油画的艺术特征篇1
一近现代西方油画艺术中色彩艺术特点
油画作为一种艺术形式,具有反复覆盖或用油稀释的多种绘画效果,表现力强,色彩丰富。从近现代西方油画发展看,色彩是具有独立审美价值的语言过程。以下是色彩在近现代西方油画艺术中的主要特点:
1近现代西方油画中色彩的主观性
相对于客观对象本身所呈现的色彩而言,西方油画中色彩的主观性是画家根据其绘画主题及画面需要对色彩进行的再创造。画家在画面上显示的色彩感觉是使它成为具有个性的艺术语言,而不再是完全再现自然物象的真实色彩,是用来表达主体的情感,使油画具有特定的精神内涵,获得更强烈的视觉表现效果。近现代西方油画艺术中色彩的精神性主要是通过主观色彩来体现的,近现代西方油画艺术反映的感情力量主要是依靠色彩得以表现的。色彩作为近现代西方油画的重要表现手段,只有在主体的积极创造中才能获得特定的精神内涵,是富有艺术表现力的主观性色彩。如塞尚的油画,通过色域和块面的冷暖渐变与色彩结构的重组,使画面与现实拉开了距离,借以表达他的内心体验,从而使色彩精神得到焕发。又如,梵高更重视色彩的象征性和表现力,他用主观性色彩来表现质朴、火热的内心情感。而从野兽派以后的表现性绘画,则把油画色彩作为纯主观的表现手段,完全依靠色彩的主观性来创造情感氛围、构建画面的空间。近现代西方油画艺术的主要特征之一是以色彩来表现精神。从后印象派确立了色彩的主观性之后,油画中色彩的主观性特点运用比较广泛,这不仅表现在后印象主义、表现主义、抽象主义等流派的油画中,也体现在许多具象的油画中。如毕加索是现代派最有影响力的画家,他对主观性色彩进行了很好地运用和表现,用蓝灰色调表现出了苦闷、疲惫的情绪,通过画面上色与线组成的韵律,表现出伤感、压抑的情绪。又如,野兽派德兰的油画《伦敦桥》赋予了画面中桥的阴影和远处建筑物的蓝色、水的黄色以强烈的个性色彩,其应用的主观性色彩加强了作品的艺术感染力。
2近现代西方油画色彩的象征性
色彩是从原始社会就存在的概念,在西方宗教绘画中常有象征性色彩的使用,色彩不仅可以象征事物,还可用来象征抽象的意念,如清亮的绿色是夏天的颜色,象征着安详和平静;蓝色是天空的颜色,象征着升华和努力;而白色象征着纯洁和干净,黑色则是死亡、阴森的象征。近现代西方油画色彩的象征性特点具有非常丰富的内容,成为艺术家们运用色彩语言的主要手段之一,近现代西方油画借用色彩的象征性来表达某种意图,确定画面中的色调关系,从而强化油画主题。如高更就擅于用象征性色彩进行作画,他把颜色做块面处理,并且自由地加重色泽的明亮感。如他画阴影使用非常鲜亮的蓝色,画屋顶以耀眼的红色而使之在自然背景中突出。高更在《雅各与天使搏斗》中用强烈的对比色彩,明确地表达出他敏锐的洞察力和丰富的想象力。他在画中采用远处围绕着幻影的强烈红色色调,象征着一种格斗的色彩,突出拂晓雅各在天国捕捉天使的真实性,他对色彩的选择获取了象征性的意义,表现出了绘画的效果。又如,在《美丽的恩琪拉》中,我们看到了另一种情调。画家在这个肖像上完全是按照色彩结构的要求修饰着形,为了赋予肖像以一种超自然现象的色彩,他把肖像安置在一个虚幻的圆圈里。他在画的左侧安上一尊模糊不清的佛像,显示了画家对东方神秘主义的尊崇,使整个画面充满了神秘。画中的色彩表现没有任何理性价值,但把他对神秘事物的象征表现得奥妙无穷。
3近现代西方油画色彩的装饰性
色彩从远古时期就是人们装饰、美化生活的主要手段。随着文明的发展,色彩的装饰功能在近现代西方油画中得到最集中的体现。近现代西方油画采用平面化的手法将色彩像音符一样有秩序地组合在一起,利用它们之间的相互照应、对比创造出美妙的节奏和韵律。如克里姆特的作品《吻》就是一幅装饰性壁画,几乎用得全是金色调,在金色的背景下,一对恋人在开满鲜花的柔软草地上,热烈拥吻。画中大量使用了金片、银箔等装饰性要素,服装上嵌满了象征性别的色彩图案,成为一幅工艺性极强的装饰画。画中长方形、螺旋形、圆形的各色图案有着很强的装饰效果,充斥着神秘的象征意义。
二色彩在近现代西方油画艺术中的情感表现内涵
1色彩是近现代西方油画艺术的生命和灵魂
色彩是近现代西方油画作品的生命和灵魂,色彩的情感营造是画面成功与否的重要因素,它对画面感染力的形成和寓意的传达具有非常关键的作用。色彩在近现代油画作品中是最能撼动人们心灵的琴弦,它超越了不同地域、不同民族、不同语言、不同文化所造成的屏障,以潜在的隐喻性与观者达成心灵共鸣。人的一生都置身于情感与色彩的交融中,它们互相影响,互相支配。在近现代西方油画艺术中,色彩能够直接有效地表达画家的思想情感和精神本质,在他们和观众的心灵之间架起一道互相沟通的桥梁。有很多着名的艺术家在其创作过程中以色彩来传达自己的情感。如梵高特别重视色彩的情感表现力和象征性。他把自然色彩看作是表达思想与感情的媒介,用以完美地表现内在精神的视觉。从某种意义上来说,色彩是近现代西方油画艺术中的核心和灵魂,是最具感染力的油画语言之一。正如康定斯基所说:“色彩是能够直接对心灵发生影响的手段。当色彩表面的印象发展成为深刻的内心体验,造成一个情感震动,像在一个回声里,心灵的别的区域进入共鸣。”
2色彩在近现代西方油画艺术中的情感表现的内涵
色彩作为自然界的客观存在,本身是不具有思想和情感的,但由于人们长期生活在一个色彩缤纷的世界中,却能感受到色彩的情感,引起情感的联想,从而产生色彩的情感表现。如人们看到红色和黄色就会联想到太阳的光和热,自然把金红色调和金黄色调同希望和朝气蓬勃等情绪连在一起;而阴沉的天空、黑色冰冷的夜晚灰暗色彩就会使人产生郁闷哀伤的情绪。可见,色彩的情感是人们长期认识、运用色彩的经验感受到的。色彩在近现代西方油画艺术中具有情感表现性。当油画中的色彩以它特有的自然属性吸引着人们的时候,它就会影响人的情绪。伟大的诗人歌德就把色彩分为积极的色彩和消极的色彩两类。他认为主动的色彩能够产生出一种“积极的、有生命力的和努力进取的态度”;被动的色彩则“适合表现那种不安的、温柔的和向往的情绪”。
色彩在油画中的演变是一个循序渐进的过程,自从有了艺术以来,色彩的情感便和艺术紧密相连,发展到近现代西方的油画中,色彩情感所起的作用变得越来越重要。近现代西方个性色彩情感表现形式,从浪漫派画家开始,到了后来的印象派画家,以梵高等表现得尤为突出。这时,人们把色彩感情表现和色彩感情表现形式作为近现代西方油画艺术的核心内容。在近现代西方油画领域,色彩表现的最终目的是视觉、精神、思想的综合。色彩的主观性、随意性、自在性和表现性成了近现代西方油画艺术的最终追求。
三近现代西方油画艺术中色彩情感的具体表现
在艺术理论中,“表现”的含义是指人物内心情感和心理的外感表现。色彩情感在近现代油画中表现非常出色,梵高认为油画色彩是“为了表现人的炽热的情感。”,它是西方油画家在绘画中自我感情和思想的过程的特别强调。除此之外,近现代西方油画中的色彩还可以表现引起人们情感波动的声音和味道。如蒙克的油画色彩带有强烈的情感。他把死亡、恐怖、忧郁和孤独等现代人的痛苦情感,用色彩淋漓尽致地宣泄出来。他的代表作《呐喊》中,血红色的天空,扭曲变形的人物形象,布满放射状线条的画面,动荡不安的造型强烈地传达给我们一种对于痛苦的深切体会,那种阴森的红和绿的组合,给人以非常痛苦恐怖的感觉。艺术家真实地表达着他的情感,我们因而得以感受到他内心痛苦的情感。又如,米勒的《晚钟》中土地是棕色,给人感觉松散、厚重。而在塞尚的风景画中常出现金黄色的土地,土地松散的质感减弱了,这是色彩与触觉间的一种表现。近现代西方油画的色彩情感是个人情感的真实表达,是人类对客观世界的具体表现,是人类对自我内心生活的认识、丰富和发展。
