表演艺术形式篇1
关键词：合唱艺术；表现形式；茶艺表演；运用机制；艺术交流
合唱艺术作为一种以声音诠释为主的艺术形式，通过多声部的整体融入，以及其多种演唱表现，从而实现了多人协同、一致表达的综合性音乐艺术。合唱艺术所诠释的艺术感染力和价值内涵，都能够充分合理的运用到茶艺表演活动之中，通过情感理念的诠释与文化感知，从而实现多元艺术包容的最佳呈现效果。
1合唱艺术的特点内涵及表现形式分析
对于合唱艺术来说，其更多强调的是集体性表达，并不是一种“个人秀”。所以，一定程度上看，合唱艺术恰恰是共识性艺术表达，通过合理理解，从而达到和谐、整体的艺术听觉效果。当然，合唱艺术在表达过程中，其往往也有曲目选择、服饰选择和情感诠释等一系列特殊性诉求。1.1合唱艺术的特点内涵诠释在当前合唱艺术诠释过程中，其中整体包含和诠释了多种旋律和情感特色，在合唱艺术中，其音域性较广，也有着丰富的音色和感染力，通过一致性指挥和表达，从而实现了最佳表演。合唱是一种集体性艺术，在表演过程中，需要每一位合唱队员将自身的音乐理解和艺术修养，乃至对音乐曲目的情感表达融入其中。合唱艺术往往较为震撼，尤其是能够给大众带来极具视听效应的艺术价值。合唱艺术在表现过程中，其以独特的审美特征与音乐和声、乃至集体人声组合，从而发展成为一种“多元融合”的音乐形态。在当前音乐艺术表现过程中，合唱艺术有着极其重要的价值和影响。
1.2合唱艺术的表现形式分析
合唱艺术作为现代音乐，尤其是声乐艺术中极具情感内涵和艺术特点的表现形式，通过诠释多种表达形式，多声部表达，进而实现合唱艺术的最佳享受。合唱艺术的生动诠释与表达，能够陶冶倾听者的心灵感知，更是能够实现艺术审美力的有效培养。当然，合唱艺术有着极强的震撼性，能够从精神上给人以启迪。合唱艺术在表达过程中，往往凝聚了合唱队员的情感理解与艺术认知，所以，在参与合唱艺术时，往往能够提升演唱队员自身对合唱曲目的全新理解与认同，从而切实提升合唱队员的音乐素养。对于合唱艺术来说，其作为一种极其独特的声乐表达艺术，相对于器乐艺术来说，合唱艺术中所诠释与融入的音乐情感，往往有着更加生动而直接的表达效果。因此，在当前我们传承与应用合唱艺术时，要认识到该艺术所具有的传承空间，在融入必要的文化理念基础上，通过情感内涵的合理诠释，从而实现音乐艺术的传承与提升。
2情感理念与艺术思维的多元融合：茶艺表演活动的价值内涵
在我国大众长期的茶文化理解与认知过程中，形成了茶艺表演这一艺术化形式。通过茶艺表演，我们既能够感受到其中关于茶文化的情感展示与艺术表达，同时其中通过融入服饰、音乐，乃至情感理解的方式，从而真正体会和品读到茶文化的深厚内涵和价值情怀。在进行茶艺表演时，音乐艺术有着重要的价值，其不仅诠释的是一种情感，更是提升茶艺表演活动内涵的关键。茶艺表演是我国茶文化的生动诠释，在该表演艺术中，我们不仅能够感受到生动形象的茶文化理念，同时也能够从具体的艺术角度来对茶文化予以直观认知。在当前茶艺表演活动全面创新的今天，充分发挥合唱艺术的真情诠释与多声部融合，并且将合唱艺术融入到当前整个茶艺表演活动的直观展示之中，就极具现实意义。在多元文化融合的今天，任何一种艺术在具体传播与发展过程中，都在经历交流与融合的时代命题。茶艺表演作为一种我国传统茶文化的展示方式，其中不仅诠释和展示了自身的表演规律，也彰显了丰富的文化艺术内涵。自茶艺表演形成之后，作为一种特殊的文化表现方式，为我国传统茶文化的生动传递与内涵性交流，提供了融合的平台。茶艺表演活动，恰恰是将茶文化理念以艺术方式来展现的活动，无论是其中所展示的动作姿势，乃至情感理念都是该艺术实现最佳展现效果的关键。整个茶艺表演活动，包含多种素材，无论是服装，还是倒茶的动作姿势，其中都生动表述了表演者自身对茶艺活动的深厚理解与认同。茶艺是我国整个茶文化的重要构成，茶艺表演则是通过表演者主观理解，进而来诠释相关文化色彩和人文内涵的重要艺术。所以，我们能够从茶艺表演过程中，感受到传统文化的深厚影响，也能够品味到其中对茶文化的情感理解与直观表述。
3茶艺表演活动中合唱艺术表现形式的合理运用
