电影艺术特征篇1
关键词：电视电影艺术特征题材
一、引言
电视机的普及和电视业的发展不仅为观众提供了一个休闲娱乐的方式，而且为许多行业带来了丰厚的效益。然而传统的院线电影也是不会被电视和其他新型媒体所取代的，它拥有其一些特殊的特点，而且，这些特点是其他发展起来的媒体所不能取代的。超大的屏幕、特定的播放场所、完美的音响效果等。基于国内外电视行业的迅猛发展，电视与电影在这股影视艺术行业发展的潮涌中产生了交集，由此而生的一种新型的电影模式诞生了，也就是电视电影。电视电影(moviemadefortV)起源于20世纪60年代的美国。是由电视人投资的低成本电影，适合在电视上播出。电视电影风格的多样化和题材接近现实，主要关注于热点新闻、人们关心的话题，使得受众对于电视电影的偏爱，使它拥有了相对稳定的一部分收视群体，保证了电视台的收视率。电视电影也借鉴了电影艺术的表现手法，从而大大提升了自身的艺术品位和表现技能。所以，电视、电影以及电视电影的艺术表现形式和特征是影响观众喜好非常重要的一个因素。
二、电视电影的艺术特征
1.交集式
电视电影是一种特殊的艺术形式，决定了它要遵循电_钡和电影两种媒介的特点，不仅在表现方式上而且在艺术审美特征上和电视、电影有区别之处也有共通的地方。在电视电影的时间长度上，电视电影与电影也比较相似，大多数电影是90分钟长度的，而电视电影一般也是90分钟，要在90分钟左右的时间里尽量把一个故事讲述的精彩，因此要相对简练、紧凑，电视电影在叙事强度上和电影也比较接近。高度凝练、压缩的故事可以带给观众兴奋点的频率更高，有张有弛的紧张感和刺激更容易给观众留下深刻的印象。目前，电视电影的兴起，似乎正从另一方向弥补了电视短剧创作极其匮乏的缺憾，甚至从某种角度来看它正在替代电视短剧尤其是单本剧的功能，但每一种表现形式又都存在着它们自身所独有的一些艺术特征和优势。当然，电视电影也有它自身的艺术特征，因为这些艺术特征也逐渐受到了一批观众的喜爱。
2.叙事的节奏感强
通过对电视电影和电视剧的比较、电视电影和电影的比较得出，电视电影和电影一样具有叙事的节奏感比较强，因为要在有限的时间内表现出完整的叙事结构和制造气氛，所以要求电视电影必须具备很强的节奏感，在电视电影的时间长度上，电视电影与电影也比较相似，大多数电影是90分钟长度的，而电视电影一般也是90分钟，要在90分钟左右的时间里尽量把一个故事讲述的精彩，因此要相对简练、紧凑，电视电影在叙事强度上和电影也比较接近。高度凝练、压缩的故事可以带给观众兴奋点的频率更高，有张有弛的紧张感和刺激更容易给观众留下深刻的印象。
电影《拯救大兵瑞恩》是美国经典战争片之一，它描述了在诺曼底登陆之后，瑞恩家的四名于前线参战的儿子中，除了，隶属101空降师二等兵的小儿子詹姆斯·瑞恩仍下落不明外，其他三个儿子皆已于两周内陆续战死。美国陆军参谋长马歇尔上将得知此事后出于对人道的考虑，特令前线组织一支八人的小队，只是为了在人海茫茫、枪林弹雨中找出生死未h的二等兵詹姆斯·瑞恩，并将其平安送回后方。电影开头的诺曼底登陆抢滩场面，相当程度重现了当年的残酷与惨烈。在《拯救大兵瑞恩》170分钟的片长中，导演在电影开场就让电影进入了一个高潮，斯皮尔伯格用近乎纪录片的拍摄手法来拍摄片头25分钟的登陆场面。随着营救的开始，影片在节奏的控制上与战争这个主题紧密结合，因为在战场上随时都会遇到意想不到的事件发生。一方面通过表现营救的困难，另一方面影片表达了战争中的人性。而另一部由斯皮尔伯格导演的电视电影《兄弟连》描写了美国101陆军空降师部队e连的真实故事，他们参与了盟军进攻首日的任务，以及其后整个欧洲的战事。这部电影寄予了艺术家对战争底层的士兵们的同情、敬慕与赞赏，也把观众的思想感情赋予了角色，从而随同角色一起去体味逐层展开的战场画卷中的种种兄弟情谊，一方面使观众被吸引着与角色一同回归到历史的深处，另一方面，也让观众在观看中获得一份感动。导演在拍摄战争场面时使用的是手持摄影方式更真实的展现当时的战争场面，在叙事的节奏上依然保持着紧张的气氛，因为这部电影的投资巨大，所以在这部电视电影在艺术表现形式和特征上都和电影没有多大的差异，只不过《兄弟连》是在电视这个传播媒介上播放的。所以不难看出电视电影和电影一样仍然保持着叙事节奏感强这一个艺术特征。
3.视听语言的强调
电视剧由于它播出的时间比较长，节目后期制作的工作量比较大，加上电视剧追求的是商业化运作，所以为了节省拍摄时间。电视剧在拍摄时对于画面的构图、光线气氛的营造、布景的道具、场景的布置等不会像电影那样费很多的时间和金钱。而在后期制作上。画面之间的剪辑、音乐音响的编辑也不会像电影那样精致。而电视电影对于视昕语言方面的强调远远高于电视剧的视听语言。因为电视电影和电影长度相似，所以要在长度短的情况下让观众熟悉和认同。同时。电视电影受播放条件的限制，不能发挥出在影院中观看影片的效果，没有在影院的氛围中体现影片表现的声音立体感的冲击力，所以在电视电影中一般不会花大的代价着重对大场面的刻画，在局部特写中也不能发挥有效的视觉冲击力，所以电视电影想要吸引观众对影片的关注必须在视听语言的组织上下功夫，需要依靠每一个画面、镜头和场面的精心策划和营造来吸引观众的眼球。据我了解，在国外，大多数的电视电影都采用胶片来进行拍摄，他们是想让拍摄出来的电视电影的画质效果和电视剧的画质区别开，特别是在画面的构图、镜头的运动、音乐音响等方面能有一种电影的感觉，形成一种电视电影所特有的一种风格。视听语言对于电影来说是很重要的一个因素，因为要在影院这个特定空间观看，而且在影院中会配备比较好的音响和巨型的屏幕。所以，电影在前期拍摄中的画面组织、画面构图和画面的表达是很重要的，后期的音乐音响和剪辑、调色也是在影院播放时一览无余的。一些比较知名的大片，比如，《英雄》和《花样年华》。在《英雄》这部电影中，导演利用色彩很好的主导了影片，观众带来了视觉上的享受。、在王家卫的电影《花样年华》中，不同的服装、特有香港电影的色彩搭配张叔平的美术指导，在画面上征服了观众。而且这部电影的配乐和旗袍一样成为了经典。
当然。电视电影的投入远不及拍摄一部电影的投入，但是，如果能使电视电影的画面更加有活力，那就能弥补资金、人力等方面的缺失，从而吸引观众的目光。为了拍摄出比较好的电视电影，则需要追求故事、人物和情节的精致、新鲜，要把有创意的思想加入其中。对于电视电影而言，虽然没有拍摄电影的条件，没有院线电影那种观影氛围，所以更应该着重的注意电视电影的主题和剧情，在技术上，重视视听语言的运用，用有创意的画面构图、角度，来诠释想要表现出来的意思。表达一定要清晰、明朗。电视电影的内容和文化品味也要存在在影片中，让观众看完能了解一些文化。当然在主题方面，可以运用一些热点
题材、新闻题材来吸引大众的注意力、提高收视率。
电视电影如果将视听语言运用的很成功，那这部电视电影必然会给人带来很深的回忆，最典型的就是希区柯克的电视电影《精神病患者》。这部电视电影主要讲述了一个上班女郎对自己的生活已经感到厌倦，她未婚夫的钱几乎都要用来支付前妻的赡养费，他们的结婚也就成了一个漫长的计划，一天她的老板要她将四万元现金存到银行去，在极度想改变自己生活的冲动下，她携款逃离了小镇，她要过一种新生活。情节发生到这里，观众的紧张情绪开始被影片调动起来，而之后。这个上班女郎因为长途的劳累和精神上的巨大压力，她几乎崩溃，她决定在一家汽车旅馆住上一晚，就在她吃完饭想要洗澡进去浴室的时候，一场离奇而恐怖的事情发生了。导演运用视听语言很好的突出了影片的气氛，制造了紧张感。而影片的叙事有张有弛，伸张有力，完美的烘托除了影片的气氛，让观众陷入了影片营造出的恐怖气氛中。这部电视电影拍摄于1960年，这部电视电影可以说是电影历史上的一个里程碑，这部影片是希区柯克带领他的制作班底拍摄的一部成本极低的恐怖影片，因为影片中有许多血腥场面，所以就选择了黑白片，既可以降低成本。还不至于太刺眼，这部影片游刃有余的操纵着观众的情绪。从而完成了一次纯电影的表达，完全通过视听语言的表达刺激观众，得到了空前的成功也为希区柯克带来了无数的荣誉。
4.风格多样化
自从电视电影产生以来，很多导演都期望能通过电视电影来展现他们自己的才华，变现他们自己的艺术风格和追求。从我国电视电影诞生以来，不少导演都在不断增强类型化意识和艺术探索精神，在通过拍摄电视电影中锻炼了自己的技能，发挥了自己的才智。不同的导演都有着他们不同的想法，而不同的想法又会造就来自不同导演不同的影片风格。世界著名的导演斯皮尔伯格，他的风格是侧重以科幻题材的电影。而我国著名的导演冯小刚，他最擅长拍得就是商业片，在中国也一直保持着每部贺岁片都赚钱的记录。另外一个新兴导演贾樟柯，他的风格就是带着纪录片意味的电影，而本人最喜欢的导演王家卫，他的风格是文艺片。把自己独特的思想通过构图、音乐音响、服装甚至演员每一句的台词都蕴含了他自己的风格。当然，电视电影也需要导演把自己独特的想法，自己内心想表达的思想通过电视电影表达出来。电视电影《十八个手印》，导演高峰倾力采用纪实化风格，充分发挥写意镜头的有效手段，使影片达到较高艺术观赏效果。影片讲述了主人公陈开元1978年任凤阳县县委书记后，为改变农村贫穷落后面貌，顶住种种压力，支持小岗村“包产到户”的故事。影片以极其质朴、写实的影像风格“复活”了那段历史。那荒凉的土地、那凋敝的村野、那些低矮破败的茅屋、那些破衣烂衫、蓬头垢面的男女老少们，还有陈书记端着自己尿血的痰盂到公共厕所倒尿的情景营造出了一种带给观众精神折磨的画面。而导演的个人思想通过电视电影《十八个手印》再一次警示我应该学会在和平富足的年代里去体察苦难的滋味，只有这样，才能真正懂得“珍惜”的含义，永远远离苦难。而另外一部由管虎导演拍摄的电视电影《谁动了我的幸福》，导演以一个戏剧化的故事展开了对于金钱和幸福的讨论，虽然故事简单，但最后表现出来的对于金钱和幸福的结论却给观众带来了深刻的反省。电视电影其实和院线电影是一样的，也有文艺题材的电视电影、恐怖惊悚类的电视电影、武侠古装类的电视电影等其他类型的电视电影，这些主要取决于题材的选择、导演的风格，当然，随着中国乃至世界电视电影的发展，电视电影的数量会不断的扩大，质量也会逐步的上升。
5.题材和表现方式更贴近生活