近现代西方油画的色彩情感所表现的主观情感在不同的作品中表现了自己独特的个性,并借用这种强烈的个性向观者展示着丰富的艺术形式和艺术思想。因此,近现代西方油画作品中色彩显得愈加动人,这促使了近现代西方油画艺术进一步放胆实现感情色彩本质的全面释放。以梵高为例,梵高是近现代西方油画史上以色彩情感着称的画家代表,情感色彩是梵高作品最令人感情激动的根本原因之一。梵高的每一幅作品都像一团团灿烂夺目、生命幻化的火焰让人过目不忘。他最着名的作品《向日葵》中,在含有蓝绿色的背景衬托下,画面上插在深黄色的陶罐中的一丛丛如阳光般温暖灿烂的深黄到铬黄的葵花,充分展现出明亮的阳光下向日葵的顽强生命力。他使用强烈黄色的色阶显得向日葵分外饱和、耀眼而辉煌,如同优美的黄色交响曲一样,完美地表达了画家对生命的热爱和希望情感。
而在梵高的另一幅油画作品《夜咖啡馆》中,他所渲染的黄色特别耀眼,梵高有意使用这种令人忐忑不安的色调,表现出非常刺目不舒服的情感。因为,梵高曾被这间咖啡馆老板侮辱并被赶出了咖啡馆,所以,画家将其对这间咖啡馆反感厌恶之情通过强烈的颜色表现出来,他通过让人反感的绿色地板及黄绿色灯光放射的刺眼光线,使人在情绪上深感难受。冷清的黄色咖啡馆内,寥寥可数的人物呈现出咖啡馆内空荡荡的气氛。老板站在偏离中央的地方,在这间大屋子里,显得格外渺小,使观者深切感受到这是个弥漫着躁动不安的、刺激性的不详之地。画中那些令人目眩神迷的光束色彩以及那些旋转的笔触,都充分反映了他的艺术情感和道德原则。梵高自己对这幅作品做了这样的描述:“我在画幅《夜咖啡馆》里用红与绿来表现人类最可怕的情调。这些色彩……是一富暗示力的色彩,它们表现出人们火热的情绪活动。我试图表现出夜咖啡馆是一个场所,人在里面将会疯狂,能做出犯罪的事来;我通过柔和的粉色、血红色、深红的酒色和一种甜蜜的绿色……表现出一种火热的地域气氛,惨白的苦痛、黑暗,对昏昏欲睡的人们。”
油画的艺术特征篇2
关键词：印象画派题材笔触光色
印象画派的发展经历了三个阶段，其艺术特征也在不断变化。我们只有从历史的角度看待印象派的发展，才能动态地把握印象画派的艺术特征及独特规律。印象画派与传统绘画相比，其特点主要表现在绘画的取材、表现笔法、色彩运用、情感表现等方面。
第一章印象画派描绘客观世界的真实性
印象派绘画的题材都是他们本人实际生活的世界，也就是他们所熟悉的场面、人物和风景。在古典主义绘画的传统中，现实生活并不是绘画描绘的对象，只有宗教、神话和历史题材才能保证艺术的高雅。但印象派主义者们反对传统的学院派题材，热衷于描绘喧闹而繁华的现代生活。也许正是瞬息万变的现代生活为他们的绘画观念的实施提供了一个恰切的载体，火车的轰鸣、蒸汽的升腾、19世纪的酒吧、时髦的赛马场、现代绅士和淑女漫步的树林，所有现代生活的片段都可以成为他们笔下的题材。对于印象派绘画者来，绘画不再承载道德说教的任务，而只是快乐单纯地享受来自周围视觉景象的快乐，充分体现了艺术作品的内容来源艺术家对生活的认识和理解，是艺术家与人生、社会进行精神交往的中介。
印象派画家力求用从一种全新的角度去审视对象，古典艺术关注神话、战争和历史题材，讲究构图及场面宏大舞台戏剧化效果富有文学性，而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根据自己的喜好和审美要求对画面构图进行随意剪裁。这种似乎漫不经心的构图与传统的舞台样式的构图相比，要自然生动多了。印象派画家重写生，重实践，他们大多在户外描绘外光和大自然的瞬息变化，常常在很短的时间内完成，笔触奔放而果断。他们的画，不论是即兴写生还是记忆创作，有一种一气呵成、不求甚了和随意的特点，有一种未完成的完整性。
第二章印象画派笔触的独特运用
印象派画家们为了达到他们理想中的绘画效果，十分讲究艺术形式，相应的采取一些新的、特殊的技法。既要表现瞬间印象，又要求色调鲜明，就必须把颜料蘸得厚厚地、以明显的、有节奏感的笔触描绘，因而形成一种宜远看的油画。如印象派的风景画、印象派的油画人物近看也是只见红绿斑烂的美，五色杂陈，站远一看，却让人感到那时阳光照耀下的真实景象和真实肤色。还有那些近看粗率零乱的笔触，远看才知道这些笔道原来粗而不乱，能很好的表现出物体的凹凸起伏和远近疏密。
印象派的色彩有浓有淡，有暖有冷，配合有强烈的对比，也有柔和的协调。莫奈是印象派画家中最具代表性的画家。他对风景题材兴趣极浓，喜欢用不透明的色彩描绘光，配以明亮而纯粹的蓝、红、黄等鲜明的色调，并用短而小的笔触点到画布上，产生一种富有生气的光的颤动效果。所以，他的画面最吸引人的便是绚丽的色彩和颤动的阳光感。莫奈和雷诺阿他们两人都采取长短不齐的逗点状笔触，这些色点的笔触能够再现他们所向往的阳光的气氛，成为印象派画家色彩实验的一种造型因素。他们在理论上证实：色彩本身不存在于物体，只是光作用的缘故。所以他们将含有光的纯色不经过调色直接在画布上作画，去尝试一种视觉上的空间混合。
第三章印象派绘画的色彩表现形式
从世界美术史的角度来看，你就会发现在印象派绘画这个部分，尤其色彩鲜艳和斑斓，而之前的绘画几乎是清一色的棕色调子，尽管有些许跳动的色彩，但都没有印象派绘画那么强烈。在印象派之前的色彩与线条之争，也就是浪漫主义与古典主义之争，就说明色彩在向古典艺术进行了挑战。
印象派画家对于色彩的理解和处理，他们认为色彩的根源在于光。他们之所以能够真实地表现大自然丰富微妙的光色变化，是由于他们打破了固有色这个旧观念的理解。通过抓住瞬间的感受，为了充分表明自然景物在阳光照耀下的鲜明色彩，他们基本上按照三棱镜分析的光谱色（红、橙、黄、绿、青、蓝、紫）选用颜料，而摈弃赭、褐、黑等色。在需要表现这三种色彩或其他复杂的色彩时，则以上几种色彩在画面上错综罗列而取得种种鲜明的效果。印象派认为投影是物体颜色的各种补色，点彩派的画家们又发现了补色关系，于是他们开始研究怎样完全用纯补色构成一幅画。他们摒弃了色块和线条，画面上都是用纯色点并置，并通过人的视觉产生一种空间的混合，来完成作品的创作，这些作品色调都很明亮。为了得到更辉煌更强烈的色彩，印象派画家在调色板上索性去掉了黑色，减弱明暗之间的对比而代之以色彩的对比。印象派画家通过对光和色彩关系的研究，依靠自己眼睛的观察去再现对象的光和色在视觉中造成的印象，从而在把握色彩方面完成了一次伟大的革命：摒弃传统固有色，表现客观世界中真实的色彩关系。
结束语
印象派不仅是对于法国美术，更是对全国美术有着广泛和深刻的影响。印象画家在光的探索和色彩的表现上又极其重大的贡献，特别是对自然景观的阳光感、色彩感的表现上，达到了强所未有的水平，从而丰富和扩大了绘画的表现技能，解决了前代画家不曾解决的问题。印象派画家反对学院派画家在室内作画的方式，强调对真实自然景色的实地写生，使画面具有清新生动明快的感觉。印象派绘画在创作题材、创作理念、艺术思想和色彩技法等方面都极大地影响到中国当代美术的发展。印象派画家以其广阔的艺术视野，在相互影响、借鉴、冲撞和激励之中叩响了当代中国绘画艺术之门，洞开了我们的艺术思维，为中国油画艺术走向世界起到推波助澜的作用。
参考文献：
[1]约翰·雷华德.印象派绘画史[m].人民美术出版社，1983.
