艺术作品的好处篇1
摄影是新兴艺术方式，尤其是伴随时展，彰显了独有的艺术魅力。现代摄影艺术并不是单纯去刻板的再现自然，而是采用创造性的方式，涵盖多种文化来表现时代的思想情感。所以，创作摄影艺术作品，需要最大程度提升摄影的文化层次，打造并丰富情感表达的语言。群众业余摄影爱好者应该在专门摄影人员的指导下，通过学习提升文化素养，并且加深群众情感的表现与体验，这样的话，才能让群众摄影艺术提升到较高的层次，这同时也是摄影艺术的核心。群众摄影艺术的创新能力的提升，可以通过想象技巧来实现，并能很好的找到解决问题的路径，发现新的方法或者是摄影艺术表达方式。再者通过心理学的有关研究表明，创造性非常突出的人，是对矛盾、不平衡表现出浓郁兴趣的人，所以，其具备灵活、深刻与广泛的自我意识。摄影艺术深入群众生活，能加深群众主观层面对事物的敏锐观察力，对传统的摄影技巧勇于创新，开拓新的摄影艺术天地，丰富其摄影艺术生活。摄影艺术深入生活中，掌握艺术规律，创造艺术含蓄美与形式美，才能做到有激情、有感染力、有意境。深入生活，实际上就是每年组织当地社区、村庄的业务摄影爱好者到名山大川、文化古迹、田野、渔村、休闲旅游景区等开展摄影拍摄活动，这样做能让广大群众业务摄影爱好者明白如何去深入生活、表现生活、熟悉生活与认识生活，让创作成为唯一源泉，获得摄影创作的良好题材。摄影爱好者只有充分体验生活，真正了解事物，通过学习提升文化素养，拍摄的作品才能达到入境生情的境界。科学选取摄影题材，深入生活首先要做到的是科学选取摄影题材。在确定好主题之后，才能深入生活之内，去很好表现摄影主题的内容，并且寻找不同内容与事物特点，并且逐渐加以消化，突出所要表达的主题。例如黄翔的作品《黄山雨后》等摄影艺术作品，是在精心选择了好的题材之后，才会深入到生活之中，仔细去观察事物发展的景象，实现天、地、人的有机结合，实现好的韵律感与节奏感，确保画面景物内的层层叠叠、引人入胜、迂回曲折，达到好的画面气氛，增加摄影艺术作品诗意，这样的摄影作品更为含蓄、有韵味，更加具有感染力。
2.符合摄影艺术发展规律
任何一种事物的发展有其自身的规律，群众文化的摄影艺术也需要与摄影艺术发展规律相一致。特别是摄影艺术本身，也要在遵循发展规律的基础上，掌握摄影艺术表现形式，才能实现新的跨越。首先，体验对人们认识事物的性质或者特征方面的享受。感受是发自对事物本身的认识，认识的程度越深，所获得的体验也更为深刻。具备不同程度发展水平的人，或者是站在不同高度来认识客观事物，就能形成不同认识，出现不同方式的主观感受，获得不同体验。摄影艺术创作人员因为生活经历、文化修养、生活目标以及生存环境等的不同，对摄影艺术创作作品认识因为生存环境、生活经历、文化素养、生活目标的差异，对摄影艺术创作的认同度存在差异，为此必须在构图布局、题材选取、色彩影调对比、标题表述以及艺术效果处理方面加以创新。具体来讲，摄影艺术发展规律主要包含以下几个方面：（1）科学安排摄影作品中的人、景、物科学的构图布局是将人、景、物进行科学的安排，并且寻找最佳的表现手法，充分表现人物形象、主题。摄影艺术作品创作中构图是重要组成部分，对摄影艺术作品成败产生直接性的影响，摄影构图往往受到多种客观条件的限制，并且与画家在构图内可以自由处理不同，摄影可以充分利用好大自然的光与影，空与线的美学原理来协调处理好云雾、填空、疏密、草地、水面、均衡、空间等多种方式来改善摄影构图本身的局限，实现远近、主体与衬体、大和小透视关系，科学取舍构图内的杂乱画面，完成摄影者所要实现的目标。（2）合理确定拍摄角度，对摄影作品进行艺术处理首先，合理确定拍摄角度。选取拍摄角度是拍摄者和被拍摄对象间的水平线、高度变化的关系。主要包含仰摄、正面、平摄、俯摄等的多种角度，并且因为拍摄的高度与方向的差异会出现不同的远景、近景、中景、主景和衬景变化，这需要拍摄人员善于观察生活，选取合适的拍摄角度来表现艺术。例如黄成江的摄影艺术作品《家乡的小路》是将大片雪地出现的空白来表达完美的意境，这要求群众业余摄影爱好者要学会从不同视角去观察事物，才能创作理想的摄影作品。其次，对摄影作品进行艺术化处理。一般来讲，对摄影作品进行一定的艺术处理，是拍摄人员给与作品一定的情感，让其转化成艺术。要想让摄影作品出现好的艺术效果与境界，需要合理使用摄影手段来实现，采用多种电脑、辅器材进行加工处理，达到好的摄影艺术效果，其才能实现艺术摄影真实。比如摄影艺术作品《手术之前》是将白色背景、白色口罩与白色衣服等有机融为一体，除去和表现主题无关的一些细节，从独特的视角来表现智慧的双眼与灵巧的手，充分表现广大医务人员救死扶伤的精神，加深了作品的意境，进一步扩大作品表达内涵，让人们对医生这一职业有了重新的认识。（3）确定摄影作品标题好的摄影作品标题对摄影作品能起到画龙点睛的作用，好的标题能进一步提升摄影艺术作品的艺术感染力，让作品的意境提升到一个较高的层面，对摄影艺术来讲，好的标题能进一步补充摄影作品内容，实现作者的情感寄托，是作者综合文化素养的表现。也就是让摄影艺术作品的标题能够让人联想，更好去品位作品表达深意。比如摄影作品《爱莲说》就是借用了古人的诗名，表现莲花的出淤泥而不染、濯清涟而不妖的高贵品质，让人们一看摄影作品标题，再看具体作品，就会感觉到眼前一亮，对作品也会产生更深入的了解。
3.丰富群众文化摄影的艺术表现形式
艺术作品的好处篇2
关键词：陶瓷壁画；环境艺术；当代陶艺
