物和周围的环境、人、物都有了一定的关系。因此，在工艺美术设计的艺术创想中，尊重第一性的存在的同时还应该关注第二性的存在，只有这样才可以创造出具有方向性和吸引力的作品。
（二）主体与客体
工艺美术设计中，我们重点注意的就是人的生产与生活活动，以及人在一定的生活环境中所面临的问题及其产生的影响。科技的进步，社会的发展，人和事的关系也越来越明了，联系也越来越密切。客体在工艺美术设计中，说的是物体本身拥有的属性。事物自身就具备物质与精神的两种属性，不论在价值还是形式与内容上都是息息相关、互帮互助的。首先，在价值方面。一件艺术作品的价值不仅体现在物质上还体现在精神上。物质层面的体现是固定的，换言之就是其所拥有的商品价值。精神层面的体现是不固定的，根据每个人的对待美的认知不用而定的。具有差异性。其次，在表现形式上。物质与精神是工艺美术的2种表现形式。物质所代表的是功能性。精神所代表的是审美的不同。由于大家观念不同，对待美的理解和角度也不尽相同，因此，在进行艺术创新时既要从物质层面出发又要注重精神层面的理解和运用。做到两手抓，两手都要硬。最后，在内容方面。工艺美术在内容上既包括物质层面又包括精神层面。所谓物质层面就是指功能与结构。所谓的精神层面就是指风格与特性。在艺术创想过程中，物质层面普遍性严重，缺少特色。而精神方面应具有个性和独特的特色，不仅在物质层面达到高度还应运用独特的视角与大自然相结合，做到人然合一，只有这样才可以让作品独树一帜，达到激励世人拼搏奋斗的目的。
五、如何在工艺美术设计中培养创新的思维
艺术创想在工艺美术设计中具有相当重要的作用，它不仅是一种全新、全方位的思维创造理念，还能够推动现代工艺美术设计事业更上一层楼。把艺术创想与工艺品设计者的设计作品相互融合，不仅可以让设计者更好的诠释自身作品，还可以让大家深入体会到其心得和所要传播的积极能量。工艺美术设计者要想培养艺术创想能力可以从以下几种方法入手：
（一）调查分析法
根据实地调研考察，收集大家对产品的不同看法与体会，进而抓住问题所在，通过对主要问题的研究与分析从中找寻出最有效的解决办法。我们可以通过这种方法在工艺美术设计创新中确定其目标和具体实施方案。
（二）经验交流法
所谓经验交流法其显著特点就是总结经验，集思广益。大家可以在一起进行探讨，提出不同的想法和观点，同时分享各自的经验教训，互帮互助，既能帮助别人少走弯路，又可以拓宽自己视野，知道自己的优势和缺点，扬长避短，弥补不足。进而使大家都能够完善自身缺点，发扬自身优点，吸取有用经验的效果。进而在达到创想出更多的设计思想的同时可以使自身的创新思维能力得以提高。
（三）列表总结分析法
既通过不同艺术作品的设计出发点与目的性，列出创想中可能出现的问题与一定要达到的目标，进而一一排查分析，从中得到灵感和解决问题的方法。
六、结语
艺术创想在工艺美术设计中存在重要作用和巨大意义。创新思维的运用在工艺美术设计的过程中尤为重要。设计者不能固步自封，要运用创新思维把工艺品价值与自身特点相结合起来，进而呈现出更有生命力和吸引力的作品。设计者只有将艺术创想完美的融入到自己的作品中，唤醒沉睡的思想，打开广阔的创新思维的大门，在实际的工艺美术设计中运用新的理念，才可以创作出令人过目难忘的作品来。
【参考文献】
[1]陈晓明.艺术创想在艺术设计中的应用探讨[J].艺术品鉴，2016（05）.
对工艺美术的理解篇3
民间工艺美术创作，主要以手工方式为主，其中蕴含着乡土气息、地方风俗和民族情感。那种朴实无华中所散发的艺术魅力，更具有独特性且更具有实用性价值。民间工艺美术的现实意义在于其并没有因为提升了艺术价值而被束之高阁，而是依然存在于人们的日常生活中，并发挥着重要的作用。
一中国民间工艺美术概述
中国的工艺美术发展分为宫廷工艺美术和民间工艺美术两个方向。宫廷工艺美术讲究以贵为美，追求奢侈华丽，其价值在于以收藏为主；民间工艺美术则建立在实用主体的基础上，追求天然之美。中国正处于文化大发展时期，人们的审美层次逐渐提高，对民间工艺美术不仅提出了质量上的要求，审美情趣也不断地提升。
中国民间工艺美术源自于劳动人民的生活创造，是以工艺美术艺人对生活的观察，总结出艺术经验，结合生活实际而创造出来的。民间工艺美术是建立在生活艺术的视角上所发展起来的审美层次。因此，其所创作的工艺美术作品更具有生活气息，给人以亲近感。但是，由于民间工艺美术多为家族集藏，其传播局限在小范围内，一些民间美术工艺作品虽被保留至今，但工艺技术已失传了。鉴于民间工艺美术所存在的与众不同的艺术价值，对民间工艺美术实施必要的保护措施是非常重要的。
二民间工艺美术的课程内容
在中职教育中，民间工艺美术课程主要包括剪纸、漆画、蜡染、陶艺等。对课程内容的安排，要从美学的角度将材料和技术融入其中，同时还要考虑到环境的特点。
按照中职教育的特点，以技术应用型为主，因此采用直观的教学方式使教学更具有感性色彩，可以有效地引导激发学生的学习兴趣。运用多媒体辅助教学，可以从传统文化教育的角度出发，以视频的方式将这些民间工艺美术展示出来，使学生对中华民族文化的精髓充分地认识和理解，有助于学生从感性的角度认识民间工艺美术，理解民间工艺美术的内涵、价值和社会意义。
以陶艺为例，其作为民间工艺美术专业课程之一，要开展现代教学，就要在多媒体辅助教学下，合理安排课程。基于陶艺中渗透出的浓厚文化韵味，在教学中要将传统内容与现代工艺美术材料和表现形式相结合。运用多媒体播放多样的陶艺工艺美术作品，将陶艺的传统制作过程以视频的方式播放出来。对学生开展教学，从现代美术工艺的角度出发，做到真实陶艺技术与模仿相结合，并做出明确的界定和评判。经过陶艺的比较式教学，可以引导学生对陶艺价值进行审美判断，并根据陶艺工艺美术的不断演进，对其价值变化加以认识。
三中职教学中民间工艺美术教学的意义
1.有助于提高学生的综合实践能力
关于民间工艺美术，张道一先生认为，与宫廷工艺美术相比，民间工艺美术从表象上来看是粗俗的，但粗俗并非拙劣，更不是平庸，而是散发着土性，但是不孤陋，散发着野性，但并非不驯，也许正是由于这些特性源自于民间的生产生活，因而充满了生命力。民间工艺美术所散发的这种生命活力，正是民间工艺美术的价值所在。
中职学校作为实用技术型人才培养基地，在工艺美术人才的培养上，更注重审美定位及工艺技法的培养，而对中国传统文化有所忽视，导致民间工艺美术课程虽然课时较多，教学内容也丰富，但却没有激发学生的民族文化意识。学生疏于对中华民族传统文化的深入理解，必然难以激发其对传统文化的热爱，在工艺美术创作上难以达到教育目的。在中职美术工艺教学中，其特殊性决定了教学模式的综合实践性。在开展民间工艺美术教学中，注重学生综合实践能力的提高，有利于促进民间工艺美术的传承和发展。
2.有助于提高学生的工艺美术保护意识
受经济因素的影响，人们对文化的价值也习惯于从经济角度进行评价。观念的变化，必然使具有文化价值的民间工艺美术被现代化科技产品所取代。中国幅员辽阔，且为多民族国家，民间工艺美术形式多样、内容丰富。但民间工艺美术主要为家族式传承，致使多种工艺美术技术随着社会历史的发展而消失在历史的长河中。处于现代的社会，为了保护这些传统文化，就要注重教育这一有效途径，使一些极具传统文化色彩的民间工艺美术保留下来。以“五毒”图案为例，受到地域文化的影响，一些地区流传着儿童肚兜上要绣上“五毒”图案，可以对儿童起到预防疾病、防御灾难的作用。这种工艺美术中，蕴含着中国传统文化。如果失传，就难以对“五毒”图案真实地理解。通过民间美术教学，不仅使中国的民间工艺美术文化继续传承下去，而且还提高了学生的文化保护意识，从而提升其民间工艺保护的责任感。
对工艺美术的理解篇4
关键词：艺术教育理工科院校素质教育
教育部在《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》中指出：“高校公共艺术教育课程的目标是：通过鉴赏艺术作品、学习艺术理论、参加艺术活动等，树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养；了解、吸纳中外优秀艺术成果，理解并注重多元文化，发展形象思维，培养创新精神和实践能力，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面和谐发展。艺术教育为大学生的创新发展提供了舞台，创造了条件。”
艺术教育属于美育的重要内容之一，即通过舞蹈、电影、美术、音乐、书法等艺术审美活动实现教育目的。狭义地讲，“艺术教育”可理解为对培养艺术家或专业艺术人才所进行的各种理论和实践教育；广义地讲，“艺术教育”是美育的核心，它的根本目的是培养全面发展的人，而不是专业艺术工作者。①也就是说，艺术教育的范围并不仅限于对艺术设计专业学生的技艺和理论知识的培养，还应包括通过不同的艺术表达形式提高理工科院校学生的艺术修养和审美能力。
一、理工科院校开展艺术教育的必要性