[2]张坚，编.写实主义与印象派时代——马奈、莫奈、雷诺阿[m].暨南大学出版社，2002.
[3]余丁.欧洲19世纪美术[m].中国人民大学出版，2004.
油画的艺术特征篇3
当代中国油画的本土化价值
早在油画传入中国之初，国人就开始对这一西方画种进行中式民族化和本土化的革新，几经发展，在当代中国油画的创作中，不仅注重中国绘画笔触的表现力，同时将中国传统文化融入其中。随着现代电子信息的快速发展，艺术家们认识到，只有对西方艺术的活力元素进行创新性运用，尊重本土的民族传统，对本土文化的独特价值重新认识，才能造就油画艺术的民族性、本土性和多样性。
在强烈的民族使命感和责任感的影响下，当代中国油画作家进行本土化油画的创作过程中，其内心根深蒂固的中国油画艺术审美情结使得他们广泛地从民间艺术、剪纸、年画等本土文化中吸收灵感加入油画的中式化创作。油画创作亦需要具有时代特色的创造激情，油画作家们立足于本土生活，全方位感知时代生活，获得深入的时代生活体验，以创作出具有鲜明时代风采和强烈的时代价值的优秀油画作品。
中国油画“本土化”的文化内涵
油画漂洋过海传入中国已达百年之久，历经几代艺术家的努力已经取得了非凡的成绩。人们最初关注“油画民族化”问题是在上世纪八十年代，自那时起开始意识到这一引入画种应该具有我们自己的文化特色。于是便有了一系列“油画民族化”的探索，有些画家借鉴了中国画的某些特征元素融入到油画，还有一些将注意力投放到了民族服饰上。所以我认为中国具有民族特色文化内涵的油画应包括情感文化、地域特色和形式风格三个因素。
1.情感文化
艺术家的创作目的是通过表达真实的感情来彰显某种精神，因此，在艺术的本质特征里就包含了这一特征。不同民族的艺术家所欲表达的情感必然会有所差别，正是这种差别使得不同民族的艺术作品具有了不同的特征。自然环境、文化历史、社会制度的差异造成了个民族所独有的民族心理，这种民族心理的不同造就了不同民族的艺术家们得情感活动上的差异，这是艺术具有民族特征的更深层次的原因。艺术家们需要在现实生活中去细心观察、切身体会、不断思考以获得丰富的情感体验，并且要把表达真情实感、创作出具有民族特色的作品作为自己的艺术理想。艺术家要有独立的人格，树立自己的艺术理想，我们的艺术行为都要为理想服务，我们就有可以实现中国油画的“民族化”理想。
民族风格不是在刻意追求某种特征，而是自然而然形成的，中国画在用色、造型、笔墨等各方面都具有其独特中国韵味的风格。油画进入中国，进过艺术家们创新性创作，自然而然形成特色的本土化特征。艺术家们立足现实积累情感，并且真诚地表达积累的真情实感。判断艺术作品是否具有民族本土特性的关键在于该作品是否表达了本民族的真情实感。
2.地域特色
广袤的国土决定了我国多民族、多区域的特点，这也为中国油画民族精神的融合提供了广阔的空间，在油画创作中融汇民族精神并不是将其简单叠加，要使其相辅相成、相得益彰必须要把绘画技法、内容、形式等方面让两者自然而然地糅合。
艺术的民族特色总是离不开其所在的地域特色，因为不同民族的艺术家的情感思想都受他所生所长的特定环境所影响，所以油画艺术作品的民族特色与地域文化特色紧密的联系在一起。油画创作要体现自身的地域性和民族性，因此当今真正油画家所追求的目标正是通过民族精神的注入来彰显中国油画的独特魅力。油画和民族精神的融合不仅仅是在作品的内容和形式上，要深入到精神文化层面上的融合，把民族精神的精髓融合到油画作品当中，从而更好地的表达伟大的民族精神。
3.风格特征
艺术家的思想感情要想被大众所感知，就必须借助具体的艺术形式将其表达出来，同样，艺术作品的民族性也必须借助具有民族风格的形式展现出来。不同民族的艺术家在表达特定环境中产生的特有感情时就会形成带有自身民族风格特征的艺术形式，因此风格特征也是民族性的因素之一。
油画作为中国引入画种，画家要借鉴西方油画的绘画技巧，深入领会西方油画的文化内涵，在吸取油画精髓的基础上加以灵活运用，形成自己体系的绘画风格。由于文化背景的差异，东西方的绘画风格也有很大区别：中国的写意和西方的写实这看似相互对立这两大艺术体系，实际上有着你中有我，我中有你的内在联系，追本溯源，通过写意与写实这两种艺术语言可以更鲜明的阐述人的精神世界和达到审美的目的。因此，艺术家应该合理取舍、有的放矢，吸收外国油画的有益成分并将其转化为自身独有的艺术品质，形成具有与时俱进的民族特色的中国油画风格。
中国油画要想寻求新的发展，就更加需要与外国油画相互借鉴。洪凌，当代风景油画家，他创造性地把西方风景画和中国山水画创造性的融合在一起，从而为中国油画开辟了一条独特的艺术表达道路。油画家洪凌的成功让我们看到了不同文化背景下所产生的风格迥异的画种在艺术语言上沟通和交流的可能性。
结语
油画的艺术特征篇4
关键词：中国油画；思考；艺术体系
一、前言
中国油画的发展借鉴了西方现代主义观念，在向国外学习的同时，也应融入中国文化艺术所具有的独特价值，使中西方文化融合。由于中国油画受到西方现代主义绘画影响，在全球化语境下，中国油画应向现代主义绘画进一步探索和发展，使中国油画的发展逐步走向世界。
二、中国油画发展现状
纵观中国当代油画的发展历程，可以看到中国当代油画的发展借鉴西方油画的艺术风格、艺术语言、艺术表现手法等，让中国油画具有西方油画的艺术特色。但中国油画仅仅只是模仿西方文化的外表，忽视了中华民族文化的艺术思想和情感内涵，导致中国油画作品仅仅是表面技术手法的表现，没有精神文化底蕴。虽然在对中国油画艺术的认识、了解、学习和掌握的过程中，中国油画艺术家面临着艰难而漫长的挑战，但是我国优秀的中国油画艺术家还是应该继续探索，去构造一个有效且具有独特艺术特色的艺术体系。[1]
三、对中国油画发展现状的思考
1.要立足于当代社会发展，构建有特色的中国油画艺术体系
基于中国油画发展的现状，要推动中国油画进一步地发展，就必须把握艺术的基本特性，探索深层次的油画艺术，根据当代中国的社会生活情况，加强中国油画的艺术内容、形式等方面的探索；还要关注当代社会生活变化，寻求中国精神文化底蕴，同时为了适应当代社会的精神需求，也要合理适当地引用新的审美观念。
中国的油画艺术借鉴西方艺术的科学理性精神，是在真实基础上创造了特定的、具有美学特征的艺术文化形态。而从社会精神层面的角度上看，随着中国社会的发展，人们生存环境不断改变，出现了城市建筑、高速公路、立交桥等地貌变化，展现了大量的平面和直线的空间构成。除此之外，人们的服装、居住环境等也在丰富人们的视觉，使人们的社会情绪发生改变，艺术认知不断深化，使相应的艺术创作的内容和表现跟着发生变化。而且社会各阶层的人物所代表的时代精神也不同，中国油画家要关注时代各阶层人们的心理变化和外在表征变化，不断掌握新的时代特征，寻找油画的当代感。
基于中国油画在发展过程中出现的状况，中国油画艺术家应该将中国油画与中国当下的文化建设融合在一起，构建具有中国文化特色的绘画学派，即把中国的现代化进程融入中国油画的创作中，使中国油画具有鲜明的时代特征，以此来充分展现中国油画的自身艺术特色。
2.要重视提高油画艺术水平，使油画艺术经得起历史沉淀
要让油画艺术经得起历史的沉淀，油画艺术品就要具有永久的艺术价值。所以中国油画当下的发展极其需要一批具有使命感的、高素质文化修养的艺术家，创作出一批优秀的中国油画作品来引领中国油画艺术进一步发展。
但是在改革开放后，全国上下都急切地希望改变落后的状况，使得一部分油画艺术家只注重知识和技能的学习，缺乏文化素质的积累。使中国油画艺术家发展到了一定程度就停滞不前，阻碍了我国油画艺术的发展。加之，人们常常需要艺术作品具有独特的风格，而油画艺术品的风格并不能完全体现艺术品的艺术价值。在艺术样式多元化的时代，作品的风格只显示作品之间的不同和格调的雅俗，而真正决定作品艺术价值的是作品的质量和艺术水平。[2]
因此，中国油画艺术家不应该只是做一个从众，应该要明白自身优势和缺陷，不追赶潮流，走自己的创造之路；要不断激发创造力，保持探索和追求的动力，清楚认识高雅艺术与通俗艺术的不同作用；要着眼于提高所有人的精神文化品质，提高全民族的精神文明素质。
四、结语
中国油画的发展一直受到西方现代主义思想和艺术形态的影响。鉴于此，中国油画家不仅要注重学习西方的技术手法和流派特色，更要立足于当代社会发展，注重发扬和吸收中华民族的传统文化精神，要把西方油画的文化特色与中国油画艺术特色结合在一起，构建有特色的中国油画艺术体系。
参考文献：
[1]张江东.对中国油画发展现状的思考[J].大众文艺，2013（23）：137.