在茶艺表演过程中，通常需要结合背景音乐的旋律和内容等等来展现茶艺的动作姿势。所以，想要让茶艺表演活动更有观赏趣味和艺术审美，就需要注重选择合适的音乐元素。茶艺表演活动作为一种观赏性艺术活动，无论是其中曲目的选择，还是情感的表述，都需要注重多种理念的融合与表达。在茶艺表演过程中，其中并不是简单使用音乐曲目，更重要的是要站在艺术包容性的视角，挖掘音乐艺术中的内涵与精神理念，使其能够真正实现与茶艺表演活动的有效融合。合唱艺术作为一种集体性艺术形式，将其与茶艺表演相融合时，要注重理性分析合唱音乐艺术与茶艺表演之间的共性，通过融合多种艺术内容和情感内涵，从而在展示其中所表达情感基础上，进而打造极具特色和观赏效果的合唱艺术。对于茶艺表演来说，其本身就是一种极具观赏性和情感诠释的艺术形式，这恰恰就是当前两者深度融入的价值所在。想要实现两者的合理融合与应用，需要注重做到：首先，要对合唱艺术进行合理编排，形成相对内涵一致、表现相关的表演风格，特别是要充分注重做好合唱艺术的整合效果，在内涵融入之后，实现茶艺表演艺术的最佳展示。茶艺表演活动的基础是茶文化内涵，其中也有着生动、多样的情感色彩，而且从本质上看，茶艺表演与合唱艺术，都是真实情感的表达。情感共性，恰恰就成为多元艺术包容的生动展示。其次，要注重提高茶艺表演者自身的艺术素养和文化素质，只有茶艺表演者体会到了合唱艺术所具有的深厚感染力和独特情感，才能实现合唱艺术的理想应用。当前茶艺表演在传承与发展应用过程中，是一种多样化的艺术形式，因此，任何一种文化艺术体系的交流与融合，都不是替代性艺术，只有从包容与交流的视角基础出发，客观分析多种艺术的内涵化与多元性特征，通过寻找合理的融合点，在选择合理的艺术诠释机制，从而实现该艺术的理想价值与包含。茶艺表演艺术形成与我国大众采茶、制茶之中，其中生动再现了我国茶叶产业发展体系，因此，在当前我们理解茶艺表演过程中，只有从文化交流与艺术诠释角度出发，才能真正意义上实现对合唱艺术的合理融合。最后，情感诠释是大众在倾听和了解茶艺表演活动与合唱艺术过程中的基础性要求，这些恰恰也是影响这两者艺术发展与包容的重要内核。随着大众对传统文化的价值理解与认知不断深化，但是传统文化艺术在具体表达过程中，面临传承上的危机，尤其是缺乏生动客观的展示平台与载体，所以，探究合唱艺术的表现方式，并且将其进行合理改造，使其与茶艺表演活动相一致。因此，以文化传承与情感表达相结合的艺术融合，也进入了包容发展的全新时期。对于目前茶艺表演艺术的创新发展活动来说，其中彰显的是一种时代特点，也是从文化传递角度出发的全新艺术业态。
表演艺术形式篇2
关键词：合唱艺术美学；合唱艺术；友演形态；综合美
合唱艺术是一种由众人演唱的多声部声乐艺术形式，它起源于欧洲中世纪的宗教音乐。多声部歌曲中，每一个声部分别由若干人演唱的形式，称为合唱。常有说法把合唱艺术比作人声交响的艺术，显然，人声在合唱中永远是占有主导地位的。富有魅力的人声在合唱的织体中扮演不同的角色，交替出现、此起彼伏，形成我们对合唱的直接听觉印象。合唱作为一门综合的艺术形式，首先在灵魂上便是综合的，这里所说的灵魂即人声。人声的综合有两种类型：同声和混声。不同的人声在音色、音域和表现力等各方面都是不同的，根据这些不同的特点，把音色、音域这些因素相同或相似的人声组合在一起，变成为了同声合唱。
混声合唱是相对同声合唱而言的，由男声、女声(或童声)按一定的比例混合组成。人声组成成分的多样化，使混声合唱队的音色更丰富、音域更宽广、表现力更强，混声合唱充分展现人声交响魅力。混声合唱由男声、女声和童声有机的组合和交织，每一种不同音色的人声都相当于一种乐器。人还可以根据其本身对音乐的理解，通过调节发声的位置和状态来改变声音，这种能动性，是任何一种乐器所不能替代的。人声的这一特点，带给合唱音响无限的可能性，也就是说，听同一个合唱队演唱同一首歌，没有一次是给人完全一样的听觉效果的。混声合唱中，男声、女声、高声、低声，各种音响错落有致，此起彼伏，给人完美的享受。不一样的人声组合能带给听众不一样的视听美感，合唱不是人多力量大的艺术，而是讲究团体协作，讲究“共性”的艺术，是不同演唱形态的综合。