1.人的全面发展的需要。21世纪是人类高科技与高情感相结合的知识经济时代，不仅需要人们具有高智商，还需要具有高情商。一方面，社会向人类提出全方位发展的需求：随着以人为本、注重人的全面发展这些口号的提出，强调了人的综合素质能力的全面发展。另一方面，人类自身也有着强烈的全面发展的要求：随着我国国民素质和物质生活水平的不断提高，人们精神层面的需求也愈加强烈。我国理工科院校由于沿袭了前苏联的教育模式，分科过细，造成学生的知识面过窄，除本专业相关知识外，罔顾其他，严重阻碍了学生综合素质的发展，而艺术教育可以满足人的全面发展的需要。
素质教育成为社会主导教育模式，而艺术教育作为素质教育的切入点，是素质教育的基础。高校作为推动我国社会发展和精神文明建设的中坚力量，旨在向社会培养和输送高素质人才，切合社会发展现状，在高校教育中开展主题鲜明、形式多样、层次丰富的艺术教育工作，将形象思维和逻辑思维协调开发，提高理工科院校学生的综合素质，促进学生的全面发展。
2.校园文化的需要。加拿大著名学者斯蒂芬・利考克教授认为：“在大学里真正有价值的东西，是他周围的生活和环境。”提高理工科院校学生的综合素质，积极营造良好的校园文化是其重要出发点之一。校园文化能够潜移默化地影响理工科院校学生的价值观、人生观，利于其树立正确的思想观念，提升其内在气质和修养，培养其创新意识。由于受到学科布局及专业特点的影响，理工科院校师生多以严谨、求真的理论研究和精确的数据分析为教学理念，专业课程也相对繁重，因此理工科院校的校园文化的构建，普遍存在整体水平不高、缺乏系统性、主题性，校园文化活动参与面、覆盖面较小，互动性不足等现象。据国家教委调查表明：我国学校艺术教育工作还很薄弱，艺术教育管理机构不健全，并且艺术教育内容和方法比较陈旧。充分切实地开展艺术教育，能够烘托校园文化氛围，提高校园文化品质，增添校园人文气息，满足学生的精神需求，使学生逐步了解和体验艺术带来的审美情趣和精神愉悦，缓解压力。
3.艺术教育本身的需要。艺术教育不同于其他专业类教育，其来源于社会生活实践，易受到社会发展的影响，理工科学生这样一群特定群体，可以成为艺术教育的素材，作为丰富艺术形式的载体，使艺术的表现形式和内容不断更新和发展。在理工科学校中开展艺术教育工作，可以有效地推广艺术形式，开阔学生视野，扩大艺术教育的受众面，避免曲高和寡，使艺术教育民族化，大众化，延长艺术形式的生命线，是艺术教育本身延续并发展的需要。
二、几种主要的艺术形式对理工科院校学生的影响
艺术形式指的是艺术作品内部的组织构造和外在的表现形态及各种艺术手段的总和。主要包括：绘画，雕塑，建筑，文学，舞蹈，音乐，戏剧及电影艺术形式。虽然艺术的表现形式的多种多样的，但是艺术本身的目的都是创造性地反映人类对自身或世界的认识，反映人类的真实情感。开展艺术教育的优点在于能够突破理工科院校培养学生的局限性，提高理工科学生的艺术素养和审美能力，促进身心健康发展，使得学生在大学中真正完成从成长到成熟的过程。要在高校中有序、有效地开展相关艺术活动，应考虑到参与受众面、开展场地、形式、经费等现实因素，其中，绘画、舞蹈、音乐、戏剧、文学这几种形式较易开展，以下对其影响进行分别探讨。
1.绘画。理工科院校学生普遍存在缺乏空间想象力的现象，对专业中的机械构造、图纸设计、产品研发等一系列涉及空间想象力方面的课程存在“短板”。绘画能够提升学生的整体观念、形象思维能力，塑造空间感、三维感，培养和提高学生对美的感受力、鉴赏力和创造力。从而对理工科院校的工程制图等课程教学有一定的帮助，通过对绘画作品的鉴赏、理论知识的学习，以及绘画活动的开展，使他们具备一定的空间想象能力，手指的灵活性，以及近距离的视觉敏锐度。
2.舞蹈。舞蹈不同于其他艺术形式的特点是通过肢体语言表现人物、事物及其深刻内涵。理工科学生通过对不同种类的舞蹈的欣赏和学习，能够增强自身的社交能力，学会用肢体语言表达内心思想，丰富与人交往的形式；而大多数舞蹈都来源于生活而高于生活，有情节性、故事性及教育意义，通过学习或者欣赏，能够对学生起到潜移默化的教育作用。
3.音乐。音乐具有“不可翻译性”和“不确定性”，学生可以任意发挥自己的想象力，对其创造力和想象力具有潜移默化的影响和刺激。我国古代教育家孔子，非常强调音乐对管理和改良社会及完善人格的作用，而在现代社会中，通过音乐引发的灵感可以产生不可思议的创造力和发现力。学生通过欣赏和参与学习一方面了解了很多音乐专业知识，更深入地理解和体验其艺术魅力，在提高艺术修养的同时激发想象力、创造力。大量的事实证明，经过系统的音乐学习、音乐修养较高、形象思维能力较为发达的理工科专业人员，通常在其所从事的专业领域中更具创造力，更易获得一定成就。
4.戏剧。戏剧艺术是来源于生活的舞台剧，通过肢体表现、音乐烘托、语言表述等表现方式反映社会万象和传达精神状态。学生在排演、观看戏剧的过程中，更深刻的体会和分辨善与恶、美与丑，理解作品中蕴含的人性光辉、人生哲理，唤醒他们对社会正义、美德良知的拥护，作品中反映出的道德准则、行为礼仪等方面内容，通过对剧中人物情节做分析评价，引发不同的观点立场，探讨正确的解决方式，换位思考品味人生，从内心深处的思想道德教育，到外在表现的行为举止，有着显著的启发作用。
5.文学。一个人的素质表现为对环境的认识及认识环境的能力。优秀的文学作品创造了典型环境中的典型人物，以具体而典型形象表现了人们对环境的认知及认知的过程。现代社会，理工科学生不仅需要懂得专业知识，还需要懂得社会时政、国家历史、人际关系等各个方面，以深刻地了解过去、准确地把握现在。阅读健康优秀的、反映历史的文学作品，一方面有助于理工科院校学生了解和适应当代社会，可以从典型人物、历史事件中吸取经验教训，通过文学素养的培养进而提高道德修养。另一方面，有助于提高其思维能力、审美能力，以及阅读、写作、理解、口语交际的语文能力。
三、对理工科院校开展艺术教育的建议
1.转变理念。目前高校教育观念普遍认为就业率是首要的，艺术课程教学并不重要，不能取得立竿见影的效果。然而，在社会需要全面发展的复合型人才的今天，高校应该高度重视艺术教育在帮助学生提高综合素质、培养创造能力中的重要作用，确立艺术教育在工科复合型人才培养过程中的基础地位，重视艺术实践活动对学生的重要作用和艺术实践活动对校园文化的功能，从理念上彻底转变，在资金的管理和使用、活动的策划和组织上加大力度。
2.优化物质艺术氛围。香港中文大学金耀基先生提出，大学应该给学生提供一种“创造性的文化生活”。“文化生活常决定大学风格，常影响学生的气质品性和文化情调、有生命意义的生活方式。”②在美国斯坦福大学校园中，无论是建筑、雕塑、壁画、公共设施都充满艺术气息。例如，在公共场所建立艺术走廊、树立格言标牌等，都可以提高学生的艺术素养和兴趣。此外，还应重视标志物的建设，包括校训、校徽、校歌、校服、礼仪、雕塑、楼名、路名、校园风物、文物景点、学校标志、室内环境等，创造既有自然美又有人文美、科学美的和谐校园文化环境，充分发挥潜移默化地凝聚人、熏陶人、感化人、教育人的作用。
3.开设相关课程。艺术教育的教学方式是相对开放的，适用于集体活动组织，通过教学的方式达到丰富学生精神需求的目的。理工科院校应开设一些比较系统的艺术相关课程，以提高学生的艺术素养和审美能力。北京大学、清华大学等一批重点院校从20世纪90年代初率先在校内推行艺术公选课学分制，后迅速在全国高校中普及开来。学生可自主地选择，修满学分方可毕业，从而明显提高了理工科学生的综合素质。除此之外，还应在对课堂教学的不断摸索和实践中，形成一套适合理工科院校学生学习的教学体系，包括教学内容及方式、组织管理、效果评价等方面的实施方案。
4.开展实践活动。将丰富的艺术理论寓于各活动中，通过校团委、学生会、学生社团等组织开展各种形式的校园艺术实践活动，使艺术教学与活动相结合，互相补充促进，并在实践中获得体验，在艺术的氛围下，有效地凝聚学生，对理工科院校学生成长成才有着积极的影响。定期举行大中型的文艺汇演，包括迎新晚会、毕业生晚会、红歌会、五四青年艺术汇演等系列艺术实践活动，例如举办高雅艺术进校园活动，使学生不出校园就能欣赏到高雅音乐，印发观众须知，让学生了解出席音乐会的相关礼仪，并在音乐会进行的过程中由主持人介绍有关作品的背景和赏析，在良好的艺术氛围中达到良好的教育效果；也可将艺术教育活动结合不同理工科院校的专业特色进行合理整合，将科学理念注入艺术教育的表达形式中去，可以提高学生的学习兴趣，达到事半功倍的效果。
艺术教育作为素质教育的切入点，是校园里最具活力的教育形式之一，高校开展以形式多样、主题鲜明的各种艺术活动为主导的艺术教育，改善、补充学生的知识结构、提高审美能力、开发智能、培养创新思维、大力弘扬人文精神，让艺术教育渗透进理工科复合型人才培养的全过程，推动人才综合素质的发展。
注释：
①彭琛，马春明，周松竹，薛睿韬.大学艺术鉴赏.北京：中国民族摄影艺术出版社，2010.