油画的艺术特征篇5
1平面性
在艺术创作过程中第一个遇到的难点就是怎样将图片上的三维空间转换到画布的二维空间上。我认为立体主义的表现形式是可以做到的,立体主义的艺术家追求的是碎裂、解析、重新组合的形式,形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。使对象的各个角度交错叠放造成了许多的垂直与平行的线条角度,而散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。
平面化是不同于立体主义的另一种艺术形式。平面化的创作方式具有实时记录的特点,更加能够简明的将艺术家的思想淋漓尽致的表达出来。平面性是一种比较注重平面化的效果对明暗等忽略的一种绘画的表现特性。换言之,平面性是一种有别于三维的立体的艺术表现风格,它主要包括有直接和间接两种平面化,整个画面摒弃了让人产生错觉的一种透视手段,[:请记住我站域名/]对表现的体积和深度感不注重。
平面性作为现当代表现性风格油画的特点之一,其既具有精神属性又同时具有物质属性,主要包括油画文化的平面性和画面技法的平面性。当代中国的各种图像比较泛滥,对于社会生活和审美都已经趋于平面化,也就是说不去刻意的对单个现象背后的深度进行挖掘,而是要通过多角度对多种对象的本质进行暗示。
平面风格在油画中体现出一种单纯感,给观赏者以轻松流畅的视觉体验,可以有效的使精神紧张压抑的人得到暂时的缓解和放松。平面化是绘画自身关照的结果,它追求“绘画式”的视觉空间,以“所感”为目标,仅仅借助绘画的造型元素进行再创造,是对原有物象和经验的一种反映,具有一定的几何化和符号化的特征。平面化的绘画包含着一种情调,它通过简化的表述,体现了艺术家对绘画艺术的认知。由平面产生的形式美,包涵着丰富的想象空间。面对平面中的艺术,观者进行的抽象思考超越了对原有物象日常的视觉经验。人们在重新解读绘画时逐渐意识到了一个不同于现实的崭新世界。
2装饰性
“装饰”这个名词,自人类艺术诞生之时就未曾离开过。在古代艺术发展至中世纪艺术,至近代艺术,乃至现当代艺术的历程中,随着对物质材料与表现手段的不断认识和发展,人类对艺术的装饰性意识表现逐渐由朦胧走向自觉,直至成为当今艺术表现的主导形式,油画作为古老的西方画种之一,是人类为呈现自身精神表达而进行的审美创造活动。而“装饰”本身就是一种有意味的形式,它是以线条,色彩,形式,秩序等元素给人们以审美愉悦,同时具有满足人们文化、理想、象征、历史等更深层次方面的精神需求。
装饰性艺术是人类在进行生产和不断地创造中得以表现的一种手法。装饰性语言在当代油画中的创造囊括了丰富想象力的运用,无论是在具象油画或者是抽象油画中,装饰性都是对形象的塑造,也是创作者主观意义上的理想形式。油画装饰性风格与其他的艺术类型一样,充分地展现出其中丰富的艺术内涵和表现形式,推动了装饰性绘画在一定程度上展现的独特的艺术魅力,并突显出鲜明、生动的美学特征,从而呈现出油画装饰性风格上的多样性和丰富性的特征。装饰的形象是形式美的产物,其个性形式表现上的不同凡响和独特追求,是种“形式上的个性”。装饰性手法在油画中的应用能充分地激发画家自身的表现力,同时也能指导画家进行不同艺术形式的创造。
装饰艺术中的色彩相对于客观世界中的色彩而言,具有凝练、概括以及意象的特点。装饰色彩经主观提炼、概括后,一般都具有单纯性的特征,在色彩运用的过程中,通常都是摒弃繁琐,采用简洁单纯的色彩来表现情感、情绪。
油画的装饰性表现无论从构图、造型、色彩等方面,它的语言都是明确肯定、单纯简洁的。装饰性表现中的象征性特征,可以让画家透过色彩、形式的变形含蓄地表达出自己的情感意向。
在油画艺术表现上,主观与客观、真实与意象,是每一个进行油画创作的艺术家必须考虑和面对的问题,而装饰艺术语言可以让画家在画面形式、形象塑造、色彩组织上与传统写实油画拉开距离。对装饰艺术语言的借鉴与运用,既是在油画创作中从主观走向客观、从真实走向意象的一个桥梁,同时也可以将装饰艺术的语言真正融入油画艺术中去,成为油画语言形式的一部分。给人强烈的感官触动的,色彩可以说是油画最重要的艺术因素之一。远看色彩近看花,色彩起着先入为主、渲染气氛的作用。恰如马克思所说“色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式。”而装饰性色彩在油画中更是彰显了其独特的魅力。
装饰性绘画言简意赅,具有极强的表现力,抛弃了三度空间的透视方法,采用线条勾勒然后平涂色块的方法,因此作品显得单纯而有装饰意味。装饰性绘画的色彩是自然色彩与理想色彩的巧妙结合。
装饰性色彩具有概括、大方、浪漫、夸张等特点。因而它具有象征性、浪漫性和装饰性,理想化的色彩,往往能够抒发画者或激昂或低迷、或欢乐或烦闷的内心世界。
油画是一种通过布、纸等材料的共同作用塑造出来的一种形象,它不仅仅是一种美化作用,而且承载了人类对精神世界的追求和审美的认识,当代油画具有丰富多彩的艺术形式。而人们思想意识中的油画已经不再是一种规定好的模式,更多的是在追求富有创新的艺术表现,这也是当前油画的发展趋势。
参考文献:
[1]易苗苗.中西方现当代油画平面性风格比较[J].美术大观,2009(4).
[2]庞熏琴.中国历代装饰画研究[m].上海人民美术出版社,1982.
[3]田轩铭.装饰性色彩和形式构成在油画中的表现研究[J].海南大学,2011.