虽然说电视电影还是以电影为基础不断发展的，但是电影往往追求的思想内容是与人们的日常生活有一段距离的。所以我们才说电影是梦。而电视是一种通俗的大众传播媒介。电视电影又是倚靠着电视传播的，所以也应该更接近生活，也应该具有通俗性。电视电影通过电视进行传播，受众是由不同层次的观众组成的，所以在选择题材、叙事方式、思想和主旨时需要考虑到这个问题。在选择题材上要选择一些具有亲和性强的内容，贴近生活，贴近百姓，可以选一些围绕在百姓身边的热点新闻进行改编拍摄。电视电影没有制作拷贝、发行等过程，剧本通过审查后，一般50天就可完成拍摄、制作。因此，电视电影可以关注社会热点，拍摄大众关心的内容，可以更快更准确地反映流行的生活方式、行为力。式、社会焦点问题，在观众中尽快引起反响，这是电视电影优越于电影和电视剧的地方。又因为电视电影所要表现的故事往往是贴近现实的。这要求我们在结构影片时不能脱离实际的生活面貌，但在镜头语言的描绘中也要重视电视电影艺术性的挖掘，注重艺术上的锤炼，避免造成艺术上的缺失。充分发挥电视作为媒介的特点，利用多样的题材和表现方式和手段去增强电视电影的艺术性，也要考虑到电视电影自身的特点，避免完全按照电影的表现方式和艺术表现手法。在表现力‘式上，电影中经常会使用一些隐喻的手法表现深刻的思想内容，让观众慢慢品味和揣摩其中的意义。而电视电影是在电视这个媒介上通过电视台播放的，观众在观看过程中大多都是借着电视得到精神上的放松和娱乐，而且在观看电视的时候不会像在影院里观看电影一下聚精会神的观看，所以电视电影选择了大多数观众能很好理解很好接受的方式来表现影片内容。
电视电影《从心开始》算是题材和表现方式都很贴近生活，这本电视电影是根据2007年感动中国十大人物之一一一云南缉毒警察的妻子罗映珍的故事改编而成。故事大概讲述了一位忠于职守的云南缉毒民警罗小勇，在和新婚妻子的蜜月旅行中，她意外的发现了三个准备进行交易的毒贩，面对歹徒，危机关头这位云南缉毒警察没有过多的考虑，挺身而出，在执法过程中，终因寡不敌众不幸受伤成为植物人。他妻子不舍不弃、日夜守护、精心服侍着身受重伤的丈夫，她坚信，终有一天罗小勇会苏醒过来。小果是这个云南缉毒警察警校时的同学，她果敢、直率，是一名经验丰富的缉毒警，她在工作上倾注了过多的心血，却忽视了自己的丈夫和孩子，婚娴的不幸加上罗小勇的受伤使她的内心产生了极大的振动。面对着昏迷不醒的战友，小果伤心、悲愤。三年过去了，在仁爱、正义、勇敢、爱情与忠贞的巨大力量下，在社会和政府的关怀下，在同事与亲人的倾心帮助下，罗小勇的病情不断好转，爱的呼唤最终创造了生命的奇迹。这部电视电影在选择题材的时候选择了一个亲和力强的为了国家安全、利益和亲情的题材，很好的表现了缉毒警察和他亲人的生活状况和生活方式，在危害国家的贩毒分子出现的时候缉毒警察们的行为和缉毒警察负伤后亲人对他的行为，对于他们的行为影片的表现形式很出色，很好的营造了这部电视电影的气氛。
电影艺术特征篇2
关键词： 电视电影 艺术特征 题材
一、引言
电视机的普及和电视业的发展不仅为观众提供了一个休闲娱乐的方式，而且为许多行业带来了丰厚的效益。然而传统的院线电影也是不会被电视和其他新型媒体所取代的，它拥有其一些特殊的特点，而且，这些特点是其他发展起来的媒体所不能取代的。超大的屏幕、特定的播放场所、完美的音响效果等。基于国内外电视行业的迅猛发展，电视与电影在这股影视艺术行业发展的潮涌中产生了交集，由此而生的一种新型的电影模式诞生了，也就是电视电影。电视电影(movie made for tV)起源于20世纪60年代的美国。是由电视人投资的低成本电影，适合在电视上播出。电视电影风格的多样化和题材接近现实，主要关注于热点新闻、人们关心的话题，使得受众对于电视电影的偏爱，使它拥有了相对稳定的一部分收视群体，保证了电视台的收视率。电视电影也借鉴了电影艺术的表现手法，从而大大提升了自身的艺术品位和表现技能。所以，电视、电影以及电视电影的艺术表现形式和特征是影响观众喜好非常重要的一个因素。
二、电视电影的艺术特征
1. 交集式
电视电影是一种特殊的艺术形式，决定了它要遵循电_钡和电影两种媒介的特点，不仅在表现方式上而且在艺术审美特征上和电视、电影有区别之处也有共通的地方。在电视电影的时间长度上，电视电影与电影也比较相似，大多数电影是90分钟长度的，而电视电影一般也是90分钟，要在90分钟左右的时间里尽量把一个故事讲述的精彩，因此要相对简练、紧凑，电视电影在叙事强度上和电影也比较接近。高度凝练、压缩的故事可以带给观众兴奋点的频率更高，有张有弛的紧张感和刺激更容易给观众留下深刻的印象。目前，电视电影的兴起，似乎正从另一方向弥补了电视短剧创作极其匮乏的缺憾，甚至从某种角度来看它正在替代电视短剧尤其是单本剧的功能，但每一种表现形式又都存在着它们自身所独有的一些艺术特征和优势。当然，电视电影也有它自身的艺术特征，因为这些艺术特征也逐渐受到了一批观众的喜爱。
2. 叙事的节奏感强
通过对电视电影和电视剧的比较、电视电影和电影的比较得出，电视电影和电影一样具有叙事的节奏感比较强，因为要在有限的时间内表现出完整的叙事结构和制造气氛，所以要求电视电影必须具备很强的节奏感，在电视电影的时间长度上，电视电影与电影也比较相似，大多数电影是90分钟长度的，而电视电影一般也是90分钟，要在90分钟左右的时间里尽量把一个故事讲述的精彩，因此要相对简练、紧凑，电视电影在叙事强度上和电影也比较接近。高度凝练、压缩的故事可以带给观众兴奋点的频率更高，有张有弛的紧张感和刺激更容易给观众留下深刻的印象。
电影《拯救大兵瑞恩》是美国经典战争片之一，它描述了在诺曼底登陆之后，瑞恩家的四名于前线参战的儿子中，除了，隶属101空降师二等兵的小儿子詹姆斯·瑞恩仍下落不明外，其他三个儿子皆已于两周内陆续战死。美国陆军参谋长马歇尔上将得知此事后出于对人道的考虑，特令前线组织一支八人的小队，只是为了在人海茫茫、枪林弹雨中找出生死未h的二等兵詹姆斯·瑞恩，并将其平安送回后方。电影开头的诺曼底登陆抢滩场面，相当程度重现了当年的残酷与惨烈。在《拯救大兵瑞恩》170分钟的片长中，导演在电影开场就让电影进入了一个高潮，斯皮尔伯格用近乎纪录片的拍摄手法来拍摄片头25分钟的登陆场面。随着营救的开始，影片在节奏的控制上与战争这个主题紧密结合，因为在战场上随时都会遇到意想不到的事件发生。一方面通过表现营救的困难，另一方面影片表达了战争中的人性。而另一部由斯皮尔伯格导演的电视电影《兄弟连》描写了美国101陆军空降师部队e连的真实故事，他们参与了盟军进攻首日的任务，以及其后整个欧洲的战事。这部电影寄予了艺术家对战争底层的士兵们的同情、敬慕与赞赏，也把观众的思想感情赋予了角色，从而随同角色一起去体味逐层展开的战场画卷中的种种兄弟情谊，一方面使观众被吸引着与角色一同回归到历史的深处，另一方面，也让观众在观看中获得一份感动。导演在拍摄战争场面时使用的是手持摄影方式更真实的展现当时的战争场面，在叙事的节奏上依然保持着紧张的气氛，因为这部电影的投资巨大，所以在这部电视电影在艺术表现形式和特征上都和电影没有多大的差异，只不过《兄弟连》是在电视这个传播媒介上播放的。所以不难看出电视电影和电影一样仍然保持着叙事节奏感强这一个艺术特征。
3. 视听语言的强调
电影艺术特征篇3
关键词：电视电影艺术特征题材
一、引言
电视机的普及和电视业的发展不仅为观众提供了一个休闲娱乐的方式，而且为许多行业带来了丰厚的效益。然而传统的院线电影也是不会被电视和其他新型媒体所取代的，它拥有其一些特殊的特点，而且，这些特点是其他发展起来的媒体所不能取代的。超大的屏幕、特定的播放场所、完美的音响效果等。基于国内外电视行业的迅猛发展，电视与电影在这股影视艺术行业发展的潮涌中产生了交集，由此而生的一种新型的电影模式诞生了，也就是电视电影。电视电影(moviemadefortV)起源于20世纪60年代的美国。是由电视人投资的低成本电影，适合在电视上播出。电视电影风格的多样化和题材接近现实，主要关注于热点新闻、人们关心的话题，使得受众对于电视电影的偏爱，使它拥有了相对稳定的一部分收视群体，保证了电视台的收视率。电视电影也借鉴了电影艺术的表现手法，从而大大提升了自身的艺术品位和表现技能。所以，电视、电影以及电视电影的艺术表现形式和特征是影响观众喜好非常重要的一个因素。
二、电视电影的艺术特征
1.交集式
电视电影是一种特殊的艺术形式，决定了它要遵循电_钡和电影两种媒介的特点，不仅在表现方式上而且在艺术审美特征上和电视、电影有区别之处也有共通的地方。在电视电影的时间长度上，电视电影与电影也比较相似，大多数电影是90分钟长度的，而电视电影一般也是90分钟，要在90分钟左右的时间里尽量把一个故事讲述的精彩，因此要相对简练、紧凑，电视电影在叙事强度上和电影也比较接近。高度凝练、压缩的故事可以带给观众兴奋点的频率更高，有张有弛的紧张感和刺激更容易给观众留下深刻的印象。目前，电视电影的兴起，似乎正从另一方向弥补了电视短剧创作极其匮乏的缺憾，甚至从某种角度来看它正在替代电视短剧尤其是单本剧的功能，但每一种表现形式又都存在着它们自身所独有的一些艺术特征和优势。当然，电视电影也有它自身的艺术特征，因为这些艺术特征也逐渐受到了一批观众的喜爱。
2.叙事的节奏感强
通过对电视电影和电视剧的比较、电视电影和电影的比较得出，电视电影和电影一样具有叙事的节奏感比较强，因为要在有限的时间内表现出完整的叙事结构和制造气氛，所以要求电视电影必须具备很强的节奏感，在电视电影的时间长度上，电视电影与电影也比较相似，大多数电影是90分钟长度的，而电视电影一般也是90分钟，要在90分钟左右的时间里尽量把一个故事讲述的精彩，因此要相对简练、紧凑，电视电影在叙事强度上和电影也比较接近。高度凝练、压缩的故事可以带给观众兴奋点的频率更高，有张有弛的紧张感和刺激更容易给观众留下深刻的印象。