②丁冬，王彬彬，等.大学沉思录[m].南宁：广西师范大学出版社，2005：196.
参考文献：
[1]林玎.工科院校开设艺术舞蹈公选课的必要性浅析[J].
[2]刘瑞璞.美国的工科与艺术无障碍教育给我们的启示[J].
对工艺美术的理解篇5
关键词：文化创意产业；中国传统工艺美术；新思维
1传统工艺美术概述
我国的历史是当前世界上持续久远的国家，国得以传承的工艺美术较其他国家而言，有着丰富的种类，这是全世界人类的财富。受到社会的变革、战乱及经济的发展，导致在我国很多的工艺美术淹没在历史长河中。当前仅存的工艺主要在民间，后续的传承面临着诸多的问题。以雕刻、刺绣、陶瓷等工艺品为例，其主要是在传统的工艺制作基础上增加了富有当地特色的艺术，使得各地的生活能在作品中得以表达。这种艺术展现形式与当地的生活习惯、社会情况以及文化变革都有着非常大的关系。从我国的历史回溯，青铜器的鼎盛时期主要在夏商时期。该时期的青铜器技术相对成熟，以四羊方尊为例，当时的青铜锻造技术在四羊方尊在上得以体现。其整体的结构处理和细节处理，非常细腻。从侧面反映可以了解到，当时羊代表着权力，当时喜欢在青铜器上展现出羊的形象。对现在而言，这种工艺美术的价值，不单是审美的价值，同时能让研究人员通过对工艺品的研究，了解历史，了解夏商当时的社会、文化、风俗等[1]。
2传统工艺美术的现状
经过几千年的发展，我国的传统工艺在创造与消亡中不断重复。特别到了近代，受到剧烈社会变革的影响，很多传统工艺已经失传，对人类而言是非常大的损失。由此可见，传统工艺的发展远远落后于当前社会的发展，造成这种情况的出现主要有几个原因：1）需求量不断减少。近代的科技发展在人类历史上是非常突出的，整个社会面临着巨大的变革。在这种情况下，传统工艺品无法满足人们对生活的需求。特别是近些年，人们追求的是高科技产品，对产品的要求是方便、简单、操作性高。而传统的工艺品受其技术的限制，难以满足人们的需求。更改重要的是在使用的过程中，这些工艺品往往需要耗费大量的人力物力对其进行保养，与现代的科技产品对比，有了较大的缺点。2）缺少创新的能力。传统工艺的传承依托于工艺品，而当前市面上的工艺品更多的还是沿袭传统的制作内容及方式，在制作题材及技术上缺少创新，未能很好地融入时代中，使得现代人们对其接受程度不断降低。这种现象使得传统工艺品不断面临着淘汰，传统工艺面临失传。3）传承原因。以往的传统工艺技术其难度一般较大，到了现代，很少有大范围的传承。这个现象主要是有工艺的制作难度、时间以及市场的需求变小等原因。久而久之，很多的技术逐渐失传。当前能得以保存的技术非常少，导致我国的传统工艺面临着断层的情况，为了解决该问题，文化创意产业下的中国传统工艺美术需要对其发展状况进行一定的变革，以达到工艺传承的目的。
3文化创意产业对中国传统工艺美术的影响
文化创意产业以传统文化作为主体，在上面进行思想的创新，通过艺术和技术进行良好的结合，在满足实际使用需求的基础上，达到艺术美感的体现，同时确保工艺技术能得以传承。近些年，我国的文化创意产业影响下，传统工艺的相关情况得到一定的改变，主要是思想上进行了一定的变化。在保持传统的基础上，对当前社会的新文化进行吸收，慢慢丰富工艺的创作元素，使其更加贴合百姓的生活[2]。在我国政策的引领下，其独特的艺术魅力不断对世界各地造成巨大的影响。以传统服饰为例，近些年我国掀起了汉服的风潮。每当节假日，不少少男少女身穿汉服，进行踏青、采风。固然受到人们审美潮流的影响，但当前不少公司对汉服的制作，不再是采用传统的原料，而是根据服饰的特点，选用合适的布料进行制作，以满足人们对美的追求。古代的民间传统服饰主要还是以麻布大衣为主，一是能起到保暖作用，二是耐磨损。当前最受欢迎的汉服却是襦裙、褙子等更能体现美的服饰。由此可见，人们对传统工艺美术的喜好，实用性是非常重要的判断条件之一，另一个判断条件则是传统工艺品的美感。在文化创意产业背景下，结合当前人们对传统艺术品的需求，对其进行改变，使其符合当前社会的发展需求。
4在文化创意产业下传统工艺美术思维创新策略
当前人们的生活不再是以往的衣食住行，在更多时候，人们对美好事物有着更多的追求，这也导致人们的艺术鉴赏能力不断在提升，促使着传统工艺对艺术的展现不断在变化，对其创造思维进行新的变革。通过我国传统工艺美术的当前情况的剖析，笔者认为在文化创意产业背景下传统工艺的主要受影响因素在于艺术和技术两方面。只有在这两个方面进行创新，传统工艺才能得到更好地推广，为社会所接受。
4.1加强对艺术创作的创新
我国悠长的历史除了文字的记载及民间的口口相传，传统工艺美术也是其非常重要的载体。通过工艺美术可以对各个朝代的社会情况进行了解，对当时的生活、文化进行研究。同理，在当代，工艺美术需要发展，必须结合当前的社会状况及需求，采用新的创造理念、新的思想和技术，对传统工艺美术进行变革，使其成为现代的艺术品，展现它的实用性和观赏性[3]。
4.2对技术进行创新
传统的制作工艺是以当时的社会环境及制作材料、工具等进行艺术创作的。随着社会的变革，现代社会的节奏更快，工具和材料的发展也不断在进行。在进行艺术品创作的时候，需要结合当前的社会情况，对技术进行创新，采用当前社会特色的材料、工具进行创作，在原有的技术上进行升华，使得传统工艺在当前社会能进行变革，适应当前社会的快速发展速度，让历史的珍宝得以传承。以茶具的设计为例。我国的茶文化传承几千年，为了能更好地品尝茶叶，人们对茶具的制作也在不断发展。从最早的石器到瓷器再到现代的玻璃制品。从这些材料的演变可以看出，其主要的变化还是在于材料的选择。而材料的发展受限于科技的变化。传统的茶具在进行设计的时候，和其所属的区域也有着非常大的关系。茶具的设计制作，必然是当地人的思想体现，是其茶道的体现。通过对当地茶具的鉴赏，能更深入地理解当地人对茶文化的态度。而地区不同，茶具制作的材料也各不相同。在我国传统的茶具设计中，对设计的影响主要也是体现在设计师对茶文化的理解中。一是与生活的结合，对生活的体现。二是对材料的选择，对工艺的改进[4]。
对工艺美术的理解篇6
［关键词］中职；工艺美术；人才培养；实践
工艺美术来源于民族文化，并且将人们对于器物美的追求展现出来，凸显地域或是民族的人文文化与精神，还能发挥美化生活环境的重要作用。近几年来，基于文化创意产业的蓬勃发展，人们更加注重根植于传统文化的工艺美术，许多中职院校相继开设了与工艺美术知识相关的设计专业。对于中职院校来说，工艺美术虽然办学特色显著，但是总体来看课程都是对原有工艺美术本科教学课程进行压缩，在人才培养模式方面，也受到本科院校课程设置、教学任务设定等方面的影响，出现了与中职院校发展现状不适应的现象。
一、现有教学模式的弊端
（一）培养目标与模式
对于培养人才目标来说，需要结合实际的社会需求，准确定位专业教学目标。但就实践过程进行分析，往往因为缺乏深入研究，许多中职院校人才培养目标出现了定位偏差的现象，还会导致中职院校的学生无法适应以及满足市场发展的需求。而对整个中职院校工艺美术专业人才培养模式进行分析后不难发现工艺美术专业教学存在教学特色不鲜明的问题。与同专业本科院校的学生相比较，中职院校工艺美术专业的学生在学习基础、学习能力、综合素质方面还有一定的差距，而中职院校则沿用本科院校的人才培养模式，注重思维性教学，对实用技能的培养关注度不足。课堂的实践操作大多采用模拟的方式，很少会引入真实的生产项目。长此以往，这种落后的教学模式会使中职院校工艺美术专业学生在毕业的时候无法掌握本科院校学生的创新能力与艺术修养，不具备本专业的职业实践技能。与此同时，由于工艺美术属于新兴专业，市场上对于人才的需求量相对也比较大，许多高职院校都存在盲目跟风的现象，在缺乏办学条件及办学能力的情况下，开设工艺美术以及相关的设计专业，会导致中职院校工艺美术专业特色不突出、学生就业困难的问题发生。