油画的艺术特征篇6
关键词：摄影技术;油画创作;联系与影响;创新发展
现代光影成像技术的开发,推动了摄影艺术的发展。运用各种生活素材为载体,传达主体特定的思想情感活动,是摄影艺术再现功能的泛化。油画是绘画艺术中常见的艺术表现形式。油画创作是综合多种线条、色彩和形体等艺术造型因素,通过造型、设色和构图等艺术手段,塑造静态视觉形象,表达作者审美感受的艺术创造过程。
摄影与绘画同属于艺术的范祷,具有相通的审美特征,二者通过物质材料媒介,用形体构成、色调选配、和明暗对比等艺术手段从生活中截取典型形象,实现平面视觉艺术的直观表达,随着现代摄影技术的不断研发,摄影艺术的完美写实再现功能,从一定程度上来说,深化了绘画艺术特别是油画创作的影响。本文结合摄影与油画艺术的联系特点,阐述了摄影技术对油画创作的关系。
一、摄影技术与当前油画艺术的联系:
1具有相通的审美特征
在艺术形态的分类中,摄影艺术和油画艺术既都是视觉空间艺术的类别;又同属于再现性造型艺术的范畴。二者在艺术特征上同样具有造型性、视觉性、空间性、静止性、瞬间性特点。
2具有协调的视觉空间
摄影和油画本来都属于平面造型表现,借助光影、色调、线条和构图的变化效应,通过平面描绘形式,熔铸了自己对生活的思考和创作灵感,表现物象的空间立体感。
3具有瞬间的生活表现
摄影和油画艺术表现,都需要针对生活中的典型素材进行瞬间捕捉,把要表现的内容,选择一定的空间,用物化手段凝定下来,构成具有完美精神风貌和本质意义的艺术形象。
4具有统一的物象并列
作为平面造型艺术,摄影和绘画都可以把彼此交错的物象、形态和景象,通过造型、色彩、构图的形式在平面上直观并列地展现出来,构成和谐统一的完美整体。
二、摄影技术对当前油画艺术创作手段的影响
摄影和绘画艺术的发展,都需要借助一定形式的创作手段去实现,作为一种艺术表现形态,油画创作就是艺术家运用油画材料,通过多种艺术手段综合体现的艺术形式,摄影技术的发展,丰富了油画艺术创作的色彩、明暗、肌理、质感、光感与空间等造型因素。
1摄影技术的运用,减缩了写生手段的繁杂化
油画艺术的审美再现,首先取决于创作者运用写生手段,对所要表现的物象进行长时间的观察与取舍,把其形象依照严谨的构图方式初步表现在草稿上,然后再进行具体的刻画描绘。而现代摄影技术快捷的再现功能,为油画创作提供了相当写实的物象造型资料,省略了相当多的写实活动。相对来说,摄影技术的运用减少了油画创作写生过程带来的麻烦。
2摄影技术的运用,促进了绘画材料的广泛化
材料是艺术家内心表达的媒介,是视觉传达的载体。摄影和绘画所使用的物质媒介材料存在着很大的差异。摄影艺术是科技文明的产物,而油画所用的媒介材料是油画颜料、画笔和画布画质等材料。摄影技术的发展,促进了越来越多的新材料以新的形式和新的表现方法应用于图像艺术。同时也为油画艺术创作材料的开发及综合运用,提供了无限的发展空间,油画材料也由传统的布、纸、木、石、颜料、漆油、木板等拓展到金属、纤维以及任意的现成物品。随着时代的发展,绘画制作条件和工具材料逐渐广泛化。
三、摄影技术对油画艺术表现形式和创作观念上的影响
油画是绘画艺术中常见的艺术表现形式。油画创作是综合多种线条、色彩和形体等艺术造型因素,通过造型、设色和构图等艺术手段,在平面基础上塑造静态视觉形象,以表达作者审美感受的艺术加工形式创造过程。摄影技术对油画艺术的创作影响如下:
1促进了油画创作风格在思想上、形式上的多元化发展
油画风格是指体现画家生命特质和审美倾向的油画组织秩序与品质。具体受画家生命特质的稳定性,画家审美倾向的社会性与变化性等因素影响。在现代文明高度发展的当代视觉艺术中,摄影技术图像给人们带来的图像化审美形式已经成为时代特征。与此同时,新一代画家采用自由、开放的观察方式,引进一系列比如剪切、近焦距、取景框架、序列性等摄影技术,在油画创作过程中不断注入自己的创作思想与个性情感,体现了当代油画最显著的多样性和多元化特点。
2改变了油画艺术对文化符号图像的独创形式
摄影作为一种利用机械科技来记录视觉画面的方式,一经产生便预示着图像时代的到来,深刻地改变着人类的精神生活和思维模式,摄影技术从诞生由一开始对绘画图形及文化符号的借鉴,逐渐发展到现在绘画不断直接或间接地挪用越来越科技化的摄影图像,改变了油画绘画艺术对人类文化符号及图像创制的再现、记录、叙事、宣传等诸多固有功用,借鉴摄影技术中对于视点、尺寸图像分割法的油画创作,呈现时空、观念和风格的集合,标志着当代油画已进入了图像化的时代,当代油画与摄影图像的结合在表现技法上趋向融合。
3衍化了油画艺术对摄影技术记录性功能的借鉴
油画是建立在对现实客观事物内在本质与规律基础上的模仿和再现,是记录具体物象的重要手段和方法,摄影技术的运用,生成了油画创作手段自身的物象再现功能的弱化,摄影技术对物象的快捷性记录方式,对油画创作艺术的再现功能提出了严峻挑战,油画艺术是按照一定的审美法则及创作规律,通过对物象的线条、色彩、形体、构图、肌理等创作要素的组合,塑造物体形象,它具有不可重复的特点。
而摄影技术则可以运用科技材料针对物象的造型进行机械性复制。同时,摄影技术的发展与运用,能够为油画创作提供可观的创作资料和素材,从一定程度上来说,油画艺术,是对摄影记录性功能的借鉴。
结束语
现代科技的发展,推动了摄影艺术在社会生活领域的渗透,并以纪实功能和成像快捷的优势,发挥着重要社会功能,摄影与绘画之间的相互关系正发生着深刻的变化。在新的历史条件下,两种艺术形态的交融互动,将是一种长期的文化现象,这已成为当代艺术创作发展的必然趋势。坚持科学的发展观念,实现摄影与绘画艺术的共同融合,是现代艺术创新发展的需要。
参考文献
油画的艺术特征篇7
一、主观性
油画创作中色彩的主观性是相对于客观对象本身所呈现的色彩而言的。艺术家在画面上并不再现或不完全再现自然现象的真实色彩感觉，而是根据作品主题和画面的需要对色彩进行再创造，使它成为具有个性的艺术语言，以表达主体的情感、意念使油画作品获得更强烈的视觉表现效果和特定的精神内涵。
油画艺术中色彩的感情力量和艺术表现，即色彩的精神性，主要是通过主观色彩来体现的。汉斯?霍夫曼在《教学笔记》中指出：“艺术反映特定的精神，是内省的结果。而精神则在特定的艺术媒介中寻找自己的表现。”油画艺术反映“特定的精神”主要是依靠色彩得以表现的。色彩作为油画的“特定”语言，只有在主体的积极创造中才能获得特定的精神内涵，它已不仅仅是再现性的客观色彩，而是富有艺术表现力的主观色彩。像塞尚的油画，通过块面和色域的冷暖递变与色彩结构的重组，表达他的内心体验，使画的与现实拉开了距离，色彩的精神容量得到了加强。野兽派德兰的《伦敦桥》赋予对象以强烈的个性色彩表现，例如，桥的阴影和远处建筑物的蓝色、水的黄色、船和天空的橙的红色，其主观性色彩的应用加强了作品的艺术感染力。
二、象征性
色彩的联想就多数人来说具有共通性，色彩不仅可以象征事物，还可以用来象征一些抽象的意念。“象征是在生活和艺术中，借用具体的有形之物来暗示某一抽象意义的表达方法。”康定斯基认为每种颜色都有象征意义，如黄色是大地颜色，象征世俗；蓝色是天空的颜色，象征着升华；绿色是夏天的颜色，象征着平静和自我满足；紫色意味着衰败和枯萎；白色象征着虚无；黑色意味著死亡。画家作画时，往往借用色彩的象征性来表达某种意图，运用象征性来确定画面的色调关系，从而强化主题和主题思想的定位。高更是一位善用象征性色彩作画的画家，在《天使与雅各的格斗》中，他用对比强烈的色彩，以及轮廓线明显的大块设色方法，明确地表达出他丰富的想象力及敏锐的洞察力。他对色彩的选择，不仅表现出绘画的效果，并攫取了象征性意义。在远处围绕着幻影的强烈红色色调，卓越地表现出拂晓时分雅各的天国捕捉天使的真实性，同时也可以说是格斗的象征性色彩。二十世纪以来，彰显个性成为时代性的追求，油画家以生动时象征性色彩表现强烈的主观感受，色彩象征性特点是画家的主观感受和观念的良好表达方式。色彩的象征性特点具有丰富的内容，它作为色彩的一个重要美学属性，已成为许多艺术家运用色彩语言的主要手段之一。
