艺术学与美术学的区别篇1
关键词：艺术教育；创意经济；文化创意；文化创意社区；文化社区；大学城社区
中图分类号：G642文献标识码：a文章编号：2095-4115（2014）09-246-3
大学城是现代社会以来因为高等教育而形成的一种社区模式。大学城社区是指在大学城地理范围内的社会团体，主要社会成员为高校大学生及在此生活的其他居民。大学城社区与其他生活社区相比较，居民年轻化，文化素质水平高，且居民的生活兴趣、价值体系、社会规范等相对统一，便于规划建设现代化的城市社区。大学城社区孕育或代表着一个国家、城市先进的教育、文化水准和先进的城市社区发展理念，在全球化背景下，中国大学城的建设不仅要学习国外知名大学城已有的建设经验，还要在此基础上吸收当今社会先进的经济文化发展理念，根据时代的特征进行科学合理的规划，使得大学城的建设不仅能够促进高等教育人才培养，而且能够成为城市建设中文化和新经济形态发展的坐标。
当前社会正进入一个全新的创意时代，创意经济及文化创意产业成为全球经济的发展趋势，也影响着各国的文化教育政策。通过教育修正经济文化，增加国家竞争力，是未来世界各国努力的目标。大学城社区要顺应时代的发展，重视创意经济与文化创意产业发展为大学城建设带来的新契机与新变化，积极利用各种教育资源，提升经济文化建设水平。在各种教育资源中，艺术与创意经济的联系特别紧密，艺术教育的社会文化功能在当今世界被空前地重视，通过艺术教育营建具有文化创意的大学城社区，成为我们时展中的新课题。
一、创意时代的大学城社区：背景与现状
大学城在国外出现已有将近半个世纪的时间，而在中国，20世纪90年代初期的第二次院校调整，高等院校实行“聚合”，独立大学规模扩大，多校区大学进一步发展，大学城开始在中国蓬勃发展。①目前，全国各大城市都建设了规模不等的大学城。大学城从人烟荒芜的郊区日益发展为设施现代化、商业不断兴起的多功能综合性城市新区。然而，大学城在商业兴起的背后仍然普遍存在着政策落后、文化缺失、社区功能不完善等诸多问题，使得大学城社区成为缺乏精神内涵的校舍群、建筑群，严重影响了高等教育人才培养质量，并进而影响着人文化、现代化的大学城社区建设。
“具有文化创意的大学城社区”是笔者基于创意社会这样的一个时代背景提出的。为什么提“文化创意社区”，而不是通常所说的“文化社区呢”？虽然二者都重视文化建设，但文化创意社区更强调主体的创造性和文化的创新性。“创意”不是简单的创新，它更强调创新的内涵和方式的人文化，是一种人性化、艺术化、可持续发展的创新。21世纪的人类社会正逐步从信息时代迈向创意时代，这是一股席卷全球的潮流。以创意为核心，面向大众提供文化、艺术、精神、心理、娱乐产品的文化创意产业在产业结构中迅速扩张，文化创意已经成为时代的特征和追求，它也同样适合社区建设的目标。因此，笔者认为，“具有文化创意的大学城社区”是指大学城在创意社会的时代背景下，以发展高等教育为基础，以文化创新为核心，带动文化创意产业发展，并提供优质人文生活品质的新型大学城社区。
在新的经济条件下，创意人才、创意阶层也逐步崛起。大学城是创意人才的集中培育场所，当代大学生最容易成为创意文化产业的消费者和创业者。有利的社区政策可以吸引相当一部分城市创意人群集聚在这样一个充满生机和活力的新型社区。创意人群、优质的人文艺术环境，再加上促进创意经济发展的经济、文化、教育政策与社区规划，相互之间形成良性的互动，就会推动一个具有文化创意的大学城社区的建设。而艺术教育，因其推崇的创造力、人文内涵与创意的精神高度一致，因此，推广艺术教育将直接推动创意文化产业的发展和文化创意社区的建设。发展大学城艺术教育，以美感、创意、爱与关怀来提升大学城与所在城市的软实力，将有利于促进文化繁荣发展，建立幸福和谐的社区环境。
二、对艺术教育的重新认识
要在社区建设中充分发挥艺术教育的力量，首先要正确认识艺术教育的价值与目的，才能开展行之有效的艺术教育。让我们通过近代以来艺术教育理论发展的路径来看看当代艺术教育的变化。
近代国际艺术教育理论的发展，主要分为三大思潮：一是学生取向的艺术教育，强调学生的自我表现与创造力的启发，起源于1930年代的“创造性取向（Creative-orientation）的艺术教育”；二是学科取向的艺术教育，强调系统性的艺术课程与教师的循序指导，并倾向于以精英艺术为指导，以1980年代兴起的“学科本位艺术教育”（Discipline-Basedarteducation，简称DBae）为典型代表；三是社会取向的艺术教育，古今中外都有类似的思想，但1990年以后尤其被学界强调，特别是文化层面，因此又称为社会文化取向，它强调艺术教育应以社会为中心、与社会文化脉络结合及立足于民主平等的立场。较重要的社会取向的艺术思潮包括：社会重建的艺术教育（SocialReconstructionistarteducation）、后现代艺术教育（postmodernarteducation）、视觉文化艺术教育（VisualCulturalarteducation）、多元文化艺术教育（multiculturalarteducation）、社区本位艺术教育（Com-munity-Basedarteducation）、全球性文化的艺术教育（GlobalCulturearteducation）。②
从国际艺术教育思潮发展来看，整体趋势是强调艺术教育以人的生活为核心、以社会文化为导向，在这一点上与社区建设指导思想高度一致。综合各流派的思想，社会文化取向的艺术教育主要特征为：1.重视艺术教育在社会文化中的价值和功能的发挥以及在学习者日常生活的运用；2.强调艺术教学与当地社会关系的结合互动，3.以多元文化为主要学习内容。③和学生取向的艺术教育及学科取向的艺术教育相比，社会文化取向的艺术教育更适合成人及社会艺术教育领域，因此也特别适合大学城社区的大学生及其他成年居民。
三、通过艺术教育营建具有文化创意的大学城社区
社区通常具有四个要素：人群、地域、社会互动、社区认同。④结合创意社会的特点，笔者归纳出有文化创意的大学城社区应具备以下三个基本特征：首先，通过高等教育和社会教育应该培育一批有权利、有能力接受文化艺术学习并支持和维护文化艺术发展的人群；其次，对建设有美感创意的优质社区生活方式和创意文化为特征的社区发展目标形成共识；再次，有健全整体的经济、文化、教育生态，社区政策、高等教育、文化创意产业、环境设施等方面能够形成良好的互动和相互支持的局面。那么，在国家现有的文化教育政策框架中，我们应如何通过高校与社区的共同努力来发展艺术教育，营建具有文化创意的大学城社区呢？
（一）进一步普及文化艺术教育，建立社区审美共同体
只有培养艺术人群及提高民众的审美素养，文化创意产业才能有更大的市场与欣赏人群，因此建立社区审美共同体是最基本的工作，可以从以下三个方面入手：
1.高校与社区共同提供充足的文化艺术资源，保障居民充分享有文化艺术资源、参与文化艺术活动的权利。
2.强调社区居民维护文化艺术资源、推动文化艺术发展的责任，完善艺术市场，鼓励艺术消费。
3.尊重不同地域、不同背景人群的文化艺术活动方式，促进文化艺术的多元化发展。
通常的城市社区是基于地域的身份认同，而大学城的居民来自全国乃至世界各地。他们带来了各地区丰富多彩的文化艺术形式，从文化艺术和审美角度切入，重建一个属于文化和审美的社区共同体，既尊重了文化的多样性，也促进了基于文化的交流和学习，为发展文化创意产业提供了更广阔的空间。
（二）促进艺术教育融入生活，建立美感创意的人文生活环境
后现论对艺术教育的认识已经逐步发展到建立一种美感创意的集体生活方式，艺术即生活，生活即艺术，艺术教育与生活的联系，不仅可以进一步普及艺术教育，提高民众审美素养，还有助于建立美感创意的人文生活环境。
1.实施公共艺术方案（1）开展公共艺术活动
利用社区的节庆、文化节、艺术节、体育节、商家促销日等时机，通过论坛、展览、表演、公共出版物、网络等形式，开展公共艺术活动。如每年确立一个艺术活动主题，各高校与社区联合策划，推出系列文化艺术活动，面向全体大学生与社区居民开放。
（2）艺术介入生活空间
艺术介入生活空间主要指视觉艺术，是通过推广公共艺术，影响社区的环境与生态，让美学与艺术的因子贴近社区居民的生活，促进居民艺术感的自我觉醒，营造美感创意的生活环境。我国台湾地区在1992年的“文化艺术奖助条例”中曾作出规定，公有建筑物必须提拨百分之一的建筑经费作为公共艺术的设置。之后又推出了“艺术介入空间计划”，主要提供民间团体自主、自发投入美学环境的改造，引发艺术家与民众的互动与沟通。⑤这些有益的经验值得借鉴。
大学城社区与城市的老城区相比，在建筑风格、整体环境的设置上已经向艺术化、美观化迈进了一大步，但是在美感创意方面仍有很大的发展空间。高校与社区如能够给大学生和居民提供更多进行空间美化的艺术实践机会和场所，可以促进社区居民对周围生活环境的关注和参与，在公众讨论和共同参与中对建设美感创意生活环境形成共识。
2.将文化艺术观念融入高校与社区的行政管理
推广艺术、建设具有美感创意的生活方式，这不仅仅是艺术教育和文化管理部门的职责，还应该调动整个社区的资源，包括高校和社区的行政管理部门。行政管理部门要转变观念，高度重视美感环境建设、文化创意产业的开发与推广、创意人才的培养，只有各部门将促进文化艺术发展的观念融入在日常管理工作中，才能真正整合各方面的力量，全面推广社会性艺术教育，美化我们的生活空间，建立起促进美感创意社区发展的制度环境。
（三）改革高校人才培养方式，大力推进文化艺术素质教育
1.着眼创意人才培养
高校应在教育体制和培养机制上进行创新，培养出更多高层次的创意人才。设置合理的创意课程体系，改变传统教学方法，培养学生创新思维。高校应根据不同的学科方向来构建文化创意课程体系，鼓励学科交叉，特别是工科、商科与艺术学科的融合，培养学生创新思维的能力，尤其要重视人文艺术学科的教学，培养学生的人文艺术底蕴，提高创意能力，为文化创意产业输送市场需要的人才。
2.建设良好的校园环境高校的校园文化对人才培养具有辐射作用，良好的校园文化环境和创意氛围能激发大学生的创造能力，营造良好的创意人才培养环境。高校应在校园文化环境上下功夫，为同学们提供具有创意、美感和人文关怀的校园文化环境。高校可以策划开展各项激发创意的文化艺术活动，并以学生的创意来装点校园环境，让同学们在潜移默化中受到影响和改变。
（四）学校艺术资源与社区艺术教育资源相衔接，形成良性互动
1.高校与社区艺术教育资源共享大学城是大学集聚地，每所大学都有独立的文化艺术教育资源，软件资源包括艺术师资、艺术课程、艺术讲座、艺术网站、大学生文化艺术活动，硬件包括图书馆、展览馆、演出场所、设计类实验室等。除此之外，某些大学城还规划了公共的博物馆、美术馆、文化馆、音乐厅、公共演出场所、艺术培训中心等。对于这些艺术资源，大学城管理机构、教育管理机构应联合制定艺术资源共享方案，并推出向社会开放的机制，让社区民众尽可能多地享受到大学城的文化艺术资源。
2.高校与社区艺术教育资源衔接
（1）社区对高校艺术教育资源的利用
社区可以利用高校的艺术师资、课程、论坛与讲座向居民开设文化艺术课程；社区可以利用高校的艺术教育场馆向社区居民开放艺术活动，或直接利用高校组织的艺术活动向社区居民开放；社区可以利用高校培养的艺术人才参与社区艺术活动，为文化创意产业提供创业人才和消费人群；社区可以利用高校在文化、艺术、科技方面的成果，合作开发多种形式的文化创意产业。
（2）高校对社区艺术教育资源的利用
高校可以利用社区的博物馆、美术馆、音乐厅等艺术教育场所，拓展学校的艺术教育领域，培养未来文化艺术消费人群；高校可以依托社区的企业、文化创意产业园区等，为大学生安排艺术实践机会，开展研究创新，直接服务于高校人才培养与科学研究；高校可以与社区的文化创意产业联合制定培养方案，为企业的发展量身打造创意人才团队。艺术教育的发展引导着一个地区集体生活方式的改变，通过制定相应的文化教育政策和实施具体的项目来促进艺术教育的推广，培养艺术人才，建立健全整体的艺术文化生态，就一定能够实现建设具有文化创意的大学城社区的目标，并且能够以点带面地促进全社会公民文化艺术素养的提升，在增强国家竞争力的同时，实现建设美好家园的梦想。
注释：
①大学城――百度百科，http：///link？url=t6eaiYapSJ-mpS5aDqoHkVkkmytiHQ13GF231y0_pn9ittD1pj95Hz3n2Kne2Zpb
②黄美贤：《我国社会艺术教育政策之研究――以社会文化取向为观点》，“国立”台湾师范大学社会教育学系博士论文，第28-29页，2005年2月。
③同上，第29页。
④社区――百度百科，http：///view/49629.htm⑤黄龄莹：《推动社会艺术教育政策建构文化国力之研究――以文化公民权、公民美学及台湾生活美学三大运动为例分析》，《艺术论文集刊》第15期，第48页，2011年10月。
参考文献：
[1]黄龄莹.推动社会艺术教育政策建构文化国力之研究――以文化公民权、公民美学及台湾生活美学三大运动为例分析[J].艺术论文集刊，2011，（10）.