（二）教学与课程
在中职院校的工艺美术专业课程教育体系中，许多课程都是通过简化本科课程而来，使许多课程内容存在相互脱离、联系不足的情况。由于缺少变革，这些来源于本科院校的课程大多更加注重理论研究，而对实践操作的重视度不足，而中职院校开设的实践课程没有与理论课程互相融合，学生无法从整体的角度理解专业知识，在教学中普遍存在以下几个方面的问题：（1）过分注重理论教学，实践教学基础薄弱。许多教师采用模式化的教学方式，将教材作为核心内容，对工艺美术的市场发展情况了解不足。有些高职院校将实践教学与理论教学互相分离，并且将更多的实践时间安排到假期，学校也没有给予相应的监督及指导，导致学生的实习状况随意，实践学习的效果不佳。（2）仍然采用以往的教学方式，整体创新力度不足。而对于工艺美术这种实践操作性较强的专业来说，大部分中职院校仍然以教师为课堂主体、以课题教学为核心进行教学，缺乏收集学生的信息反馈，无法在课堂教学中激发学生的主观能动性。这种教学方式会对学生的整个学习过程产生制约，也不利于培养学生的实践技能以及创新意识。
二、新型人才培养模式的内涵
（一）正确把握工艺美术专业特点
（1）工艺美术专业的整体实践性较强。自古以来，工艺美术就存在于长期的实践生产过程中，中职工艺美术专业学生学习的就是实践动手技能，并且从大量的实践学习过程中，获取更多的专业知识。此外，经过不断的创新及实践，学生制作工艺美术品的技能水平逐渐提升，能自己发现并且解决问题。（2）工艺美术专业的创造性较强。发展至今，传统的工艺美术产品种类或是样式变化较少，缺乏创新精神，无法满足现代化的实用性以及审美需求。基于此，创新就显得十分重要，中职院校在进行工艺美术专业的教学时，就要求学生敢于突破自己、拥有全新的创造精神，并对新的材料、新的技术、新的设计理念等有全新的认知。
（二）树立新型工艺美术人才培养目标
随着文化创意产业在全世界范围内兴起，人们更加注重文化艺术对经济发展做出的巨大贡献。在文化创意产业中，工艺美术产业属于核心内容，提供了相应的智力支撑，需要为其培养出具备创新能力的实用技术型人才。所以，中职院校在工艺美术专业的教学阶段，需要将培养学生自我认知能力、实践能力等作为基础，推动教学向着模块化的课程转变，并制定开放性的教学计划，以此培养出适合工艺美术企业用人需求、创新意识较强的高素质人才。
（三）明确新型工艺美术人才培养模式
对于新型工艺美术人才来说，其具备创新设计思维，把握工艺美术文化性基础、艺术性表现、精湛制作技艺的关系十分重要。在创新中职院校工艺美术人才培养模式的阶段，需要具备以下几个方面的特点：（1）提升学生的自我能力。中职院校培养工艺美术专业学生的过程中，需要从职业能力、专业技能等角度入手，还需要为学生的终身职业发展做好铺垫，提升其自主学习能力，使其掌握岗位转换、主动工作、创造能力、与他人合作能力等，使中职院校工艺美术人才能以实用性的技术作为核心竞争力，能胜任更多的岗位。（2）培养学生勇于创新的精神。传统工艺美术流传至今，或多或少会受到传统因素的制约，阻碍了当地工艺美术的健康发展。所以，中职院校的教学需要合理引导学生，发现制约的传统因素，并且靠自己的努力尝试打破它。（3）明确学生差异化发展方向。通过建立新型中职院校工艺美术人才培养模式，注重挖掘学生的技术及个性。对工艺美术品的制作环节进行分析，学生掌握各个环节的制作技艺，结合不同学生的个性化差异，引导其制作擅长的工艺。以扬州漆器工艺学习为例，结合扬州漆器的彩绘、点螺、雕漆等各个种类的工艺，可以有针对性地培养学生，以此不断提升其专业技能水平。
三、建立新型人才培养模式
（一）教学形式变革
建立工作室制，将形式不同的工作室作为中职院校工艺美术人才培养的实践方向。在工作室的运营过程中，引入公司化的管理模式，以骨干教师以及专业带头人员为主导，青年教师或是技能水平较高的学生作为负责人，承接美术产品订单以及项目。通过将实践引入课堂教学的方式，打破封闭式课堂教学的禁锢，使学生能积极参与到制造工艺项目中，掌握综合专业技能。通过建立教师为领队的教学模式，在教师的引导下操作工艺美术项目课题，教师需对学生的操作情况进行指导，发现普遍存在的实践问题，并提出有效的解决思路，以此提升学生实践、实习的效果，有效缩短课堂以及工作岗位的距离。
（二）突破课程教学内容
在培养中职院校工艺美术人才的阶段，将实践教学作为基础，培养学生的创新能力及创新意识，引导学生掌握工艺操作技术，并从整体、宏观的角度进行探究，务必要做到能自己总结实践的规律，研究个性化的工艺技术方法，在实践中掌握理论知识。对于中职院校工艺美术专业低年级学生来说，以理论指导为核心，建立实践为目标的学习模式，等到学生对于理论学习以及实践有了感悟之后，可以在高年级课程教学中，加入技能训练、思维创新等教育课程，培养学生勇于创新、突破的精神。
（三）改革教学方式
利用主题教学法的优势，教师要为学生制定明确的主题，使学生能以职业化的状态学习知识。首先要确定主题，并且分析整个学习过程中面临的问题，还要了解需要达成的学习任务目标。其次对于主题进行合理的创意构思，对工艺美术品的艺术风格特点、造型、技术创作工艺、原材料使用、市场需求等进行充分考究，对比不同的制作方案，选择最合适的方案。再次进入工艺制作阶段，结合设计的艺术性、材料性、工艺性进行实验，等到成熟之后再进行工艺美术品的制作。最后，学生完成作品之后，展示自己的创意以及制作的重点。教师对其进行总结与评价，并评选最优秀的工艺作品。这种主题式的教学方式与以往各个科目独立的教学方式不同，需要引导学生从实际情况出发，探究工艺美术产品的完整制作过程，并从中获得良好的学习经验。
（四）转变教学评估形式
对于中职院校的工艺美术专业评估来说，其具备一定的发展性，评估的形式以及方案需要以工艺美术的标准为核心目标，并结合工艺美术产业发展的趋势，做好工艺美术教学的评估工作。在此过程中，突破传统教学评估注重结果的理念，更加注重进行整个过程的评价，并考核不同阶段的工艺美术课程，仔细分析与观察学生的学习情况，对学生的不足及优势提出意见。
（五）重视师资力量建设
中职院校工艺美术专业的教师在教学阶段，要注重将工艺技术与艺术审美进行融合，并且注重理论与专业实践并重，并提升实践操作技能水平，掌握更加丰富的工艺美术专业知识。对于现有以普通高校毕业生为主的师资队伍来说，需要加深技术实践，并深入学习与工艺美术企业相关的工艺技术，不断丰富其操作经验，建立高素质的师资队伍。综上所述，本文对中职院校工艺美术专业新型人才培养模式进行探究，理论上能解决工艺美术专业人才培养模式的问题，还能从根本上满足现代工艺美术产业发展对人才需求产生的变化，能促进中职院校工艺美术专业人才培养水平以及教学质量的不断提升。创新人才培养模式的核心目的就是培养学生的综合素养和专业技能，塑造学生良好的创新意识，以全新的培养模式，注重理论与实践相结合，打造出更多符合社会新工艺美术发展需求的专业人才。
参考文献：
［1］尹婧.文化创意背景下工艺美术专业课程链构建实践探索：以长沙师范学院为例［J］.湖南包装，2019（6）.
［2］李思燃.基于应用型人才培养的工艺美术专业实践教学探究［J］.现代商贸工业，2020（26）.
［3］喻竹，严颖.浅谈高等院校工艺美术的技艺传承［J］.牡丹，2019（17）.