随心我国经济实力的增长，城市化程度的加深，环境陶瓷艺术自然而然地出现在了我国城市发展的过程中。由于环境陶瓷艺术能较好地与外界环境相结合。因此，在我国的各大城市当中得到了广泛的运用，并与环境雕塑相结合，美化了城市外观。本文主要讨论了当前环境陶瓷艺术使用过程中所受到的影响原因，并对其如何更好地在室外空间布置给出了相关建议与意见。
1陶瓷材质在环境艺术（公共空间）中的优势
陶瓷艺术所选择的材料有其他艺术表现形式无法比拟的优势。由于陶瓷能更好地表现艺术家的想法，并且能很好地展现和谐社会，因此受到了艺术家的广泛青睐。由于人类社会的不断进步，人类已经掌握了一定改造自然的能力。而随着二战之后人类社会经济科学的进一步发展，人类已经迈入了信息化社会，越来越多的新材料，新物品出现在了人类社会当中。我们越来越倾向于使用诸如合金、玻璃、化学物品构成的材料，工业文明的产物可谓是无处不在，影响着人类生活的方方面面，生活越来越缺乏人情味，长期在钢筋混凝土当中生活的我们已经忘记了如何品味生活。
社会发展到了这一地步，人类萌生了极强的环境意识。由于对环境的过度开发，环保的理念深入到了每个人的思想中。而环境艺术也受到了这种思想形式的影响，为了达到环保的目标，环境陶瓷艺术的发展也向更加绿色和谐靠拢。而陶瓷本身的特点确保了它能达到上述目标。陶瓷源于火焰的高温烘烤，是陶土在高温下形成的美丽结晶。在人类还处于蛮荒的时期，陶瓷就成了主要的工具之一。直到当今社会，陶瓷都是十分重要的物品，代表着人类特殊的情感。现代人通过陶瓷来感受艺术，并唤醒自己内心深处的艺术细胞。作为培育万物的基础，人类将泥土看作母亲，是养育自己的恩人。陶瓷来源于泥土，这种艺术形式很容易在人群中找到追求者，能唤醒人类对大自然的依赖，这正是其他的艺术形式所无法比拟的优势所在。
2陶瓷材质在环境艺术（公共空间）中表现的特征与形式
（1）所有事物产生于泥土，泥土自身形成的艺术品也有质朴的风格。地球是个由泥土与水构成的星球，因此地球上的大部分物质最初的来源都是泥土。陶瓷艺术品直接由泥土经过加工形成，因此与人类之间有更加深厚的情感联系，相较于玻璃、合金等其他材料，能更加有效的勾起人类对大自然的眷恋，表达的艺术思想也更加接地气，在城市美化当中使用能收到更好的效果。并且由于泥土属于可塑性极强的材料，人们需要什么样的艺术构型，只需通过改造泥土的形状来实现。而玻璃、合金等材料可塑性差，要实现艺术思想的表达往往需要经过复杂的途径，与泥土相比处于劣势，所以艺术家们偏好于通过泥土来表达自己的艺术构想。创作者通过泥土能充分体现自己的想象力，在对泥土的改造中提升尽情发挥自己的想象力。这也是现代陶艺艺术的精髓所在――无拘无束，放浪形骸。
（2）泥土与其他的艺术形式相比，具有特有的肌理美感。这也是长期与大自然相接触所导致的后果，泥土来自于自然，因此泥土艺术品本身就带有自然的气息。在我国，泥土艺术品自古以来就是鉴赏家所把玩的宝玉，不同的艺术品之间有不同的收藏价值。一个陶瓷制品，其自身釉面的烧制方式，烧制质量都有可能成为判断陶艺作品收藏价值高低的因素。而釉面的厚度直接影响了泥土是否能表现出自然美感，所以有的收藏家并不把土陶等粗劣的泥土制品当作艺术品来收藏。而最近随着地球各个国家之间的快速统一化，人们已经开始反思以前对陶艺审美的态度，并开始重视表现泥土本身的肌理，涌现出了更多的陶土作品。
（3）由于陶制品需要经过长时间的高温烘制成形，因此火焰就成了环境陶艺重要的组成部分之一。经过火焰的作用，泥土由原先可塑性高的物质变成了坚硬的物质，而有了其他化学原料的加入，陶器完全可能变成带有大量色彩的艺术品。陶器的色彩产生陶器本身所有的肌理，另一种方法可以产生于陶器被涂上的釉色。一般来说，我国的陶器烧制过程都会有釉面来调节颜色，釉面在烧制之前颜色并不突出，但是烧制过程中会产生大量的化学反应，使最后得到的陶器有十分惊艳的色彩效果。最终成功的作品虽然效果较好，但是作品在创作的过程中，如果不是技术过关的工匠，就很难掌握釉面的涂抹，使整个作品毁于一旦。所以每一个环境陶艺作品都有其难以成功的原因。但正是由于釉面的色彩很难掌控，因此陶器作品就有了更大的操作空间，也使许多陶器的没看起来浑然天成。
3陶瓷材质在环境艺术（公共空间）中表现的意蕴
一个艺术品的魅力不仅仅表现在诱人的外表，还有内在美。对于陶器来说，时间过得越久，其所蕴含的文化、历史含义就多大，而这个陶器的内在美就越多。一个公共场所的艺术品，不光有其本身的意蕴，只要处于外部空间，就要被路人欣赏，其所处的公共空间不仅仅为其提供了被欣赏的舞台，欣赏者的定位也是不能忽略的。艺术是拿来供人欣赏的，欣赏着看到一个艺术品之后，首先映入眼帘的是这个艺术品的外在表现，然后再对这个艺术品所要表达的含义进行理解。假若艺术品能与周围的环境较好的融合，就能最大化的表达出艺术品的含义。也能帮助人们对艺术品进行联想与理解。上述方法的使用在我国早有先例，西汉时霍去病的坟墓雕塑就恰当的表现了上述艺术构想。陶瓷与空间的结合使陶瓷能更好地表现自己的理念，而人们也能在这种方式当中理解文化更加深层的含义，陶冶自己的情操。这也正是当代环境陶瓷艺术所要追求的艺术目标。
所以，环境陶瓷应当被城市建设者所重视，并成为今后城市美化的重要发展对象之一。但是环境陶瓷的美化作用并不十分明显，需要结合当地的城市构造，放置地区以及周边建筑物的形态来实现。环境陶瓷的广泛运用还需要长时间的努力，不仅需要艺术家的无私奉献，还要有建筑工程师来设计陶瓷艺术品的摆放，才能让其发挥最大的艺术效果。陶瓷艺术品的发展要与时代挂钩，要努力去适应在室外进行艺术创作的新形势，慢慢地普及环境陶瓷艺术，使之成为一种主流的艺术表现方法。
参考文献：
[1]魏美丽.略谈陶瓷装饰中的材质运用[J].山东陶瓷，2013，36（3）：4748.