[2]黄美贤.我国社会艺术教育政策之研究――以社会文化取向为观点[D].“国立”台湾师范大学，2005.
[3]黄美贤.“国立”台湾艺术大学文化创意产学园区与社区合作之个案探讨[J].社区研究学刊，2011，（02）.
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[5]柳志红.大学城艺术教育资源共享之研究――以南京仙林大学城为例[J].文教资料，2012，（06）.
作者简介：
艺术学与美术学的区别篇2
[关键词]神经美学；审美体验；美；艺术创造；神经成像
神经美学是在实验美学和神经科学技术的共同推动下产生的一门交叉学科，其理论基础可追溯至英国的经验主义和早期的审美体验的生理机制理论（Burke，1757）。1999年，Zeki首次提出神经美学这一概念，将其定义为研究创造和欣赏艺术作品的神经基础的一门学科（Zeki，1999）。此后，其他研究者提出了不同的神经美学概念。Gallese等人（2009）主张，神经美学应研究艺术中美的知觉的神经基础。而Brown（2009）等人认为神经美学的概念过于宽泛，应该称之为神经艺术学（neuroartsolo―g）r）。Skov与Vartanian（2009）则将神经美学定义为研究与艺术作品和非艺术作品的创造和知觉有关的多种心理和神经活动。
关于神经美学概念的争议，其焦点问题在于研究的对象是仅限于艺术作品还是包括其他非艺术作品？但什么是艺术、艺术家和艺术作品，以及区分艺术作品的标准是什么？这本身就是随着文化背景和历史发展的变化而变化的。因此，在nadal（2013）看来，神经美学不应限于对艺术作品的研究，而应关注人们采用“审美态度”体验的多种对象（object）。所以，他将神经美学定义为，在与对象相互作用的过程中创造或观看对象时的心理活动的神经机制。这些心理活动包括感知觉、认知、情绪、评价以及其他的社会方面，所有这些活动都具有某种生理――神经基础。对象是包括艺术、人脸、自然风景等可以引起审美加工的一系列物体。相对而言，nadal关于神经美学的概念得到多数研究者的支持和认同。
2005年5月，在英国伦敦的金史密斯大学召开了第一届神经美学会议，来自神经科学、艺术学、心理学等不同领域的专家聚集在一起，探讨与神经美学发展有关的问题。一方面，新的神经科学技术的发展为神经美学研究提供了有利的工具；另一方面，越来越多的研究者开始致力于探索艺术和审美的生理基础。在这两种因素的推动下，神经美学出现了较快的发展势头，已经成为神经科学的一个重要分支。
一、神经美学的研究方法与研究主题
神经美学的研究有几种不同的途径，归纳起来看，大致有三种方法：比较法、神经心理学研究方法以及神经成像方法。第一种属于理论方法，后两种属于实验方法。
第一种方法被称为比较法（parallelismap-proach）。这种方法并非实验研究，主要用于理论模型的建构，以此来指导开展实验研究和解释实验的结果。神经美学的比较法认为艺术的创造和感知应该符合神经组织的原则，艺术作品的特点和艺术家使用的策略与神经系统如何理解和组织视觉世界是相似的（Zeki，1999；ca-vanagh，2005；Chatteijee，2012）。比较法的代表人物为Chatteijee、Zeki、Ramachandran与Hirstein等人。他们使用这种方法提出了各自的视觉神经美学的理论模型。如Chatterjee（1999）提出的视觉审美加工的认知神经模型、Ramachandran与Hirstein（1999）提出的一系列影响审美体验的知觉原则、Livingstone（2002）关于艺术家如何运用视觉不同成分之间的复杂相互作用来创作图画的理论。这些理论促进了对艺术家的技巧和作品与视觉脑的组织之间的比较。但这种方法面临的挑战在于，如何将这些观点转化为研究的系统程序？这些理论能否促进未来的实验研究？其中哪些部分能够形成可证伪的假设？
第二种方法是从神经心理学的角度，通过神经生理学的观察和临床检查来考察脑功能损伤和神经系统退化如何影响艺术的创作和欣赏。对脑损伤者的研究有助于我们进一步了解认知和情绪系统，它是神经美学研究中具有较好前景的研究。虽然脑损伤通常会损害艺术创作的能力，但在某些个案中，反而促进某种艺术能力。这种现象为我们了解艺术作品创造力的脑机制提供了一个独特的视角。但这种方法的缺点也是很明显的。首先，适合于这类研究的案例稀少。已有的研究案例中，被试受影响的遗传因素、年龄、手术的程度以及教育和社会背景和人口统计学变量等方面差异较大。其次，对于艺术能力缺乏统一的测量和解释工具。总体上看，虽然研究的结果存在某些争议，但神经心理学的研究至少得到了以下三方面的有益结论：审美体验与多个脑区的活动有关；艺术或审美活动并不存在明显的半球优势；创造或欣赏艺术的能力来自于知觉、记忆、决策、情绪和注意等多种心理活动之间相互作用的结果（nadal&pearce，2011）。
第三种方法，也是现在最为普遍和流行的方法，是采用无损伤的脑成像（如fmRi、pet）、脑电（如eeG、eRp）、脑磁图（meG）等神经科学技术，探讨正常人审美欣赏和艺术创作过程的神经机制。在神经美学研究中，通常将这些神经科学技术与实验美学研究中常用的范式结合。要求被试判断所呈现刺激的美或报告对刺激的喜爱或偏好程度，同时扫描其脑区激活情况或记录其脑电活动。神经美学的发展在很大程度上应归功于无损伤性脑成像技术。借助这一技术，脑科学家可以监测健康被试在欣赏或创作艺术作品时的脑活动情况，从而能够在控制的情境中通过实验来验证有关艺术行为的神经活动模型。
总体上来看，神经美学并没有自己独特的研究方法，现有的研究方法主要是来自于相近的学科如实验美学、认知神经科学等。由于审美体验和艺术创造活动是由认知、情绪等多种加工活动交互影响的结果。现有的神经美学研究需要考虑如何通过精心的实验设计来分离审美体验定脑区的活动与特定的认知与情绪加工过程。
尽管神经美学采用了新近发展起来的神经科学技术，但它的研究主题绝不是新的问题。很多主题都是哲学美学等学科中长期以来一直争执不休的问题。例如，审美体验的主观性和客观性起源、美与快乐的关系等等。虽然是“新瓶装旧酒”，但神经科学技术能让研究者更为细致和深入地考察这些问题。同时，它也提供了一些关于审美体验生理机制方面的全新问题，如多巴胺在审美欣赏中的作用是什么？男性与女性审美体验的神经基础是否存在差异？
目前的神经美学研究主题包括以下几个方面：（1）审美体验的神经机制，其中美的体验是研究者关注的核心问题。现有的研究主要探讨审美体验中审美知觉、审美情绪以及审美判断三个方面，常用的实验材料为面孔、绘画作品和音乐。当前的研究主要致力于探索与审美体验有关的如下问题：第一，审美知觉是否区别于一般物体的知觉？哪些因素影响美的知觉？第二，艺术为什么会从情绪上触动我们？这一过程是怎么产生的？审美情绪与一般的情绪过程有何异同？第三，审美判断的本质是什么？它与一般的判断活动或者道德判断有何异同？第四，不同的脑区如何协调活动以产生审美体验？哪些因素调节审美欣赏的神经网络的活动？等等。（2）艺术创造活动的神经机制。这一主题的研究试图回答下面一些问题：艺术创造活动是否存在特异性的神经基础？艺术创造与科学创造的脑基础有何异同？艺术创造与艺术欣赏的脑基础之间具有怎样的联系？早期的研究主要集中于神经心理学研究，考察脑损伤或神经系统退化对艺术创造活动的影响。近年来的研究主要采用无损伤的脑成像和脑电技术来检测正常活体操作艺术创造力任务时所激活的神经区域（沈汪兵，刘昌，王永娟，2010）。（3）审美行为的进化心理学研究。这一主题的研究试图解答如下问题：审美体验的进化意义是什么？人类为什么会产生审美体验？审美体验的过程是如何进化的？等等。人类产生和欣赏美的艺术的能力的进化起源一直困惑着早期的达尔文主义者。直到现在，对于艺术和审美体验的进化意义仍存在很大的争议。以pinker（1997）为代表者认为，艺术行为是扩展的适应。例如，他认为音乐是“听觉的奶酪”，是适应语言的认知和行为功能的副产品。另一种观点则认为，艺术与审美具有明确的进化价值。例如，视觉审美偏好与居住地选择、环境评估以决定定居或搬迁至何处有关（miller，2001）。
二、神经美学的研究现状――以绘画艺术欣赏为例
当前的神经美学研究范围较广，涉及绘画、音乐、设计、雕刻、舞蹈以及面孔、自然风景等众多领域。由于神经科学在视觉方面的研究取得了较大的成果，这在一定程度上促进了视觉艺术的相关研究。在神经美学领域，研究最多且成果最为丰富的是关于视觉艺术的研究，尤其以绘画艺术欣赏的研究较为突出。下面仅以绘画艺术欣赏为例来说明神经科学技术如何促进对于审美欣赏脑机制的理解。