对工艺美术的理解篇7
关键词：综合文化站；全民艺术普及；文化氛围
一、概述
艺术，是一种以固定形态去展现文化思想的形式，随着历史文化的积淀与传承，艺术性与文化性已经水融。艺术体现的是现代人们的精神艺术，艺术家们根据所处的真实环境，所创造的饱含时代气息的相关作品，可以是文学、书法、绘画、雕塑、音乐、舞蹈、戏曲、影视等等。每个术作品都有属于它自己的含义与特点，是一种对思想的美化与表达。艺术文化是以固定形态来表现文化，源于形态但高于形态，既参与了社会文化的传播与发扬，又是政治经济与文化之间的互动桥梁。当代中国，艺术处于较为特殊的一个时期，虽然发展较为迅速，但并没有做到很好的艺术普及。如部分艺术院校教学中，很多艺术流派被简化甚至略过，造成学生对于艺术的认知达不到该有的水准。艺术的传播与群众之间的联系不够紧密，艺术普及还没有深入到群众的日常生活中。在如何转化艺术的文化价值上，如利用商业有关形式将艺术常识与观念普及到群众的日常生活当中，还需加强与提高。
二、综合文化站在全民艺术普及工作的重要作用
提高群众审美水平。感知美、理解美、鉴赏美以及创造美等可以体现出审美素质的总体。感知美要求人们准确敏锐感知美的事物，在此基础上形成辨别美的能力；理解美，就是审判与评价美的能力，其要就人们在感悟欣赏美的基础上深入思考、理解美，以此懂得如何把握美、理解美，感悟美的真谛；鉴赏美，就是鉴别与欣赏美的能力，其要求人们区别审美层次，提高艺术品位，体悟美的价值；创造美，就是结合其他能力，对美实施创新，使自身不但可以欣赏美、理解美，还可以变身成为美的创造者。提高人的审美素质，不仅可以提升人们精神世界，还可以促使人们在认识美、发现美、了解美的基础上发展美、创造美。国内的文化发展体现出国内民族文化源远流长，博大精深，拥有无与伦比的文化底蕴，国内人民在日常生活中对美的运用体现在音乐、设计、文学、美术、建设等各个方面，这也展现出国内审美的发展历史，表明人民审美随国内艺术发展而发展。
落实文化强国战略。作为人的本体素质，审美素质意味着人的精神层次和生活品味。经过阶段性针对基础培训、沙龙交流活动、互动艺术体验、群众参与演出以及文艺精品赏析等形式，可以采取多样化方法实施全民艺术普及，这不仅激发出人们对美的创新能力，还可以丰富精神世界，提升审美素质。通过艺术普及活动，人们不但提升了自身的艺术鉴赏能力，学习到许多艺术运用手法，还优化了自身感知艺术的能力，提高自身生活质量，进而提升全民创造力与社会创造力。除此之外，人们的审美素质还体现在自身日常生活与社会活动中。当今时代，文化艺术发展迅速而繁荣，提升国内国民审美素质，可以推动时代潮流，引导潮流走向。实施全民艺术普及，能够使国内全体人民汲取优秀文化艺术，不仅可以为人民深入了解与欣赏优质文化提供帮助，丰富人民精神文化世界，还可以提升人民审美素质，创造崭新的文化形式与文化活动，为文化发展与创新提供新鲜元素，落实国内文化强国战略。
普及艺术知识。艺术，是将现实社会典型文化融入到实际形态中加以体现的一种形式，其内容涉及多种领域，文化站想要做好在人民群众中的普及工作，可以借助场地设施、网络科技平台、微信等多功能交流软件、展开会议讲座以及培训等多种途径，提升文学艺术的生动性，吸引群众对艺术知识了解的积极性，从艺术基础知识等常识入手普及，使群众可以更好的从源头了解艺术，从而进一步去探究艺术独有的规律特点，提升群众对艺术的憧憬与热情，建立对艺术的兴致及喜爱。
普及艺术赏析。文化站可以适当采取免费开放措施，多开展高质量、优秀经典艺术的博览会，将演讲介绍与展出相结合，或利用微信等网络平台举办无时间地点限制的网络展出与讲演，将艺术渗透并贴近人们的日常生活中，为群众提供更多的欣赏机会，可以感受到更多的有文化艺术，有助于人们审美水平的提高。但在各项赏析活动的开展过程中，要注重满足群众的文化需求，同时强调高品质经典艺术的普及，提升文化服务的层次，正确引导人们艺术赏析观念与能力的提升。
普及艺术技能。例如，普及有关的艺术教育与培训。整理现有的师资力量，拥有的场地及艺术资源，与有关部门联合建立多种优惠政策，促进生活水平不同的各类人群参与进来，给想要深度接触艺术的人群开辟新方向，满足其需求，有助于对人们艺术潜能的开发，也是为艺术的普及铺垫道路。
普及艺术活动。将艺术活动渗透到群众实际生活当中去，是一种有效的艺术普及方式。有关部门应积极开展与各地区相适应的群众文化艺术活动，将艺术带进社区、带进校园、带进企业、带进乡村、带进群众生活。可以利用传统节假日，策划大型民众性艺术活动，如民俗、戏剧、曲艺、非物质文化遗产展览等。既是对群众普通生活的一种点缀与调剂，又可以将文化艺术的普及给大众。在艺术活动的开展过程中，让群众参与到各项环节中，积极表现、乐于欣赏、敢于创造、作为享受艺术的主体，陶冶情操、丰富生活、提升艺术水平。
三、结语
综合文化站如果可以充分利用群众活动形式，实施全民艺术普及，创新普及方式，就可以缩短艺术与群众的差距、深入群众、深入社区与基层，让全民艺术普及活动遍地开花、全面开展，短时间内提升国民审美素质，发展社会主流文化。互联网兴起改变了人们的传统生活方式，只有及时创新艺术普及方式方法，才能跟上时代的潮流。作为基层文化机构，文化站拥有的经费与资源是有限的，因此全面推进艺术普及，必须引进社会资源，利用互联网开展普及工作后续调查，根据调查分析工作效果是否达到预期效果，按照情况及时调整工作方针方案，提高普及效率与工作质量。实施全民艺术普及，可以给接触到优质艺术的人带来新的变化，艺术使人民更加热爱生活，懂得欣赏美并且拥有健康的心态，艺术使人民生活更加多姿多彩，在内心情感上体悟到美与纯净。实施全民艺术普及，可以在传递基础艺术知识的基础上使群众接触艺术并了解艺术，提高自身艺术鉴赏能力，提升审美素质。
【参考文献】
对工艺美术的理解篇8
【关键词】工艺美术设计创新
工艺美术是一种特殊的艺术学科，在我国，工艺美术历史悠久，经历了长时间的探索和发展，如今工艺美术设计已经成为艺术领域的一个比较成熟的学科。自古以来，艺术与创新就是相生相辅，正是因为由简到繁，由粗到精的不断创新，才使得工艺美术设计发展到今天，其影响性已经涉及到人类生活的各个领域。对于工艺美术设计来说，其发展的过程也就是不断创新的过程，只有做到与时俱进，保持与社会发展和人们审美观念的同步性，才使得工艺美术设计能够不断发展，为人类社会带来更好的审美体验。
1工艺美术设计在作品构思上的创新
工艺美术设计，对要创作的作品进行艺术构思是最基础的一步。一个好的工艺美术作用在设计上就一定要体现出创造力，对于任何一个工艺美术设计者来说，在作品创作构思的过程中，一定要充分发挥想象，不断提高创造力。这首先要创新构思理念，在创造的过程中激发新的灵感。工艺美术是人类社会艺术文化发展的一种体现，也是人们审美观念的反映，艺术构思离不开创新。
现代工艺美术设计在作品构思上的创新体现在多个方面，构思创新也是工艺美术设计中能够使思维和想象保持良好状态的基本条件。当然，工艺美术设计者在发挥自身想象与创作的过程中，要与社会实际情况和环境为基础，与实际相结合，切不可与实际相脱离。工艺美术设计创作的特征设计到社会的各个方面，将工艺美术与现代审美、社会功能三大主要元素有机的结合起来。我国文化艺术的飞速发展，大批不同文艺思想的陆续涌现，对当地工艺美术设计的发展方向起到了非常重要的影响作用。我们要紧跟时展的步伐，紧随文化思潮，在工艺美术设计中提高创新意识，重视构思理念上的创新，与当地工艺美术的发展动态保持同步。同时将创新思维理念与现实情况向结合，创作出符合大众审美特征，符合社会文化环境的作品。
2工艺美术设计的创新要与时展相适应
社会经济发展迅速，各国之间的竞争日益激烈，考验一个国家的发展水平，并不单纯看一个国家的经济发展水平，而且各项要素发展的综合性。各国都致力于提高自身的综合国力，必然要走发展创新之路。创新不仅仅是科技的创新，更是思维、理念、文化等多个领域的综合性创新力。在此大背景下，现今工艺美术设计的创新要紧跟时展的步伐，与社会发展相适应。在以往成功经验和先进内容的基础长，积极思考，大胆创新，将设计内容、设计技术以及设计水平都进一步提高。如果从艺术的角度来分析，现代工艺美术设计要具有时代特色，能够反映现有时代所具有典型特征和发展趋势。首先，现代工艺美术设计不同于以往传统意义上的模仿，相较而言，工艺美术设计更有表现力，设计师设计的工艺美术作品要具有全新的时代感。社会经济的发展，文化的进步，人力的欣赏水平和审美能力都在不断提升，对工艺美术设计的作品的要求也上升到一定的高度，这就要求我们在工艺艺术中融入具有时代气息的创新性审美观念。其次，现代工艺美术设计的作品要充分的展现出传统的民族风格和特殊，将中华民族的艺术气息和审美理念融入在作品中。再次，现代工艺美术设计具有明显的抽象性风格，在现代工艺美术的审美观念中，作品要不易过分繁琐，过度装饰，而是以简洁抽象的风格为主。社会的不断向前发展，现代工艺美术的设计的主要理念就是要具有时代性，充分发挥想象力和抽象思维，对整体设计发挥辅助作用。