电影《拯救大兵瑞恩》是美国经典战争片之一，它描述了在诺曼底登陆之后，瑞恩家的四名于前线参战的儿子中，除了，隶属101空降师二等兵的小儿子詹姆斯·瑞恩仍下落不明外，其他三个儿子皆已于两周内陆续战死。美国陆军参谋长马歇尔上将得知此事后出于对人道的考虑，特令前线组织一支八人的小队，只是为了在人海茫茫、枪林弹雨中找出生死未h的二等兵詹姆斯·瑞恩，并将其平安送回后方。电影开头的诺曼底登陆抢滩场面，相当程度重现了当年的残酷与惨烈。在《拯救大兵瑞恩》170分钟的片长中，导演在电影开场就让电影进入了一个高潮，斯皮尔伯格用近乎纪录片的拍摄手法来拍摄片头25分钟的登陆场面。随着营救的开始，影片在节奏的控制上与战争这个主题紧密结合，因为在战场上随时都会遇到意想不到的事件发生。一方面通过表现营救的困难，另一方面影片表达了战争中的人性。而另一部由斯皮尔伯格导演的电视电影《兄弟连》描写了美国101陆军空降师部队e连的真实故事，他们参与了盟军进攻首日的任务，以及其后整个欧洲的战事。这部电影寄予了艺术家对战争底层的士兵们的同情、敬慕与赞赏，也把观众的思想感情赋予了角色，从而随同角色一起去体味逐层展开的战场画卷中的种种兄弟情谊，一方面使观众被吸引着与角色一同回归到历史的深处，另一方面，也让观众在观看中获得一份感动。导演在拍摄战争场面时使用的是手持摄影方式更真实的展现当时的战争场面，在叙事的节奏上依然保持着紧张的气氛，因为这部电影的投资巨大，所以在这部电视电影在艺术表现形式和特征上都和电影没有多大的差异，只不过《兄弟连》是在电视这个传播媒介上播放的。所以不难看出电视电影和电影一样仍然保持着叙事节奏感强这一个艺术特征。
3.视听语言的强调
电视剧由于它播出的时间比较长，节目后期制作的工作量比较大，加上电视剧追求的是商业化运作，所以为了节省拍摄时间。电视剧在拍摄时对于画面的构图、光线气氛的营造、布景的道具、场景的布置等不会像电影那样费很多的时间和金钱。而在后期制作上。画面之间的剪辑、音乐音响的编辑也不会像电影那样精致。而电视电影对于视昕语言方面的强调远远高于电视剧的视听语言。因为电视电影和电影长度相似，所以要在长度短的情况下让观众熟悉和认同。同时。电视电影受播放条件的限制，不能发挥出在影院中观看影片的效果，没有在影院的氛围中体现影片表现的声音立体感的冲击力，所以在电视电影中一般不会花大的代价着重对大场面的刻画，在局部特写中也不能发挥有效的视觉冲击力，所以电视电影想要吸引观众对影片的关注必须在视听语言的组织上下功夫，需要依靠每一个画面、镜头和场面的精心策划和营造来吸引观众的眼球。据我了解，在国外，大多数的电视电影都采用胶片来进行拍摄，他们是想让拍摄出来的电视电影的画质效果和电视剧的画质区别开，特别是在画面的构图、镜头的运动、音乐音响等方面能有一种电影的感觉，形成一种电视电影所特有的一种风格。视听语言对于电影来说是很重要的一个因素，因为要在影院这个特定空间观看，而且在影院中会配备比较好的音响和巨型的屏幕。所以，电影在前期拍摄中的画面组织、画面构图和画面的表达是很重要的，后期的音乐音响和剪辑、调色也是在影院播放时一览无余的。一些比较知名的大片，比如，《英雄》和《花样年华》。在《英雄》这部电影中，导演利用色彩很好的主导了影片，观众带来了视觉上的享受。、在王家卫的电影《花样年华》中，不同的服装、特有香港电影的色彩搭配张叔平的美术指导，在画面上征服了观众。而且这部电影的配乐和旗袍一样成为了经典。
当然。电视电影的投入远不及拍摄一部电影的投入，但是，如果能使电视电影的画面更加有活力，那就能弥补资金、人力等方面的缺失，从而吸引观众的目光。为了拍摄出比较好的电视电影，则需要追求故事、人物和情节的精致、新鲜，要把有创意的思想加入其中。对于电视电影而言，虽然没有拍摄电影的条件，没有院线电影那种观影氛围，所以更应该着重的注意电视电影的主题和剧情，在技术上，重视视听语言的运用，用有创意的画面构图、角度，来诠释想要表现出来的意思。表达一定要清晰、明朗。电视电影的内容和文化品味也要存在在影片中，让观众看完能了解一些文化。当然在主题方面，可以运用一些热点题材、新闻题材来吸引大众的注意力、提高收视率。
电视电影如果将视听语言运用的很成功，那这部电视电影必然会给人带来很深的回忆，最典型的就是希区柯克的电视电影《精神病患者》。这部电视电影主要讲述了一个上班女郎对自己的生活已经感到厌倦，她未婚夫的钱几乎都要用来支付前妻的赡养费，他们的结婚也就成了一个漫长的计划，一天她的老板要她将四万元现金存到银行去，在极度想改变自己生活的冲动下，她携款逃离了小镇，她要过一种新生活。情节发生到这里，观众的紧张情绪开始被影片调动起来，而之后。这个上班女郎因为长途的劳累和精神上的巨大压力，她几乎崩溃，她决定在一家汽车旅馆住上一晚，就在她吃完饭想要洗澡进去浴室的时候，一场离奇而恐怖的事情发生了。导演运用视听语言很好的突出了影片的气氛，制造了紧张感。而影片的叙事有张有弛，伸张有力，完美的烘托除了影片的气氛，让观众陷入了影片营造出的恐怖气氛中。这部电视电影拍摄于1960年，这部电视电影可以说是电影历史上的一个里程碑，这部影片是希区柯克带领他的制作班底拍摄的一部成本极低的恐怖影片，因为影片中有许多血腥场面，所以就选择了黑白片，既可以降低成本。还不至于太刺眼，这部影片游刃有余的操纵着观众的情绪。从而完成了一次纯电影的表达，完全通过视听语言的表达刺激观众，得到了空前的成功也为希区柯克带来了无数的荣誉。
4.风格多样化
自从电视电影产生以来，很多导演都期望能通过电视电影来展现他们自己的才华，变现他们自己的艺术风格和追求。从我国电视电影诞生以来，不少导演都在不断增强类型化意识和艺术探索精神，在通过拍摄电视电影中锻炼了自己的技能，发挥了自己的才智。不同的导演都有着他们不同的想法，而不同的想法又会造就来自不同导演不同的影片风格。世界著名的导演斯皮尔伯格，他的风格是侧重以科幻题材的电影。而我国著名的导演冯小刚，他最擅长拍得就是商业片，在中国也一直保持着每部贺岁片都赚钱的记录。另外一个新兴导演贾樟柯，他的风格就是带着纪录片意味的电影，而本人最喜欢的导演王家卫，他的风格是文艺片。把自己独特的思想通过构图、音乐音响、服装甚至演员每一句的台词都蕴含了他自己的风格。当然，电视电影也需要导演把自己独特的想法，自己内心想表达的思想通过电视电影表达出来。电视电影《十八个手印》，导演高峰倾力采用纪实化风格，充分发挥写意镜头的有效手段，使影片达到较高艺术观赏效果。影片讲述了主人公陈开元1978年任凤阳县县委书记后，为改变农村贫穷落后面貌，顶住种种压力，支持小岗村“包产到户”的故事。影片以极其质朴、写实的影像风格“复活”了那段历史。那荒凉的土地、那凋敝的村野、那些低矮破败的茅屋、那些破衣烂衫、蓬头垢面的男女老少们，还有陈书记端着自己尿血的痰盂到公共厕所倒尿的情景营造出了一种带给观众精神折磨的画面。而导演的个人思想通过电视电影《十八个手印》再一次警示我应该学会在和平富足的年代里去体察苦难的滋味，只有这样，才能真正懂得“珍惜”的含义，永远远离苦难。而另外一部由管虎导演拍摄的电视电影《谁动了我的幸福》，导演以一个戏剧化的故事展开了对于金钱和幸福的讨论，虽然故事简单，但最后表现出来的对于金钱和幸福的结论却给观众带来了深刻的反省。电视电影其实和院线电影是一样的，也有文艺题材的电视电影、恐怖惊悚类的电视电影、武侠古装类的电视电影等其他类型的电视电影，这些主要取决于题材的选择、导演的风格，当然，随着中国乃至世界电视电影的发展，电视电影的数量会不断的扩大，质量也会逐步的上升。
5.题材和表现方式更贴近生活
虽然说电视电影还是以电影为基础不断发展的，但是电影往往追求的思想内容是与人们的日常生活有一段距离的。所以我们才说电影是梦。而电视是一种通俗的大众传播媒介。电视电影又是倚靠着电视传播的，所以也应该更接近生活，也应该具有通俗性。电视电影通过电视进行传播，受众是由不同层次的观众组成的，所以在选择题材、叙事方式、思想和主旨时需要考虑到这个问题。在选择题材上要选择一些具有亲和性强的内容，贴近生活，贴近百姓，可以选一些围绕在百姓身边的热点新闻进行改编拍摄。电视电影没有制作拷贝、发行等过程，剧本通过审查后，一般50天就可完成拍摄、制作。因此，电视电影可以关注社会热点，拍摄大众关心的内容，可以更快更准确地反映流行的生活方式、行为力。式、社会焦点问题，在观众中尽快引起反响，这是电视电影优越于电影和电视剧的地方。又因为电视电影所要表现的故事往往是贴近现实的。这要求我们在结构影片时不能脱离实际的生活面貌，但在镜头语言的描绘中也要重视电视电影艺术性的挖掘，注重艺术上的锤炼，避免造成艺术上的缺失。充分发挥电视作为媒介的特点，利用多样的题材和表现方式和手段去增强电视电影的艺术性，也要考虑到电视电影自身的特点，避免完全按照电影的表现方式和艺术表现手法。在表现力‘式上，电影中经常会使用一些隐喻的手法表现深刻的思想内容，让观众慢慢品味和揣摩其中的意义。而电视电影是在电视这个媒介上通过电视台播放的，观众在观看过程中大多都是借着电视得到精神上的放松和娱乐，而且在观看电视的时候不会像在影院里观看电影一下聚精会神的观看，所以电视电影选择了大多数观众能很好理解很好接受的方式来表现影片内容。
电视电影《从心开始》算是题材和表现方式都很贴近生活，这本电视电影是根据2007年感动中国十大人物之一一一云南缉毒警察的妻子罗映珍的故事改编而成。故事大概讲述了一位忠于职守的云南缉毒民警罗小勇，在和新婚妻子的蜜月旅行中，她意外的发现了三个准备进行交易的毒贩，面对歹徒，危机关头这位云南缉毒警察没有过多的考虑，挺身而出，在执法过程中，终因寡不敌众不幸受伤成为植物人。他妻子不舍不弃、日夜守护、精心服侍着身受重伤的丈夫，她坚信，终有一天罗小勇会苏醒过来。小果是这个云南缉毒警察警校时的同学，她果敢、直率，是一名经验丰富的缉毒警，她在工作上倾注了过多的心血，却忽视了自己的丈夫和孩子，婚娴的不幸加上罗小勇的受伤使她的内心产生了极大的振动。面对着昏迷不醒的战友，小果伤心、悲愤。三年过去了，在仁爱、正义、勇敢、爱情与忠贞的巨大力量下，在社会和政府的关怀下，在同事与亲人的倾心帮助下，罗小勇的病情不断好转，爱的呼唤最终创造了生命的奇迹。这部电视电影在选择题材的时候选择了一个亲和力强的为了国家安全、利益和亲情的题材，很好的表现了缉毒警察和他亲人的生活状况和生活方式，在危害国家的贩毒分子出现的时候缉毒警察们的行为和缉毒警察负伤后亲人对他的行为，对于他们的行为影片的表现形式很出色，很好的营造了这部电视电影的气氛。
电影艺术特征篇4
关键词：电影；音乐；审美；艺术性
电影音乐指的是专门为一部电影创作的音乐作品。电影音乐不仅是电影的基本构成，而且也是一个完整的作品。在电影中融入音乐作品，使得音乐与画面有机结合，能够使得观众更加深入地理解电影所要表达的内容，进而进行审美性的思考。同时，观众在电影特定的情景中去欣赏音乐，才能更加深入地理解音乐所要表达的情感内涵。