绘画艺术欣赏的研究主要采用无损伤性的脑成像（fmRi、pet）、脑磁图（meG）和脑电技术（eRp），考察与绘画艺术欣赏过程有关的审美知觉、审美情绪和审美判断等活动的神经基础。研究主要从以下两个方面进行。其一是从绘画作品本身的特点出发，通过比较美与不美的绘画作品，或者比较绘画作品与其他非艺术类的图像（如面孔、图形等），或者将不同风格或内容的绘画作品进行比较，以此探索与绘画艺术欣赏有关的脑区；其二是从欣赏者的角度出发，通过考察欣赏者的特点对欣赏绘画作品的影响，或比较不同加工任务的脑区激活情况，以此探讨绘画艺术欣赏的神经机制。
艺术学与美术学的区别篇3
一、内蒙古民族工艺美术的主要种类与特色
民族工艺美术是我国传统文化的一个重要组成部分,是中华民族文化宝库中的宝贵财富,是我国各族人民在生产劳动中经过世世代代传承和不断创造的智慧结晶,凝聚着各民族的艺术精华,体现着各民族的意志和追求。内蒙古具有悠久的历史传统,多种文化相互交融,这些都是民族工艺美术发展的文化基础,而内蒙古丰富的动植物和矿产资源又为工艺美术的发展提供了材料基础。因此,内蒙古民族工艺美术种类繁多,具有鲜明的地域特色和独特的民族风格,主要归纳为以下几大品种。
(一)绘画工艺美术
绘画工艺美术主要包括皮画、毡画、沙画、树皮画和木浮雕画。皮画选用优质天然牛皮为原料,采用皴、擦、刻、染、凹凸等工艺技术手法,经手工多次绘制、刻画、雕塑而成,题材多为草原风情和蒙古族传统图案,风格淳朴、粗犷。羊毛毡是游牧民族的特有产品,当代毡画继承了蒙古包用毡绣的传统,又吸收了木板烙画工艺,产品充满了异域风情,且容易携带,已成为内蒙古重要的旅游纪念品。
(二)雕塑工艺美术
雕塑工艺美术包括牛角雕、驼骨雕、犴角雕、猛犸象牙雕、巴林石雕、佘太翠雕、兴安石雕、麦饭石工艺品、根雕、木瘤雕等。其中巴林石色彩丰富高雅,深沉润泽,内容丰富,俏色取意,深浅皆宜,是观赏石中的精品。
(三)金属工艺美术
金属工艺美术主要包括金银制品和铜制工艺品。蒙古族的金银制品不论是造型还是装饰都具有浓厚的民族特色。银碗是蒙古族传统的餐饮用具,在此基础上,开发出了牛角镶嵌银质的牛角结盟杯、镀金的马等金银摆件及蒙古族银餐具系列。手工錾花工艺铜制火锅纹样细腻、工艺精湛,极具民族特色。(四)民族服饰及刺绣工艺内蒙古各少数民族的服饰绚丽多姿,别具一格。蒙古族服饰艳丽美观,有头饰、长袍、腰带、蒙古靴四个主要部分,妇女头饰是最受人瞩目的装饰。诸如鄂伦春、鄂温克族的传统服饰均由兽皮制作而成,赫哲族有制作鱼皮衣的古老传统。蒙古族刺绣源远流长,应用范围广泛,色彩丰富艳丽,具有强烈的地区特点和民族特色。
(五)其他工艺美术
其他工艺美术主要有皮革工艺品、牛角工艺品、三少民族的桦树皮制品、艺术挂毯、剪纸、仿辽瓷等。
二、艺术设计类专业开发内蒙古民族工艺美术课程资源的意义
(一)有利于民族工艺美术的保护和传承
当我们在庆幸全球范围的现代化所带来的快捷便利时,随着工业化、城市化的飞速发展,人民生活条件的改善,生活方式的转变,特别是商业文化的冲击,民族工艺美术所赖以存在的物质基础和文化基础也发生了极大的动摇。现代工业文明对民族工艺美术的冲击已经成为了不可逆转的趋势,无数珍贵的民族工艺美术正在逐渐消亡,选择其中有价值的品种进行保护已十分紧迫。然而,内蒙古民族工艺美术的保护工作却面临着前所未有的严峻形势,具体表现为:一是传统民族工艺美术生存环境的恶化;二是一些独特的民间传统习俗和生产生活方式在逐步消亡;三是一些传统民族工艺美术和技艺的传承后继乏人;四是民族工艺美术资源流失严重。因此抢救、保护、传承和弘扬内蒙古民族工艺美术刻不容缓。而民族工艺美术传统的传承模式已经不利于当今社会文化的发展,因此要构建新的传承模式。为此,把民族工艺美术的内容融入到课程中,组织工艺美术大师和代表性的传承人进入到相关院校传授工艺美术技艺,充分发挥高等艺术设计教育的优势,加强民族工艺美术教育,办出自己的区域民族特色,对培养高素质的工艺美术专门人才意义重大。开展民族工艺美术融入艺术设计类专业教学的实践研究活动,将其课程和教学内容实施于专业教学中,通过有效而多样的民族工艺美术教育方式,将其文化内化,使学生在了解了民族工艺美术的历史和现存状态后,从而更加珍视工艺美术文化瑰宝,产生传承、保护优秀的民族工艺美术的积极性,并主动地参与到民族工艺美术的传承中来,使其发扬光大。继承民族文化传统,弘扬民族优秀文化,对保护民族优秀文化遗产、传承民族文化艺术具有十分重要而深远的现实意义。总之,民族工艺美术要得以系统的传承,就要在高等院校建立一支强有力的美术师资队伍去探究民族工艺美术的理论和技艺;通过构建系统的理论基础来支撑高校民族工艺美术教学;编写出具有本土特色的民族工艺美术的课程教材资源。以高校艺术设计类专业为平台,播下民族工艺美术的“种子”,使高校成为传承民族工艺美术的前沿阵地。
(二)有助于丰富专业课程的教学内容
在传统的艺术设计教学中,学生接受的都是西方三大构成的设计体系和色彩观念,而对本地区传统的民间美术和色彩意识知之甚少。民间造型观念有着自身独特的观察和思维方式,是完全区别于西方的一种造型体系。民族工艺美术以其质朴的造型、深厚的内涵与现代设计艺术的某些观点形态息息相通,对它的学习将有助于拓展学生的观察和思维。通过收集、挖掘、整理、选择优秀的内蒙古工艺美术资源,在艺术设计类专业的教学实践中,探索和尝试把这些内容渗透进专业教学中,可让学生了解并初步学习和掌握优秀的民族工艺美术,感受和了解内蒙古地区民族工艺美术的特色,深化、补充、延伸专业知识,让学生熟悉和热爱本地区的民族工艺美术,从而提高学生的艺术修养,陶冶学生的审美情趣,提高学生的审美能力,拓宽他们的审美视野,提高学生美术欣赏和创作实践水平。在教学中要将内蒙古工艺美术在特定的自然环境和特殊的人文环境中折射出的生活、生存方式加以表现,让学生们熟悉和感悟民族的美术思维方式,培养和树立民族的审美观和价值观,丰富教学内容。教师在教学中应充分利用本地优秀的民族工艺美术资源,引导学生调查与采访、设计与制作,改变学生的学习方式,实现专业学习的多样性,从而塑造具有创新能力和创新精神的文化主体。
(三)具有重要的思想教育意义
在教学过程中,培养学
生对民族文化、民间艺术的兴趣,增进他们对不同民族文化的理解、尊重和热爱,潜移默化地激发学生热爱家乡的情怀,增强他们的民族自豪感,具有重要的教育价值和课程意义。关注内蒙古民族工艺美术,在贯彻人才培养方案的同时保持地方资源特色,有效地开发和利用民族工艺美术课程资源,是传承、弘扬内蒙古优秀民族文化遗产的最好途径和方法。三、艺术设计教学中内蒙古民族工艺美术课程资源开发的内容
如何利用这些优秀的民族工艺美术资源开发艺术设计类专业的特色课程,将内蒙古最具代表性的民族工艺美术融入到艺术设计的专业教学中,使民族工艺美术得以更好的传承,现针对我区的情况,笔者从以下几个方面进行探讨。
(一)理论教学
内蒙古民族工艺美术课程教学主要有基本理论讲授、课堂组织讨论答疑、考察与调研以及实践与创作四个部分,其中前两个部分为课堂理论教学,而后两个部分属于实践教学。基本理论讲授主要是通过介绍、讲解内蒙古民族工艺美术的起源、发展和沿革,来使学生了解其品种、艺术特色、材料和制作工艺,让学生在有限的课堂学习中,较系统地了解和掌握内蒙古民族工艺美术发展的基本线索和概貌。最后,遴选优秀的具有代表性的民族工艺美术作品进行赏析。通过欣赏富有民族特色的工艺美术作品,可让学生更加了解和热爱本土文化。
艺术学与美术学的区别篇4
【关键词】美术教学;苗族民间艺术;契合模式
【中图分类号】G613.6【文献标识码】C【文章编号】2095-3089(2012)01-0193-02
苗族民间艺术拥有几千年的文化积淀，在中国美术占有很重要的地位。近年来，随着中国民间文化遗产保护的力度的加大，苗族民间文化，特别是民间美术得到了空前未有的发扬和光大。然而，在这一过程中表现出来的问题却越来越明显，诸如民间艺人的年龄老化、题材的单一、开发范围的狭窄、操作手段的落后等，成为制约苗族民间美术进一步发展的瓶颈。因此，只有建构苗族聚居区小学美术教学与苗族民间美术传授契合的模式，才能最大限度地传承与弘扬苗族民间文化，同时也相应地提高苗族聚居区小学美术的教学质量。而要准确地找到两者的最佳契合点，就成为苗族聚居区小学美术教师必须面对和亟待解决的重要课题。本文着重从两者如何契合的基本命题来进行一些新的探讨。
1教材内容与苗族民间美术内容契合，相互穿插借鉴，建构两者相互促进的美术教学新模式
新课程在课程资源方面提出了全新的理念，这是当代教师必备的素养，艺术教师要与课程一起成长，就要对《纲要》及《艺术教育规程》、《艺术课程标准》有正确的认识与理解，琢磨如何将博大精深的民族文化中所蕴涵的民俗艺术与美术课程进行合理渗透、有机融合，探索构建和谐而具有特色的美术教育之新路。