三、装饰性
部分油画家为了表达自己的主观感受，采用平面化的手法把看似简单的色彩象者符一样有秩序地组合起来，常常借助线条对色彩进行分割和串联，利用它们这间的相互照应、对比、联结创造出美妙的节奏和韵律。维也纳分离派的代表人物克里姆特，在他的作品《接吻》里，几乎用得全是金色调，除了脸部、手部和某些细节与花纹外，其余空间全用金色作装饰，服装上嵌满了象征性别的色彩图案，成为一幅工艺性极强的装饰画。马蒂斯的作品在用色上也具有特别优美、单纯的装饰性。《红色和谐》就是一幅最成功地运用色彩装饰作用的作品。大面种平涂的红色，间以浅蓝和黑色的花纹，小块地白色有韵律地从画面左上方排列到右下方，更加丰富了色彩的装饰性特点。
四、表现性
“表现”一词在艺术理论中的含义是指人物内心情感和心理的外感表现。凡高认为，绘画色彩是“为了表现人的炽热的情感。”表现派代表人物蒙克的油画色彩带有强烈的情感。他把死亡、恐怖、忧郁和孤独等现代人的痛苦情感，用色彩淋漓尽致地渲泄出来。人们称他的作品表现出“世纪末的色彩”。他的
油画的艺术特征篇8
【关键词】油画风景写生创作主观表达
一、艺术家对油画风景写生与创作色彩的主观性处理
对于油画风景写生或创作而言，首先打动艺术家的便是自然界的色彩，而油画风景画面色彩的处理与把握，直接构成艺术作品的视觉冲击力，形成画面主体的整体色调，因此，这也是风景艺术家首先思考的重要部分。也可以说，一幅油画作品的色彩是油画风景写生的重要技术构成部分，对于自然界色彩的观察、理解与表现，既是油画风景写生的技术性处理部分，又是油画风景画家艺术修养、文化内涵等多方面素质的集中体现。无论是初学者作为习作的色彩写生训练，还是艺术家不间断地对自然的写生创作，所创作出的不外乎是对自然界固有色、环境色、光源色的对比、观察和表现，以及这些于画家头脑中的再思考。作为一名艺术家，在经过长期风景写生的艺术实践后，会逐步形成自己自觉的、对自然景物的选择性判断、理解与直观性概括的情感抒发表达，而这种主观性也恰恰拉开画家之间、作品之间的品位与距离，其也正是画面的趣味与内涵所在。至于主观处理程度的把握与画家如何再现自然，是一个较为复杂的心理因素与客观人文环境要素的整体制约过程，其中特定的社会历史、政治、经济、文化、艺术条件，美术史的上下语境，承前启后的文脉学术关联，都成为艺术家主观选择性的制约条件与原始创作动力。在油画风景写生与创作作品中，不可能脱离画家本人的个性特征、审美趣味、主观愿望，呈现出缺少温度而冰冷的简单再现，即使是以超写实著称的画家们对自然景物的纯粹客观描述，也是画家的主观态度的一种能动性选择。在中西方美术史上，可供参考的例子有很多，如俄罗斯知名风景画家阿伊库因吉的一系列风景绘画作品，画家在遵照自然风景的基础上，对色彩的把握与控制到了出神入化的程度，形成画面唯美、抒情的温情意境，被称为神秘的色彩，这其中较有代表性的作品有《厄尔布鲁士山》（36cm×62cm，1898-1908年）、《第聂伯河上的月夜》（105cm×144cm，1880年）、《乌克兰的傍晚》（81cm×163cm，1878-1880年）等，这些作品在色彩方面呈现出较大的开创性风格特征。再如荷兰知名画家文森特凡高（1853-1890年），令大家熟悉的是他画面的色彩炽烈、暴躁、尖锐，充满着明亮的柠檬黄色、中黄色、群青色、钴蓝色等强明度与色相，给人们留下极深的造型艺术视觉记忆，在他的相关油画风景作品中，如《黄色房屋》（72cm×91.5cm，1888年）、《夜间露天咖啡馆》（81cm×65.5cm，1888年）、《麦田与乌鸦》（50.5cm×103cm，1890年）、《普罗旺斯夜间的乡村路》（92cm×73cm，1890年），从主观色彩角度以及笔触两个方面，都呈现出大跨度的专业性探索。关于色彩的主观艺术视觉的画面处理，也可从法国后印象主义画家保罗高更的一幅风景作品《有猪和马的风景》（75×65cm，1903年）中得以充分说明与论证。当观者翻阅画册，或徜徉于美术馆驻足此画前，感受到最多的是画面强烈的朱红色、翠绿色与柠檬黄色的大面积对比，除去对自然界固有色的直观描绘表达，艺术家有意识地强化油画色彩的主观性处理，提高色彩明度与纯度，也恰到好处地表达了鲜明的地理气候特征，与艺术家炽烈度等同的火热情感，和憨厚质朴的人格特征所形成同步的准确参与和表达。由此可见在一幅油画风景写生与创作中，油画家的主观性色彩处理对画面的重要意义。
二、艺术家对油画风景写生与创作笔触的主观性处理
笔触是一幅油画风景中最容易打动人的部分，也是一名艺术家个性风格的集中体现，同时也是美术史论学者、专家研究画家本人与流派艺术风格、学术文脉传承的重要理论与实践的依据之一。油画风景画画面表层笔触肌理的平静、光滑、细腻，抑或笔触的震颤、涌动、激昂，留给画布上面不同的视觉造型效果与艺术感染力。这些笔触所承载色彩的薄与厚、浓与淡，书写的快与慢，疾速的旋转，有力的拧动，激情的划痕，无不记录了当时油画家的心理轨迹与情绪的波澜起伏。在法国印象派画家乔治修拉的绘画作品中所呈现出来的笔触，以及保罗西涅克、保罗塞尚的油画风景画的用笔习惯风格，都可谓各具特色，每一位画家的艺术风格特征极其鲜明。如修拉1889年所作《巴黎铁塔》（24cm×15.2cm），西涅克1901的作品《塞纳河上的汽船》，塞尚《通往湖边的路》（81cm×60cm），较有代表性地提供给我们研究这方面学术风格特征的实践范例。笔者以为，像美术史学者一贯认为的，以写实著称的现实主义为主流特征的俄罗斯油画，其中以我国美术界熟知的写实功底扎实的风景画家伊伊希什金为例，这样严谨的写实风格的风景画家，在写实严谨态度指挥下稳健的笔触痕迹，暴露出的不仅仅是画家高超的写实功夫与造型造色的能力，同时也表达了艺术家个人细腻、缜密的思维方式与留学德国的德意志式的思维惯性和斯拉夫民族的东西方文化跨度兼具的艺术家双重性格特征。任何一名艺术家都不可能完全致力于对自然的刻板机械描绘，而失去自我独特个性的主观表达，艺术流派与风格的不同之处在于强调的主客观程度比重的多少。过于主观的画面艺术效果的专业性处理并不等于不写实、不写真。如同人的性格一样，有的画家大幅度夸张地过度写实，将写实推向极致，甚至到超级照相写实主义；与其对立的是极度夸张的变形，从而走向主观的抽象。最为典型的实例是前面提到的凡高的作品《普罗旺斯夜间的乡村路》与《麦田与乌鸦》这两幅作品，以及非常有名的《星夜》（72.5cm×92cm，1888年）。画家涌动飞扬的笔触，有效地表达出其桀骜不驯、特立独行的性格特征。另一位俄罗斯知名油画家阿阿梅尔尼科夫的风景作品《涅瓦河上》（55cm×60cm，1956年）中，画家所用笔触采用中国画大写意的飞扬笔意，笔断意连，气韵生动。
三、艺术家对油画风景写生与创作构图的主观性处理
油画风景写生与创作的构图，是一位油画家艺术才气集中的全面体现，也是构成艺术作品的时代性、趣味性、现代感的形式美语言的造型视觉数据之一。尤其在具有当代性审美意义的油画风景艺术作品上，表现得较为突出。油画艺术家根据不同的艺术角度，不同形式的油画风景写生构图，采用仰视、平视、俯视、近距离、远距离的主体刻画与造型表述，强化、削弱、概括等造型视觉美的主观艺术与技术的处理方法等手段，由此形成了自己独特鲜明的艺术风格特征。如俄罗斯知名画家马谢萨里扬（1880-1972年）的油画作品《埃及椰枣》（106cm×71cm），能使人感受到画家画面构图的艺术匠心独运，艺术家突出强调主体椰树部分，夸张的仰视构图，占据近乎整幅画面的椰树，突出强化了主体的视觉艺术冲击力，以及画面所传递出来的热带浓郁地域风光。与之类似的艺术构图还有俄罗斯画家尼尼杜博夫斯科依（1859-1918年）的风景作品《暴风雨前的沉寂》（86cm×143cm，1890年），画面构图以夸张的大朵的卷云占据大部分的画面，云朵以写实的手法，变幻突破传统的写实构图，既增加了画面的形式美感，又没有脱离写实的技巧法则，在大的写实语境里完成画面趣味性的主观变化，使写实绘画语言变得生动有趣，有效地突出该作品风景绘画主题的抒情性描绘。一幅油画风景艺术作品构图的独特视角，会更有利于突出风景绘画艺术作品的主题与主体，也便于发挥油画艺术家的主观能动性进行艺术化处理，从画面艺术构图角度给油画家带来更为广阔的创作空间。