一、电影音乐的审美特征
电影音乐与其他类别的音乐有着一些区别，它是缺乏一定的独立性的。因此，电影音乐必须要与画面和人物语言相结合，使得观众能够在最大程度上获得审美体验。
（一）音乐与画面交相呼应
众所周知，电影作品中的音乐是电影中必不可少的重要组成部分，并与画面互相渗透、互相融合。值得注意的是，音乐却与画面有着不同的功能和作用。音乐所突出表现的侧重于引起观众的情感体验，而画面则是给观众以视觉上的欣赏。鉴于此，在电影作品中有效将音乐与画面相融合，能够使得两者发挥出更好的作用，起到相互辉映的作用，易于引起观众的共鸣。另外，音乐作品具有着主观性的审美特征，与具有客观性、具体性审美特征的画面有机结合，两者能够相互补充，起到较好的表达效果。
（二）音乐在表现内容上以剧情为依据
作为电影作品的音乐，在创作上必须要以剧情为依据，在整体效果上要符合电影的整体基调。具体来说，电影音乐要符合人物的情感状态，同时还要以剧情为依据，并与画面相结合。从情感体验的角度来讲，相比较来说，纯音乐更容易引起观影者的共鸣。这是因为观众在观看电影时，纯音乐与具体画面内容相辉映，能更加明确的表达情感。可见，音乐作品对于推动电影剧情发展、更好的表达情感有着重要的作用。
（三）音乐作品在结构上有着间断功能
一般来说，一部电影会有多个画面转换的镜头，相应的音乐作品也就必须与之相符合，起到间断性的功能与作用。可以说，电影中的音乐作品有着一定的间断性特征。这是因为，电影中的音乐作品和画面应当保持着一致性，而电影剧情的跌宕起伏，势必在画面表现上有着一定的跳跃性，从而使得音乐作品也必须做出相应的调整。最终，在一部电影的不同时间点，会呈现出不同情感、不同节奏的音乐作品。
二、电影音乐的艺术性表现
电影中融入音乐作品，不仅对于塑造出鲜活的人物形象有着重要的作用，且还能够更加淋漓尽致地展现出人物性格，使得观影者能够深入的理解电影所要表达的人物特质。同时，影片中音乐的声响在渲染剧情、烘托气氛等方面也有着不可替代的作用，能够为观影者营造出一种身临其境的感觉，促进观众加深理解电影作品中所要表达的主题思想。
（一）对人物性格进行艺术性塑造
众所周知，电影中的音乐作品对于影片剧情的发展起着重要的推动作用，是电影中必不可少的组成部分。纵观电影史上的多部影片，可以看出，有的电影通过音乐作品的烘托，能够为观众带来一种美学上的体验，在情感上引起共鸣；有的电影采用的是交响乐等作品，这在气势上为观影者营造出一种身临其境的感受，给予观众较强的代入感。值得一提的是，电影作品中音乐元素的合理使用，对于深入的刻画与表现主人公的性格有着重要的意义，或是温婉柔情、或是具有英雄气概，都是可以由音乐进行有效烘托表现出来的，最终更好的对电影中的主人公性格进行艺术性的塑造。
（二）艺术化地表现电影主题思想
毫无疑问，任何一部电影作品都要有着明确的主题，并依照这个中心思想合理组织、调动各种元素，以期共同发挥作用，更全面、更深刻的表达出电影的主题。其中，音乐作品就是电影作品中的基本组成部分，并在表达电影主题思想方面有着重要的烘托作用。通常来看，我国的电影作品，往往使用“主题歌”来总结这部电影的主题，有着突出与明确中心思想的作用。另外，不仅“主题歌”能起到深入表现电影主题的意义，电影中的乐曲也能起到相同的作用。可以说，这类能够表达电影主题、明确剧情中心思想的音乐，在整部电影中有着重要的基础地位。同时，在电影剧情发展的关键环节，有效、合理的使用音乐作品还能够强化人物性格、渲染场景气氛等，进而引起观影者的共鸣，最终起到深化影片主题的作用。
（三）对影片场景和气氛进行艺术化描绘
在电影作品中使用音乐，不仅能够有效的配合画面推动剧情的发展，而且还能起到烘托电影场景气氛的作用。具体来看，在表述有着动作性特征的事物时，可以用欢快的音乐为具体的画面提供一种声音上的造型。这种在听觉上配合视觉上的表现，即音乐配合画面的表现形式，在一定程度上起到了强调和加快画面节奏的作用。可以说，电影中的声音和画面是两大基本组成部分，音乐作品运用的好，通常会为观影者所记忆深刻，并通过熟悉的旋律、明确的歌词内容回想起优秀的电影作品。这在一定程度上来说，音乐作品对于推动电影整体表现力来说，有着不容忽视的作用。值得一提的是，电影中的音乐作品在烘托场景气氛上，有着强调、渲染的功用，能够充分发挥艺术化的描绘功能。
三、结语
可以说，音乐对于烘托电影的主题、使得电影更富表现力等方面有着重要的作用。同时，不同风格的音乐作品在艺术性表现上还能满足观众的多元化需求。经过上百年的发展，电影音乐已经自成一套体系，并与其它元素相互融合，共同来表现电影的内涵，以期使得观众得到较高的观影体验。可见，电影音乐在提升电影作品整体艺术性上有着重要的作用。具体来说，电影音乐可以与画面、声音等交相辉映，形成听觉与视觉的有机统一，能够烘托出人物的特征，更好地表达剧情，以其独特的审美特征完满的进行了艺术性的表现。
参考文献：
[1]雅乌塔罗.电影音乐的抒情功能及其表现特征的审美心理研究[J].星海音乐学院学报，2009（01）.
[2]沈佩伟.论电影主题音乐的审美特征[J].电影文学，2010（08）.
[3]王欣.论电影音乐的审美特征[J].南京艺术学院学报（音乐与表演版），2009（04）.
电影艺术特征篇5
[关键词]当代中国；微电影；艺术特征分析
课题项目：本文系河南省社科联、河南省经团联2014年度调研课题“微电影的文化产业发展研究”阶段性成果（项目编号：SKL-2014-1014）。
微电影的定义
“微”，即“小”，微电影通俗的解释就是小电影，在播放时间上较短的电影。20世纪90年代，美国一些年轻人经常利用自己手里的数码设备，将拍摄的画面上传到网络上，以各大网站作为播放阵地，而且每个影片的时间也比较短，一般不超过30分钟。进入新世纪之后，伴随着生活节奏的加快和工作压力的增大，微文化在年轻人中迅速风靡。而且手机技术的普及之快，足以让每一个年轻人人手一机，可以随时随地地进行影像拍摄。加之之前所形成的网络电影基础，微电影的概念被初步确立，即以微文化作为文化背景，以网络为主要的传播方式，以多元化的群体为创作者，拍摄出的具有一定技术水平和艺术水准的短小影片。做电影是一种新形式的影视艺术，且有着广阔的发展空间。
当代中国微电影的艺术特征分析
1.个性化的影像表达
首先，从微电影的接受来看，前文中提到，微电影是以微文化作为基础的，伴随着经济和文化发展的不断丰富，整个社会形态，无论是理想和现实，都处于一种碎片化的状态，尤其是对空闲时间的分割，使人们难以再有集中的大时间段，而是一些不同的碎片化时间。这种碎片时间自然需要碎片化的审美和消费需求来填补。微电影本身的特点就满足了这种需求，同时伴随着微电影类型的逐渐多样化，人们也有了更多的选择方式。如爱情题材、励志题材、怀旧题材等，满足了人们时间和审美的双重需求，无疑是一种个性化的需求满足。比如在午休时间，利用十分钟观看一部微电影，虽然十分钟的时间不长，但是如果每天坚持观看，那么一周下来，所观看的时间量也能够达到一部传统影片的时间。况且不同于传统影片的是，每一个微电影都是一个全新的故事，全新的审美体验。
其次，从微电影的创作来看，电影艺术的发展历史上，从无声到有声，从黑白到色彩、从平面到3D，每一次巨大的变革，都是少数专业的电影人所主导的，似乎和普通民众没有任何关系。因为在物质条件上的限制，只能是以观众的身份来欣赏电影。同时，电视艺术的普及，也给电影的发展发起了严峻的挑战，很多电影人认识到，电影创作不能再延续之前的精英化路线，而是要放下身段，主动走亲民路线。而微电影的出现，恰好是对这两个问题的完美解决。一方面，数码技术的飞速发展，让普通人拥有一套摄像设备不再是梦想，可以随时随地录制视频的手机自不必说，就连非专业的高清摄像机，也不会超过万元，能为大多数的电影爱好者所接受，使他们的电影梦想得到了最初的实现。加之网络的开放性，又使得这些作品能够及时、广泛地传播，让自己的个性和自由有了释放的平台。所以充分满足了个性的情感表达需要，这种情感既包含对电影艺术的热爱，也包含对社会、对人生的独特思考。所以说，无论是创作角度还是接受角度，微电影的出现，从根本上满足了人们对电影、对艺术的个性化需要，对这种个性化需要的满足，也是微电影赖以生存的基础所在。
2.多元化的叙事表现
叙事是电影创作的根本目的，正所谓“船小好掉头”，微电影因其在时间和容量上的特点，所以在叙事方式上有了更多的选择。同样，因为要在几分钟的时间里表述一个精彩的故事，既不能像传统电影的铺陈叙事，也不能像广告一样一语中的，而是要探索一种特殊时间段的特殊表达方式。两种原因交织在一起，构成了微电影叙事的多元化。
如情感叙事。情感是电影的灵魂，叙事的构建、发展和结束，无一不是以情感作为基础的。微电影对这种以情入戏，以情贯穿的传统有着很好的继承。如风靡一时的《老男孩》，之所以能够得到70后一代人的充分认可，根本原因就在于其是以青春和梦想这两个所有年轻人所共有的情感为基础。《父亲》中，每一个人都有自己的父亲，都与父亲之间有着无法割舍的亲情，这种普遍的情感性，能够让影片在叙事上获得最大限度的认可。所以情感叙事也是为电影普遍采用的一种叙事方式。
如结构叙事。传统电影一般都采用开端―发展―高潮―结局的叙事结构，但是微电影受到时间的限制，往往都对这四个环节进行了一定程度的省略。正是这种不完整性，反而激发了观众更多的联想。如《老男孩》中，开篇只用一个播放着广播体操的大喇叭和一套蓝色的校服，就交代出了故事发生的背景。这种简洁性也获得了最普遍的适应性。《一触即发》中，高潮部分的激烈打斗戏和追逐戏几乎占据了影片的全部，最后在凯迪拉克坐驾的帮助下杀出重围，完成任务。开端和发展部分则没有体现，从而激发了观众的联想。
又如字幕叙事。创作者们在影片的开端或结尾，加上一句话或者一段话，从而对影片的叙事起到一种画龙点睛的作用。如“11度青春系列电影”中，每一部的最后都有一段字幕，这些字幕既是对全篇叙事的总结，更是一种发人深省的思考，如《东奔西游》中，结尾字幕写道：“神仙也在奋斗，你呢？”是啊，你呢？亲爱的观众。观众在不自觉中就联想到了自己，表现出一种不舍，一种意犹未尽……