人教版新教材一、二、三年级课程设计其中就包括了以上四个领域：如《繁忙的交通》、《办年货》、《有趣的鞋》、《团包手工》、《会滚的玩具》等课程都与本地民俗艺术息息相关。同时，这样的课程与学生的生活经验有着直接联系，是学生熟悉的，其所见所闻、耳濡目染的正是具有民俗特征的事物，依据他们的生活体验，在学生的作品中不乏民俗文化、民俗艺术的影子。学生作品的创新不是没有任何依据的空穴来风，创新的根本还在于引导学生从自己身边的事物以及亲身的感受中先学会由此及彼的联想、进而转化为自由的想象这一个复杂的心理变化过程。此时的教师就应该主动地、有选择地真实展现本地区的民俗艺术图片资料、影像资料，使学生从课堂教学中获取这样一种信息：生活中处处有艺术、艺术就来源于生活、艺术作品就是对生活的提炼和表现。从而建构一种教材内容与苗族民间美术内容契合，相互穿插借鉴，建构两者相互促进的美术教学新模式。
2室内教学与课外现场教学形式契合，相互取长补短，建构两者相得益彰的美术教学新模式
现代美术教学只有是开放而有活力的美术教学，才能适应现代社会的需要。传统的美术课堂教学由于受到空间所限，制约了美术教学的开放性程度。而实践证明，由于美术技能，尤其是绘画、剪纸、雕刻等能力的获得与提高和对生活的观察与体验有着紧密的联系。所以美术课外教学活动必不可少，若能准确地找到两者的最佳契合点，方可收到事半功倍之效。
苗语区苗族学生虽然对学习美术有着浓厚的兴趣，但是由于受条件、阅历、观察力等所限，其美术各种能力大多存在手不从心、观察不细致、表现力差的通病。这种通病虽然也源于苗族学生学习条件、粗心大意和观察力上的困难，但是主要还是源于对生活积蓄的贫乏和对生活体验的不深。因此，苗语区的美术教学不能只囿于教室之内的狭小空间，不能怕出意外伤害事故而局限于校内，而要大胆组织学生到校外去领略大量的苗族传统美育资源之美，让学生零距离接触多姿多彩的苗族文化。要让学生在教学活动中亲历亲为，多让学生动手动脑。学校可以把苗族民间艺人请进课堂，亲手指导学生动手操作。如请苗家雕刻大师、苗族绣花能手、剪纸能手等给学生传授操作要领。然后让学生亲自动手去做。这样学生的印象会更深刻，其学习兴趣会保持得更持久，教学效果也更好。
让学生学绣苗绣、学剪苗花、学做苗衣、学简易雕塑，学习苗族编织艺术、去采访苗族绣花能手和苗族银匠师傅等，去观赏家乡的旅游景点等。学生特别喜欢这样的校外活动，兴趣很浓，其学习欲变得强烈了，其在学习过程中的通病，也在多次的活动中逐步得到纠正。这可以从活动结束后学生的各种美术训练作品中得到充分的证明。这样就建构了一种室内教学与课外现场教学形式契合，相互取长补短，建构两者相得益彰的美术教学新模式。
3教师传授与请教艺人的学习方式契合，相互交流讨论，建构两者经常沟通的美术教学新模式
请民间艺人进课堂是培养民间艺术传承人的重要途径之一，是将“非遗”的传承与学校教育、社会教育结合起来，是推动“非遗”保护传承发展的重要环节，也是解决民间艺人普遍老龄化的重要措施。学校把民间艺人请进课堂，可以使学生学到很多课堂上学不到的美术知识和美术技艺。
如山江民间编织能手龙叭奴、吴德生曾到山江镇中心小学为小朋友上了一堂编织课，手把手的向小朋友们传授编织技艺。
课堂上，民间艺人们孜孜不倦地教着小朋友们基本的编织技艺。小朋友们也一个个睁大了眼睛，不放过艺人们手上的任何一个细节。
以下是部分课堂实录：
民间编织艺人：你看，公鸡的爪子和头上的鸡冠是什么样的，它有几个爪子啊？
小朋友：那就三个吧，鸡冠像锯子！
民间编织艺人：那我们就编三个爪子吧，鸡冠就这样编成像锯子一样了。
几片棕叶，在艺人手中上下翻飞。不一会，一只栩栩如生的公鸡就展现在了小朋友的面前，让小朋友们佩服不已。
在艺人的指导下，小朋友们也自己动手，开动脑子，按照自己的构思，编出了一个个自己的作品。
这样的教学，学生的学习兴趣非常浓厚，学习积极性非常高，教学效果特别好，教师再把一些相关的美术知识传授和民间技艺有机结合起来进行教学，高效率地实现了教学目标。这种教师传授与请教艺人的学习方式契合，相互交流讨论，从而建构了两者经常沟通的美术教学新模式。
4课堂训练与课外实践的训练形式契合，相互促进提高，建构两者互为补充的美术教学新模式
传统的美术书面作业训练形式有着其易于调控和方便检测与评价等优势，然而其缺乏个性化、忽视综合能力培养、作业评价轻过程而重结果等不足也是显而易见的；课外实践作业形式虽然也存在时间和空间上较难调控、组织难度大等不足，但是却有着有助于培养学生的创新意识和创新能力、有助于培养学生的动手能力和实践能力、有助于学生感悟生活、体验快乐、陶冶性情等多方面的优点。
上述四种模式并不是其中某一模式孤立地存在于美术教学之中。教师只有在具体的美术教学中，善于准确地找到每一模式中两个方面的最佳契合点，构建成美术教学的新模式，把它们综合运用于美术教学各环节之中，让它们在教学过程中同时发挥各自应有的作用，才能最大限度地提高苗族聚居区美术教学质量。
参考文献
［1］《美术教育》
［2］《美术教学》
艺术学与美术学的区别篇5
关键词：文学音乐关系
文学是以语言为手段塑造形象来反映社会生活、表达作者思想感情的一种艺术，起源于人类的生产劳动。最早出现的是口头文学，一般是与音乐联结为可以演唱的抒情诗歌。最早形成书面文学的有中国的《诗经》、印度的《罗摩衍那》和古希腊的《伊利昂纪》等。欧洲传统文学理论分类法将文学分为诗、散文、戏剧三大类。中国先秦时期将以文字写成的作品都统称为文学，魏晋以后才逐渐将文学作品单独列出。现代通常将文学分为诗歌、小说、散文、戏剧四大类别。音乐是一种无法用语言和文字去描述的艺术。它拥有变幻莫测的节奏，绚丽多彩的旋律，由无数个音符组成了音乐。天地间所有的声音都是音乐，有些没有深度，没有精髓，却富有感情。音乐可以改变人的心情，或喜或哀。真正懂得音乐的人，乐歌就在他的心中。现代汉语词典解释说音乐是用有组织的乐音表达人们的思想、反映现实生活的一种艺术。它最基本的要素是节奏和旋律，分为声乐和器乐两大类。
文学与音乐有着千丝万缕的联系，它们都表现了人类最真挚的情感。音乐时常能激发人们各种文学性的想象和灵感，给予人们无限的想象空间，文学虽有局限，但还是常常用来作为音乐语言的解释与再创造，有时也会成为音乐形象表现的主题，如中国的《梁祝》故事被何战豪、陈钢改编为小提琴协奏曲，莎士比亚的戏剧《罗密欧与朱丽叶》被柴科夫斯基改写为同名的交响幻想曲。一段美好的人生就如同一段美妙的乐章，而人生中的几朵浪花则如同乐章中的几段插曲，或许只是几个跳跃的音符。
文学与音乐都是艺术的组成部分也同为人们交流的一种方式。虽然二者有着明显的区别，但二者的联系却是十分紧密的。
文学是以语言见之于文字来构成他的整体，而音乐则是用音符来组成他的乐章。这是二者最明显的区别，也是最主要的区别。不过再这种区别中却有着很大的联系。
同为艺术二者最大的联系就是本质相同。所有艺术都有他的共性，这便是艺术的本质。而各种艺术只是在这个共性的基础上以各自的特点和方式形成了不同的艺术形式。而艺术内涵却是一致的。音乐和文学便是如此，在共同的艺术内涵上，文学运用语言文字，音乐运用音符，从而以两种不同的方式进行艺术创作，从而形成了两种不同却又相关的艺术。
同时两种艺术在创作手法上也有很多相通之处。比如写意，白描手法等，在二者的创作中都被广泛运用，从而形成了同一艺术派系下的不同艺术形式。究其原因，仍然是艺术的内涵，艺术的内涵决定了艺术的相通性也就是艺术的抽象性。在抽象的艺术中，一切是一致的，这样就有了一致的创作手法。而回到现实，艺术的创作手法就运用到艺术创作中，这样手法的外在形式随着不同的艺术而有了各自的外形，但本质上确是一致的。
音乐与文学的最完美的结合便是歌曲，歌曲吸纳了两种艺术的长处。音乐本身表达情感和思想很抽象，但有很强的生动性。文学表达情感和思想更清晰但生动性较差。这样以音乐来渲染文学，以文学来解释音乐，就达到了取长补短的效果，歌曲也就成为一种非常流行的艺术形式。从我个人的理解，音乐应该以最大的程度渲染文学，文学要最好的解释音乐，从而使二者达到艺术上的统一，歌曲中文学和音乐的紧密融合，二者你中有我，我中有你。作曲家在音乐创作上，根据歌词定的场景和情感，充分考虑地域色彩，民俗风情，语言习惯，最大程度地以音乐的形式烘托、展现这种具有一定指向性的情景，充分调动个人情感和作曲技法，将音乐与文学完美地结合起来，融合起来，统一起来，将受众带入音乐与文学联袂营造的完美意境之中。
艺术学与美术学的区别篇6
abstract:thispaper,basedontheproblemsthearteducationqualityofprimaryandsecondaryinunderdevelopedareasfaced,takingruralschoolsinGansuprovinceasasanexample,hasin-depthunderstandingoftheirproblemsinteachingandgiveseffectiveresponsetocomprehensivelypromotequalityeducation,toimproveteachingqualityinunderdevelopedareas,andtopromotethecomprehensivedevelopmentofnationalculture.