一、合唱中的轮唱
合唱中的轮唱是指将演唱者分成几组，按一定时距，先后错综演唱同一旋律的演唱形式。轮唱是中国的合唱作品中最常见的表现手法之一。首先，由于轮唱是节奏交错的演唱同一个旋律，本身的难度不大，容易掌握，因此，这种形式被广泛的运用到群众歌咏活动中：其次，虽然轮唱演唱的是同一旋律线条，但这一线条却在不同的位置有规律的交替出现，声部之间通过错位和补充，形成了和单声部齐唱完全不一样的效果，感觉好像在原有的旋律线条基础上增加了一个全新的旋律。使用轮唱的手法创作的合唱曲有很多，《保卫黄河》就是一首具有代表性的作品。
二、合唱中的齐唱
这是在合唱作品中所有的声部在同一节奏、音高上整齐划一歌唱的演唱形式。由于它通俗简单、容易掌握，而且演唱起来非常有凝聚力，所以也是在中国的群众合唱运动中运用最广泛的演唱手法，是最具有群众基础的表现形式。齐唱多用在合唱作品的开头，一般配合坚定有力或清晰明快的节奏。
除了作品的开头部分的齐唱以外，根据歌曲情绪表达的需要，也有的把齐唱设计在作品的中部和尾部。如果把前面说的齐唱比做是由统一到开放的放射状线条，那么恰好相反，中部和尾部的齐唱就是收束的线条，由几个声部的合唱转变为单声部的齐唱，大有万江河流注入大海之势，使得力度在对比之下大大加强，带给听众统一的美感。男生齐唱或女生齐唱也是运用比较多的齐唱形式，通常出现在相对缓和、抒情的歌曲中。由于男声和女声在音色、力度等方面的天然差异，无形中丰富了音乐的表现力。《走进新时代》是一首大家耳熟能详的独唱歌曲，它被多次改编成合唱，其中由陈巅改编的版本传唱非常广泛。歌曲以混声四部合唱为引子，营造了一个开阔壮丽的场面，后作曲家把主题部分巧妙地设计为女齐和男齐，用来代替原来的独唱，这一连接即保持了合唱作品的气势，又以纯美的音色极好地完成了与引子的连接和过渡，将齐唱的力度美、气势美和统一美完美的结合，发挥得淋漓尽致。
三、合唱中的对唱
合唱中的对唱是指在合唱中，两个或两个以上的声部或个人，相互交替，轮流演唱的表现形式。这种演唱方式在流行音乐合唱中比较常见，但也可以用于其他类型的合唱。对唱根据其声部表现内容的不同，分为以下几种：
一种是一问一答式对唱。这种对唱形式中的声部一前一后出现，代表不同的群体或个体形象，一个设问，一个回答，交替进行，最后走向一个共同的主题。《河边对口曲》就是一段典型的一问一答式对唱，曲中张老三和王老七是两个流落他乡的普通农民形象。问：“张老三，我问你，你的家乡在哪里?”答：“我的家，在山西，过河还有三百里。”在连续三个层层递进的问与答以后，问答的双方开始替换角色，反问：“为什么?王老七，你的家乡在何地?”答：“在东北，做生意，家乡八年无消息。”共同的遭遇引发了共同的心声，也引发了听众的共鸣，于是，对唱部分变为合唱：“仇和恨，在心里……一起打回老家去!”成功地呼唤了听众的回忆，点燃了欣赏者胸中的抗击外敌，保卫祖国的热情。
另一种是并列式对唱。并列式对唱中的所有声部所表现的内容都是以并列的关系出现，这种形式在流行音乐合唱中应用非常广泛，也就是我们常见的男女对唱合唱。这种对唱的声部可以是句子与句子的交替，也可以是段落与段落的交替，一般要以齐唱或合唱的方式结尾。
还有一种递进式对唱。递进式对唱中声部表现内容以递进的层次推进，不同的是，这种对唱形式的音乐进行会随着递进的层次托起高潮，并由声部的交替转变成为声部的交织，引出合唱。这种对唱方式在歌剧中比较常见。
对唱与前面谈到的轮唱有相似之处，所有的声部都不是同时开始的，不同的是，轮唱体现合唱音乐的交错、交织美，而单纯的对唱则展现合唱声部的交替美，声部与声部之间只有横向的连接，没有纵向的重叠，但这种音响，由于有了旋律美的衬托，同样可以给人美好的听觉感受。
四、合唱中的领唱