艺术作品的好处篇3
一、敏锐的听觉辨别能力
录音是记录声音的艺术，敏锐而良好的听觉能力，是首当其冲的职业要求。如果对如何去获得好的声音都不具有细致的构思、对声音的优劣不具备识别能力，那么是不能听得出像话筒摆放、均衡、及混响等的缺陷问题和如何在录音中去获得好的声音、在缩混期间去改善声音的能力，更谈不上对错误的声音加以纠正了。因此，无论是在录制人声语言类作品中，还是在录制音乐艺术作品中，敏锐的听觉是最基础的职业要求。当然，不是每个录音师天生就具备识别声音优劣的能力，但是可以通过听觉能力方面的训练来提高听觉辨别能力。比如，可以通过听一些好的和相对差的录音作品来做比较，反复聆听某一段声音，专注其中的某一项如音色、噪音等，这样就容易通过比较、听出声音的瑕疵了。
在录制人声时，录音师要根据人声的不同特点，根据每个人的声音特点及声音动态合理摆放话筒的位置，避免录音过程中过多过重的喘息声、咝声和喷话筒声音的出现：对语言及乐句的换气点、发声的位置、共鸣是否到位：对音准、节奏和音乐作品的表达、后期均衡、混响的处理以及人声与伴奏是否平衡等等，都能够准确地判断和做出精确的处理。
同样在录制器乐作品时，由于构成各种乐器的材质和演奏方式的不同决定了音色的不同，这就要求录音师要对各种乐器的音色特点、演奏特点、演奏风格有所了解。另外，还要了解各种乐器的最佳拾音点、拾音距离、拾音方位，录音师要根据音乐作品风格和表现内容需要，用耳朵判断出最能反映乐器最佳音色的拾音点，比如将话筒放置在小提琴上方进行远距离录音，这样可以获得一种有空间感的、柔滑般的声音：如果话筒指向孔录音时，可以获得有温暖感的声音：指向指板录音时，可以获得很好的清晰度。总之没有固定模式，都是在实践中不断摸索。
同时，乐曲的节奏、速度、力度表现是否准确也很关键。器乐作品中，音乐织体都是由多声部组成的，因此，如何把握和调整各个声部之间的平衡是十分重要的，在音乐进行中，乐曲的旋律、和声衬托以及低声部都是在不断变化中的，录音师要利用自己敏锐的听觉随时进行调整，再好的录音设备，录音艺术最后的判断者还是人的听觉，因此，这对录音师敏锐听觉的能力提出了更高的要求。
二、具备良好的音乐艺术修养
一个好的录音师一定要具备良好的音乐艺术修养，这样才能够用自己的审美观去诠释和表达音乐。其实，任何一部艺术作品，原创作者仅仅完成了一度创作，演员和录音师通过对作品的理解，进行二度、三度创作，把创作理念和综合的艺术信息融入到录音作品中，使其得到艺术的升华，使作品真正的展现出应有的艺术魅力，作品的内涵和外在表现力会更加丰富。
音乐艺术修养在音乐的具体表现中就是以音准、节奏、和声、速度、力度、音色等为基本要素，通过对音乐艺术表现形式的把握和理解，来表达音乐作品的艺术感情和独特的艺术感染力，这就要求录音师要具备一定的音乐理论知识，如视唱练耳、乐理知识、和声基础等，同时又要不断积累和丰富自己的文化艺术修养，从多方面努力提高自己的综合业务素质和音乐欣赏水平，不断学习和了解各类艺术作品的表现形式。这是一个长期修炼的过程，它需要在艺术实践和欣赏中逐渐培养和提高，通过欣赏优秀的艺术作品，了解相关的艺术知识来提高自身的艺术修养水平。再好的艺术作品，没有理想的录音效果，称不上一部完美的艺术作品，而这其中最关键的就是录音师的艺术把握水平，高水平的录音师，能为作品锦上添花，否则，有可能毁了一部优秀的作品。
三、对新技术的综合驾驭能力
随着现代录音技术和电声设备的迅猛发展，微电子、计算机、数字信息处理等现代新技术，使录音技术从“模拟”跨越到“数字”时代，数字化录音技术将以前只能“听得到”的声音变为“看得到”的声音，录音操作更加便捷，录音工艺和处理方法更加多样化。因此，这就要求录音师对新技术的综合驾驭能力越来越高，只有熟练掌握和运用这些新技术、新设备，结合自己的艺术修养，才能制作完成出具有一定艺术水准的高品质艺术作品。
再好的录音设备，如果不能运用自如的掌握它，就好比一辆高品质的汽车交给一个不会驾驶的人手中，那几乎是个摆设。因此，录音技术也绝不是仅仅把器乐和人声所发出的声音简单的记录下来变成数字信号，而需要通过录音师的综合技术知识和良好的艺术修养，创造性的开展艺术创作，才能录制出既具有独特艺术风格、又具有一定艺术水准的作品来。
四、良好的交流沟通能力
很多人都说录音师是音响的导演，这是有一定道理的。美妙的音乐让人陶醉，高档的音响让音乐更具震撼力和感染力，但是再好的音响也离不开录音师的调试。
艺术作品的好处篇4
“有阁”原本是一座有着200多年历史的徽式古宅，几年前被张锐买下后千里迢迢搬迁到了京城。从1998年开始筹建至2004年开业，历经5位设计风格各异的设计师之手，几经周折才成就现在的面貌――其建筑极尽想象，融会中西艺术特色，让人叹为观止。张锐还请设计师在古宅外面用钢筋水泥和玻璃设计出一个充满了欧式风格的“外罩”，对于古宅来说，简约的玻璃壳宛如一层隔绝空气的保护层，将自己精心地圈入其中，像极了一处文人雅客的别馆，幽静而充满韵律。
休闲地坐在“有阁”中，主人张锐和我们谈起了他钟爱的当代艺术。张锐很健谈，话锋犀利、一针见血。他认为收藏带给自己最大的好处是“改变了我的生活”。因为投资股票的时候，除了股票的价值提升，对于自身来说没有什么改变。而艺术品则不同，当你拥有它的时候会发现里面蕴含着人类的思想、智慧、幽默，因此，当你和艺术品生活在一起的时候，它就像一位良师益友，可以和你对话。
在张锐眼里，古代艺术品表现的是真、善、美和高超的技术；而当代艺术强调的是视觉冲击力，主要表现的是一种“观念”。在张锐家里，挂着很多诸如杨少斌等艺术家们“血腥”的作品，凡是去过他家的朋友们大多看得心惊肉跳，只有张锐能真正看懂它们⋯⋯
6年多的收藏生涯，张锐至今还没有卖过一件自己的藏品，他几乎将所有的业余时间和可自由支配的余钱，都投进了当代艺术作品的收藏过程中。他说这个世界上有钱的人很多，但有钱又有文化的人就比较少了，正因为如此，那些既有钱又有文化而且懂艺术的人就变成了我们的偶像。
已经远离国内拍卖市场
几个月前，也就是国内春拍正在如火如荼之际，“艺术北京”执行总监董梦阳曾携带着北京的几位重量级当代艺术藏家，悄悄地去了一趟印度。除了正经的公事――为9月份开幕的“艺术北京”博览会招兵买马，另一项任务就是为北京藏家们收购印度当地的作品“掌眼”。张锐是这次印度采购团中出手最多的藏家。