关键词:经济欠发达地区;中小学美术教育;问题;对策
Keywords:underdevelopedareas;primaryandsecondaryarteducation;problems;countermeasures
0引言
我国经济欠发达地区缺少美术教育的基础条件。以我考察的武威地区和甘南藏族自治州地区的中小学美术教育中为例,有很多中小学没有专职专科的美术教育工作者,而是一位教师身兼数职。更有一些地区存在着美术教育的空白现象,学校及学生家长认为美术教育对学生的整体素质的作用是滞泄而不是积极的,甚至对美术教育持有比较排斥的态度。如何改变地区学校工作者及学生家长对美术教育重要性的认识;如何提高学校美术教育工作者的整体素质;如何将美术教育深入到少数民族;如何将本地区特有的文化融入美术教育;这些都是我们值得研究的课题,也是摆在我们教育工作者面前的严峻问题。
1我国经济欠发达地区中小学美术教育的现状(以西部为例)
1.1条件的制约使西部地区农村美术教育相对滞后一方面很多学生的家庭生活条件有限,或家长不予支持,或学生不予配合,或因家、校偏僻,无处购买等等原因,使得美术课难以开展。另一方面西部农村中小学校现在的条件设备少得可怜。我考察去的武威地区农村小学、中学虽然都开有美术课,但学校没能为教师提供最起码的教具、设备、资料,更不用说有专用画室了。
1.2认识上的偏差让农村的学生远离美术教育长期以来,由于受“升学教育”思想影响,在深深打上了应试教育印记的农村中小学,重应付考试,轻全面发展,重教育结果,轻教学过程。再加上有些学校领导对审美教育的地位没有正确认识,美术课得不到应有重视,美术课形同虚设,美术课时被大量侵占甚至取消。
1.3西部地区的专职美术教师严重不足与浪费并存目前,西部农村中小学的美术教师,一方面不仅数量不足,而且教师的素质偏低,特别是农村的小学更是几乎没有美术老师,原因是现在的艺术类人才由于西部经济条件落后都不愿到农村,特别是不愿到贫困落后的农村学校工作,美术类的教师就更少了。还有一种现象是即便学校有美术老师,但由于其他学科的老师人力有限,美术老师也是身兼数职,语文、数学、英语样样课都得带,这样一来教师容易分心,教学质量也差。
1.4传统的思想观念和教学模式仍困扰着农村美术课堂教学
在不正确的观念的影响和自身素质制约下,部分美术课教师缺乏对该课程的正确认识,特别是在农村中小学校,随便让学生画,不加以引导,课堂经常出现乱的现象,结果是美术课学生只会拓着画,上课马马虎虎,时间一长,美术课就演变成了画画课。这些有悖于现代艺术教育思想的陈旧观念,严重影响了农村中小学校新课程改革的进行和艺术教育的开展。
2对经济欠发达地区农村中小学美术教育的几点对策与建议
通过以上对我国经济欠发达地区美术教育现状的分析,我认为应从以下几个方面入手改变:
2.1加大资金和设备投入,保证正常教学的开展改善教育资源不均衡、不合理的投入现状。第一,各级部门和学校要对艺术教育的价值有准确的定位,形成合理投入意识;第二,学校要充分用好现有教学设备,发挥它的最大功用;第三,充分发挥师生的主观能动性,开发、利用好乡土教材,通过自制自创增加设备,陶冶学生的思想情操,培养学生的动手能力;第四,学校应加强宣传力度,借鉴成功经验,从学生特长出发,培养出一部分有一定艺术天赋的学生,用实际行动改变社会对艺术教育的不公正的看法。
2.2培养具有一定艺术素养的美术教师队伍及专业师资的合理利用学校教育行政主管部门、美术教育专家学者和广大美术教育工作者首先要对西部农村美术教育给予足够的关注与扶持,加强师范类学校学生思想教育,鼓励学生到经济欠发达地区执教;对艺术教师的培养和培训加大力度,让美术教师了解美术教育发展新动态,积累经验与素材,从而提高美术教师的自身业务素质和工作积极性。
采用校外名师讲学制度。可以充分挖掘本地的文化潜力,让有一技之长的农村人、艺人到学校当兼职老师,把老艺人的绝活继承下来,发扬光大,弘扬民间传统文化,也给学校的特色教育开阔了道路。
2.3强化领导意识,端正其对艺术教育的正确认识态度学校应该把素质教育落到实处,不论是教育管理者还是一线教师都要从育人兴才角度,转变观念,充分认识美术教育在素质教育中的重要地位,进一步提高对艺术教育重要性的认识,切实加强对学校艺术教育工作的领导和扶持,真正将艺术教育摆上工作议程。
2.4提高经济欠发达地区的美术教育质量美术教学法要着重加强能力训练,应多结合具体课例,深入浅出地分析掌握各种类型美术课的教学形式和方法要针对农村教学实际,鼓励学生有目的地学习知识,同样能收到一节美术课应有的美育效果。通过学校的普及,影响社会,形成一种氛围,一种时尚,达到协调发展。
振兴的中小学美术教育的工作任重道远,绝非一朝一夕的事。相信经过多方面的努力,工作将逐步得到改善,同时也希望我的论文能对提高经济欠发达地区中小学美术教育有所帮助。
参考文献:
[1]陈克.美术教育与基本素质教育.艺术教育,2005,(03).
艺术学与美术学的区别篇7
[关键词]艺术门类相互促进发展
艺术的种类是多种多样的,它随着社会历史发展而不断变化。在发展过程中,有些消失了,有些保存并不断发展,还产生了新的艺术种类。各种艺术的发生发展,同一定的社会需求相适应。在一定的物质生活基础上,需求不断增加,促使艺术日益向多样化发展。目前,艺术种类大体上有音乐、舞蹈、美术、戏剧、电影、文学、曲艺、摄影、杂技等。每一种又有很多样式。
首先,我们来看看美术,它是用一定的物质材料和手段,通过塑造静态的视觉艺术形象,来反映社会生活的艺术。它是一个广义的概念,它包含很多,比如绘画、雕塑、设计等;美术是一种视觉艺术,通过视觉刺激产生的一种美感,他是静态的。不同于音乐,舞蹈等艺术。在绘画中我们知道有油画、国画、版画等。这些种类是由于所运用的材料不同而不同,在视觉上的感受不同。绘画同雕塑、设计这些二三维美术之间既有联系又有区别,首先它们构图上都要符合美的造型规律,精神上都要积极向上。彼此互相学习,互相促进,这种学习是小范围的,它们是近亲,相互促进和发展是显而易见的。音乐不像绘画那么直接的描绘生活现象,它主要通过表达人的思想感情来反映生活。通过表达感情来引起人们对生活情景的联想,音乐是动态的,是流动的艺术。各种音乐门类很多,但它们都要通过那有限的音符,用不同的节奏、节拍进行组合,来产生美的旋律。但是,同一支曲子用不同的乐器演奏,出来的效果也是不一样的。不管怎么区别,音乐就是音乐,它主要靠旋律来打动人,靠耳朵来欣赏。同美术相比音乐能很快进入意境,能更快的打动人。如果把音乐同美术结合,也就是给音乐配上画面效果会更好,比如现在的电视音乐就是一个例子,画面很美,在音乐的烘托下,彼此呼应相得益彰。
想每一门艺术都有各自的特点,它们由于差异而相互区别。同时各种艺术又都有共同点,彼此相互联系和相互影响。在相互联系中发展。我们要研究各种艺术的联系,了解它们之间的影响关系,以便掌握它们的规律。更好地发展艺术。
各种艺术之间的联系,和艺术特点一样,在它产生的时候就有,而且在发展中不断加强。比如,音乐和舞蹈,在一开始就是相伴而生,直到现在。音乐可以编成舞蹈,舞蹈可以促进音乐,俗话说“载歌载舞”就说明了舞蹈和音乐的紧密关系。音乐和舞蹈都有节奏,都表达情感,这使得它们紧密联系在一起,彼此促进了它们的发展。
大家知道,我国的传统绘画讲究“诗”与“画”的结合,诗画相结合,既可以使绘画富有诗意,更好的抒感,给人以丰富的联想;也可以使诗意与画境相结合,丰富诗的意境。两者形式各不相同,但又融洽地结合在一起。这主要是因为它们都要创造意境。
还有,美术与其他艺术存在联系,比如,美术与舞蹈有联系。因为,舞蹈虽动,但在动态中有静态的造型美,人物的造型,服装道具的设计,整体构图,都与造型艺术相联系。美术还与音乐有着联系,它们的感官虽然不同,一个是视觉艺术,另一个是听觉艺术,表面看没有联系,但是这两种艺术家都知道,美术与音乐在节奏、韵律、意境等方面都有想通之处,所以画家在绘画时常要配点音乐,以激发灵感;音乐家有时以绘画作品为题材进行创作。
戏剧、电影作为综合艺术,包括了很多的艺术门类在里面,它与其他艺术的联系是显而易见的。
不同的艺术之间是通过什么相互联系的呢?最普遍的方法就是吸取,这就是以吸取其他艺术的长处,丰富和发展自己。比如有些动画片,就是吸取绘画的某些表现技法。再比如,中国画很多技法来源于中国书法。各艺术门类彼此吸取对方的长处,使自己不断的丰富发展。再有就是结合,两种艺术结合在一起,形成一种独立的艺术形态,比如,音乐和艺术相结合产生歌剧,舞蹈和戏剧结合产生舞剧。电影、电视、戏剧作为综合艺术,它们更广泛地与各种艺术发生密切的联系,并在其相互联系作用的影响下,逐渐发展成为独立的艺术。电影、电视在发展过程中,逐渐吸取了戏剧、文学、音乐、美术、舞蹈等各种艺术特长,把它们综合起来,形成了一门新的艺术,电影电视不仅综合了各种艺术成份,同时也综合了摄影等许多科技手段,是艺术和科技相结合而形成的一门综合艺术,但不是戏剧的分支,也不是文学的从属,是按照自己的规律发展的一门新艺术。电影电视用自己特有的艺术手段来刻画人物,叙述故事和揭示主题,把各种艺术手段和科学手段有机地结合起来,在表现手法上具有异常的灵活性。
电影电视可以不受时间、地点,空间的限制,自由迅速地变换各种画面(镜头),使银幕上时而大雪纷飞,时而烈日炎炎,时而海浪滔滔,时而戈壁绿洲和沙漠。电影电视可以自由的回忆、想象、倒叙,可以细致入微地表现大自然和人物的各种感情,其特写镜头具有独特的表现力,使形象更突出,造成强烈的对比效果。此外,还可以通过快速摄影或延时摄影,造成一种特殊效果,还可以忠实记录历史事件等,这都是其他艺术无法达到和比拟的。
我们研究艺术的区别和联系是为了熟悉和掌握各种艺术的特点,以便互相促进取长补短,促进艺术的发展。在吸取过程中要注意保持自身的特点,不能为了吸取别人的长处,丢掉自己,那样是很危险的,没有自己特点的艺术是不会长久的。吸取那些可以促进自己发展的;与自身特点相近的东西,而不是盲目的吸收。不管是探讨各种艺术之间的区别,还是研究它们之间的联系,目的都是为了熟悉和掌握各种艺术的特点,以便相互之间取长补短和扬长避短,促进各种艺术的发展。但是必须清楚,各种艺术之间的“取长补短”是有条件的,而不是无条件的、任意的。这是因为艺术种类的所长和所短实际上就是这个艺术种类的特点表现,如音乐长于抒发感情而短于叙事状物。绘画长于象形赋彩,短于叙述故事、表现声音;文学长于叙事、抒情、议论和想象,但在呈现画面方面不如绘画,在表现声音方面不如音乐。这些都是由它们本身的特点决定的,如果去掉它们的所长所短,它们本身就不存在了。在创作中,如果不按照自己艺术种类的特点盲目去吸取别种艺术之所长,来弥补自己之所短,就必然招致失败。