合唱中的领唱是指合唱作品中由一个或几个人声单独成为一个声部进行的演唱，这也是合唱作品中的一个重要表现形态，声乐艺术有着丰富的表情机制：诗情、曲情和声情，合唱艺术作为声乐艺术中一个重要的类别，这些表情机制也是必不可少的。诗情源于歌词，也源于创作者对客观现实的感受：曲情即旋律曲调，与诗情紧密相连又在某种程度上受诗情的情感制约；声情则源于人声，是人声对诗情和曲情认识、表现及再创造。只有在声情、诗情和曲情完美的结合时，便是我们常说的声情并茂的表演，才能真正满足欣赏者听觉审美的要求。
合唱是讲究共性的演唱，不过我们常在作品中看到体现个性的影子，那便是领唱。领唱的个性不是用来打破合唱共性的，从某种程度上说，它会帮助合唱更好地突出共性，并在“共”与“个”的交替中，推动音乐的前进。领唱与合唱的组合以二段体的歌曲较为多见，但也有可能是三段体。领唱的出现的位置是可以多样化的，可以在合唱队之前、之后或中间，也可以与合唱队同时出现。
五、合唱中的重唱
合唱中的重唱是指每一个声部由一个或两个人来代替演唱的多声部声乐艺术形式，它可以被看成是一种简约的合唱。根据声部的多少和音色组合的不同，重唱可以分为：女声二重唱、男声二重唱、男女声二重唱、童声二重唱，女生三重唱、男声三重唱、男女声三重唱、童声三重唱，女声四重唱、男声四重唱、男女声四重唱、童声四重唱等。
重唱通常被运用到大型的合唱作品当中，由于它的声部齐全，表现力完整，有人把重唱比作是合唱的炼金石。当然，不少精致的合唱小品中，也有重唱部分的穿插出现。重唱在歌剧合唱中占有一定的地位，在大型的合唱场面中，常常是独唱、重唱、合唱等各种人声同时作响，甚至出现几种不同类型重唱及合唱，它们互相交织，推动戏剧高潮的到来。
六、合唱中的朗诵(或独白)
朗诵是合唱艺术形态中非音乐性的组成成分，是口语化的部分。我们都知道音乐与文学有着深刻的历史渊源，早在没有录音记载的古代，就有用诗句来描绘音乐的典范，“大弦嘈嘈如急雨，小弦切切如私语，嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘。”白居易的《琵琶行》巧妙地运用拟声词来表现各种色彩、不同音高的变化和对比，形象生动，惟妙惟肖，从这里我们可以清晰地看见音乐和语言通过声音这个联结点完美地结合。
合唱艺术作为声乐艺术的一种，本身也是由音乐和语言结合而成的，因此理所当然，合唱艺术也有非常强的语言文学性，其声部的走向、交错或重叠，离不开语言(歌词)的内部韵律，同样，语言也会对合唱音乐的表达产生重大的影响，这里的语言除了歌词以外，还有单独的语言，即朗诵。朗诵作为合唱艺术表现形态中的一部分，主要运用在中国合唱作品中，其中《黄河大合唱》中的朗诵最具有代表性，流传最广。
大型合唱作品中的独唱，它可以将一切形式的演唱融合在一起，当然也包括独唱在内。独唱与合唱并不是相互对立、格格不入的，在篇幅较大的合唱作品中，常常有独唱的参与，有的作为某个篇章的一部分，有的则独立成为一个乐章，是整个合唱作品的重要组成成分。相对于以上所阐述的合唱众多不同组成形态，独唱是独立性最强的一种，它除了是合唱组成的重要部分外，还经常被单独提出来演出和演唱。
参考文献：
[1]杨辛，甘霖，《美学原理》北京：北京大学出版社，2003
[2]张前，王次昭《音乐美学基础》北京：人民音乐出版社，1992
表演艺术形式篇3
一、戏曲身段的表演形式
(一)形体表演动作自然。一个戏剧依靠人的行为来完成情节,而戏曲身段的创作特征则是围绕着戏剧创作的。在创作的时候,为了推动戏剧情节的发展,戏曲身段和其他的舞蹈一样,要具有明朗的节奏感,围绕着剧情的变化,戏曲的唱腔、韵白、锣鼓以及曲牌等进行变化。如:《卷席筒》中苍娃儿和《柜中缘》中淘气儿等这些生活化的“念白”,大都采用了口语化的形式,人物刻画大多利用了生活化的“念白”和“形体动作”,然后在经过艺术的提炼和美化,才能登上舞台。人物造型的主要方法是身法,在表演中,演员要根据任务的思想感情,要灵活的具有创造性的运用身段。如:在不同的行当中,“起霸”基本上都是一个路数,但是男起霸和女起霸则具有阳刚和阴柔之分,武生和小生则具有武气和文弱之分,因此在表演之前,演员就要充分的了解人物的个性和规定的情境,才能扮演好自己的角色,让观众得到美的享受,喜欢上这个角色。[1]