张锐告诉我们，他早在两年之前就已经开始逐渐远离中国的拍卖场，因为在那里收藏的成本太高了，他目前逐渐将目光转移到了亚洲地区，尤其是东南亚市场。
“现在的印度基本上像20年前的中国，经济快速发展，但艺术品价格相对较低。现在一些藏家买入印度的艺术品（主要指当代部分），主要还是看好20年后的印度能达到中国现在的地位。”张锐给我们分析说。
印度有比较好的收藏体系。印度国内社会贫富差距比较大，他们存在明显的阶级划分，有贵族。这些处于上层阶级的富裕贵族们接受了良好的教育，他们介入收藏与处于商业目的的收藏对于艺术创作产生的影响是不同的，他们对印度艺术市场和艺术家创作的引导主要是良性的。目前印度艺术家的创作心态还是比较自由的，并没有受到太多市场因素的引导或者干扰。
“印度和中国的艺术环境不一样，印度的画廊很分散，没有像北京798这样的艺术区。而且，如果你直接去艺术家工作室买作品的话，他们也会把你带到自己的画廊。从这个个案上看，印度艺术市场还是比较规矩的。”张锐最后总结说。
收藏要靠“师傅领进门”
和影视圈“王中军+冯小刚”的黄金组合类似，北京收藏圈“张锐+黄燎原”的搭档一直令人津津乐道、羡慕不已。自收藏艺术品开始，张锐就一直跟着这位合作伙伴、北京现在画廊艺术总监黄燎原。
黄燎原过去一直做摇滚乐，摇滚在十几年前有着非常辉煌的时段。张锐现在能接触到的那个时代的当代艺术家几乎都是摇滚迷。张锐曾分析过，摇滚这种音乐形式和当代艺术的反叛精神是相通的。“黄燎原去写摇滚乐的时候，摇滚乐是挣钱的，当代艺术是卖不出价钱的。因此他在艺术圈内是富裕户，常常买单请艺术家吃饭，由此也获得了这些艺术家的馈赠，据我所知就达600多幅。”
张锐告诉我们，在他和黄燎原合作后，通过黄燎原的介绍认识了很多当代艺术家，然后在2004年左右完成了包括张晓刚、曾梵志、俸正杰等人作品的收藏。张锐说：“那时的价格都不很高，基本在10万元以内都能收到。方力钧、岳敏君等人的大型作品，最贵也就10万美元。我还曾经以20万美元收藏过21张画，包括两张张晓刚的《大家庭》，罗中立的一张作品，周春芽的三张作品等。”
“80年代”的作品最值钱
“我的收藏主要是当代艺术家的作品，就目前这些艺术家的成就来看，他们最好的时期在上世纪80年代。”张锐解释说，因为那个时代他们并没有为艺术市场服务，而是为他们的追求付出着自己的青春年华。而且，当时大多数艺术家是没有生活保障的，作品也是寡人问津，比如张晓刚当时是住在医院里，精神很彷徨，因此创作了医院系列。方力钧也是在圆明园画家村过着清苦的生活。那时候他们没有想着要画什么题材讨好什么人，完全是真诚的创作，因此，那个时期的作品是非常有价值的。
如今当代艺术市场在中国已经异常的火爆，而作为收藏家的张锐已经将兴趣转移到了更前卫的新媒体艺术领域，张锐向我们透露：“随着收藏的深入，我目前收藏对象关注架上绘画比较少了，更多着手收藏装置和影像作品，因为它们更加代表了未来的收藏方向。”
收藏应该是一种消费
对于人们把收藏艺术品更多地从投资的角度来阐述，把艺术品和股票、房产一起称为世界的三大投资热点。张锐持否定的态度：“我认为这是片面的，如果换一个角度，从艺术对生活中的作用来谈艺术收藏，则是从消费来谈的，意义就不同了，前者是要求有回报的，而后者只要自己喜欢，有没有回报都是次要的。”张锐强调，只有当你将艺术品作为一种消费来看的时候，心态才会比较健康――只有自己真正喜欢才会购买，不是为了升值而购买。
艺术作品的好处篇5
国际银行也同样看重艺术品本身的文化特性，艺术品精心装饰起来的银行办公空间，甚至办公大楼之外的公共区域，能够令来到此处的人们对银行增添了很多信任与好感。这种情况不仅发生在近两三百年间，早在15世纪的意大利，第一批银行家同时也是一批艺术品收藏鉴赏家们，就通过收藏艺术品来彰显自己的信誉和实力，不仅提高了自己的声望，还扩展了自己的事业。
熊皮基金开启近现代艺术品
收藏与资本运作的合作模式
1904年，法国人安德烈・列维尔联合多位投资人成立了一个艺术投资基金，自称熊皮基金，名字来源于一个反对投机的寓言，“永远别在杀掉一头熊前卖掉熊皮”。
熊皮基金一共有12位投资人，每位投资者每年在这个基金投入250法郎，来合伙购买艺术品，10年后将基金的盈利兑现。当时，有两位投资人合买一份基金，因此熊皮基金共11份基金，一年加起来有2750法郎。大家还同意，在这10年内，投资者可以用买来的艺术品装潢自己的家。
由于总体资金有限，以及大家的爱好兴致所在，熊皮基金购买的基本都是当时新晋艺术家的作品，但投资人的眼光都十分独特，其中就有后来特别受到认可的梵高、毕加索等人的作品，他们是现代艺术史上非常有影响力的画家。10年内，熊皮基金约花费27000法郎，共计买入145件作品。
10年后，在德奥的拍卖会上，熊皮基金拍卖了自己的艺术品，几乎所有艺术品的价格都至少高出原价4倍。其中，毕加索1905年的一幅画，买入时花了1000法郎，结果拍卖获得11500法郎，盈利过10倍。熊皮基金的成功运作，成为资本与艺术结合的一个成功典范。组织者安德烈・列维尔认为，熊皮基金是一个有着文化回报的金融游戏，投资者不仅获得了利润，欣赏艺术的同时享受了超越物质的快乐，在经纪人和艺术家之间要获得了很好的信誉，实现了物质收益和精神收益的最大快乐。
摩根大通银行收藏巨量艺术品
备受好评
熊皮基金的运作模式受到一些国际银行的借鉴，摩根大通银行就是其中代表。摩根大通银行的前身之一美国大通曼哈顿银行的主席――大卫・洛克菲勒，是大名鼎鼎的洛克菲勒家族中的一员，他很早就对艺术品感兴趣，但是真正将大通曼哈顿银行与艺术品收藏联系起来，则是由于1959年银行兴建大楼。
大通曼哈顿银行是一家大型的零售银行，它的业务网点和办公场所都很多，曾经仅纽约市就有9座营业大厦。时任银行副总裁、总监理的大卫・克菲勒觉得需要合并工作场所，提高工作效率，于是买下华尔街2.5英亩的黄金地段，并请后来获得普利兹克建筑奖的戈登・邦夏所在的建筑事务所设计、建造新大楼。大家认为新的大楼应该时尚而且前卫，因此大厦只占用了买下地面的30%，其余空间被建设成开放式广场，在大厦内部、外部广场上进行了精心设计。