3充分利用先进技术提升创新水平
科技水平的飞速发展，在艺术领域，多种先进技术和装备不断涌现，为工艺美术的发展发挥了有力的推动作用。在工艺美术设计中，很多软件系统的功能和作用是显而易见的，不仅为设计工作提供更广阔的技术空间，也为设计工作的开展发挥重要的辅助作用，为工艺美术设计注入了新的发展动力。将现代先进技术应用到设计工作中，进一步简化工艺美术作品的制作步骤，使设计者能够将更多的精力融入到艺术创新的工作中去。创新是建立在信息和经验积累的基础之上的，对于设计者而言，要革新思想，了解时代动态和发展趋势，就必须及时了解社会上相关的多方面的信息。互联网的普及和应用为设计者保持敏锐的时代嗅觉和了解时代动态提供信息了解的途径和平台，大量信息的积累是设计者创新思维的基础。如果一个设计者希望自己设计的工艺美术作品能够充分表现出时代特色，首先就要利用计算机在互联网环境下获取一定的信息内容，利用现代技术和软件系统更好的开展设计工作。计算机技术的发展对现代工艺美术设计的发展提供了发展机遇，面对世界各国之间艺术的相互激荡，对于工艺美术设计者来说，要积极应用现代高新技术，结合时代特点，不断学习和应用新技术，优化新技术，利用信息技术推动艺术创新的发展，充分利用先进技术提升创新水平。
综上所述，工艺美术的发展，需要设计者在对工艺美术作品的创作中不断的发挥想象力，开阔视野，开拓创新，将现代工艺美术与现代信息技术有机的结合，在中国文化与艺术的海洋里，提高工艺美术作品的创新性。工艺美术设计的创新，体现在艺术构思创新、与时展同步、信息技术的应用三方面，这也是工艺美术创新性发展的有效途径。科学化是工艺美术作品的基本要求，设计者的想象力和创造力是作品的核心，只有与时展相结合，更好的利用现代先进技术，才能真正的实现工艺美术的创新性发展。我国民族文化博大精深，创新离不开传统，传统工艺美术设计是创新的根基所在，在每一个发展时期，都要有所创新，展现出新的风貌，适应时代要求，并用于实践，这样才能使我国工艺美术不断发展，开创新的辉煌。
参考文献：
[1]李杨.浅谈美术设计教学对创新思维的培养[J].中国校外教育，2012（16）.
对工艺美术的理解篇9
摘要：民国首任教育总长蔡元培对中国美术教育做了大量开拓性的工作，在他“以美育代宗教”的美术教育理念引领下，民国第一代美术教育精英们通过对中等美术教育史上的代表性学校――北京美术学校进行了美术教育的实践。本文以这所国立美术学校的中等部为实例，考证中国近代中等美术教育在课程设置上的变革、创新，以及其在中国美术教育现代化进程中的重要作用和重大意义。
关键词：民国美术预科
《壬寅学制》和《癸卯学制》第一次以国家法令的形式明确规定了初等、中等、高等三个互相独立又衔接的体系及各级各类学堂的课程设置，对新式学堂的发展起了很大的促进作用，由此掀开了中国近代教育的序幕。到了民国时期，美术教育界一改中国传统美术教育模式，开设了国立美术专科学校。其中最具代表性的是北京美术学校和国立艺专这两所国立艺术学校，而现代中国美术专业基础教育的革新也正式开始。
中国传统美术教育一直是以师徒授业的方式进行的，重点教育理念是继承前辈画家笔法基础为主要学习方式，一丝不苟地临摹要求一模一样，甚至以假乱真的境界，才是传统美术教育的不二法门。尽管在宋代的崇宁三年（1104年）出现了中国最早的皇家美术学院――画学，但这种宫廷艺术教育模式和私塾式模式都不具备对社会产生较大效应的办学机制。
辛亥革命后，蔡元培就任中华民国首任教育总长，他对中国艺术教育特别是美术教育做了大量开拓性的工作，对中国近现代美术教育乃至美术发展进程产生深远的影响。1917年，蔡元培向教育部提出成立一所专业美术学校，教育部采纳了他的建议。1917年11月1日，《晨报》报道“教育部拟在京办一美术学校，已派郑锦君筹办一切”[1]。之后北京美术学校便以国家名义开办，1918年3月6日晨报继续就此事进行后续跟踪报道，“国立北京美术学校由教育部派员筹备已久，最近始筹备就绪，现拟先设绘画、图案两科”。
尽管这是第一所国立艺术学校，但限于经费、师资的缘故，只能先开设中等部，设绘画、图案两科。学校中等部分为预科一年和本科三年。1918年4月2日举行首次入学试验，以中学校第一学年修业完毕程度为准。报名入读预科的学生必须参加试验科目有：国文、算术、图画、历史、地理、理科。本科入学试验科目为国文、英文、数学、历史、地理、博物、图画七科。中国第一所国立艺术院校――国立北京美术学校于1918年4月宣告成立。从性质上说开创之初的北京美术学校是一所培养师资为主的中等美术学校。
初创时期的北京美术学校的办学宗旨是以培养艺术专门人才及养成师范学校中学校之图画手工教员为目的的，因此课程安排紧密围绕上述目标进行。学校规定中等部的修业年限为5年，预科1年，本科4年，图画手工师范科修业年限为3年。学生在中等部预科修业1年后，需经过考核，成绩合格允许毕业者才能升入本科（此处的本科仍属于中等部，高等部的本科直到1922年才设立）。预科1年中每周课时达36小时，本科4年里每周课时多达40小时。
从上述表中，我们可以对各专业的课程设置作总体了解：考虑到预科的学生年纪偏小且刚从高等小学毕业，因此学校对绘画科和图案科第一年的课程以打基础为主，开设修身、国文、习字、英语、历史、地理、数学、物理、化学、体操10门课，专业课程仅有图画1门，总计11门课。绘画科本科的课程除了预科的科目仍旧需要修习之外还有用器画、博物、解剖、图案法、美学及美术史、手工、教育学、实习8门专业课，总计19门课。图案科本科的专业课有用器画、博物、图案法、美学及美术史、手工、教育学、实习7门专业课，总计18门课。
绘画科预科，修身：学习持躬处世待人之道；国文；讲读作文；习字：楷书行书；英语：发音、拼字、读法、译解、默写、会话、习字；历史地理：本国史和本国地理；数学：算术；物理化学：普通物理和普通化学；体操：普通体操；图画：中国画运笔法、毛笔写生、铅笔写生及临摹图案画。
本科第一年，修身：对国家之责务、对社会之责务；国文：讲读、作文、文字源流；习字：同前学年；英语：读法、译解、默写、文法、会话、作文；历史：本国史；地理：世界地理；数学：代数、几何；用器画：几何画法；物理化学：同前学年；博物：艺术应用博物学；体操：普通体操、器械体操；手工：竹木工；实习：中国画、西洋画，中国画分运笔和写生，西洋画分写生、木炭、临摹水彩。
本科第二年，修身：对家族及自己之责务、对人类及万有之责务；国文：讲读、作文、文法要略；习字：草书、隶书、楷书；英语：同前学年；用器画：投影画法、透视画法；博物：同前学年；解剖；美术应用人体解剖学；图案法：平面图案法；美学及美术史：中国美术史；体操：兵式体操、器械体操；手工：竹木工、金工；实习：中国画、西洋画。中国画分临摹、写生、作图，西洋画分木炭、铅笔、水彩。
本科第三年，修身：论理w大要；国文：同前学年；习字：同前学年；英语：同前学年；解剖：同前学年；图案法：立体图案法；美学及美术史：西洋美术史；体操：兵式体操；手工：木工、金工；实习：中国画、西洋画，中国画同前学年，西洋画分油画、水彩。
本科第四年，修身：论理学大要及本国道德之特色；国文；讲读、作文、中国文学史；英语：同前学年；美学及美术史：美学；体操：兵式体操；手工：金工、纸类粘漆石膏等细工；教育学：教育学大要；实习：中国画、西洋画，中国画同前学年，西洋画分油画、水彩、垩画。
（图案科的课程设置因篇幅所限不在此展开。）