(二)从生活上出发。习武身段是戏曲艺术中一种独特的创作特征,它具有明确的生活含义。如:话剧演员在表现看花和闻花的动作的时候,不需要做出欣赏的姿态,他没有象戏曲那么多的讲究,手和脚随意摆放,比较自由。而戏曲则必须要在看花的同时,用手指向花开的方向,目光也要具有真实感。随着锣鼓的节奏,手提裙边,慢慢地移向花开的地方。并且闻花的体态很是夸张。即:右脚在后,左脚在前,轻梛步移往前方探身、把花慢慢拉直鼻尖,做出闻花的姿态,给人一种美感。和舞剧相比,戏曲的舞姿具有生活的含义。和歌剧相比,戏曲具有唱腔中形体动作所表现出来的思想内涵。如:《秋江》这出戏中,在一叶扁舟上,陈妙常和老艄公的动作变化,十分吻合客观环境的变化。戏中的很多的舞蹈动作都符合真实的生活。船头船尾两个演员的舞蹈动作,一高一低,就好像在波涛中起起伏伏给人一种真实的感受。在戏曲剧目中,戏曲身段的表演不单单就鲜明的造型美和节奏感,并且最组要的是运用了夸张、优美的身段造型,反映了任务内在的思想情感以及戏曲艺术的特色。《拾玉镯》中,通过对拾玉镯的外部身段表演,表达了一种欲拾又放的内心矛盾之情,揭示了人物内心的思想活动。[2]
(三)衬托和表现作品。在戏曲表演中,戏曲身段的广泛运用更好的表现了人物的性格,如:老鹰展翅、金鸡独立等等,模拟动物形态的舞蹈,把动物的形态更加柔化在戏曲身段中。作为一个演员,要想表达剧中的人物个性和形象,就要更好的运用自身的形体动作,弄明白戏曲身段所要表达的思想内涵。如:为了更好的表达李逵和张飞等人物,不单单运用了声音,而且要在身段上吸收了一些凶猛动物的形态,展现出了此类人物的勇猛。在我们民族悠久的历史中,舞蹈是一种表达心内情感的肢体语言,人们在生活和生产劳动中把动物换位舞蹈运用于人体。从而戏曲也吸收了这种创作手法。如:《十五贯》中,采用了一些老鼠的形态和动作,来表演刻画娄阿鼠的油滑、狡诈、诡秘多疑的人物性格。如果以上这些形体的表演设计与作品的要求相差甚远,那么这个戏曲身段的创作注定是失败的,没有任何意义。因此在形体表演创作中,必须围绕着作品来设计外部形态和身段,提炼和美化形态表演的内涵。如:《扈家庄》中的扈三娘,是一个狠、美、稳、媚的人物角色,那么在表演的时候,遵循这个表演要领,淋漓极致的展现出扈三娘人物性格。
二、戏曲身段的艺术价值
戏曲身段具有独特的艺术价值。在中国戏曲悠久的历史中,戏曲艺术具有成套固定打个表演手段,人们根据生活生产中的事物,创作了戏曲,而戏曲中的戏曲身段优势不可缺少的重要因素。戏曲舞台上的人物亮相、出场、走步等都接近于生活真实的形态。在生活中,人们为了表达各自的目的和愿望,通过语言、面部表情、形体动作把人的行动和行为表达出来,并且美化和夸张了其动作形态,从而体现了人们丰富多彩的生活,表达了人们内心丰富的思想内涵。在戏曲的表演中,戏曲动作本身的运用和编排,都要从人物和剧情出发,展现剧中的情境和人物的情感、行动、风貌以及神态等等。而戏曲身段为了达到和动律美感和形态没干的完美结合和统一,使身段更加具有显活力,更能表现出作品的细腻和美化的艺术形象,从而更加具有艺术价值。另外,经过我们历代艺术家们提炼、加工,形成了多种多样的戏曲身段,从而有利的体现了人们多姿多彩的生活内容。如:我们经常能看到戏曲剧目中有上下楼、开门等一系列的身段动作,都是按照真实生活中的形态提炼加工而成的。经过演员自身的形体动作,展现在我们眼前的是生活中真实的开门和上下楼梯,从而使观众感受到一种无形胜有形的艺术魅力,能够从演员的身段中,欣赏到生活中更美好的东西。而从剧情中的喜怒哀乐,引导人们感受五彩缤纷的生活,让人们感觉到生活的美好。[3]
表演艺术形式篇4
一、中国戏曲表演有其独到的特殊性
中国戏曲表演艺术是以唱、念、做、打的综合表演为中心的戏剧形式,它以程式化的歌舞表演故事,经过千百年来的锤炼,创造了丰富的艺术表演手段。而这些大量的、精美的艺术表演手段,集中体现在戏曲演员是否掌握好了戏曲的基本功――“四功、五法”。从某种意义上讲,中国戏曲中人物形象的塑造,一般需要先有“功”,然后才能有人物。也就是说,一个戏曲演员要想在戏曲中塑造好一个人物形象,首先要学习好五法即手、眼、身、法、步以及戏曲发音、戏曲舞蹈、戏曲节奏、戏曲锣鼓经等,为以后塑造人物做起码的技术准备,为将来在舞台上娴熟运用歌舞化的行动展现戏曲冲突和矛盾打好基础,这一课是戏曲演员不可或缺的。