戈登・邦夏是一个很有创意，又对艺术很感兴趣的人，他强调新建的大厦还缺乏内部装饰，建议使用当代艺术品作为装饰，这样不仅为银行员工和客户提供了良好的环境，也为企业文化做出了努力向上的艺术诠释。在此之前，大卫・洛克菲勒曾经在名为410公园的项目中，以1.6万美元的高价邀请著名艺术家萨姆・弗朗西斯画过壁画，获得了理想的效果，因此他对戈登・邦夏的建议是支持的。
为此，大通曼哈顿银行在纽约总部成立了一个委员会，负责采购全球当代艺术家的艺术作品，采购行动很快就受到了各分支机构的关注，有些分行经理认为自己也应该有权拥有合适的艺术品。因此，各子公司也开始尝试艺术品收藏，日本东京的子公司率先买了一些日本现代艺术品。
一直到现在，大通曼哈顿银行以及后来的摩根大通银行都坚持进行类似的艺术品收藏活动，并一度形成了在全球450处办公区域收藏超过3万件艺术品的规模，平均每处约收藏60件艺术品。甚至有人说，摩根大通银行的生意做到哪里，它的艺术品收藏就开展到哪里。银行业务拓展到中国时，中国15世纪的丝绸水彩绘画作品、19世纪的水彩绘画作品、更多现当代的艺术品也被收藏起来。这些艺术品被大量装饰在办公空间中，员工的工作环境得到了极大的优化，银行的客户也常常对这些艺术品表示惊叹，这种“工作中的艺术”与“工作中的文化公关”犹如水融。摩根大通银行的核心价值观――创新、创意和革新――得到了传递，各处不同的艺术品风格也展示了各处分公司的独特之处。摩根大通银行还热衷向外界展示自己的艺术品收藏，1993年，他们筹办了电影故事展，展示观念摄影的一些作品，成功在拉丁美洲进行了巡展。
瑞士联合银行集团长期开展获益颇丰的艺术银行业务
瑞士联合银行集团堪称全球最大的私人银行，在全球商业银行和投资银行领域具有很重要的地位，在瑞士更是银行产业的象征和代名词。与摩根大通银行相同，它也长期开展艺术品收藏，而且很早就见识了艺术品的巨额财富魅力。
第二次世界大战期间，瑞士和纳粹德国相邻且是和平关系，德国以政府、个人的形式，将包括艺术品在内的巨额财富存进了瑞士银行。根据美国财政部的估算，这些财富中的黄金、钻石、珠宝等有形的珍宝，当时约价值5亿美元，而数量庞大的艺术品和文物，价值更为惊人。英国人曾对瑞士一家银行地下保险库的53幅名画进行估价，当时就价值不菲，现在基本每幅都可以超过几千万美元。瑞士获得的这些巨额财富，后来被盟军催缴过，但是仅进行了有条件的交还，包括交还回价值7500万美元的黄金，但不少人质疑很多宝贵艺术品并没有被交还。对于瑞士联合银行集团来说，这些艺术品与财富相关的往事，是印象非常深刻的，后来集团对于艺术品收藏也非常重视。
瑞士联合银行集团比摩根大通银行更进一步，其前身的主要银行从20世纪50年代就开始了重要艺术品的收藏，后来还专门设立了瑞银艺术银行开展艺术品业务。瑞士艺术银行包括艺术研究、艺术交易、艺术管理、结构解决、艺术平台等不同的业务。以艺术平台业务为例，就开展了巴塞尔艺术博览会、巴塞尔迈阿密艺术博览会等艺术展会平台，为客户提供现场的艺术银行服务。瑞士联合银行集团的品牌与艺术品收藏的体系，形成了一个互相强化的有益关系，增强了对银行客户的吸引力和号召力。欧洲货币杂志社曾将瑞银评为“世界最佳艺术银行”，根据瑞士银行2005年的投资研究表明，艺术品的投资回报率是6.35%，名列股市、房地产、银行等各种投资回报率之首。
瑞士联合银行集团还积极通过艺术品收藏的展示活动，传播自己的企业文化，多次参与世界大型展览活动，分享珍藏的现当代艺术作品，在艺术品的价值中融入瑞士联合银行的企业文化。在中国，瑞士联合银行集团就赞助了1997年创办的中国当代艺术奖、并于1998年首次颁发了终身成就奖、最佳艺术家奖、最佳年轻艺术家奖和评论奖等不同奖项。2007年1月，瑞士银行举办了艺术柔情之夜，推出了一批中国青年艺术家，举办了一场名为“惊蛰”的艺术晚会，现场成功组织了竞购活动。2008年6月至7月，瑞士联合银行集团还在上海美术馆举办了“为了明天的记忆”的当代艺术展，首次在中国展出了集团的108件艺术珍品，包括油画、版画、素描、雕塑、照片和影像Y料等。这些艺术珍品包括台湾当代艺术家陈界仁的一副人物肖像，描绘了台湾一家倒闭服装厂的失业工人；以及艺术家曹斐拍摄的短片，讲述了西门子工厂里实现梦想的年轻工人们。
德意志银行是世界规模最大的
艺术品收藏企业
德意志银行股份公司是德国最大的银行和世界上最主要的金融机构之一，总部设在德国法兰克福。早在20世纪70年代，德意志银行就已经开始收藏年轻艺术家的绘画、摄影等作品，是收藏1949年后艺术品的最重要的机构之一。与摩根大通银行相似的是，德意志银行最初收藏艺术品，也有办公场所需要装饰的原因存在。
当德意志银行的一栋栋现代化办公大楼在纽约曼哈顿拔地而起时，人们也开始购买艺术品妆点办公室。德意志银行的收藏以纸上作品为主，最初的收藏对象也是在德国及邻近地区艺术家的艺术品。1979年前后，德意志银行集中于当代艺术收藏，并开始将收藏事业扩展到全世界，最终花了30多年的时间，收藏了以当代艺术作品为主的56000余件收藏品，成为全世界规模最大的艺术品收藏企业，这些藏品分别陈列在德意志银行遍布65个国家的850家分行中。
曾经，在德国法兰克福的德意志银行总部办公大楼中，55层楼中的每一层都以一位艺术家的名字命名，并展览相应的作品。在位于英国伦敦的德意志银行办事处，60间会议室也分别以不同的英国、德国艺术家的名字命名，并在墙上展示他们的作品。在德意志银行的纽约华尔街总部，每层楼都有不同的艺术主题，比如照片、雕塑家的作品、肖像画等，很多都对员工与顾客开放。在这里有一张巨幅画作《浮士德》，这幅三联油画悬挂在德意志银行华尔街总部宽敞的大堂里，给人留下了深刻的印象。2011年3月，德意志银行法兰克福全球总部大厦经过改造后，将60位当代艺术家的作品分别在大厦每一层楼展出，作品包括1500幅绘画、拼贴和摄影作品等。艺术作品与德意志银行形成了无所不在的联系。
德意志银行不仅在银行内部展示这些艺术品，还长期坚持对外巡展，与人们分享艺术，传播企业形象。德意志银行多次做过艺术品巡展，在德国古根海姆博物馆等地展览过，还赠送给法兰克福市立美术馆等地。1993年，德意志银行还设立了“德意志银行奖”，来激励、赞助年轻的艺术家，每年从伦敦8个顶级艺术院校中选出10名获奖者，为他们提供8000英镑的奖金，以及德意志银行组织的为期4天的商业培训。2010年3月，德意志银行还设立了“德意志银行年度艺术家奖”，嘉奖那些在摄影和绘画方面有杰出成就的年轻艺术家，首次奖项颁给了非洲艺术家瓦格希・姆图。