各种艺术都有各自的特点和规律,因而各有各的特长和局限。同时,各种艺术又有相通之处,彼此又有种种联系,可以相互吸收。所以,既要扬长避短,又要取长补短。关键是艺术家要掌握艺术的特点和规律。把多种艺术综合为一体。这是一种有机的联系和吸取,而要发展成为一门新的艺术,又具有各自的特点,并不是机械的相加。如戏剧和电影都综合了多种艺术成分,所以称为综合艺术。年轻的电影艺术在发展的最初曾和戏剧有着密切的联系,最初的电影主要是从戏剧中借用的艺术手法,后来又借用文学方面的表现手法。因此,至今电影仍然和戏剧、文学、美术有着密切的联系,而又具有自己的特点。吸收的关键是艺术家要掌握本艺术的特点和规律。
艺术学与美术学的区别篇8
法国哲学家孔德在其著作《实证哲学教程》中第一次提出“社会学”这一概念，其将社会学定义为以人类社会现象为研究对象的一门学科。诚然社会学对艺术社会学的产生和发展起了重大的作用，但是艺术社会学对艺术的社会学研究，并非等同于一般社会学从研究艺术现象来为社会学研究提供例证和资料，从而得出社会学结论的做法。艺术社会学对艺术的社会学研究，其目的是探讨艺术与社会之问的复杂关系，考察社会生活中的经济、政治、宗教、道德、科学、文化习俗、社会心理等各种因素如何对艺术现象发生影响，研究艺术作为人类精神掌握世界的方式在社会生活中的重要地位和作用。把艺术现象放置在社会文化的宏观视野中进行多方面、多层次、多角度的考察，为艺术的发展提供某种社会和历史的参照；也要充分关注艺术产品作为人类精神产品的特殊性质，研究艺术生产的特殊规律和艺术的审美特性。[1]
司马云杰的《文艺社会学论稿》中认为艺术社会学是用社会学的先进的理论和观点以及科学的方法来研究艺术的产生、创作、传递等一系列活动与社会各现象间的因果关系，及其所蕴含的的社会本质及其社会职能的一门学科。著名艺术理论家杨晦把艺术与社会的关系形象化地比喻成“公转律”和“自转律”：“文艺好比是地球，社会好比是太阳。我们现在都知道地球有随太阳的公转，也有地球的自转。其实，就是文艺也有文艺的公转律和自转律的。文艺发展受社会发展限定，文艺不能不受社会的支配，这中间是有一种文艺跟社会间的公转律存在；同时，文艺本身也有自己的一种发展法则，这就是文艺自转律。”[2]
二、艺术社会学观念在高等美术教育改革过程中的塑造
（一）充分认识到艺术社会学对高等美术教育改革的研究意义
艺术社会学的研究客体有艺术品、创作者与欣赏者和社会，它们是个紧密联系的有机整体，具体而言由社会决定和影响创作者及欣赏者，再由创作者及欣赏者决定和影响艺术品。简而言之，艺术和社会是通过创作者和欣赏者这根纽带紧密联系在一起的。著名艺术史家岑家梧在《论艺术社会学》中提出“百数十年来，艺术社会学者在着重艺术与社会关系的分析研究，指出艺术发展的规律性，使艺术学的研究，逐渐脱离了玄学的范畴，这是这派学者重大的灾献。”他还充满信心地说：“现在艺术社会学，不管它的本身怎样的幼稚，在将来，它终必能采取史精密的科学方法，吸收史进步的学说的精华，而成为真正科学的艺术学，这确是一种趋势！”[3]蔡仪认为，包括艺术社会学在内的艺术学是以美学为基础的，没有美学便没有完全的艺术学；而美学的领域应当包括美的存在、美的认识和美的创造，也就是现实美、美感和艺术美。因此，“艺术学和美学的关系，好像内切的两个圆，艺术学是内切于美学的。”由此决定，艺术社会学的意义“是考察艺术及其产生的社会基础的相对应的关系，和其随社会基础的发展而变化的相关联的规律。”[4]据此可知，艺术不是孤立存在的，它与社会的方方面面息息相关的，所以想教好和学好艺术，就必须重视艺术社会学的指导作用，在高等美术教育改革的过程中我们更要充分认识到艺术社会学对高等美术教育改革的重要意义。
（二）严格区分社会学批评与艺术社会学
社会学批评与艺术社会学既有内在的联系，又有明显的区别，所以应该严格区分二者，不要混淆二者。一方面，社会学批评，是指把艺术作为一种社会现象来加以考察和研究的批评方法，即是一种艺术批评模式。与社会学批评不同，艺术社会学是将艺术作为一种社会现象进行研究讨论的，是用社会学的先进的理论和观点以及科学的方法对艺术的产生、创作、传递等艺术现象进行考察研究的。另一方面，社会学批评是从社会这个大环境对艺术现象各方面的影响和制约关系来考察研究艺术现象，从艺术作品、艺术家个人与社会生活的联系中来考察研究艺术作品，从而在揭示艺术现象与社会生活的相互依存的联系关系中体现出的社会学批评的广阔视野。艺术社会学是把艺术作为一种社会现象，从社会生活的角度对艺术进行宏观的、整体的、综合的研究。由此可见，在高等美术教育改革中，高等美术教育应当立足于使学生在美术学习中，从社会生活的视野对所学习和创作的艺术作品和一系列的艺术现象进行宏观、综合地学习研究。
（三）摒弃“庸俗社会学”的影响
中国艺术发展史上，中国艺术理论界由于对庸俗社会学缺乏清醒的辨析能力，曾一度错把庸俗社会学的主要理论家弗里契视为“马克思主义艺术学之指导者”，庸俗社会学在中国艺术发展历史中产生了相当大的负面影响，中国艺术发展受到庸俗社会学的干扰和影响是相当严重的。我们所说的艺术社会学立场与庸俗社会学是有根本区别的。艺术社会学是建立在一种综合和包容的立场上，探讨艺术与社会之间的各种复杂关系，研究艺术作为人类精神掌握世界的方式在社会生活中的重要作用。因此，在高等美术教育中如何摒除庸俗社会学对高等美术教育影响的同时，如何正确加强艺术社会学的学科建设是至关重要的。
三、艺术社会学视野下的高等美术教育改革对策
（一）注重学生关注生活，加强生活体验的培养
艺术社会学认为艺术现象与社会生活是密切联系的，二者之间存在着紧密的互动关系，例如艺术与经济、政治、哲学、道德dylw.net、宗教等的关系。在进行高等美术教育改革时，我们应当充分认识到艺术现象产生与发展的社会条件和社会背景，艺术现象的社会功能，艺术现象的艺术价值的标准和取向，艺术社会过程中的艺术生产、传播和消费等一系列活动的完整整体的各个环节。因此，在高等美术教育活动中应注重对学生关注生活，加强生活体验的培养。高等美术教育应当以对生活的切入来极大地丰富学生个体的经历和体验。从一定程度上可以说，离开了生活，体验就无法生成。如果高等美术教育中，老师对美术知识与技能技巧的传授得不到学生个体经验的认同，那么学生在这样的高等美术教育中所学习到的相关的美术技能技巧就只能停留于技术层面本身，由于缺乏生活的体验，与社会生活脱节，学生创作的美术作品就会相应地缺乏艺术生命力。
（二）注重高等美术教育的包容性和多元化
美国的小威廉姆e多尔在其著作《后现代课程观》提出：教育和文化两个方面，前者可自然称之为教育联系，指课程中的联系赋予课程以丰富的模体或网络，后者也可自然地称之为文化联系，指课程之外的文化或宇宙联系，这些联系形成了课程赖以生存的大的模体，两者相互补充。[5]艺术社会学强调艺术现象与社会生活是息息相关的，其在揭示艺术与社会诸多因素的关系时，把艺术活动当作多种因素的复合整体，重在宏观研究和整体性考察。这就要求高等美术教育改革中要注重高等美术教育的包容性和多元化。高等美术教育的包容性和多元化不但是指教育内容、方式和类型的繁多，而且也包含着“求同存异”、“包容并蓄”等教育理念和思想。高等美术教育应当是一种综合的教育，高等美术教育的课程改革应主要以综合性为原则，从传统的分科走向综合的发展，实现学科之间的相互交叉和融合，建构起综合的学科门类。高等美术教育的课程改革还应当注重美术学科内容的综合，将“工艺美术、现代设计”与强调审美的精神功用的“纯艺术”结合起来。老师在高等美术教学过程中应该尽可能多的为学生提供思考和讨论的空间，并积极地引导学生从一点出发多点结果的多元或从多点出发以多点结果的多元地进行思考和学习。
（三）注重高等美术教育形式与内容的和谐
艺术的理想就是内容和形式的完美结合，使二者之间达到一种和谐的状态。伟大的艺术作品不仅仅在于形式，而是期望艺术作品的形式能够体现和表达更为广阔丰富的社会人生意义。艺术形式有其相对独立性，如果不是结合着社会现实而一味地追求形式的创新，那么其就很有可能流于成为一种空洞的形式，所以成功的艺术作品中，形式与内容是不可分的。艺术社会学的转向就是从对形式技巧的讲究转向对内容意义的追求。简而言之，艺术作品的形式是完成了的内容，内容是具有形式的社会。综上所述，在对高等美术教育进行改革时，我们应当注重高等美术教育形式与内容的和谐，即在进行高等美术教学时，要培养学生具有既要注重艺术的形式创新，又要注重艺术的内容丰富的思维。
（四）注重高等美术教育方式的革新
在高等美术教育中，我们应当注重对教学方式的革新。在美术课程设置上，以促进学生的全面、协调、可持续发展为教育目标，改变过去以美术知识、技能为内容标准，而以素质教育为依据，开设社会学、生态学、心理学等相关课程，从而确保学生具有更为全面合理的文化素养。在教学活动中，老师也应当有意识地进一步增强美术dylw.net理论知识的传授，提高学生的美术理论知识，从而促进学生的知识结构更为完整和合理。老师还应当有意识地通过各种教学方式，如电影、电视、录像、参观、访问、旅游等方式，引导学生更为直观的体验生活和大自然，引导学生进行思考、鉴别、判断，从而达到提高学生自身的审美能力。学校还可以多鼓励学生走出校门，参加一些有意义的社会实践活动，例如学校与社区携手，鼓励学生多参加一些社区的保护与美化环境的活动，既可以对社区的发展作出贡献，又可以开阔学生的视野，引导学生以感受、观察、体验等学习方法，进行自主的学习。
总之，艺术社会学是用社会学的先进的理论和观点以及科学的方法来研究艺术的产生、创作、传递等一系列活动与社会各现象间的因果关系，及其所蕴含的的社会本质及其社会职能的一门学科。其把艺术现象放置在社会文化大背景之下进行多方面、多层次的考察，充分关注艺术产品作为人类精神产品的特殊性质。在研究艺术社会学对我国的当代高等美术教育改革的重要性的基础上，笔者认为我国现阶段的高等美术教育改革，应当更加注重促进学生全面、协调、可持续的发展，促进学生的知识结构更为完整和合理，要充分认识到艺术与社会生活息息相关的关系，更为强调学生与社会生活的更多地接触，使我国高等美术教育成为一种综合全面的美术教育。
参考文献：
[1]宋建林.艺术社会学的学科定位及现代形态问题[J].云南艺术学院学报，2003（4）：12.