戏曲演员需要改变生活中自然的道白、动作、语调,遵循“以歌舞演故事”的戏曲程式,把生活进行艺术化的处理后,才能搬上舞台。因此,戏曲演员首先需要具备戏曲艺术特有的表演技能,一名戏曲演员如果连表演程式动作都完成不了,那就更谈不上去进行剧中人物的心理体验和舞台表现。
其次戏曲演员还需要赋予角色以生命。中国当代著名戏曲理论家、表导演艺术家阿甲先生说:“戏曲演员不是简单地、直接地从自然界形态的生活去体验角色,而是要从戏曲的歌舞规律所转化的艺术形态的生活体验角色,这种体验,是审美意识和表演技术紧密结合在一起的,是戏曲歌舞生活的体验。”
中国戏曲要求演员在舞台上只是演戏,而不是在真实地生活,既要有深厚娴熟的一整套程式化基本表演技能,又要把情感凝聚在程式技术的展现上,要体验的是戏曲化艺术感情,而不单纯地停留在生活化情感体验层面上。戏曲表演不同于话剧,电影的表演,要求演员形神兼备,它通过高度提炼,把一切心理的活动表达到外形上来,而且要准确生动地把它通过唱念做打诸程式表达出来,既要合乎人物的身份性格,又要合乎具体情境,要表现得人人都能看的懂,使观众获得一种美的享受,这也是戏曲表演方法的一大特色。
二、中国戏曲表演运用程式化的技术去进行人物体验
中国戏曲表演艺术的特殊性要求演员要运用戏曲程式化技术进行人物体验。戏曲艺术的体验,主要是在以歌舞演故事的过程中进行的。当然戏曲艺术不排除对现实生活的观察和体验,不反对从生活的逻辑出发,但最终都必须要进行歌舞化、诗词化的艺术加工,而不能是原生态。
中国戏曲界千百年流传下来许多著名戏谚,如:戏不离技,技不离戏;艺中有技,技中有艺;是艺必有技,光技不算艺;技为艺所用,用技不显技等,可以看出自古以来我们的戏曲界前辈,通过千锤百炼的艺术实践得出的经验总结,讲明了戏曲技巧与戏曲艺术的辩证关系,这种戏曲观与西方对戏剧的认知观是不同的。阿甲先生讲:“戏曲演员,应具有这样两种材料:一种是基本的舞台技术(唱、念、做、打的基本功夫),这是铸造角色的钢材;另一种是演员在规定情境的烘炉中,燃烧自己的热情,将这些钢材溶解在角色之中。”阿甲先生在这里讲了中国戏曲表演艺术的特殊性和要在特定的艺术氛围中去释放激情,要从艺术的角度出发。这其实是要求戏曲演员要始终绷紧艺术这根弦,从戏曲艺术的角度去准备舞台表演技术,从艺术的角度来训练自己的激情,在艺术的范畴中奏出角色心曲。中国戏曲表演艺术的特有魅力,正是由于这种独特的艺术思维和要求而产生,使其成为独立于世界几百年,至今仍在发出灿烂光芒的独特艺术流派。
无数前辈戏曲艺术家们的实践证明,戏曲演员要想成为优秀的艺术家,必须要把各种戏曲技巧元素掌握好,并使之烂熟于心,控制拿捏得恰到好处,达到得心应手、呼之即出的程度,才能为塑造出活生生感动观众的人物形象服务。戏曲演员通过“四功”“五法”这些整套戏曲舞台表演技术去表现人物的性格和思想,如果戏曲演员失去了真功夫的技术支撑,仅凭内心体验在舞台表演戏曲,其结果必然失败。
三、中国戏曲表演达到动作与内心的有机结合
由于戏曲艺术表演程式是将不同类型角色的感情,用外在的程式动作固定下来的产物,是角色精神生活的赋形。其形体和心理是有机联系的,是并行、交织展现、互相引发的,因而就产生了使戏曲外在的程式动作能反作用于内部体验。演员在舞台创造的个别瞬间,可以借一套程式动作所铺成的轨道,进入角色的内心世界中去,表现出他曾经体验到的角色的情感。
中国戏曲艺术塑造角色过程中的这种现象和方法,是将原来已经固定的那些成功的内心体验的方法拿来重复进行使用,是一种特有外在动作程式化的戏曲表演形式,即“在戏曲艺术创造中,既然内心体验会激活形体动作,而形体动作当然也可以反过来引起内心的活动来,出自内心的也就是进入内心的。这种由内到外,再由外反作用于内的对流过程,就是在表现过程中,人物外在的程式动作引起的内心的适应过程。”