艺术作品的好处篇6
短。会议开了一天半时间，主要讨论了“两个办法、一个方案、一个意见”，即《陕西省艺术创作专项资金管理暂行办法》《陕西省剧作者签约管理制度及资助奖励办法》《陕西省舞台艺术精品工程实施方案》《关于政府购买公共文化服务的意见》。会议坚持内容决定形式，与会者讨论发言直截了当、重点突出。
实。出席会议的领导讲符合实际的话不讲脱离实际的话，讲管用的真话不讲虚话。分管全省艺术创作工作的陕西省文化厅副厅长刘宽忍做工作报告，没有照本宣科，而是讲自己判断的大实话。他简要回顾了一年来，陕西省艺术创作以国家舞台艺术精品工程为龙头，以第九届中国艺术节、第五届中国秦腔艺术节为契机所取得的突出成绩，如秦腔现代戏《大树西迁》荣获“文华优秀剧目奖”和2008-2009年度国家舞台艺术精品工程“十大精品剧目”第三名，陕北秧歌剧《米脂婆姨绥德汉》荣获“文华奖”特别奖，《大树西迁》剧本荣获第三届“中国戏剧奖・曹禺剧本奖”第一名，秦腔现代戏《柳河湾的新娘》荣获“五个一工程”奖并参加了第九届中国艺术节展演，秦腔《大秦将军》《秦腔》《杨门女将》等16台剧目分别获得第五届中国秦腔艺术节优秀剧目奖、优秀演出奖特别奖、优秀演出奖等；陕西演艺集团省京剧院的京剧《风雨老腔》参加了文化部举办的全国优秀京剧剧目展演活动；还有歌舞剧《延安颂》、歌舞音画《金格灿灿彩》等8个剧目入选2010年度陕西省重大文化精品项目。
刘宽忍同志着重就陕西省艺术创作规划、培养编剧人才、艺术理论研究滞后和戏剧批评缺失、打造艺术精品、创新奖励与激励机制等问题进行了实证分析，并提出了“突出重点，真抓实干，开创艺术创作新局面”的工作思路和解决上述问题的具体措施。
中共陕西省委宣传部副部长、省政府副秘书长孟建国出席创作会议并在讲话中具体阐述了抓艺术生产需要处理好“四个关系”问题。一是处理好舞台“大制作”与传统舞台呈现“简约”的关系。二是处理好“获奖”与社会评价的关系。他指出艺术生产的定位很重要，艺术院团要有自己发展的设想。创作文艺作品不是只为了获奖，获奖不是目的，文艺演出是演给群众的、演给社会的，而不是演给领导看的。一个艺术作品、一台戏好不好，评价来自群众、来自社会、来自大众，而不是“小众”。三是处理好思想性、艺术性与市场性的关系。艺术创作也是生产产品，要考虑市场欢迎不欢迎。四是处理好政府扶持与面向市场的关系。政府要扶持文艺创作，要不断加大投入，这是政府的责任、是“民生工程”。政府要“养”，但不能“养”惰性。我们要解放思想，改变不利于陕西艺术发展的落后观念，陕西文化资源多、人才多，但有不少制约因素，要研究新事物、接受新事物，如陕西戏剧与影视结合的路子就很宽，有待于我们把传统的东西与现代的手段去对接。一句话，我们的艺术创作、文艺演出要面向大众、立足社会、立足市场，而不是面向领导、面向获奖。孟建国同志提出处理好“四个关系”的问题，观点鲜明、切中时弊，有一定指导意义，引起与会者的热议和好评。（根据本人讲话记录整理，未经本人审阅）
新。此次会议注重研究新情况，解决新问题。与会者一致认为会议提出的“两个办法、一个方案、一个意见”，为创新奖励和激励机制，从制度上保障艺术创作多出精品、多出人才打下良好的基础。
艺术作品的好处篇7
一、把美育融会贯通到声乐艺术教育的作品处理上
声乐艺术把作品处理称之为“二度创作”，声乐的作品就是歌曲，作品处理就是演唱，没有演唱，歌曲创作就是毫无意义的纸上的符号；没有演唱，歌曲创作就没有任何社会功能；没有合格的演唱，歌曲创作就会被扭曲了形象，没有赏心悦耳的美的感受。有了出色的演唱，歌曲创作不但能够“容光焕发、神采奕奕”地走进观众、听众，还会带着它特有的智慧、灵感赢得大家的喜爱和欢迎。声乐艺术教育，就是通过声乐艺术训练，使学生学会“二度创作”，不仅把谱子上的记载和基本情绪唱对，还要通过演唱揭示作品的深刻内涵，显示自己与他人有别的艺术个性，使作品因其演唱而增色添彩，达到其教育目的、起到娱乐作用，在大众心理引起共鸣，得到美的启迪。“二度创作”的好与坏，与演唱者的审美观直接相连，演唱者在作品处理中，必须用心去挖掘歌词、曲调的优美之处，用心体味歌曲的社会背景、时代意义和歌曲的艺术韵味，用真情去表演，情感交融，以情感人。
二、美育在声乐艺术教育中最突出的表现就是“情感”的无处不在
声乐艺术是以情感交流为目的，最讲求的就是“以情带声”、“声情并茂”。“以情带声”的含义可以分为两个方面：第一，歌唱不能没有声音的存在，无论声音是洪亮还是细腻，声音总是歌唱中的一个最为重要的因素，因此歌唱的情感也是以声音的方式来传达的。第二，把“情”理解为情感表达的要求和声乐审美意识对声音质量的指令性要求。当演员演唱一部音乐作品时，如想想把作品中所蕴含的思想内容以及情感完美的传递给广大的观众，那么就要用一种与作品相符的声音来演唱，且所演唱的声音一定不能背离声乐艺术的审美标准。“声情并茂”是歌唱者们不断追求的，重视声音忽视情感的表演通常给人一种机械的感觉，缺少应有的艺术感染力，这是违背声乐本意的。相反的，缺少了基础声音的存在，那么就不能称之为是声乐艺术。想要完美的实现“声情并茂”，首先，必须研究歌曲作品，了解歌曲作品的风格、创作动机、创作手法，歌词的思想性，表达什么样的情感，歌词、音乐的高潮点，包括哪些地方旋律鲜明，那些地方难度较大，要全面了解作品。其次，具备各种情感的体验，要能够体验到作品中的情感是一种什么样的感受。为此，要引导学生多学习、多观察、多研究，增加阅历，拓展知识，善于理解和接受别人，感受和品味喜悦、悲伤、离别、思念、兴奋、悠闲、豪放等情绪和情感。一个麻木不仁的人是绝对学不好声乐艺术的，一个对美无动于衷的人或者说不容易激动和感动的人，是绝对不能唱好歌的。如何加强声乐艺术教育中的美育的途径。
作者：陈宇单位：黑龙江艺术职业学院
艺术作品的好处篇8
自2011年被业界定义为中国“艺术授权元年”之后，艺术衍生品渐渐进入人们的视线。众多博物馆、美术馆、画廊等艺术机构都开始涉水衍生品，让诸多艺术家的作品出现在了一个个“限量版”的艺术丝巾、艺术靠枕、艺术丝绸画、艺术伞、艺术茶具器皿上，成为了大众“买得起的艺术品”。