[2]杨晦.杨晦文学论集[C].北京：北京大学出版社，1985：248.
[3]岑家梧.中国艺术论集[C].北京：考古学社，1949：142.
艺术学与美术学的区别篇9
今年1月参加《中国工艺美术全集·省卷》编撰人员培训，聆听了专家学者对“工艺美术”定义的不同见解，既受益匪浅又不甚明了。此后查阅各种词典对“工艺美术”一词的诠释，更是各不相同、莫衷一是。《中国工艺美术全集》编撰工作已经全面展开，但大家对“工艺美术”的定义至今未达成共识，因此，深感有必要对这一定义作进一步探讨。
一、《辞海》、《现代汉语词典》、《新华词典》中“工艺美术”词条的释文及讨论
1989年版《辞海》的“工艺美术”词条释文为：造型艺术之一。以美术技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品。通常具有双重性质：既是物质产品，又具有不同程度精神方面的审美性。……一般分为两大类：一、日用工艺，即经过装饰加工的生活实用品……；二、陈设工艺（2000年版《辞海》改为“欣赏工艺”），即专供欣赏的陈设品……。
《现代汉语词典》的“工艺美术”词条释文为：指工艺品的造型设计和装饰性美术。
《新华词典》的“工艺美术”词条释文为：美术中的一个独立专业，包括实用美术和特种工艺的设计和制作。
以上三种词典对“工艺美术”词条的释文各不相同，因《现代汉语词典》和《新华词典》的“工艺美术”词条均较简单，未能揭示工艺美术的本质特征，笔者仅就《辞海》的释文谈谈自己的看法：
1、美术，亦称“造型艺术”，是一个外来名词。《辞海》将“工艺美术”定义为“造型艺术之一”，是比较妥当的，应是大多数专家学者的观点。但同时又把它称为“以美术技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品。”笔者以为不妥，正如“艺术”和“艺术品”是完全不同的两个概念，不可混淆。
2、所谓“工艺美术”的双重性质：“既是物质产品，又具有不同程度精神方面的审美性”，因没有特定的指向性，也可以用于其他艺术门类，似可省略。
3、《辞海》将“工艺美术”分为两大类：一、日用工艺，二、陈设工艺（欣赏工艺），符合工艺美术的实际情况，对“工艺美术”定义的最终确定有指导作用。
二、“工艺美术”定义的“属”与“种”
艺术可分为语言艺术、表演艺术、造型艺术、综合艺术等，其中造型艺术（美术）又可分为绘画、雕塑、建筑艺术、工艺美术等。工艺美术属于艺术门类中造型艺术的一种。
将工艺美术归于艺术门类之一属，应该没有异议。归于“造型艺术”，属于“造型艺术”的一种，虽有异议，但也是多数学者的共识。笔者赞同这种分类，因文章篇幅关系，不再展开论述。
三、“工艺美术”区别于其他造型艺术的本质特征
定义应当揭示事物的本质特征。笔者以为，“工艺美术”区别于其他造型艺术种类的本质特征主要有两条：
一是工艺美术的手工技艺性质，这是它最显著的本质特征之一。尽管近现代科学技术（诸如机械、电力、化学激光、三维打印等等）更新了工艺美术的加工手段，大大提高了生产效率，但无论从历史的角度或将来的发展看，手工技艺始终是工艺美术的主要手段，永远不可能被完全替代，也不应该被替代。否则，工艺美术将不复存在。这一点至关重要，应当成为工艺美术行业的共识，在“工艺美术”定义中也理应有所体现。
二是工艺美术的实用性质，同样是本质特征之一，既不能忽略，也不能绝对化，要有比较恰当的文字表述。
四、“工艺美术”实用性的文字表述
《辞海》将“工艺美术”分为两大类：一、日用工艺，二、陈设工艺（欣赏工艺），笔者以为这样分类是比较恰当的。实用性是工艺美术的本质特征之一，大多数工艺美术品具有实用功能，这是不可否认的事实，但强调工艺美术的实用性不能绝对化。其实，纯艺术的雕塑作品与经典的陈设性工艺美术作品究竟有多大的区别，是很难分清楚的。如果硬要将它们区分为“纯艺术”和“实用艺术”，恕笔者不敢苟同。此外，虽然从广义上说，陈设也是“用”的一种方式，但与普通民众心目中的“实用”，即日常生活中的使用还是有较大差距的。这一点，在“工艺美术”定义中也要有恰当的表述。所以，工艺美术同时具备“审美价值和实用价值（或实用功能）”的说法尚不够严谨。
五、“工艺美术”定义试释
综上所述，笔者不揣谫陋，斗胆用两种简单明了的表述方式，对“工艺美术”定义试释如下：
其一：工艺美术是一门以手工技艺或近现代科技手段加工制作、作品除审美价值外，大多兼具实用功能的造型艺术。
艺术学与美术学的区别篇10
关键词：多元视角民间美术课程教学设计实践研究
《陇上民间工艺品赏析》课程是我校2008年针对全体学生开设的一门公共艺术课程，主要以甘肃地区民间美术为主，并结合其他地区民间美术作品进行介绍，使学生了解民间美术的概念、种类及艺术特征，提高学生对民间美术作品的欣赏能力，使学生对本民族传统文化有更深刻的认识和感悟，全面提高学生的综合素质。开课几年来受到学生的欢迎，并成为学校公共艺术课程中比较有特色的一门课程。回顾几年来这门课程的整个教育教学活动既有经验的积累和收获，又发现一些问题和不足，值得进行总结和分析。
一
课程开设之前我们做了大量准备工作，主要包括：
一是对学生具体学习状况进行调研、分析。我们对在校一至三年级学生进行了抽样调查和随机访谈，调查发现几乎所有学生对民间艺术都有所了解，但仅限于知道几个不同种类。极少数学生对一些民间艺术种类有较深入的了解，主要因为参与过家乡民俗活动或者民间艺术创作，多数学生对民间艺术基本知识、艺术特征、创作特色和蕴含的文化意义都了解极少，充分显示学生对民间艺术了解甚少，知之甚少，民间艺术及其蕴含的文化意义对大学生来说严重缺失，充分显示了这门课开设的必要性。
二是对已经开设的公共艺术课程进行梳理。当前，学校已经开设了《音乐修养》、《美术欣赏》和《艺术美育》等课程，没有独立的关于民间艺术的课程，即便开设课程中有部分相关民间音乐、民间美术和民间工艺的内容，但因为所占比例极少，讲授中大都是简单介绍，缺乏更深入的探讨，因此将民间艺术作为主要内容引入课堂很有必要。一方面可以拓展公共艺术教育空间，为学生提供更新颖的艺术学习环境，另一方面有利于借助民间艺术强化民族传统文化学习和教育，特别对中医药专业的学生更利于从这一方面接受和感悟传统文化的精髓，提高其文化素养。
三是根据调研和分析结果，对课程进行定位。因为是面向全体学生的一门公共艺术课，必须兼顾各种不同层次的学生，课程既要有一定的理论深度和对文化意蕴较深入的介绍和分析，又要体现其普及性，即从更广面上对民间艺术相关基本问题及作品进行赏析和介绍，还要兼顾其趣味性，有一定的学术性。
学校所在地甘肃位于中国西北部，古丝绸之路穿越全境。境内有汉、回、藏、东乡、保安、裕固等多个少数民族共同生存，创造了丰富灿烂的民族民间艺术，呈现出历史悠久，文化底蕴丰厚，名家辈出，艺术成果丰富，艺术特色鲜明的特征。这些带有原生态味道的民间美术品，不仅具有独特的审美价值，还传递着深厚的文化信息，这些都是得天独厚的宝贵资源。有鉴于此，我们最终确定以甘肃地区民间美术为主要资源进行课程开发，同时将其他地区的民间美术种类引入课堂，形成一个可以比较和凸显特色的大的民间美术研究背景。因为甘肃地区民间种类丰富分布很广，最后选取了几个具有代表性的种类如庆阳香包刺绣、陇东皮影、临夏砖雕等作为课程主要内容，又因为有些民间美术有很强的工艺性如民间泥塑、雕刻，所以征求各位专家老师的意见后将课程命名为《陇上民间工艺品赏析》。
二
在此基础上，对整个课程教学活动进一步进行分析和设计。
首先，调整教学理念，从多元化角度对课程进行分析。通过多年艺术教育实践我们已经感觉到单一化的教育教学必须摒弃，多元化教育教学方式才是出路。多元化是基于当今多元文化共存发展并影响这个社会进程背景下产生的一种认识和感知事物的方式，要求以更开放的态度面对不同观点，尊重多元文化价值，从多个视角和概念认识和解释世界。在具体教育教学中强调教师既是知识的主要传导者，更要成为学生的倾听者和对话者，提倡教师尊重学生的主体性和个体差异，重视激发学生的兴趣，培养能力，重视整个教学的多元化设计。就本课程来讲，因为以提高审美能力，进行传统文化教育，提高综合素质为最终目的，因此从教学内容、教学形式、课程形式等方面都要进行多角度考虑，以多元化方式进行设计，构建一个开放的、多维的、立体化的民间美术学习空间，让学生有更多机会多角度体验、感受和把握民间美术，全面体现学生在教学中的主体性，充分调动学习主动性和积极性，提高学习效率和水平。