这份教学纲要表达了学校的教学理念，即注重培养艺术的全面人才，在艺术技法上“注意于新旧画法之调和，中西画理之沟通，博综究精，以发挥美育”[2]。不管学生将来是从事纯粹的艺术创作还是进行艺术教育工作，对他们来说，专业课和理论基础课同等重要。课程表中明文规定各科不同阶段需要学习的主要内容。这是学校课程设置的一大特色。从创办之初就明确各课程的形式、内容及要求，是教育科学化的体现，也反映了学校在美术教育草创时期所做的努力。
1926年3月林风眠正式就任国立北京艺专校长，延聘良师，改革课程，使该校有了勃勃生机。法国“海外艺术运动社”的成员也纷纷回国，王代之就任北京艺专总务长，李树化担任音乐系教授。整个学校各方面的工作都有了起色，在学校这个小环境里艺术开始呈现欣欣向荣的迹象。虽然此后林风眠一行被北方军阀政府压制，但是在蔡元培运筹下，这批艺术教育人才被召集到南京，为在南方另建一所真正意义上的国立艺术院校储备人才。1927年10月他电召林风眠、王代之等人前往南京大学院。林风眠被任命为大学院艺术教育委员会主任，王代之和林文铮（国立艺专首任教务长）就任大学院法文秘书。他们都是留学法国的“海外艺术运动社”的主要成员，致力于中西艺术的沟通和创新现代艺术教育模式。这些艺术教育家们在南京的聚集，也将他们在北京美术学校积累的新式美术课程教育改革之宝贵经验保存下来，为民国全新的艺术教育格局的拓展打下良好的基础。在那个中国艺术教育初创而艺术学术园地尚处拓荒阶段的时期，用他们对美术课程的大胆革新和勇敢尝试展现了这个团体为中国艺术发展所做的努力。
参考文献：
对工艺美术的理解篇10
一、艺术教育是提高人自身素质的重要手段
我们在这里所说的艺术教育，是指对专业艺术院校以外的普通大学生的艺术教育，它是高校文化素质教育的重要组成部分，对培养“全面发展的人”有着重大意义。艺术教育是以情感教育为特征的一门学科，它是以马克思主义的审美观念来培养人正确的审美理想，并通过具体生动的审美形式和审美实践训练，强化人对社会美、科技美、自然美、艺术美等的感知、想象、情感、理解等心理能力，以提高人对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。
美国艺术教育学家列维和史密斯(a．w．LeviandR．Smith)在阐述艺术教育时，认为艺术教育有四种目的，即“培养文明感，孕育创造力，传授有效的沟通交流能力和提供工具用以评估人们所读、所观和所听的对象”①。也就是说，艺术教育的目的是开发人的多元智力(multi-intelligence)，培养人的多种能力，而这些能力就构成了人自身的素质。列维和史密斯在这里所说的人的素质不是指某种学识、技术或业务，而是指人的身心中潜在的各种品质因素，这些潜在的品质因素的集合，组成人的整体素质。列维和史密斯认为有两种而不是一种艺术和艺术教育学说，“一种我称之为素质(constitutive)学说，另一种我称之为启示(revelatory)学说”②。
关于素质学说。著名的浪漫派诗人和剧作家席勒(F．VonSchiller)和他的信徒里德爵士(SirH．Read)对人格和人品结构的个体如何取得“良好素质”进行了研究，席勒认为要解决好这一问题就必须通过艺术和艺术教育。他在《美育书简》中，专门论述了这个问题。席勒相信“美将会表现为人类存在的一种必要条件”，他领悟到高雅的审美情趣，实际上是构成所有人类行为尊严的崇高道德品质。里德也赞同这一见解，并把审美文化界定为“人们可以通过音乐、诗歌和造型艺术来陶冶或修养而成的优雅之境”③。因此，里德的观点同席勒所言一致：只有当人们通过优美艺术的长期熏陶而发展成熟后，社会才会达到和谐的状态。席勒与里德均强调审美教育是提高人的素质的必要手段，并且说明艺术的鉴赏与实践活动本身有助于形成高尚的品格，有助于建立和谐的社会。可见，列维和史密斯关于艺术与艺术教育的素质学说是培养人的个体素质的重要组成部分。
启示学说的内涵，就是利用艺术作品最大限度地“激活”人内心中隐藏最深的情感，最大程度地借助于感性和理性的思维，发挥自己的想象，即从艺术的“表象”感受到其内在实质，启发人自身创新思维的一系列过程。韦斯特(west)和克拉克(Clark)是艺术启示论的两位支持者。韦斯特在观看《李尔王》(KingLear)时只觉得“血液离开四肢，回流到心脏，刹那间形成一座宏大轩昂的庙宇，高耸的立柱五光十色；随后，那奔流的血液又返回到麻木的肉体，与某种比其更快捷、更轻盈、更像电流一样的东西融合稀释在一起。……这是对人所认识的潜力的一种感受，是对使自身永恒不朽的力量的一种感受”④；而克拉克在观看了美术杰作《暴风雨》后作出这样的评价：“我们在此达到了这样一种境界——幻象的契机与通常的想象感官能力几乎无法分别开来”⑤。列维和史密斯说：“提升或升华了的感知能力经常见诸于伟大艺术作品的许多方面，从而以无法解释的明晰性照亮了每个角落”⑥。这里，无论是韦斯特和克拉克，或是列维和史密斯，都确定杰出的艺术作品会带给我们自身一种感受，一种极为奇妙、极为神秘的情感感受；确定杰出的艺术作品其深刻的内涵和外延不仅会启发人的思维和想象的空间，还会激发人的灵感。由此，“启示学说”揭示的艺术与艺术教育对人的感知能力、思维能力、想象能力、创造能力等等的启迪作用，说明了“启示学说”与“素质学说”一样对人的自身素质的培养发挥着同等重要的作用。
在艺术教育的过程中，列维和史密斯的“启示学说”与“素质学说”不是分离的，而是有机的统一体。也就是说，艺术教育的功能不仅仅是自身内在素质(素质学说)有所提高，更重要的是艺术教育对于培养自身的综合思维能力(启示学说)有着特殊的作用。人的素质有多种，它包括情感素质、心理素质、智商素质、文化素质等等，这些素质集合于人的个体，就构成人的个体所具有的自身素质。人自身或多或少具备一些这样的素质，这些素质的高低取决于受教育的程度和受教育的范畴。艺术教育，无疑会对提高我们的情感、心理、文化等方面的素质起到不可或缺的作用，最为重要的是将增强我们的逻辑思维、形象思维、灵感思维的能力。因此，可以说，艺术教育是提高人的个体素质最重要和最有效的手段。
二、当前理工科大学生的艺术审美素质
艺术教育对人个体的整体素质大有裨益，而现阶段我们大学生的艺术素养究竟如何呢?特别是理工科学生的艺术修养处于什么水平?他们的思维状况究竟如何?从事艺术教育的教师(工作者)应该对这些方面十分清楚，这样才能有的放矢地进行艺术教育的课堂教学。笔者毕业于理工大学，并在理工大学从事艺术教育工作多年，对理工科学生的审美情趣和思维状况有一定的了解。笔者以理工科三个不同类型专业(工商、机电、材料)的学生在同一艺术选修课程的学习为例，取出学习前后的两次答卷成绩(这是根据对广州一所全国重点大学2002年的问卷调查)，采用“数理统计”的方法，对学生的艺术鉴赏力进行分析(由于所取样本和计算非常复杂，我们在这里只取用结论)，得到的结论是⑦：
1．接受艺术教育较少。多年以来，由于受实用主义的影响，学校教育长期陷入了“智育第一”的误区，形成了以智育为中心的教育体系和制度。尤其是在理工学科为主的大学里，绝大多数学生在入学前，由于种种原因无法接触艺术领域。他们除了看过几部电影和听过一些歌曲之外，对艺术的感受机会是很少的。大部分学生的艺术理论知识较为贫乏，艺术实践活动较少。
2．形象思维能力较差。大部分理工科大学生的艺术思维方式在学习艺术审美知识前有一个共同点：思维方式的收敛型。他们对艺术的逻辑性感受较为敏锐，较为注重艺术的变化性和叙事的逻辑性(比如影视的故事情节，音乐的叙事性，舞蹈、摄影、美术中的构图、黄金分割计算等)。他们在艺术审美过程中，力图从艺术的表象里寻找一些有规律的、符合逻辑的东西，而一旦艺术的逻辑性变为次要地位时，他们会对艺术作品一筹莫展。他们对艺术美的感受力仅收敛于艺术的逻辑性范畴，也就是说，理工科学生的思维方式主要是逻辑思维，而形象思维的能力较差。这很符合理工科学生的思维特点，和其学习的专业特性有很大的关系。
3．偏文科的理工科学生有较敏锐的感知能力。统计计算的结果证明偏文科的理工科学生在经过一段时间的艺术基础理论知识学习后，对艺术的感受力，与纯理工科学生比较，有显著的差异。这是因为偏文科的理工科学生的逻辑思维能力较强，形象思维接受能力也不错。他们能够把这两种思维方式结合起来去分析问题，容易看出问题的实质。这类学生的情感世界也比较丰富，他们的内心世界常常随外界情绪的变化产生共鸣。他们既能够对艺术的逻辑性有较深刻的理解，也能够较好地感受艺术的非逻辑性的情感渲染。这种类型的大多数学生，有着较为敏锐的感知能力，兴趣更广泛也更高雅，情趣也更细腻，处处体现出自身的较高素质内涵。