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现代艺术快速发展的今天，艺术元素的创作越来越呈现多元化的发展趋势。在油画的创作过程中，艺术家们为了使作品更加充满活力，能够彰显出一种独特的感观效果，往往会有意无意地巧妙添加一些装饰性的表达语言。带有装饰性色彩的油画创作具有明显的想象特征和一种高质量的表现张力，从作品中常常可以看到创作者自身的情感缩影。装饰性的绘画语言通常都比较简洁、精炼，具有高度的概括性，通过简单的线条变形和恰当的色彩搭配，就可以使整个画面得到很大程度上的改观。利用各种创作手段的巧妙融合，可以塑造出整个画面通透、均衡、意境深远的美感，因此装饰性的绘画语言在实际的油画的创作中逐步被广泛应用。
装饰意味在油画创作中的特征
在油画创作的写实画面创作的基础上，从画面整体的感观效果出发，对画面中的轮廓线条或者总体的画面结构，进行巧妙地夸张性的简化或变形处理，再巧妙地添加画面合适的色彩，会使整个油画的创作风格呈现极大的不同，甚至是与之前的传统绘画创作风格形成鲜明的对比，足见装饰意味的重要性。但是在实际的创作过程中一定要灵活准确地把握绘画语言与装饰语言表达之间的关系，画面总体的装饰成分一定要搭配得当才能营造出预想中的美感，过多的线条或者色彩堆砌，过分华丽复杂的装饰，只能事与愿违使作品本身成为一个庸俗和缺乏表现力、生命力的作品，因此一定要注重油画作品所展现的装饰性绘画语言的特征。
1.抽象的特征
装饰意味融入现代油画创作中的一个重要特征就是抽象性的彰显。经过一定的色彩搭配改变和线条变形过后，整个画面会显得更加有生机和活力，更加有创造性和概括力。我们可以从中看到画面本身在现实生活中的真实影像痕迹，但是却仍然可以对作品产生无限的遐想空间，可以通过画面简洁和抽象的概括融合，看到意义深层的内涵，这都得益于装饰性绘画语言的艺术加工。
2.象征的特征
油画艺术作品创作往往带有很强的象征意义，是艺术家们运用象征性的创作手法所表现出来的艺术思维。每个作品创作都是将现实生活中具体的一些人、事、物等，通过艺术的表现手法，运用抽象性的符号来表达，是将复杂的世界万象用要素简化的方式概括出来的过程，都是浓缩了创作者的某种情感表达，象征着一种现实或理想状态中的寓意。例如，作品《百老汇的爵士音乐》中，作者运用各种长短不一、交错纵横的线条和各样的颜色搭配，象征性地表现出了百老汇的大街上的霓虹闪烁、热闹繁华，同时也是自己内心情感的宣泄象征，往往能够引起观众的情感共鸣。
3.个性化的夸张特征
融入装饰意味的油画作品往往带有很强的个性化特征，并且这种个性特征之中还包含了一种夸张的意味，通过这种夸张的手法更能突出作品的主题，增强画面自身的艺术表现力和实际的感染力，从能能够更好地彰显出作品与众不同的个性特征，使作品所变现的情感可以最大限度地升华。通过采取一些艺术性的表现手法，将总体的画面进行色彩添加和变形的处理，能够彻底打破原来的事物空间关系，从而更好地营造出一种新的视觉表现效果，使观众能够从作品的本身赏出一种与创作者有关的个性化特征。
装饰意味融入油画创作中的作用
在油画创作中融入装饰性的绘画语言，对整个油画的创作有重要的意义。首先，在实际的画面创作过程中，通过一些美学方面的造型设计，运用一些通俗的创作手法和表现规则，例如对画面中点、线、面以及色彩与明暗之间的搭配等，可以为提升总体的画面质量起到重要的辅助作用。尤其是在一些儿童性的主题油画作品创作过程中，更是需要科学合理地运用这种装饰性的绘画表象语言，有助于提高孩童的想象力与创造力，而且这种抽象性强并且充满装饰意味的儿童作品，也更加便于孩童的模仿，更加便于油画作品的普及。其次，可以有效地增强整个画面的实际表现效果。在油画创作中融入装饰意味，可以使总体的画面表现出浓烈的感彩和丰富的审美情趣，能够将画家的心情与心境通过作品有效地传达出去。最后，装饰性意味的融入，可以使整个画面显得更为协调，带给人一致和谐的美，让观众可以从画面的欣赏过程中能够会到丰富的创造力与感染力，带给人不一样的视觉享受。例如，梵高的油画作品《向日葵》，通过主色和背景色的巧妙搭配，加上合理的画面构图，就会给人一种比现实的向日葵还美的感觉，带给人无穷的艺术享受。
在油画创作过程中融入装饰意味的方法
装饰画的主要代表人物张光余先生曾经说过：“构图是钢骨、色彩是水泥，形式是艺术的骨架，对作品的成功与失败起着决定作用。”因此在实际的油画创作过程中要想营造出完美的艺术效果，使作品更加具有画面感和表现力，就必须注重在作品中巧妙运用构图、造型、色彩方面的搭配方法。
1.油画的构图创作
构图主要是为了更合理地组织和安排绘画者所要表现的艺术创作元素，在实际的油画创作过程中可以根据具体的创作需要，灵活选择构图的方式。首先，可以采用平视的构图方式，在创作过程中注意使油画画面所表现的内容与具体的作品观赏人员的视线呈现平行的状态，在创作的过程中注意体现画面整体的平面化，不需体现画面多层面的立体艺术效果，而只要关注画面最终所要呈现的平面效果就可以了，例如，蒙德里安的油画作品《红、黄、蓝》、《百老汇的爵士音乐》等。其次，可以采用立视体的构图方式，前者创作的基础上，开始逐步注意去描绘画面内容的上部或者侧面的部门，尽可能地给作品观赏者营造出一种空间上的立体感，使整个画面更加有真实感。最后，还可以利用自由组合的构图方式，在实际的创作过程中可以利用不同的线条、不同的颜色以及不同的表现形式，根据一定的美学原理合理地搭配组合在一起，将分散的、杂乱的、似乎没有任何关联的创作元素，合理地安放在同一画面空间之内，来共同展现绘画者丰富的内心情感世界，表达画家所要表达了绘画主题，展现出利用装饰性绘画语言构图与传统意义上的写实性构图创作所不同的地方。这种构图就方式可以冲破时间和空间的观念束缚，打破传统的视觉效果，例如，绘画大师毕加索的作品《梦》、《业余斗牛士》，马蒂斯的作品《生活的欢乐》、《舞蹈》，都非常典型地展现了构图布局在油画作品创作中的重要性。
2.油画的造型创作
油画的创作讲求的是一种造型方面的艺术表现力，如平面造型、综合视点造型、影形造型和线型造型等，注重多方面的平面造型技法，例如勃拉克的绘画作品，都是通过非常巧妙的变通形式来完成不同意境表达的。首先，变形的方式。为了能够使作品所表现的主题内容更加形象而且突出，需要综合考虑线条的长短、形状以及流畅程度，需要考虑不同的画面构成应该以什么样的表现方式表现才能给欣赏者以新奇和眼前一亮的感觉，如何更好地将现实中的事物以艺术加工的方式形成艺术作品，需要对一些局部的细节原形进行灵活的变通。其次，简化的方式。为了使整个画面看起来更加通透简洁，更加具有画面的意境感，需要采用提炼综合的创作手法，用简单的线条搭配描绘突出的艺术形象，例如，委拉斯贵支的作品《教皇英诺森十世》、拉斐尔的作品《西斯廷圣母》等。最后，还可以在写实和对内容提炼综合的基础上，适当添加一些创作者的主观臆想，适当采用夸张或者额外添加一些装饰内容，或者是将物体形象进行组合、拼凑的方法，构成一个完整的画面，从而也使整个画面更加饱满而充满视觉冲击力。
3.油画的色彩创作
在实际的绘画创作过程中，对于油画的色彩选择起到关键性的作用，直接影响画面总体的质感。通常情况下为了增加画面总体的视觉效果，多会选择简洁、纯度高的鲜亮颜色进行绘画主题的表达。例如，马蒂斯《红色的画室》，画面主要的色彩以红色为主，其他部分则用一些浅色的色块加以代替，并且注重不同色块之间的相互映衬，给人一种强烈融合画面感，直接刺激到自身的感观神经。在实际的油画创作过程中，作品的创作者需要根据自身所要表达的画面意境，灵活地选择不同的环境色与光源色，要尽量塑造出鲜明、纯净的画面感觉。在色彩的选择和搭配上一定要充分考虑到画面的总体感觉。例如，在作品的创作中一定要充分考虑到绘画物体的固有色的颜料调配，以更好地做到画面的形象逼真。还应该考虑到色彩搭配的整体均衡，保证画面色彩的和谐而不显得突兀，要充分考虑到不同色彩带给人不一样的视觉和情感体验，以带给人身心愉悦的效果。在整个画面中采用高纯度的色彩，可以使人印象深刻，并且留有足够的想象空间。