3.互动的表现形式
微电影以网络为主要的存在平台和传播方式，加之自身所有的特点，构成了微电影不同于传统电影的互动性特征，这种互动性表现为以下两个方面。
首先是创作方面。因为微电影在拍摄技术门槛的限制较低，只要喜欢电影的人，都可以拿起手中的拍摄设备，进行微电影的创作，而且可以通过网络进行保存和展示。很多创作者在拍摄之初，也没有过高的期望，只是用一种影像手段记录下某一个事件、某一种情绪或者某一种状态。可以说人人都是大导演。从影片的内容来看，大部分微电影中，故事的主角都是一些小人物，多为日常生活中所发生的事情，没有宏大的叙事背景，没有强烈的视觉冲击，平凡和简单是其最大的特点。让更多的人能够从事电影创作，这无疑是电影艺术和人类互动性的最大体现，其以前所未有的程度拉近了电影和人们的距离。
其次，从欣赏角度来看。传统电影不管是在影院还是电视中播放，都是典型的一对多的传播方式，观众们要被动地接受这个单一信息源的信息传递，所以观众是处于一种被动地位的。特别是进入影院观看影片，要购买电影票，即便是影片不合自己的口味，电影票也是不能退换的。但是微电影却表现出了与之截然相反的特点。作为微电影的存在平台，网络是面向每一个人开放的，观众可以在众多的微电影中选择自己喜欢的类型，而不用多支付任何费用。作为对影片的评价来说，一些网站频频推出新的技术，让观众可以随时随地对影片进行评价，评价者之间可以进行互动和交流。比如优酷、土豆等国内著名的视频网站。在播放窗口的下方，都会设置简单的评论选项和专门的留言空间，通过这种评价，推动这部作品的传播。同时也能够将观众的意见和建议及时反馈给创作者。这种一对多的传播方式，无疑是对传统传播方式的颠覆，从本质上拉近了电影和观众之间的距离。
4.商业化的价值取向
人类社会发展到今天，已经进入了一个商业化时代，各种艺术创作很难避免商业化的影响，传统影片的从拍摄到上映，从本质上来说就是一个商业化的历程。作为微电影来说，有的作品可以称之为加长版的广告，有的作品则或多或少地体现出了广告的影子，当观众用一种商业化的眼光审视微电影的时候，这种商业化的价值取向就得到了凸显。具体来说，主要有以下两种表现形式：
首先是微电影作为广告植入的载体。植入式广告是指将产品信息融入影片所表现的场景中，让观众在欣赏影片的同时产生对品牌的印象，从而达到营销的目的。其优势在于避免了直白宣传给观众带来的反感，而是让观众在一种无意识状态下潜移默化地接受。于是电影中的人物形象、场景、服装和道具等，都成为植入式广告的载体。如《老男孩》中，曾经出现了“科鲁兹欢乐男生全国赛区火热报名中”的宣传字样。《父亲》中，主人公使用了苹果、三星等不同品牌的手机。《一触即发》中，主人公是借助于凯迪拉克汽车才得以杀出重围。这些产品信息都被创作者以有意或无意的方式体现出来，很多时候产品商几乎不用做任何投入，观众的抵触情绪也明显减轻，达到了产品商、创作者和传播平台的多方受益。
其次是作为形象识别的载体。一个企业在和社会的交往过程中，会获得观众对它的印象、评价和看法，这种企业形象。作为微电影传播的主阵地视频网站来说，近年来也面临着严峻的竞争，很多网站纷纷进军微电影事业，并通过微电影拍摄传递出本企业的文化。很多微电影在影片的开始和结尾，都有清晰的LoGo标志，体现出该电影的投资方和创作方，微电影在无形之中就成为这些网站的形象载体。到目前，国内已有超过十家的门户网站，都推出了自己的微电影制作项目，这种大规模的投入，除了试图抢占微电影的制高点之外，对企业形象的传播，也是他们重点考虑的要素之一。而这种企业形象的树立和强化，将会给企业带来不可限量的社会效益和经济效益。
综上所述，作为微文化中的佼佼者，微电影在近两年中获得了长足的进步和发展，其扩展了影像艺术的表现领域，同时也拉近了普通民众和电影艺术之间的距离，从创作和接受两个方面实现了对电影艺术的推动。通过对微电影艺术特征的分析可以发现，微电影作为一种新的电影形式，其在本质上还是和电影相一致的，这种本质艺术特征的一致性，也决定了其有着广阔的发展前途。但是在对其发展前景持充分肯定的同时，也应该深刻认识到微电影本身的局限性，如传播环境过于狭窄和单一、内容较为浅显，主题比较单一，等等。因此有必要对微电影的发展做出长期的规划，从创作、传播到接受环节，实现资源的优化配置，整合出一套更加全面和多元的发展链条，相信微电影的发展之路一定会越来越广阔。
[参考文献]
[1]康初莹.“微”传播时代的微电影营销模式解读[J].新闻界，2011（07）.
[2]唐磊，刘敏，蒋肖斌.微电影：网络狂欢后投诚主流院线？[J].中国新闻周刊，2011（11）.
[3]孟志军.微电影的传播学解析[J].新闻界，2011（08）.
[4]喻国明.解读新媒体的几个关键词[J].广告大观，2006（05）.
电影艺术特征篇6
>>网络电影艺术的特征与传播价值电影的广告传播价值及运用微电影广告传播价值浅析微电影的传播价值解析微电影营销传播价值研究浅析网络信息传播价值电视媒体网络传播价值凸显情感类节目传播价值分析网络传播模式下的广告传播价值电影贴片广告的传播价值剖析浅析“元电影”的传播价值与意义论微电影的美学和传播价值网络广告的经济传播价值研究壮族文化元素在广告中的应用及传播价值分析浅析微博的特性及传播价值媒体再现“小人物”的传播价值分析数字音乐传播价值链分析CCtV－5的广告传播价值分析新闻价值与传播价值比较动画纪录片的传播价值与美学特征常见问题解答当前所在位置：
②孙宇，戴盈盈.《网络电影:分众传播、产业融合与联合
治理》，现代传播双月刊2009年第2期(总第157期)
③张成良.《网络电影：草根文化的视觉狂欢》，《电影
评介》，2007（06）
④杨晓茹.《试析网络艺术的审美追求》，《新疆艺术学
院学报》，2009（03）
⑤《2009年中国网民网络视频应用研究报告》，
⑥许行明,杜桦,张菁等著.《网络艺术》，北京广播学院
出版社，2001年版，第87页
⑦陀思妥耶夫斯基.《陀思妥耶夫斯基三十卷集》第19
卷，列宁格勒，1979年，第181页
⑧吴起.《网络视频与院线电影传播的差异研析》，中国
电影网，
电影艺术特征篇7
微电影的定义
“微”，即“小”，微电影通俗的解释就是小电影，在播放时间上较短的电影。20世纪90年代，美国一些年轻人经常利用自己手里的数码设备，将拍摄的画面上传到网络上，以各大网站作为播放阵地，而且每个影片的时间也比较短，一般不超过30分钟。进入新世纪之后，伴随着生活节奏的加快和工作压力的增大，微文化在年轻人中迅速风靡。而且手机技术的普及之快，足以让每一个年轻人人手一机，可以随时随地地进行影像拍摄。加之之前所形成的网络电影基础，微电影的概念被初步确立，即以微文化作为文化背景，以网络为主要的传播方式，以多元化的群体为创作者，拍摄出的具有一定技术水平和艺术水准的短小影片。做电影是一种新形式的影视艺术，且有着广阔的发展空间。
当代中国微电影的艺术特征分析
1.个性化的影像表达
首先，从微电影的接受来看，前文中提到，微电影是以微文化作为基础的，伴随着经济和文化发展的不断丰富，整个社会形态，无论是理想和现实，都处于一种碎片化的状态，尤其是对空闲时间的分割，使人们难以再有集中的大时间段，而是一些不同的碎片化时间。这种碎片时间自然需要碎片化的审美和消费需求来填补。微电影本身的特点就满足了这种需求，同时伴随着微电影类型的逐渐多样化，人们也有了更多的选择方式。如爱情题材、励志题材、怀旧题材等，满足了人们时间和审美的双重需求，无疑是一种个性化的需求满足。比如在午休时间，利用十分钟观看一部微电影，虽然十分钟的时间不长，但是如果每天坚持观看，那么一周下来，所观看的时间量也能够达到一部传统影片的时间。况且不同于传统影片的是，每一个微电影都是一个全新的故事，全新的审美体验。
其次，从微电影的创作来看，电影艺术的发展历史上，从无声到有声，从黑白到色彩、从平面到3D，每一次巨大的变革，都是少数专业的电影人所主导的，似乎和普通民众没有任何关系。因为在物质条件上的限制，只能是以观众的身份来欣赏电影。同时，电视艺术的普及，也给电影的发展发起了严峻的挑战，很多电影人认识到，电影创作不能再延续之前的精英化路线，而是要放下身段，主动走亲民路线。而微电影的出现，恰好是对这两个问题的完美解决。一方面，数码技术的飞速发展，让普通人拥有一套摄像设备不再是梦想，可以随时随地录制视频的手机自不必说，就连非专业的高清摄像机，也不会超过万元，能为大多数的电影爱好者所接受，使他们的电影梦想得到了最初的实现。加之网络的开放性，又使得这些作品能够及时、广泛地传播，让自己的个性和自由有了释放的平台。所以充分满足了个性的情感表达需要，这种情感既包含对电影艺术的热爱，也包含对社会、对人生的独特思考。所以说，无论是创作角度还是接受角度，微电影的出现，从根本上满足了人们对电影、对艺术的个性化需要，对这种个性化需要的满足，也是微电影赖以生存的基础所在。
2.多元化的叙事表现
叙事是电影创作的根本目的，正所谓“船小好掉头”，微电影因其在时间和容量上的特点，所以在叙事方式上有了更多的选择。同样，因为要在几分钟的时间里表述一个精彩的故事，既不能像传统电影的铺陈叙事，也不能像广告一样一语中的，而是要探索一种特殊时间段的特殊表达方式。两种原因交织在一起，构成了微电影叙事的多元化。
如情感叙事。情感是电影的灵魂，叙事的构建、发展和结束，无一不是以情感作为基础的。微电影对这种以情入戏，以情贯穿的传统有着很好的继承。如风靡一时的《老男孩》，之所以能够得到70后一代人的充分认可，根本原因就在于其是以青春和梦想这两个所有年轻人所共有的情感为基础。《父亲》中，每一个人都有自己的父亲，都与父亲之间有着无法割舍的亲情，这种普遍的情感性，能够让影片在叙事上获得最大限度的认可。所以情感叙事也是为电影普遍采用的一种叙事方式。
如结构叙事。传统电影一般都采用开端―发展―高潮―结局的叙事结构，但是微电影受到时间的限制，往往都对这四个环节进行了一定程度的省略。正是这种不完整性，反而激发了观众更多的联想。如《老男孩》中，开篇只用一个播放着广播体操的大喇叭和一套蓝色的校服，就交代出了故事发生的背景。这种简洁性也获得了最普遍的适应性。《一触即发》中，高潮部分的激烈打斗戏和追逐戏几乎占据了影片的全部，最后在凯迪拉克坐驾的帮助下杀出重围，完成任务。开端和发展部分则没有体现，从而激发了观众的联想。