4．纯理工科的学生在艺术感受力方面有一定的局限。纯理工科学生的逻辑思维能力较强，在接受了一个学期艺术基础知识教育之后，虽然他们的艺术基础知识得到了不同程度的提高(从两次的平均成绩中可以说明)，但他们总是把想象建立在逻辑的范畴内，他们习惯用理性的目光看待情感的形象思维。在对艺术这一形象思维占主体的审美过程中，他们的接受能力则较为迟钝，艺术感受力受到一定程度的限制。这就是为什么纯理工科学生与偏文科的理科学生在选修课的成绩上有着显著差异的原因。
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5．纯理工科的学生对艺术同样有着强烈的追求。虽然理工科学生对艺术的感受力有差异，但并不表明纯理工科学生无“爱美之心”。从选修艺术类课程的学生数量来统计，纯理工科学生所占比例与偏文科的理工科学生所占比例相当。这说明了纯理工科学生对艺术美也有着强烈的追求，只是他们对于艺术的。入门”有一定的局限性，这就给我们从事艺术教育的教师提出一个课题——如何根据理工科学生的思维特点对他们进行审美教育。
三、合理规划适合理工科大学生的艺术教育课堂教学课程
艺术教育的课堂教学是开展艺术教育的主渠道，是落实艺术教育各项育人功能和目标的主要场所，也是学校艺术教育工作的重点所在。艺术教育的课堂教学是用“艺术创造、艺术史、艺术评论与美学”这四门学科的部分理论知识组合成的一个新的教学体系，是以“培养和发展学生理解与欣赏严肃艺术作品的能力”作为课堂教学的目的⑧。美国艺术教育学家和艺术批评家沃尔夫(theodoree．wolff)和吉伊根(GeorgeGeahigan)在谈到艺术教育课堂教学作为一种教学体系时说，“艺术史提供了历史的传承和知识；美学给予哲学的分析；艺术制作使我们有了艺术创作的经验，学生对艺术的认识部分地依靠这种经验；艺术评论提供了增强学习的文字帮助”⑨。可见，艺术教育的课堂教学就是把这四种不同学科的主要特点和方法综合起来，形成一种颇具影响的新的教学方式。因此，艺术教育课堂教学体系是一种多学科的综合体，是跨学科的产物。
明确了艺术教育课堂教学的目的和教学方式后，在规划艺术教育课堂教学时，必须首先考虑如何才能针对所教学生的某一特定群体，最大限度地实现艺术教育的课堂教学目的(这包括学生的审美需要、可用于教学的时间、教师个人的特点、兴趣和知识面、可得到的教学材料及现有的教学设施设备等等)。然后根据教师和学生的双重特点，制订切实可行的书面课堂教学计划，使教师可以更容易地、更有效地组织教学。普通高等学校开设艺术教育课堂教学都是按照以上条件来确定开设何种类型的课程。一般来说，在普通高校中开设有音乐类、美术类、舞蹈类、影视类等艺术鉴赏课堂教学和技能实践课程。笔者所在的理工院校也是按照这些条件来组织艺术教育课堂教学和艺术实践教学的。
理工科大学生是大学生中的一个群体，他们在思维、情感、艺术感受力等方面有着与其他大学生不同的特点。理工科院校进行的艺术教育主要还是以课堂教学为主，其教学目的和教学内容必须适合理工科学生的思维特点，才可能达到较好的教学效果。根据多年在理工院校从事艺术教育的课堂教学经验，针对理工科学生逻辑思维能力较强这个特点，我们进行了一种全新的、有别于传统的艺术课程教学改革尝试。首先在确定某课程的单元教学主题后，收集、准备教学材料，选择合适的艺术作品，仔细研究艺术作品并结合作品中适合理工科学生审美特点的细节，组织阶段性教学。具体做法如下：
第一阶段，称为艺术教育课堂教学的启示阶段(约需6—8学时)。这一阶段非常重要，是艺术教育课堂教学成败的关键。如何走好这第一步呢?经过商讨，我们在艺术课堂教学的第一课，就理工科学生的特点，围绕艺术作品中的逻辑思维部分，选择一部叙事性强的艺术作品，或者一部电影的故事情节作为第一次艺术课程的教学内容，在艺术作品的逻辑思维范畴和形象思维理念中寻找一个切入点，找出自然科学的一些基本原理和与艺术学科基础知识相通的地方，以收敛性的逻辑思维方式和发散性的形象思维方式来分析该艺术作品的某一细节。这样，既提高了理工科学生学习艺术的兴趣，也培养了理工科学生的艺术感受力。
第二阶段，称为艺术教育课堂教学的知识传授阶段(约需18—20学时)。这一阶段主要是在理工科学生对艺术作品产生浓厚兴趣的基础上，引导他们学会如何更深入地去体会艺术作品的思想内容、情感内涵等的表现性。我们知道，要想了解和理解某一艺术作品的思想性、艺术性，没有相关的艺术理论知识是不可能的。那么，理工学生究竟需要学习哪些知识才可以更充分地对艺术作品作出较为深刻的心灵反响呢?笔者认为，艺术教育不是为了传授枯燥的系列艺术理论，而是为了学生整体素质的提高。因此，在这一阶段，我们根据理工科院校艺术教育的特点，采取了逐渐减少讲授艺术作品的逻辑范畴、加大讲授艺术作品形象思维部分的方法。无论选修何种类型的艺术教育课程，都应该学习一些该艺术类型的“基础知识、艺术美学知识、作者生平及作品背景知识”。这些知识，对理解艺术作品有直接的帮助，也将使学生能够以恰当的方式对新面临的艺术作品作出反应，进而理解艺术作品中隐含的目的和真正的意图。这一阶段是进行整个艺术教育课程最长的一个阶段，如果太注重艺术理论教学，可能使整个课程趋于枯燥；而如果太注重传统的作品欣赏，也可能使该课程陷于浅薄，这两种教学方式都难以达到术教育的最终目的。为防止这两种倾向的出现，我们在教学班上以较为灵活的授课方式，采用课堂讨论、幽默讲授、确定单元教学主题、挑选合适的艺术作品等组织教学，让学生循序渐进地在实践的基础上理解艺术理论，在理论指导下深化对艺术作品的理解和认识，从而达到开拓艺术教育课堂教学新模式的目的。
第三阶段，称为艺术教育课堂教学的鉴赏阶段(约需6—8学时)。在这一阶段，理工科学生通过对艺术课程较为系统的学习，凭借各种艺术实践和已掌握了的一定的艺术基础理论，对艺术的感受力会有一个飞跃的发展。众所周知，理工科院校不是在培养职业艺术家，而是在培养具有多种兴趣、富于想象力的、完全实现自我价值的、有较高素质的人。学生在这一阶段里，对艺术作品有了较好的感受力、洞察力，有了越来越敏锐的形象思维能力。教师则通过更深刻、更细微、更有意识地引导学生观看和倾听优秀的艺术作品，促进了学生的空间想象力和对情感的形象思维能力。例如，2003年12月笔者在结束“交响音乐欣赏”选修课程学习时，问一位同学：“现在重新欣赏贝多芬的《命运》交响曲，你感受怎么样?”他说，我感觉到身体中蕴含着一种力量，一种用语言难以表达的力量，这种力量使我热血沸腾，使我勇往直前。然后又问一位同学：“从小提琴协奏曲《梁祝》中你听到了什么?”她告诉我，有一种凄美的“感觉”和“想象”，还有一种揪心的悲怆。这些反映出理工科学生在经过艺术教育的课堂教学学习后，欣赏艺术作品、理解艺术作品能力得到了很大的提高，他们的形象思维得到了一种升华。如果将他们升华了的形象思维和本身较好的逻辑思维结合在一起，就会极大地提升其创造性思维的能力，形成健康的个性和健全的人格，这就是我们要达到的非专业艺术教育课堂教学的最终目的。
毋庸置疑，加强对理工科大学生进行有针对性的艺术教育课堂教学，不仅可以提高理工科学生欣赏艺术作品的能力，还能够传达给学生“一种意识，一种在艺术作品中寻找真正潜在价值的意识，一种寻找有意义的艺术形式的意识和培养一种真实品味的意识”⑩。虽然要培养这种自我意识是一个缓慢而复杂的过程，不是靠一个学期的艺术教育课程教学完成的，但是通过艺术教育的课堂教学新模式，我们较为圆满地完成了带领学生步入“艺术殿堂”的艰巨任务。
注释：
①②⑥⑧列维、史密斯著，王柯平译《艺术教育：批评的必要性》，四川人民出版社，1998年10月第1版
③HerbertRead，theRedemptionoftheRobot；myencounterwitheducationthroughart(nowYork；SimonandSchuster，1966)
④Rebeccawest，theStrangenecessity(London：JonathanCape，1928)
⑤KennethClark，momentsofVision(newYork：HarperandRow，1981)
⑦胡健等著《对理工科大学生艺术修养的分析和思考》，原载于《华南高等工程教育研究》，2003年第1期