结语
油画的艺术特征篇10
一、装饰画艺术的发展与特征
装饰画是历史文明的产物,伴随着社会文化的进步而发展。它包含两个方面:其一是附属于器物上的图案和装饰纹样;其二是具有一定独立性、装饰性的绘画。早在石器时代洞窟壁画和岩画上的野牛、花鸟鱼虫等动物图形,彩陶上描绘的人面鱼纹、蛙纹等都是装饰画的最初形式,形象元素从自然形态中提炼、抽取而来,其手法写实生动、朴实并富有象征意味,原始人直观感受和深入细致地观察自然才逐渐掌握了扑捉对象特征的本领,所以最初的装饰艺术是模仿自然或取其所用材料的天然形式,朴素直观。到古埃及、古希腊时期,装饰艺术的审美特征有本质上的提升,由于受当时制度和宗教习俗的制约,表现手法基本一致,风格十分明显,主要体现在浮雕和壁画上,例如《三个乐伎》、《死亡之书》、《宫女》等,程式化的人物造型简洁明快,多层并置,色彩固定。到中世纪,基督教成为治理国家的精神支柱,这时刻的美术也突出反映在宗教题材之中,例如镶嵌画《查尔丁尼皇帝及随从》,画面追求神秘感,装饰意味隆重富贵,以体现宗教的神圣力量。随之而来的文化变革“文艺复兴”运动,绘画艺术得到了繁荣发展,装饰艺术主要体现在壁画和雕塑上,手法写实、严谨,透视科学,讲究空间深度和结构关系,同时也注意构图的形式美感,这给刚刚诞生的油画艺术提供了宝贵的经验和营养。
在我国夏、商、周这段历史时期,出现了神秘、凝练形象的装饰图案和富有节奏感的几何装饰纹样,是对客观自然形象的升华,形成了装饰画形简意赅的艺术特征。随后装饰画的题材和表现形式更加多样化,战国时期的帛画艺术、汉唐时期的画像石和壁画、明清时期的家具图案和木板年画等,越来越和人们的生活密切相联,反映了各个时期的审美追求和艺术思潮,因此,装饰画又具有时代特征和民族情节。当前全球科学和信息技术突飞猛进,各种文化和艺术相互碰撞,多元化的格局给装饰画艺术发展带来了史前未有的机遇和挑战,艺术家只有创作出符合时代特征的、被大众认可的作品才赋予价值和生命力。
二、装饰画对现代油画艺术的影响
19世纪末20世纪初,西方资本主义经济的迅猛发展,引发了哲学、心理学、美学等一系列人文科学深刻而又复杂的变化,现代美术的各种思潮变幻迅速,各种流派更迭频繁,艺术家们用尽毕生的精力去挖掘新的艺术语言和形式,西方油画自印象派之后,先锋艺术家们不断地否定传统写实主义的同时创造了一个又一个奇迹,直至他们把绘画语言形式表现的淋漓尽致。装饰画是一种典型的形式美至上的理想化艺术,运用夸张、变形等艺术手段对自然形象进行高度的概括和提炼,注重画面的内在构成与韵律,达到客观与主观、具象与抽象、形式与主题的统一,常以均匀平涂的技法来完成画面,这种表现形式和技法对现代油画艺术产生了巨大影响。
首先在对物象的造型手法上,现代油画艺术从装饰画艺术中吸取了充分的营养。复制时代已经过去,油画艺术家们不满足于对客观的再现,而是尝试运用夸张、变形或抽象等手法创造有意味的形象特征。例如野兽派画家马蒂斯的油画作品《舞蹈》,是1910年受俄国商人委托在莫斯科一所大厦内创作的装饰壁画,画面描绘的是在纯绿色草地上形态各异的五个人物,彼此手拉着手围成一圈正在欢快地舞蹈,人物造型极其简练,形体明显被夸张,让人物之间更具节奏和动感,而且运用平涂色彩的方法来营造气氛,摒弃了传统的空间表现法,运用简洁的线条和具有强烈视觉冲击力的色彩,使人联想到新石器时代陶器上的装饰图案,古朴却又真实体现了艺术家的内心世界。再如表现主义画家蒙克,“强调绘画必须透露某种情感和体验,传达作者的内在信息,常表现为造型的扭曲和夸张,色彩的强烈和主观,视觉上的冲击和粗放,故给现代艺术有力的推动”。[1](p317)
其代表作《呐喊》,画面中一个充满恐惧、悲伤的人双手捂着骷髅似的脸庞,身体像要被血红色的夕阳融化,留下一个蝌蚪似的外形竖立在大桥之侧,蓝黑色的海水让人不安和绝望,画家运用抽象的造型语言来表现自身的苦难和悲哀,是对生命的体验和诠释;又如立体主义画家毕加索,受非洲黑人雕刻艺术和塞尚的影响,打破常规的视觉感受,把多个视角的景象组织在一个平面内,作品《亚威农少女》中,五个女人体经过抽象和变形,几何形的脸谱、不对称的五官和多角度的肢体组合,没有传统意义上的空间刻画和明暗调子,而是强烈的夸张主体形象,这种革命性的、另类别趣的造型手法让人耳目一新。因此,现代油画大师借助装饰画的造型手法来创造标新立异的视觉形象以突破传统造型观念,展示了现代艺术家的个性解放,大胆革新的艺术精神。
其次,装饰画在画面表现形式上对现代油画的影响。装饰画通常采用均匀平涂的技法来设色,不追求三维空间,而是强调平面构成的特征,追求理想化的抽象次序,这种绘画语言对现代主义绘画中的抽象画家颇具吸引力,丰富了油画语言。例如美国抽象表现主义画家路易斯的代表作《扩散的光》,画面按照光谱顺序排列数种细长形状的色彩,与白色画布的背景产生强烈对比,似乎是自然流淌的印记,明快简洁,轻盈抒情。再如抽象主义画家蒙德里安,他认为自然的丰富多彩可以压缩为有一定关系的造型表现,艺术成为一种如同数学一样精确地表达宇宙基本特征的直觉手段,在作品《百老汇联奏爵士乐》中,画家利用平行线与垂直线的组合来表现抽象语言的图式,把纯净鲜明的色彩平涂在大小不一的方形之中,画面充满了装饰和构成意味,形式感强,虽然冷静严谨,但不乏情感的注入。现代油画家借用装饰画的表现形式来创作,从而寻求到了一种全新的、明快简洁的诉说方式,成功地丰富了油画语言。
再次,装饰画的创作题材对现代油画艺术的影响。油画有表现物象质感的优势,常以写实的手法创作,即使古典油画中出现的神话题材,也是依据现实生活中的人物为原型,而装饰画艺术的取材较为广泛,有现实中的物象,也有天马行空的想象元素,在我国夏、商时期就出现了“饕餮纹”,是对客观自然形象的升华,由表及里的概括提炼和夸张变形,加入了丰富的想象和情感因素,具有强烈的装饰意味和审美价值。随着交通、信息技术的发展,很多像高更、毕加索、克里姆特等一批欧美画家迷恋于东方、非洲艺术,他们对其他文明的借鉴自然体现在作品之中,例如法国现代派画家卢梭的作品《梦》,描绘的是沙发上的女子梦见自己置身于热带丛林的景象,画面中的植物繁茂,但色彩浓烈,每片叶子都刻画得一丝不苟,极具装饰意味,淡淡的月光下吹笛黑人和几只可爱的动物形象也是卡通式的表现,营造了一个荒诞离奇、美妙迷人的梦幻之境。现代油画对装饰画题材的借鉴,有效地拓展了绘画创作空间,为现代主义绘画寻求一种多样、宽松、自由的艺术表现。
因此,装饰画对现代油画艺术的影响,是人们生活方式和审美观念的更新,强调主观处理、富有个性、求新求变的绘画方式冲击着数百年沉淀的西方美术,必将赋予现代油画艺术更为广泛、灿烂的前景。
三、油画艺术中装饰性语言的审美价值
油画历经半个世纪的发展,从古典主义到印象派,再到现代主义、后现代主义,每一次革命性的更新都与当时的文化思想和美术思潮相联系,特别在风格繁多、积极创新的现代主义时期,艺术家追求标新立异的绘画语言给后人留下了璀璨的经验,其中装饰性语言的运用极大地丰富了油画内涵,具有不可忽视的审美价值。装饰画艺术以程式化的表现方法强调韵律和节奏感,其线条和色彩是经过高度提炼和理想化的分析,正如罗丹所说:“在我们看来线条和色彩不是别的,是内在的真实的标志;我们的目光透过表面一直潜入内心,当我们后来表现轮廓时,便会用内涵的精神丰富轮廓本身。”[2](p119)
所以,油画艺术利用装饰性的语言形式表现不仅丰富了油画风格,而且更具思想性和内涵,我们从现代主义大师克里姆特的艺术里强烈地感受到装饰语言的审美价值,在作品《生与死》中,墨绿色的背景前呈现着两组人物,左边是衣着紫色的骷髅,象征死亡,右边是年龄不等的暖色人体,寓意生存和对生命体验的思考。