又如字幕叙事。创作者们在影片的开端或结尾，加上一句话或者一段话，从而对影片的叙事起到一种画龙点睛的作用。如“11度青春系列电影”中，每一部的最后都有一段字幕，这些字幕既是对全篇叙事的总结，更是一种发人深省的思考，如《东奔西游》中，结尾字幕写道：“神仙也在奋斗，你呢？”是啊，你呢？亲爱的观众。观众在不自觉中就联想到了自己，表现出一种不舍，一种意犹未尽……
3.互动的表现形式
微电影以网络为主要的存在平台和传播方式，加之自身所有的特点，构成了微电影不同于传统电影的互动性特征，这种互动性表现为以下两个方面。
首先是创作方面。因为微电影在拍摄技术门槛的限制较低，只要喜欢电影的人，都可以拿起手中的拍摄设备，进行微电影的创作，而且可以通过网络进行保存和展示。很多创作者在拍摄之初，也没有过高的期望，只是用一种影像手段记录下某一个事件、某一种情绪或者某一种状态。可以说人人都是大导演。从影片的内容来看，大部分微电影中，故事的主角都是一些小人物，多为日常生活中所发生的事情，没有宏大的叙事背景，没有强烈的视觉冲击，平凡和简单是其最大的特点。让更多的人能够从事电影创作，这无疑是电影艺术和人类互动性的最大体现，其以前所未有的程度拉近了电影和人们的距离。
其次，从欣赏角度来看。传统电影不管是在影院还是电视中播放，都是典型的一对多的传播方式，观众们要被动地接受这个单一信息源的信息传递，所以观众是处于一种被动地位的。特别是进入影院观看影片，要购买电影票，即便是影片不合自己的口味，电影票也是不能退换的。但是微电影却表现出了与之截然相反的特点。作为微电影的存在平台，网络是面向每一个人开放的，观众可以在众多的微电影中选择自己喜欢的类型，而不用多支付任何费用。作为对影片的评价来说，一些网站频频推出新的技术，让观众可以随时随地对影片进行评价，评价者之间可以进行互动和交流。比如优酷、土豆等国内著名的视频网站。在播放窗口的下方，都会设置简单的评论选项和专门的留言空间，通过这种评价，推动这部作品的传播。同时也能够将观众的意见和建议及时反馈给创作者。这种一对多的传播方式，无疑是对传统传播方式的颠覆，从本质上拉近了电影和观众之间的距离。
4.商业化的价值取向
人类社会发展到今天，已经进入了一个商业化时代，各种艺术创作很难避免商业化的影响，传统影片的从拍摄到上映，从本质上来说就是一个商业化的历程。作为微电影来说，有的作品可以称之为加长版的广告，有的作品则或多或少地体现出了广告的影子，当观众用一种商业化的眼光审视微电影的时候，这种商业化的价值取向就得到了凸显。具体来说，主要有以下两种表现形式：
首先是微电影作为广告植入的载体。植入式广告是指将产品信息融入影片所表现的场景中，让观众在欣赏影片的同时产生对品牌的印象，从而达到营销的目的。其优势在于避免了直白宣传给观众带来的反感，而是让观众在一种无意识状态下潜移默化地接受。于是电影中的人物形象、场景、服装和道具等，都成为植入式广告的载体。如《老男孩》中，曾经出现了“科鲁兹欢乐男生全国赛区火热报名中”的宣传字样。《父亲》中，主人公使用了苹果、三星等不同品牌的手机。《一触即发》中，主人公是借助于凯迪拉克汽车才得以杀出重围。这些产品信息都被创作者以有意或无意的方式体现出来，很多时候产品商几乎不用做任何投入，观众的抵触情绪也明显减轻，达到了产品商、创作者和传播平台的多方受益。
电影艺术特征篇8
关键词 电影传播 数字技术多媒体网络
中图分类号 G206 文献标识码 a
进入21世纪。数字技术介入电影领域，不仅意味着制作方式和传播方式上的革命，更带来了电影理论与电影美学观念的更新；而网络等媒体的快速发展，也给电影带来了挑战与新的变化。
一、传统电影艺术的变化
作为一种伴随着技术发展而诞生的艺术，电影与文学、绘画、戏剧、音乐等艺术相比更容易受到科技革新的影响，这种革新使传统电影理论遭遇到了前所未有的挑战，甚至可能颠覆既有的美学基础。
1 传统电影美学的解体
经典电影理论认为，电影影像具有照相的本性，通过摄像机和胶片捕捉现实世界中物体的运动，经由艺术家不同风格的创造呈现在观众面前。多年以来巴赞的影像本体论观点一直是人们理解评析电影的起点，然而数字技术的出现改变了一切，如《阿甘正传》中来自阿拉巴马的年轻人与已故总统握手言欢，《角斗士》中恢宏的古罗马城，《变相怪杰》里的百变超人，更不要说《玩具总动员》和《最终幻想》等抛开摄影机、胶片和演员，而由计算机直接生成画面的影片了。科技的无穷威力使得数字技术成了“影像造物主”，影像与物质、影像与现实的联系变得越来越脆弱，影像不再是物质现实的复原，数字技术模糊了时间与空间、现实和虚拟的界线，让观众沉浸在虚拟的世界中，使电影这个“真实的神话”变成了“真实的谎言”，巴赞的影像本体论也宣告解体。除了影像，数字技术还使电影的传播性质发生了转变，巴赞曾认为作为电影唯一载体的胶片是“现实的一面永恒的镜子”，《星战前传》、《女巫布莱尔》等数码电影的诞生和数字影院、网吧院线等的建设，使这一论断显得过时。
2 电影语言系统的裂变
视听语言是电影艺术的表意手段，影像的创造需要依靠编剧、演员、摄像师、剪辑师、美工师、化妆师等人的共同努力，而“合成影像技术不但使创作者拥有着自由处理空间关系、运用速度和明暗效果的能力，甚至也掌握着对人物型貌与表情的控制手段，从而使电影书写获得了一种真正的自由。电影美学在这种变革面前不能不重新思考自身的位置和使命。”据调查，由于计算机技术的运用，美国有90％以上的特技演员面临失业的危险，因为以前表演人物从150英尺高空跃入水中的场面需要1.5到2万英镑，现在只需花2000英镑让演员从50英尺的高度跳下，计算机会完成后续的工作。许多主人公在银幕上大展身手的场景不过是数字化处理的结果，不用演员、灯光照明师、美工师、摄影师的纯数字电影照样拥有很好的票房成绩。
3 艺术审美价值的迷失
数字技术丰富了电影艺术的表现手段，但过度的炫耀崇拜技术、追求感官刺激，影片就会显得苍白无力。制作精良的电影当然更能吸引观众，特别是数字技术营造的视听盛宴带给观众极大的感官刺激，使电影越来越具有愉悦性和消费性，但高科技、大投资的制作并不等同于优秀的电影作品。今天的银幕上充斥着很多模式化、平面化、世俗化的产品以适应观众的大众娱乐消费心理；另一方面，电影的图像化语言表情形态消解了观众的想象力，尤其好莱坞电影用流畅曲折的故事给大众提供消遣，看他们的影片只须要投入影像而不须要费心思索，“在这图像的盛宴之中，合理的压抑的阀门被打开，非理性的感官的享乐左冲右突”，而无法沉下心来思考社会及人性的价值与意义。我们须要借助科技的力量呈现内心期盼却难以实现的画面，来表达一定的真情实感和精神内涵，一旦电影失去了这种最宝贵的艺术品质，即使画面喧嚣华丽、美轮美奂，也只是一具缺乏生命力的躯亮。
二、视听表现力的丰富
数字技术的发展为电影艺术提供了强大的物质支持与保证，电影艺术对真实与美的追求反过来又刺激了数字技术的不断开拓。
数字技术开发了人类创造影像的无穷潜力，造就了新的电影时空。今天，艺术家们可以突破限制天马行空，过去认为无法实现的、匪夷所思的想法都可以变幻成银幕上的生动影像。也难怪詹姆斯・卡梅隆不无得意地说：电影的困难不再是能否拍摄，而在于能否想象。
数字技术更新了电影语言，带来创作手法和创作观念的变化。计算机控制的摄影机能够以人无法到达的角度和动感进行拍摄；数字化的灯光照明、布景道具、色彩声音、服装化妆等电影表现元素可以创造出更为精美的画面；镜头组接剪辑更加灵活自如；数字高清晰摄影机使电影离开胶片制作的年代；计算机三维动画、计算机生成图像等技术更让摄影机毫无用武之地……这一切意味着传统电影创作观念的变革。
对于观众来说，数字技术不仅能够让人经历惊心动魄的视听刺激，也能传达人类的美好情感，让观众在视听和心灵上感受电影的魅力，同时形成新的观影方式和观影习惯。例如像《罗拉快跑》这样的影片，震撼的音乐、快节奏的剪接、鲜活的三段式叙事结构、Flash与动画的结合等等，共同制造出一个有着无穷答案的游戏模拟世界。电影传播渠道的多元化，也改变了在电影院群体看片的观影习惯，电视、电脑、网络、手机等载体给人们提供了更多的选择。
三、技术与艺术的双面性特征
科学技术只是电影表现的工具和方法，艺术家的思想性和创造力才是电影艺术和科技发展的源泉，前苏联电影理论家B.日丹进行过精辟的论述：“无论技术元素对扩大和加深我们对生活的认识起着多么重要的作用，这一元素本身却不是也不可能是形成艺术形象的独特形式和决定因素。艺术与技术、诗学与材料之间的关系不可简单化对待。不管超感光度的胶片对于银幕多么重要，还是艺术家超敏感的目光和思想具有更大的意义。在艺术中起决定作用的，开拓通向观众道路的，是艺术家的目光和思想，而不论胶片的质量和规格如何。”
现代科技是一把双刃剑，既可以拓展增强影视艺术的表现力，也可以在感官刺激的同时降低艺术表现的深度。如果忽视艺术创作。只能使自己迷失在数字技术的虚荣之下。电影艺术家们应该把技术与艺术有机地结合在一起，强化电影的叙述内容，提升思想性和艺术性，发挥想象力与创造力，用那支高科技的万能笔描绘出感动人们灵魂的电影艺术精品。
四、多媒体时代的电影传播
现代科技的发展引发了电影从本质、形态到内容的一系列变化，使电影可以从制作工艺、制作方法到传输、发行及播映形式实现全面数字化，也影响着电视以录像磁带采集、处理、传递信息的方式，这种以计算机为交互中心，以数字为共识符号的新系统的出现加速改变着影视技术和影视观念，促进电影、电视与网络等传播媒体不断融合与渗透，形成一个信息共有、共享、共同前进的多媒体环境。
电影开创的数字特技、三维动画等制作手段，正在电视
中推广使用，高清晰数字摄像机已是不少影视工作者的共同选择，这种从前期摄录到后期制作过程的趋同，使二者有了更多的共同语言。
网络早已成为影视工作者的乐园，无论是前期的搜集资料、联络人员还是传送信息、后期处理、宣传推广发行都有着无法比拟的优势。《第18次中国互联网发展状况统计报告》显示，在线影视收看及下载的用户规模已经达到4500万，互联网为电影提供了新的发展空间。