也许你不见得买得起一幅艺术名家的代表作，但艺术衍生品的出现却让越来越多的人有了与这些艺术作品零距离接触的机会。然而，不少收藏爱好者对这一新生事物都还有所疑虑：艺术衍生品值得买吗？它有着怎样的价值？
收藏品vs消费品
随着社会经济发展和人民生活水平提高，人们对艺术品的需求越来越强烈，消费艺术品已不再是少数人的专利。应运而生的艺术衍生品，指的是由艺术作品衍生而来的艺术与商品的结合体，因而具备一定的艺术和收藏价值。艺术衍生品一般分为两种：一种是由艺术家签售限量制作的版画、摄影、雕塑等作品；另一种是由艺术家授权以作品延伸量产的家居和文具等生活用品。
与名家名作高高在上的价格相比，艺术衍生品价格会显得相当“亲民”，如一幅名家版画甚至只需以原作3%的价格就能拿下。艺术衍生品在西方已走过了几十年的历程，在国内却刚刚起步，但也逐步受到大家的关注，相较于艺术品而言，实惠的价格容易获得大众的青睐。不过，对于艺术衍生品究竟值不值得收藏，业界则出现了两种不同的声音：
一种认为，通过与艺术家的合作进行衍生品的开发和销售，以求当代艺术和大众需求的结合，特别是限量版艺术衍生品其作为一种载体，是对艺术展览和艺术品本身的延续，同时又因限量性，具有一定的收藏价值和升值空间。
还有一种观点则认为，艺术衍生品纯粹就是消费品。艺术衍生品作为艺术品的消费形式，丰富了普通人的生活，让生活艺术化、趣味化。但总体而言，衍生品纪念的成分超过了其他的功能，不存在投资的价值，只是一个纯粹的消费品。
刚起步的国内市场
就目前我国的现状来说，中国艺术品市场研究院副院长西沐认为：“艺术衍生品市场在整个中国艺术品发展里边所占份额不大，还处在一个起步的阶段。”相比来看，国外的艺术品则已经比较成熟，并且有一定的规模，产业的主体相对清晰，品牌效应亦明显。
有数据显示，全球艺术授权最发达的美国，其艺术授权产值已达到180亿美元的规模，而在亚洲还是一个新兴行业，目前我国年人均品牌授权商品销售额只有0.7美元，日本、美国年人均分别为91美元和365美元。业内人士分析，其原因就在于国外的各大博物馆、画廊、出版机构作为主体的形态都能参与到艺术衍生品的生产运作过程中来，同时整个版权市场保护、推广、授权、机制各方面非常健全，整个发展环境、法律环境、监管环境也都比国内市场要好不少。
国内很多博物馆对于衍生品的开发尚处初级阶段，具体表现为将艺术品缩小或复制在相应的日常用品上，以低廉的价格出售附着有旅游纪念品意味的小东西，但多数往往“粗制滥造”，难有品牌效应。在画廊与美术馆亦存在类似的问题，艺术品被简单地复制或者批量印刷。一些艺术衍生品仅仅是将艺术家的作品印在t恤、杯子等上面，简单地移植，没有设计在里面，这样的产品就仅仅只能是个纪念品。还有的产品则不实用，没有认真考虑艺术衍生品如何将艺术与实用相结合的问题。
归结来看，创意能力的不足、设计意识薄弱致使我国艺术衍生品种类太少，无法跟非常讲究对原创作品的二次加工设计的国外衍生品相提并论。由于大多数艺术衍生品还停留在把一个图案简单地附着在某一个器物上这样单一的商品设计概念里，往往就直接导致了消费者对这类艺术衍生品兴趣不足。
衍生品的价值
其实，从国内外的成功经验来看，艺术衍生品的合理开发，会给博物馆、美术馆等艺术机构带来巨大影响与经济价值。艺术品市场和其他商品市场一样，市场需求是多元、分层的，低价艺术品市场和高端艺术品市场的发展是相互促进的，其本身需求是在相互转化的。因此，大众艺术品消费是一个由低到高的过程，不能只看到天价拍品，而忽视了大众对艺术品的需求，一个低端艺术品的消费者很可能走向高端消费，这是一个动态过程。
在消费者形成阶段分层的情况下，艺术衍生品的出现无疑迎合了大众对中低端艺术品的消费需求。与此同时，随着消费者审美要求的不断提高，对艺术品的要求也不仅仅局限于纯艺术品的装饰功能，让艺术走入生活成为越来越多普通人的要求。在相当一段时间内，艺术品市场的消费只停留在鉴赏、把玩的层面上，大部分人是玩家，后来慢慢有资本进入，才开始了高端艺术品的消费。随着大众艺术品被开发出来，市场的差异化不断地呈现，需求也不断呈现多元化。从几元的明信片到几万元的版画、雕塑，针对大众对中低端艺术品消费需求出现的艺术衍生品，首先价格上就满足了喜爱艺术的不同消费群体，无疑具有一定意义上的价值。
值不值得买
那么，对于我们普通的收藏爱好者和投资者来说，当下的艺术衍生品究竟是否值得购买、该如何挑选，又是否具有一定升值潜力呢？应该说，国内的艺术衍生品市场确实处于一个起步阶段，衍生品的概念比较混乱，品质参差不齐、价格体系也很不成熟。但经过几年的发展，衍生品市场将来会有一个比较成熟的体系，在版权的保护和与艺术家版权的利益分配上会达成共识。同时，一些真正具有价值、品质高的艺术衍生品也会被人们所认可。
因而，对于艺术衍生品的市场前景，可以分两方面看待。一方面，如果原作升值，其衍生品也会水涨船高；另一方面，艺术衍生品如果品质好，又会被赋予新的价值。在选择上，艺术衍生品应当要反映艺术家的艺术理念，在艺术家理念和大众审美中取得平衡点。
艺术作品的好处篇9
关键词：艺术歌曲风格处理演唱
艺术曲的演唱不同于一般创作歌曲,她需要演唱者对作品要有深刻的了解,并在此基础之上,运用自己所学技术和较深厚的艺术功底进行艺术化的处理,力求达到作者所要求的艺术效果,将无声的乐谱以有声的艺术形式还原其艺术风格。为此,需要演唱者在演唱前进行大量的工作,这也就所谓“功夫在戏外”吧。
一、要深入分析作品
认真地分析作品的词和曲,这是演唱好任何音乐作品都首先要做到的,但对演唱好艺术歌曲而言,我们还要对作品的时代背景、各作曲家的个人创作风格等进行全面的了解和研究。
1.要分析作品的时代背景
很多艺术歌曲都带有浓郁的时代特色,饱含丰富的时代气息,可以说,一首优秀的艺术歌曲,就是以音乐形式对那个时代精神的浓缩和凝结。古典主义音乐崇尚理性、重视规范、要求感情的节制和形式,古典时期的作品声音力度不是很大,强弱的幅度对比也不是很强烈……在浪漫主义时期,音乐就着重强调自我主观意识的表达,作品多以理想事物、古代神话传说和幻想故事为题材,强调音乐与诗歌、戏剧、绘画等其他艺术的结合,注重音乐的标题性和诗情画意,重视吸收民族民间音乐的素材体现民族性。
2.要分析作品的民族特色