其次，精挑细选，对课程内容进行多元化设计。甘肃地区民间美术资源丰富，主要包括：陇东皮影、临夏砖雕、天水雕漆、甘谷脊兽、兰州刻葫芦、裕固族刺绣、藏族服饰、夏河拉卜楞寺唐卡、酒泉夜光杯等，为教学资料收集和选择提供了比较便利的条件。经过反复比较斟酌，最后选择了甘肃民间刺绣、甘肃民间剪纸、甘肃民间皮影、甘肃民间雕塑等五个大类为主作为课程内容，这些内容包括：庆阳香包刺绣、庆阳剪纸、环县皮影、临夏砖雕、兰州刻葫芦、傩面雕刻等不同种类的民间美术。之所以选择这些内容，主要因为：一是这些民间美术品类是甘肃地区最具代表性的，有众多关于它们研究的文章和著述，基本已经形成了比较系统科学的认识和观点，为课程理论化、深入化奠定基础。二是尽管品类不同，但其包含的民间艺术创作思想、创作心理、造型手法和特色，特别是它们显现出的地域性特色和蕴含其中的文化内涵都表现出一致性，是共通的，利于学生体验、感悟和领会传统文化的意义。三是这些民间美术品类是最贴近学生生活的，最接地气的。独特的地理位置使学生在日常生活中能接触到较多的民间美术作品，加之多数是本地区的民间艺术品，易与学生产生亲近感。确定这些内容，主要是想借助多品类的民间美术，拓宽学生视野，让学生从不同角度体验民间艺术的魅力，充分感受蕴含其中的文化意蕴，热爱学习传统文化。
再次，以实践为主，对教学方式进行多元化设计。选择了教学内容又应该采取怎样有效的教学方法才能让学生更好地掌握知识，这也是相当重要的问题。怀特海曾精辟地指出：“学习过程存在一种从属的应用性活动。”①■杜威认为真正的知识和富有成效的理解是探索和行动的产物，未被应用的知识是没有意义的知识。对学生而言，在整个学习过程中，理论学习必须结合实践体验才可以完成知识结构建构，产生有效学习。艺术是十分感性的，在很大程度上靠学习艺术的人自己体会和感悟，这种感悟需要在具体情景中才能获得最佳效果，即只有通过亲身接触才能获得更多对艺术的认识和理解。
民间艺术的学习也一样，如果能深入其中亲自实践，获得的感受和认识就应更加丰富和全面。基于这种认识，我们将实践作为主要教学方法，并且针对不同教学内容设计不同的教学方法，主要采取做、画、演、观、找等方法。
所谓“做”主要指在学习中以技巧学习和创作实践为主的教学方式。主要针对课程中民间剪纸、版画等内容，学生可以通过学习画、剪、刻、印等方法进行实际操作，同时在创作中感受和体会心理状态变化，把握造型和用线规律和特色，通过这一系列过程逐渐领会蕴含其中的文化意义。所谓“画”主要是针对皮影造型和傩面造型赏析等内容，让学生结合皮影、傩面造型的规律和艺术特色，根据自己对人物的认识和感知进行人物形象设计，并以脸谱的形式描绘下来。“演”主要是让学生参与到民间艺术活动中，课程中关于皮影和傩面的赏析离不开它们依托的表演，鉴于此尽量提供一定表演空间和场所让学生参与到相关表演活动中，在唱、念、演中进一步获得对皮影和傩面造型的认识和感受，充分感受到奇特的艺术魅力。“观”主要指观摩相关视频材料，因为条件所限有些民间美术作品很难直接呈现在学生面前，还有一些民间工艺品制作方法的介绍要借助视频材料，以便让学生获得更清晰的认识。另外，以开放课堂形式组织学生参观博物馆、民俗馆等，以便同民间美术更近距离接触。还有“找”就是自己发现身边的民间艺术作品，一般是课前先提出要求，设定目标，让学生在课余时间寻找身边的民间艺术家，发现民间美术作品，收集整理资料并加以总结。主要是督促学生不断发现和感受身边的民间艺术，培养一双真正发现美的眼睛。
当然整个教学活动中采取的教学方式是因时因地加以调整，以更符合学生实际和教学实际状况，或者以动手为主，或者观摩与动手相结合，或者表演和讨论穿插，等等，总之就是为学生提供更宽松、更开放、更活泼，充满动感的学习环境，期望获得最佳的学习效果。教学中不但重视教师指导、引导下的学生实践活动，同时借助理论知识的介绍铺垫和最终回顾、讨论和总结，完成整个教学工作。
最后，全面考虑，对课程形式进行多元化设计。改变目前民间美术课程只注重课前准备及课堂教学设计的状态，充分考虑课后学生的拓展学习和知识巩固。主要包括：第一，开发网络课程。网络课程是借助因特网或其他数字化手段进行的教育、教学活动，使学生突破时间和空间的限制，有计划地自主学习和反复学习，加之信息含量巨大，更利于学生建立符合自己学术兴趣和适应性强的知识结构。根据网络课程明显的优势，我们开发了《陇上民间工艺品赏析》网络课程，与课堂教学同步呈现，一方面是将课程素材、作业完成、问题讨论等通过网络呈现，使课后拓展学习进一步深入，另一方面将大量甘肃地区的民间艺术资源（图片、视频）等纳入其中，对有限的课堂教学起到辅助和补充作用。第二，建立了学校网络艺术平台。用于教学共享的艺术教育网络平台――《馨・漫步》，为学生提供了相当数量的艺术课程学习资源，以及大量有关艺术的图片、音乐和文字等信息材料，特别是民族民间艺术的相关资料，扩大学生学习艺术的视野，拓展艺术教育渠道。第三，建立了艺术论坛群。利用群的方便、快捷等特性，教师与学生形成了一个相互沟通艺术信息，共同交流艺术心得，展示艺术作品的良好互动平台，营造了自由、宽松、有趣的艺术交流氛围，让学生课余也能感受到艺术的存在和魅力。
三
通过近几年教学实践取得了一定的成绩：
首先，将甘肃地区民间艺术的丰富资源引进学校艺术教学内容，为学生提供欣赏甘肃民间艺术，了解甘肃历史文化及传承规律的环境，创设了良好的了解、体验和感悟民族文化艺术的平台。同时，为学生从这一角度体验、感受和享受艺术创设了新的空间，既有利于推进甘肃与其他地区文化艺术的交流与沟通，又为民族民间艺术的研究、继承和发展提供更广阔的空间。
其次，将不同民间艺术以适当形式纳入学校艺术教育体系中，不断提炼和完善，形成理论与实践相结合，课内课外相结合，情景与体验相结合的教学模式，使学生受益良多。有同学认为通过自己创作作品和比较分析，终于对哪些作品好，好在哪儿有了进一步认识;有些认为对甘肃地区特有的一些民间纹样的特征和内涵有了更深刻的认识;有些认为对如何欣赏这类作品有了较深的感受，有些学生要求教师再介绍一些制作方法，等等。总的看来，这门课程受到学生的欢迎，成为学校一门较有特色的艺术课程。
第三，通过本课程建设和教学探索，促进了学校其他民间艺术课程建设和实践，我们以民族民间艺术资源开发为基础形成的各类民间艺术课程，通过多种教学方式和手段在教学实践中不断运用和总结，强化了课程间的关系，形成了一个层次较为清晰，具有一定逻辑性的民间艺术教育课程群，充实了学校艺术教育体系，多角度强化了艺术教育效果。
第四，借助网络技术开发的艺术学习平台，为学生提供了相当数量的艺术课程学习资源，以及大量有关艺术的图片、音乐和文字等信息材料，特别是民族民间艺术的相关资料，扩大了学生学习艺术的视野，拓展了艺术教育渠道。
四
教育教学活动是一个动态过程，各方面因素的变化都会影响教学活动的成效，因此应该不断结合这种改变加以调整。随着教学实践不断进行，一些问题逐渐显露，需要我们认真分析和解决。
首先，如何将甘肃地区民间艺术这些丰厚的资源嵌入音乐欣赏、美术欣赏、网络艺术、艺术美育等相关课程模块之中，有点有面地嵌入其中，让学生对甘肃民间艺术的文化生态与艺术地理有全面而深入的了解。因为这种了解必须建构在艺术学知识体系之中，学生才能将民间艺术中的艺术精髓内化于心，使民族文化艺术教育在新时期在传统基础上的创新成为可能。
其次，因为参与教学工作的教师没有专门从事民间美术研究的，对于民间艺术一方面研究不够深入，另一方面实际接触比较少，导致知识结构和教学能力仍存在不足，因此在教学和研究过程中更多地仍停留在对民间艺术表象的关注，缺乏对其深层次文化内涵的研究和关注，不利于引导学生对本民族文化的学习和了解。如何采取有效措施，提供机会使教师深入研究民间艺术，从民间艺术中汲取更多有益的营养，丰富民间艺术理论知识，扩展自身知识储备，提高民族文化素养，是需要关注的问题。
最后，目前计算机网络技术与教学设计的结合仅限于如何将欣赏内容用媒体技术呈现出来，缺乏课后网络技术如何发挥更大作用的探索，无法展示更多优势，达到预期效果。即与艺术教育教学需要相适应的计算机网络知识和操作等应用整体能力不足，缺乏对多媒体技术的进一步挖掘和创新，对信息的合理利用不能真正达到教学要求。
注释：
①付殿英.遥远而有震撼的回音―怀特海的教育思想及其深远意义.外国教育研究，2004，12.
参考文献：
[1]毛攀云.地方高校如何讲述民间艺术――以梅山民间艺术为例.高教探索，2015，5.
[2]闫莉.高校美术课程引入本土民间美术教育改革的分析.美术教育研究，2015，2.