戏曲演员在表演过程中,所饰演的人物每一个表演动作的内在目的,必定要在它本身含有动作的核心。无形无体的内心情感能够反射地影响我们的生理机能,使它发生动作,也能反射地影响我们的心理活动,使它复活内心情感。值得注意的是,没有灵魂的形体,只能是没有生命的傀儡。如果在创造过程中,首先不深刻了解角色的生活状态,不去体验角色内心情感,单纯从外形活动上去塑造角色、表演角色,是不可能正确体现出角色的精神生活的。中国戏曲的特殊体验方法是:“词虽有意,意虽有艺,艺里有形,形里有神,互为表里的有机统一。”只有经过“歇心养气”“动心化形”的体验方法,才能达到中国戏曲表演艺术所要求的“外在要精,内在要充,以情为主,内心自明”的目的。
表演艺术形式篇5
在诸多艺术形式中，表演艺术是距离人民群众最接近，也是最能被人们所喜闻乐见的艺术形式之一。表演不仅可以深刻地反映出人们的真实生活，又能够帮助人民来认识自身的生活。表演，就是用可视的方式来把艺术呈现在人们的面前，因而表演具备了直观的特点，和反应社会的功能。我国悠久的历史中，积淀了很多经典的表演艺术作品，在历史上留下了浓墨重彩的一笔。现代人可以透过这些经典的艺术作品，来对当时的社会生活加以认识，这说明表演艺术作品不仅具有当代社会功能，在历史发展中还可以为后人提供参考的艺术形象。
表演艺术是社会生活在艺术上的真实反映，其所呈现出的艺术真实实际上就是源自于社会现实，所以说从根本上来看，生活就是表演进行艺术创作的源泉，并且是唯一的来源。在表演艺术体系中，其所指向的生活，就是创作者源自于自身体验的生活，是作者在自身的生活实践中逐步所感悟到的，通过自身审美等来建构出的。笔者认为，并不是所有的生活都可以进行艺术表现，因为生活与艺术之间并不可以直接划上等号。生活是表演艺术的来源，也是表演艺术的生命力，只有当表演艺术扎根于生活之上的时候，我们才可以从中体会到生活本真的真善美，但凡是伟大的艺术家，都是深深的植根于生活基础之上的。这带给我们许多启示，表演艺术能力的提升不仅需要重视表演技术，还需要重视生活基础和文化基础的学习。
一、生活是表演艺术的源泉
（一）没有生活就没有表演艺术
生活是艺术创作的源泉，没有生活就谈不上表演艺术。而表演艺术工作者要提高自己的艺术技巧，唯一的途径就是深入生活，体验生活，真正地扎根群众当中，深刻领悟现实生活的真谛，才能更好地通过自己的表演来影响、感染广大的受众群体。因此，现实生活在戏剧表演艺术工作者的表演生涯中起着至关重要的作用。表演艺术总是来源于生活，反映生活，但是反映出来的生活又不等同于现实生活，也不是纯粹简单的照搬生活，更不是主观臆断，闭门造车。“表演艺术是渗透着作者对实际生活的感受和认识，根据对生活材料加以选择，提炼，加工。”话剧《茶馆》描写了清朝末年和民国初年的社会历史变迁，地方虽小，但是茶馆中所发生的故事，却能反映出纷繁复杂的社会生活和时代风云的变幻，小小故事其实都是社会大环境中一个简短的缩影。如果没有实践生活作为体验基础，没有好的生活素材，就不会产生如此优秀的作品。
生活为表演艺术提供丰富多彩的素材。“从物质决定意识的层面来讲，艺术属于意识层面。”表演艺术中的喜怒哀乐，悲欢离合，生活百态都是对在社会中的真实反映，演员通过自己的表演把人生常态用艺术的表现形式还原于生活，使人们从典型的舞台表演中获得艺术化的感受，得到积极的启迪和影响。表演艺术形式具有更加直接和更加强烈的影响人们感情的特点。通过大量的表演形式和视觉效果，表演者用丰富的肢体语音、声音语言以及其他表演形式来鲜明地表达艺术化的情感，表演工作者根据作品要求和自己对作品的理解，直接表达剧情人物的情感，思想等。表演艺术不同于其它的艺术形式，表演和观众是一种近距离的直接交流，是一种声情并茂的舞台表演艺术形式，所以演员比其他艺术形式更善于触动人的心弦，感染观众，从而引起观众的共鸣。但是，这样的表演无论怎么样的艺术加工，归根到底还是对生活本身的真实反映，也就是说，表演离不开社会生活做基础。如果没有现实生活作为素材的来源，那么表演也不会有生动，鲜明的表演，就不能打破观众的心，也不会留下深刻的印象。