已成立两年的“中国网吧院线”目前积累了上万部拥有合法版权的影视作品，将影院播放发行与网吧经营相结合，利用p2Xp传输技术与数字加密技术可以把最新影片同步或超前提供给网吧，供消费者观赏。在国外，著名的Bt已与4家美国独立电影制片公司签署版权授权协议，将在Bt的网络上销售它们的1600部电影。网络商参与正版电影的发行，必然也会大大减少盗版电影的生存空间。
网民们不仅可以在个人化的时空中欣赏自己挑选的影片，既当放映者又当观看者。还可以参与到影片的制作中去。例如，《天使的翅膀》是内地第一部互动式网络电影，采用网友参与的制播方式，边拍摄边播出，网友可以为影片推荐演员，修改网上的剧本内容，在网上与影片的创作人员沟通交流，网站也会及时报道剧组的拍摄计划和拍摄进程。
近年来，数字电影与数字影院的建设成为人们关注的重要话题。
数字电影是指从前期拍摄到后期制作到发行放映等各个方面全部数字化的影片。数字电影降低了电影制作和发行过程中的费用，拓宽了电影艺术的创作天地，而且画面清晰、音质优良，可以无限次地播放。截至2007年8月已有140部电影以数字技术拍摄。数字电影已成为国产电影制作中不可忽视的力量。
电影艺术特征篇9
[关键词]20世纪30年代；电影音乐；《马路天使》；艺术特征
20世纪30年代中国电影音乐创作的概况
电影艺术传入中国之初是无声的，伴随着电影艺术本身的发展，美国好莱坞创作出了大量音乐歌舞片，随之中国电影也出现了大量的外国歌舞元素。可以看作是中国电影音乐的开端。总体来说，20世纪30年代之前的电影音乐发展，可以归结为洋为中用、逐渐认知和初步使用三个阶段。
（一）洋为中用阶段
有声电影的初期，歌舞片成为好莱坞的新宠，一些经典的歌舞片段开始出现在电影中，并随之传入中国。但是因为当时中国电影水平发展有限，对影片的歌舞元素没有正确的认知，所以对其产生了误解。当时中国电影多直接使用外国现成的音乐，其本身和电影没有什么直接的关系，令人啼笑皆非的是，画面上明明展现的是中国农民的困苦生活，而耳边传来的却是美国的爵士乐。胡乱放进去的音乐不但没有起到积极的作用，反而让电影多了一个令人嘲讽的元素。这显然是由于对电影音乐的功能和性质认知不清的表现。
（二）初步认知阶段
在经过了一段盲目使用之后，中国电影人逐渐冷静下来，开始对电影音乐进行全新的审视。并逐渐形成了两个正确的观点。一个是电影音乐一定要和电影本身相契合，而不是随意添加使用，这种随意性反而会给电影本身起到一种破坏作用。一个是鉴于中国当时现实的客观环境，在器乐创作和演奏条件有限的情况下，歌唱是当时中国电影音乐的最佳形式。树立了这两种理念之后，就开始在实践中予以运用。田汉、安娥、任光、聂耳等词曲作家，纷纷加入到电影歌曲创作的队伍中来，他们已经具有声音和画面相结合的意识，努力让自己的歌曲创作和电影内容紧密地结合在一起。尽管在后来的发展中，受到当时时代环境的限制，还是在一定程度上对歌曲进行了突出，但是可以肯定的是这一时期电影音乐创作的理念的初步树立还是正确的，且有了成功的尝试。
（三）初步使用的阶段
在《渔光曲》《桃李劫》等影片歌曲获得了良好评价之后，中国电影人也认识到了两个问题。一个是电影音乐创作的必要性，一个是单纯采用歌曲的形式太过单一。于是聂耳等作曲家开始呼吁真正的电影音乐创作。第一步是将西洋音乐向民族音乐逐渐转变，以使音乐能够和电影更好地结合。如影片《大路》中，就选用了中国民歌中的号子作为配乐。《天伦》中，作曲家任光采用了中国民族乐器中的月琴、琵琶等，将音乐的走向和剧情发展紧密结合在一起，都受到了观众的肯定和好评。第二步是创作全新的电影音乐。电影音乐的选配应该适合于剧情的发展需要，这是音乐选用的第一原则。1935年，在影片《都市风光》拍摄中，集中了赵元任、黄自、贺绿汀等多位优秀的作曲家，创作出的《西洋镜歌》《都市风光幻想曲》等，都是经过了通盘考虑和精心编配的，真正做到了和影片的完美结合。既有歌曲，也有器乐；既有民族歌曲，又有西洋音乐，类型十分丰富，被视为初步掌握电影音乐创作规律的代表作品。
代表作品《马路天使》的电影音乐特征分析
作为20世纪30年代中国电影发展的压轴之作，《马路天使》被誉为描写当时中国现实生活的伟大杰作，是反映中国早期社会的集大成者，被视为20世纪30年代中国电影发展的最高峰。导演是袁牧之，担任影片音乐创作的则是贺绿汀，两位都是中国近代艺术史上的代表性人物。这部电影的音乐创作，集中代表和体现了当时中国电影音乐的特征和发展，主要表现在以下两个方面。
（一）电影导演和音乐创作者的声音意识
导演袁牧之作为一名资深的电影导演，一直对电影音乐有着较为深刻的认识。早在《桃李劫》中，他就首创了将音响融入影片中去，并逐步开始把声音作为一个独立的系统来看待。《都市风光》中，他的声音意识进一步增强，在拍摄之初就决定采用专门的电影音乐创作，使得该片在当时成为电影音乐创作的典范之作。他曾经表示，包含自己在内的多数早期中国电影人，都曾经对电影音乐有过盲目和幼稚的认识，但是经过不断的探索之后，逐渐认识到了电影音乐对影片本身的巨大意义。通过《桃李劫》和《都市风光》两部作品，到了《马路天使》的时候，袁牧之无论是在观念上还是技术上，都有了较为正确和系统的思考，影片中声乐和器乐运用得都十分成熟。
作为音乐创作者的贺绿汀，曾经凭借一部《牧童短笛》而著名。作为电影音乐创作者，也先后创作了《乡愁曲》《都市风光幻想曲》等，到《马路天使》的创作之前，已经有了十多部电影音乐的创作经验。而且贺绿汀的创作观念是较为开放和超前的。面对当时针对电影音乐中采用西洋音乐的质疑，贺绿汀认为，无论是西洋音乐还是中国民族音乐，都应该以和电影内容的契合作为前提，两种音乐本身并没有是非优劣之分。在这种观念的指导下，他总是能够选用最切题的音乐来展现不同内容和情绪，不断挖掘音乐在电影中的艺术魅力，赋予了电影画面之外的新的内涵。
（二）电影音乐和电影的有机结合
从这部影片中可以看出，创作者对电影声音艺术的把握能力，较之以往的作品又有了突出的进步，能够把语言、音乐、声响等多个声音要素，用声画结合的蒙太奇方式有机和谐统一起来，从而给观众以耳目一新的艺术感受。首先是电影插曲参与叙事。片中有两首经典的歌曲《天涯歌女》和《四季歌》，直到今天还在广为传唱。两首歌曲分别选择苏州民谣《哭七七》和《知心客》，贺绿汀以此为素材，进行了适当的加工，在充分保持原作特色的同时，创造性地让歌曲参与到了影片的叙事中来。其设计之巧妙，直到今天还值得我们充分借鉴。这两首歌曲的演唱者均是影片的主人公小红，“九・一八”事变之后，小红流落到上海，成为一个以卖唱为生的歌女。《四季歌》是小红在酒馆卖唱时候演唱的。歌曲一共分为四段，以春夏秋冬四个季节为划分，所表现的内容是“九・一八”事变之后，中国人民的苦难生活和军民奋起抗战的故事。伴随着二胡声的响起，小红低着头，手指玩弄着手绢，开始了吟唱。随之镜头中出现了上海的酒楼、东北的阁楼、抗日的战场等多个场景，借助歌曲一一展现出来，寓情于景，情景交融，声音和画面紧密交织在一起，后来的研究称这段戏是中国最早mV的雏形，可见对其评价之高。《天涯歌女》在影片中先后出现了两次，第一次是在阳台上，小红和小陈嬉戏，小陈用口哨吹出曲调，小红则在一边附和，唱着唱着，小陈索性拿起了墙上的二胡，拉起前奏，而小红也唱出了歌词。镜头中的小红一边唱，一边做着家务，如喂小鸟、擦鸟笼等，真实再现了两个人的日常生活，其整体的情绪是较为欢快的。而歌曲的第二次出现，在情绪上和第一段形成了鲜明的对比。恋爱的热情不再，而是充满了委屈和心酸。小红在演唱的力度和速度上都有了突出的变化。而画面中则不断出现两个人之前甜蜜的场景，起到一种反衬的作用，令人叫绝的是，伴随着小陈的锤声，小红的歌声也戛然而止，剩下了没有唱完的“恩爱深”三个字，可见导演构思之精妙。在本段中，贺绿汀采用了民族乐器琵琶、三弦和打板作为伴奏，采用了对位的手法，在影片中作为客观的伴奏出现。加之周璇自然和生动的演唱，给观众留下了极为深刻的印象，这也是这两首歌曲直到今天还在广为传唱的原因之一。
其次是器乐创作的突出。前文中提到，单纯的歌曲创作在当时已经为观众所诟病，所以在这部影片中，贺绿汀十分注重器乐的创作，而这些器乐，在刻画人物心理、延伸画面内涵等方面都发挥出了突出的功效。在影片开始的前几分钟里，作者使用了军鼓来引出军乐队的前行，然后画面中出现了一连串中国传统婚礼的镜头的组接，画面切换速度是和乐曲的速度相一致的，体现出作者深刻的隐喻，在那个国难当头的时刻，一切都是那样的杂乱无章。贺绿汀还特意将笙、箫等民族乐器和小号、军鼓等西洋乐器放置在一起，以获得一种杂糅的效果，这正是当时上海这个十里洋场的真实写照，以期能够给民众以警示，激发民众的觉醒。同时，影片中的器乐在刻画人物的心理和意境营造方面，也获得了巨大的进步。贺绿汀十分善于用音乐来表现人物的心理变化，而且表现得十分细腻。比如小陈、小红和小云三个人在过天桥的时候，三人之间虽然没有对话，但是贺绿汀却使用了音乐的语言，利用木管和弦乐的如泣如诉之声和江南丝竹的清新甜蜜形成鲜明的对比，刻画出了小陈与小红爱情的甜蜜和小云的落寞。而到了小云和警察相遇的片段时，音乐一改之前的清新，加入了大量的低音演奏，用锣声营造出了一种阴森不安的环境气氛。画面也在几个人身上反复切换，将三个人的心理特征体现得淋漓尽致。虽然在今天看来，这部作品的电影音乐在多个方面还有一定的欠缺，但是在当时却是中国电影音乐发展的最高峰。创作者坚持专门为电影创作的原则，很好把握住了音画关系，能够把音乐和声响有机统一起来，且音乐本身的类型也十分丰富，为今后的电影音乐创作起到了良好的示范和借鉴作用。
综上所述，20世纪30年代，无论是时展特征还是电影发展特征，都注定了这是一个不平凡的年代。一方面，电影艺术逐渐以更加专业和独立的姿态展示在民众面前；另一方面，电影音乐也逐渐体现出了特有的、本质的艺术特征。在今天多元化的文化发展态势下，对于历史的回顾和经典作品的分析是尤为必要的，能够帮助我们更好地掌握电影和电影艺术的本质规律，为更好创作和欣赏电影及电影音乐打下一个良好的基础。而且音乐作为电影与观众沟通的媒介，只有在不断传承和发扬中，中国电影音乐才会在电影艺术发展之路上继续散发青春的光华。
[参考文献]
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[3]王文和.中国电影音乐寻踪[m].北京：中国广播电视出版社，1995：15.
[4]贺绿汀.贺绿汀音乐论文选集（二）[m].上海：上海文艺出版社，1989.