世界上任何民族的音乐都有既明显又与众不同的特点。我们应该借助语言学、民族学、历史学和地理学等学科的科研支持,更好地分析和演绎不同国家、民族风格作品。德国艺术歌曲的演唱含蓄、内向、诗意,声音要求圆润、情绪变化幅度小,情感更加细腻,小动作多……意大利的艺术歌曲演唱就比较倾向于热情洋溢,大起大落,感情很外露夸张,因此,意大利风格的艺术歌曲演唱需要更多的热情浪漫,声音的变化和幅度可以强烈些。我国在二十世纪二三十年代的黄自为代表的艺术歌曲的风格内向、典雅、小巧精制、文人气比较浓。
3.要分析作品的创作风格
舒伯特和舒曼同为艺术歌曲大师,但是由于其生活的不同经历,形成了他们不同的音乐风格。舒曼多表现人的内心情节,很少表现对大自然的感情抒发,其对歌词的诠释分别放在了歌声与琴声中,有时甚至用琴声代替了歌声,伴奏和演唱都成为作曲家的创作手段;而舒伯特的艺术歌曲较多地表现对大自然的感悟,在其作品中,钢琴伴奏的地位有很大提高,但仍以歌唱为主。在我国的艺术歌曲作家中,黄自的作品风格精致、典雅,赵元任的作品简朴、醇厚等等。
艺术歌曲的“根”是个体精神层面的艺术表现,演唱者必须要有这样一个寻“根”的过程,力图去最好的表现他的精神内涵。
二、要尽力融入作品
声乐演唱必然要贯穿情感,通过对艺术歌曲歌词的分析和研究,确定作品的主题思想,准确把握演唱时的情感基调,才能淋漓尽致地表现艺术歌曲意境,塑造出鲜明的艺术形象。
1.要展开场景想象
场景想象即想象作品描述的场景,并把自己置身于当时的场景,设身处地的感受。如舒曼的《献词》,演唱者可“移情”于这样一种场景:一个热恋中的充满朝气充满幻想的年轻人,急于向心上人表达自己的心声,心上人是那么美丽、高贵。再如《核桃树》,美丽的钢琴琶音音型和一再出现的主题动机,把春风荡漾、树叶沙沙作响的诗意,以及青年人对爱情的幸福憧憬,表现得无比生动。
艺术作品的好处篇10
关键词印刷美术新意视觉艺术
中图分类号：J524文献标识码：a
0引言
在科技不断发展，人类不断创新进步的过程中，视觉效应对人们的影响越来越突出。通过视觉感受人们可以接受来自不同方面的各种信息。通过视觉感受人们可以接受来自不同方面的各种信息。人们通过视觉感受获取不同的信息。因此，事物的视觉表现形式逐渐成为人们关注的重点。对于每个设计的专业人员而言，每一项设计都需要讲究一定的视觉效果。①视觉效果让人产生一种美的意境。通过艺术的设计，人们能够体会设计师从中想表达的思想。在每一项设计作品设计的过程中，设计师都会从“点线面”三元素进行融合，以达到一定的视觉效果。从印刷美术设计的现状中就可以知道，视觉艺术在其中具有重要的作用。印刷美术设计通过视觉的艺术特色，使其发展得更为迅速。随着印刷美术不断地发展，视觉艺术越来越受设计师们的重视。设计师以其通过视觉艺术将印刷美术设计得更为传神，具有新意。
1视觉艺术的概述
众所周知，视觉艺术不仅仅运用于印刷美术设计中，其还被广泛地应用于绘画、建筑艺术、实用装饰、影视、工艺品以及雕塑中。设计师在设计的过程中，通过利用一定的物质材料，塑造各种可以供人观看的造型艺术。视觉艺术的形式通常表现为动态影视视觉艺术、平面绘画作品以及三维雕塑艺术作品。②随着人类文化的不断更新，人们为传达各种有用的信息，自己创造出各种视觉较为形象的物质，这些物质逐渐成为人们相互交流信息的基本手段。这些物质现今被我们称之为“视觉艺术”。在印刷美术设计的过程中，视觉艺术可以在较短的时间内吸引受众的眼球，使得印刷美术设计能够在较大范围内很好地传播。可见，视觉艺术对人们的生活和历史文化具有深远的影响。但是，在视觉艺术不断被运用的过程中，设计师们却很难对其进行具体的定义。现今人们对视觉艺术概念的定义普遍以瑞士语言学家提出的“视觉艺术一中运用不同形式的语言”为准。当然，不同的设计师对视觉艺术的定义都有其不同的解释。随着人类文化的不断进步，视觉艺术在艺术设计中的重要性逐渐凸现出来。将视觉艺术运用与设计中的代表人物要数包豪斯、梵高、卡巴乔。在他们的设计中，视觉艺术表现尤为突出。
2印刷美术设计中视觉艺术的运用
梵高的向日葵之所以如此受欢迎，其中很重要的一个原因就是，视觉艺术在其中所起到的作用。足以可见视觉艺术在设计中的重要作用。
2.1视觉艺术，营造印刷美术设计的视觉冲击
人们在欣赏印刷美术作品时，普遍会通观整部美术作品，在视觉上产生总体效果之后，视线会停留于印刷美术作品中的某一处。可见，这个地方就是整个艺术作品的“视觉中心”。只有长时间停留于视觉中心之后，人们才会将视线移动，欣赏整部作品。从这个欣赏的过程就可以发现，印刷美术作品在设计的过程中主要需要加强作品中视觉中心的处理，只有在处理好视觉中心的前提下，人们才能够被该印刷美术作品所吸引。在印刷美术设计发展的过程中，主要从三个方面将视觉艺术运用于设计中。首先，突出印刷美术作品的主题。通过视觉艺术，在设计印刷美术作品时，将主题充分体现出来。其次，巧妙地运用图形搭配，彰显印刷美术设计的特色。印刷美术设计可以巧妙地进行图形搭配，将作品的特色展现给读者。最后，突出视觉中心。在印刷美术设计的过程中，处理好视觉中心才能够设计好印刷美术作品。
2.2视觉艺术，形成印刷美术设计的视觉美感
好的作品，通过其形象的设计和生动的表现，能够给人们留下深刻的印象。将视觉艺术运用于印刷美术设计中，不仅可以增强作品的流畅性，还可以提升作品内容的趣致性。③其实，在印刷美术作品涉及的过程中，加强视觉艺术的设计，可以增添印刷美术作品设计的“表情”。印刷美术作品的表情，是其视觉美感形成的主要因素。印刷美术设计的美感是通过读者的视觉感受到的。在作品设计的过程中，将各种视觉因素结合起来，使得整部作品形成既统一又变化多样的视觉效果。让印刷美术设计作品充满美感和灵性。
2.3视觉艺术，减轻印刷美术设计的视觉压力
随着社会的不断进步，多元化的生活产生出了多元化的读者。④在琳琅满目的艺术作品中，印刷美术作品如何在极短的时间吸引读者的眼球，让读者获取更多的信息，是印刷美术作品发展中的一个难题。因此，将视觉艺术融入印刷美术作品的设计中，不仅可以吸引读者的眼球，还能够让读者在欣赏的过程中减轻视觉压力。读者在艺术作品欣赏的过程中，难免会产生一定的视觉压力。印刷美术设计中的视觉艺术可以减小视觉压力，不会让读者在欣赏中产生疲劳感，从而促使印刷美术作品获得更好的传播效果。