电影艺术特征篇10
戏剧的本性是假定性。梅耶荷德说过:“一切戏剧艺术最重要的本质是它的假定性。”①“假定性”一词来源于俄语,泛指艺术形象有意偏离它所表现对象的自然形态所采用的一切手段和审美原理,包括替代原则、时空变形、艺术程式等种种约定俗成的默契。事实上,假定性是一切艺术存在的基础,每一类艺术都有自己约定俗成的惯例。戏剧与其他艺术不同的是,它就是一门“假定性的艺术”。假定性的艺术,是因为在艺术形式中直接出现了真实的人、物、空间和时间,而这些真实的东西必须被假定为另一些虚构的东西。比如,戏剧演员是真实的人,他所扮演的却是一个虚构出来的人,这样,就必须预设一个前提,对演员来说就是“假设我就是他”,而对观众来说“假设你就是他”。这就是戏剧最根本的假定性。由此推演,还要假设舞台的空间和时间、环境、戏剧情境等等。
在假定性的规则下,戏剧特别讲究舞台表演的虚拟化。这是因为,戏剧的演出通常是在二三小时之内,十米方圆的舞台上进行的。但其所表演的时空却要广大得多,这就促使表演者调动自己的创造力,开拓舞台时空,在实际舞台上开辟一个虚拟化的世界,把固定不变的空间变成流动多变的空间。一个圆场可代表行程万里,一次上下场可以是须臾之间,亦可是三年五载。比如,演《秋江》舞台上空无一物,年迈的艄翁用手中的船桨做出划动的姿势,观众知道他在划船。陈妙常为追赶意中人,急切地招呼艄公快把船划过来,舞台顿时一分为二——岸边与水中。陈妙常登上船后,艄公重新开船,舞台中又全是奔流而下的江水。行船期间,二人做出各种前进、后退的身段动作。或虚拟出风浪大作,或虚拟湍流紧急,逆流而上,或虚拟船又在风平浪静的江水中徐徐前进,即所谓“三五步行遍天下,六七人百万雄兵”。
与戏剧的假定性相比,电影表现出非同一般的“真实性”。银幕上的“他”就是“他”,银幕上的“世界”就是这个“世界”。导演要求演员在逼真的家具和逼真的道具里进行整剧连排,目的是让观众以为他们所看见的一切都是真实的。马赛尔·马尔丹对此总结道:“在电影里……出现的和说话的是人和物本身:在人物和我们之间用不着媒介关系,这是直接的关系。这是直接的接触。”②在戏剧中,演员是作为媒介出现的,所以需要那层假设,观众要不停地完成这种假设和转换。在电影中,我们仿佛看到的就是世界本身,就是电影希望我们看到的一个完整的世界。因为电影复制的是视觉生活事件本身,而不是视觉生活符号。所以,巴赞把电影称为一个神话,“电影这个概念与完整无缺地再现现实是等同的。他们所想象的就是再现一个声音、色彩、立体感等一应俱全的外部世界的幻景……电影是从一个神话中诞生出来的,这个神话就是完整电影的神话。”③
银幕上的细节,因为有现实生活经验的映证,所以总是显得非常真实,例如影子,落叶,风的声音,百无聊赖的手夹着一支雪茄烟,一束光线中飞舞的灰尘等等。电影用特写镜头、长镜头等等技巧展示了细枝末节中隐秘的生活,展示了事物无声无息的生命。这些在戏剧中都是必须被毫不留情抹去的细枝末节,在电影中得到了淋漓尽致的展现。正是这些细节构成了一个真实的电影中的世界。
二、银幕与舞台
“戏剧是演员扮演角色当众表演故事给人看的一种叙事艺术。戏剧与其它叙事艺术最大的区别,就在于它要当着观众的面现场表演故事,如果没有这种在场性,戏剧也就不存在了。”④相较于戏剧演员在舞台上面对观众的“真实表演”,电影演员的表演却被看作是一种虚拟影像在银幕上的投射。电影演员在银幕上是影像化、虚拟化的,并不存在在场的演员及在场的表演,是媒介科技的发展使电影得以保存、复制并能随时呈现出“现在时”的虚拟影像。
与基于媒介科技可以无限复制的电影相比,戏剧舞台保持了它的神圣性。由于舞台表演的在场性,戏剧演出永远是某种活的东西,是随时需要演员控制和调节的一场演出,每一次演出都是崭新的,都是仅此一次的。而银幕画面与舞台画面的更内在、更深刻的背离,在于时空的自由和限制、距离和角度的变化性和不变性、视听重心的偏视觉和偏听觉等等,正是它们导致戏剧与电影从本质上归属了不同的艺术领地。
(一)时空的自由与限制
戏剧演出受舞台条件的束缚,在时空上一般都会受到严格的限制。区区两个半小时的演出时间——与人物故事发生的时间相等,窄窄四五十平米舞台——与生活中的“现场”一样,地点不能变化太多,场景不能超出剧场,事件必须适合室内、适合于舞台来表现。戏剧这些特殊的时空环境要求戏剧家必须对题材进行高度的提炼,摒弃外景和大自然,放弃运动中的人和物,抓住命运及环境的骤变,集中、迅速地推进矛盾冲突。那些“滴水穿石”的情节,那些“长河落日”的情景,戏剧舞台是无法加以表现的,而洋洋洒洒的倒叙、插叙以及上天入地的神奇,更与戏剧是无缘的。
而电影则不然。电影可以利用蒙太奇方法自由剪辑,实现时空的自由转换和流动。由于蒙太奇能中断、压缩、切换、并置时间,能放大、缩小、塑造、改变空间,因此,电影在时空上是自由的,开放的。一方面,从时间上看,电影时间作为心理时间,总是大于影片放映的物理时间,这得益于蒙太奇方法能任意表现光阴,滑过、跳跃、闪回、并置,镜头长可以绵延不绝,镜头短可以转瞬而逝,一段本来复杂延续的事件,由于镜头的剪辑、切换,而在时间进程上被大大压缩,故事方向上被主观地改变。另一方面,从空间上看,电影银幕的边框只是观众的视觉边框,而边框内的呈现则完全是无边界的,电影编导可以根据叙事的需要和蒙太奇思维的逻辑,灵活进行空间的转换。那些在舞台上始终是无法企及的“神话”情景——莽莽原野、策马飞奔、疾驰,那些对于戏剧永远是不可控制的因素——幼童、动物等等,都自如地为镜头所摄。
(二)距离和角度的变化性与不变性
观众在剧场里现场观看演员活生生的表演,这种距离和角度是固定不变的。当观众从特定距离和角度观看戏剧舞台呈现的人生时,其感受必然受到演出本身、受到距离与视线的左右,并被限定在给定的逻辑内。显然,剧场中的观众只能完整观看整体舞台,无法时而粗放时而细腻多层次审视剧情的推进。同时,观众只能以类似于“中景”的距离注视人物动作及其心理变化,他无法或近或远,考索、打量特定情境的意义。
与戏剧的这种固定性相左,电影就距离和角度而言,俨然是一个“自由的精灵”。电影观众在影院观影,虽然座位、与银幕的距离、角度也是固定不变的,然而他所面对的“舞台”——银幕却充满变化。在这个二维的世界中,光影投射出的是三维映像,是忽大忽小,忽上忽下,忽左忽右,不断变化的影像。因为电影的视点是由镜头决定的,镜头的移动或焦距的调整,能轻易改变拍摄对象与摄影机之间的距离,切换环境或调换人物。而摄影机是摹仿人眼的,可变的距离和角度、“从整体中抽出细节、特写”等等,使“我们的眼睛跟剧中人物的眼睛合而为一,于是双方的思想感情就也合而为一了。我们完全用他们的眼睛去看世界,我们没有自己的视角”⑤。电影在摄影机方位的变化、在镜头角度、焦距的灵活上,赋予观众新的想象和触发。这一点,对于电影艺术传达,具有重要的意义。首先,角度和距离的可变性,消除了影像和观众的隔膜感,把观众引入了画面本身,“使他们感到仿佛亲身参与了在电影的虚幻空间里所发生的剧情”。其次,灵动的视角对完整的场景进行分切和组接,获得一系列大小不等的景别,有利于观众对宏阔背景的把握,对细部、隐含的真相的观察,形成更切实的生命体验。鲍里斯·埃亨鲍姆(1886—1959年,俄国形式主义代表人物之一)认为,观众在观看电影时,正是通过大量的影像镜头,看到了包括人物面部神态表情以及各种物件局部的细节。再次,“摄影机为导演提供了显微镜和望远镜的一切手段。”摄影机目力敏锐,在表现戏剧性动机与效果时不受具体环境的限制”。⑥这为观众开辟了戏剧之外认识世界的新管道。
(三)戏剧表演的连续性与电影表演的间歇性
戏剧主要表现的就是矛盾。由于戏剧表演一般要求在2~3个小时以内将矛盾冲突加以解决,不能完全按照生活中矛盾斗争的自然形态来表现,相对的就要求矛盾要更加的集中。这就对戏剧选择生活中的故事有着一定的要求,要选择矛盾冲突最尖锐、人物思想感情最激荡的部分,真实可信、引人入胜的情节,它往往经历了开端、发展、高潮和结尾这样一个完整的过程。演员演出一气呵成,观众也经历了一个紧张被唤起并不断加强,到最后获得释放的一个完整的心理过程。演员在舞台表演过程中情感是具有连贯性的,随着剧情逐步延伸的一气呵成,具有不可重复性。演员的表演没有到位,不能重新来一遍,要么只能再演一场,所以舞台剧又被称为“遗憾的艺术”。
相应地,与戏剧表演不同的是,在电影的拍摄过程中,并不是按照故事的发展顺序来完成的,所有的情节都是由一个一个的镜头来完成的,是根据场景来拍摄的。同一场景的戏会集中在一个场景中拍摄,不论时间跨度多大。在同一个场景中可能拍摄相隔10年的两场戏,而接连发生的两场戏可能相隔一个月才拍摄。在演员表演上,不像是戏剧一次成型,可以是多次的拍摄。这样,原来连贯完整的表演被分解,中断的表演无疑给演员的表演带来了相当的难度。电影演员必须习惯这种间断性的表演创作方式,充分展开想象,使自己进入本场戏所规定的情景中来。
三、当众表演与观演分离
当众表演的形式要求戏剧演员要一次性将所塑造的角色表演出来,要与观众有同时的感受。演员的创造与观众的欣赏也要实现统一,演员每一次的表演,观众都是有反应并参与其中的。比如,当观众在欣赏一部剧的时候,自然跟随着演员的表演而进入情景,心情随着演员的表演起伏不断,时而欢笑,时而却又心情沉重甚至流泪。因此,戏剧演员创作表演过程终止时,观众的欣赏过程也同时结束。同时,戏剧演员需要有即兴发挥与应变能力。在戏剧演出的过程中,观众看待每一场戏的心态与当时具体的情况都是有所差异的。演员必须当场对剧场的情况产生即兴的适应与调节。
当众表演的形式伴随着“反馈”。这里所说的“反馈”包含两种含义。一种是搭档的反馈,一种是观众的反馈。在戏剧演出的过程中,观众与演员、观众与观众、演员与演员之间的相互影响是一个多向度互动性的存在。英国戏剧家马丁·艾斯林将其称为“反馈的三角影响”。⑦舞台演出是一种不可重复的单位时间内的表演,即使是同一出剧目。演员的表演也会因现场观众的反应,演员之间的配合,甚至是个人对角色理解上的细微变化而发生每一场演出的改变。戏剧演员在舞台上表演时主要交流对象是搭档。这就要求演员以搭档的存在为自己存在的前提、自己的行动以对方的行动为依据。对方的行为与态度的巨大变化,必然引起自己的相应变化。这种来自对方的反馈及自己给予对方的反馈,正是舞台魅力所在,是心灵与心灵碰撞交流的结果,是角色激情迸发,震撼人心的必要前提。
与观众的交流也是如此。戏剧演员连贯的表演把不断发展的剧情及人物曲折的命运传达给观众,感染着观众,使其为之动容。此时的戏剧演员创作与其自身的感受相适应,形成一种和谐的而又反应强烈的剧场环境。在这样的氛围里观众通过自己的笑声掌声哭泣或者保持安静,来表达自己对剧情的理解和对戏剧演员的认同。戏剧演员在众目睽睽下进行表演,他可能非常清晰地感受到观众带给他的反应,立刻产生心理刺激;当演员感受到这种刺激时,便会更大的发挥其舞台上的创作能力,也更有利于演员更好的完成人物形象的创造。观众的行动会直接影响到演员的表演,给予其负面的刺激。总之,在这样的环境中,演员与观众相互给予、接受、刺激、反馈。戏剧演员从观众那里汲取营养,观众从演员的角色中体会生活。舞台上的演员与舞台下的观众水融,形成了一种有机的整体。