（二）表演的角色是在生活提炼的基础上形成的
表演者不同的生活经历，以及对生活的不同态度和理念等，导致了表演者形成了完全不同的主观条件。这就会导致同一种社会生活，经过不同表演者的演绎就会产生不同的表演结果。表演者的艺术表达，体现出创作主体对生活的独特感受以及个性化的认识，所以说要对生活进行正确的认识才可以更好地反应出生活的本质。经历过表演的人肯定都了解，生活是进行表演的源泉，一旦离开生活，所有的艺术形式都会成为空洞的外在躯壳，而没有感动人的生命力。艺术本质上是源自于生活的，不管是国内还是国外，早期还是近代，伟大的艺术家都是要从生活出发来进行艺术创作的。
演员是表演人物创作的灵魂，一个演员是否可以创作出具有鲜明特征以及高度艺术价值的人物，这和演员是否具有较强的艺术感悟力和理解能力有关的。一个演员如果想要创作出更能打动观众的人物，必须要具备的就是较高的艺术感悟能力，也就是对艺术理解的能力，但是这种能力并非是演员可以在短时间就培养出来的。从表演学习体系来看，这需要演员在长时间内接受文化、艺术和价值观念的熏陶，在潜移默化中经过长时期的积累，才可以最终在角色中表现出自身对艺术的感悟力。
当一个演员真正进入到表演实践中的时候，才会体验中表演真正的艺术特性。这是一种极为清苦和寂寞的艺术形式，而日常的表演学习更是困难。俗话说“艺不压身”，作为演员更是这样。因为表演是一种综合性的艺术，文学、音乐、舞蹈等都在表演中得以展现，所以演员需要在这些方面都有所学习，才可以最终提升自己的表演艺术能力。笔者在实践中逐步认识到，实际上一个优秀的演员到最后，所展现的就是自己的文化实力。目前我国各行各业的竞争都十分激烈，表演行业更是如此。要让观众来喜欢，并且认可一个演员的艺术创作，这需要演员在日常的学习中不断地提升自身的文化修养，同时提高自己对一个角色的理解能力和感悟能力，只有这样才可以创造出更具亲和力的人物形象，从而让观众对之更为接受。一个演员对角色的理解能力和感悟能力，除了表演技术本身之外，还包括了自身的文化艺术修养和思想境界。文化艺术修养无法在短期内快速提升，需要在长时期的学习中不断地积累。需要演员在日常生活中，对文学、音乐和美术等都所有关注，这样才可以提升自己的艺术表现能力。只有这样，演员所创作出的人物才不是单薄的，而是更加立体的。从上面这几点可以看出，想成为一个优秀的演员，不仅需要有大量的生活积累作为创作素材，同时还需要培养自己的艺术感悟能力，将生活中其他人的经历来化为己用。这样的话，才能让自己所创作的人物形象是扎根于生活，不会偏离生活。
（三）生活体验不断提高表演者的表演技能
表演技能除了寻找好的表现方法之外，还有许多其它因素。比如对生活的积累，对历史文化的理解。表演艺术家只有在体验生活的基础上，深入理解生活的本质，才能把在生活中提炼出来的艺术形象通过表演展现给观众，才能创造出好的艺术作品。如我国著名的话剧表演艺术家朱琳就是非常注重生活体验的，她表演的作品《雷雨》和《武则天》都给观众留下了深刻的印象。如果不是对生活的体验那么仔细，朱琳的表演也不会那么生动具体。朱琳在《雷雨》中演出的鲁侍萍形象给大家留下了深刻的印象，既符合人物的身份，又是对生活的艺术体验。她表演的艺术形象自然真实，既能让观众感觉是生活中的人物，同时又能让观众感觉是经过生活提炼出来的，生动的艺术形象打动了所有的观众，这种技能的提高是在生活体验当中不断形成的。
“艺术家这种贴近生活和刻苦体验生活的工作经验值得所有表演艺术者的学习和借鉴。”他们热爱自己的表演事业，为了体验生活穿行于街头巷尾，同各种各样的职业进行交流沟通，甚至有时还要到偏远山区深入体验农村生活。正是通过仔细的观察和深入的了解，所以他们在表演的过程中就能达到非常好的效果。所以说不管是什么时候，表演艺术家要获得成功，就必须不断地创新，不断地深入生活。表演者为了积累丰富的生活知识，提高自身的生活素养，就必须随时随地地观察与体验生活，这是表演工作者表演的基础。戏剧表演应该克服满足现状，概念化的表演模式，开展多种形式的演出，真正走到群众中间，体验生活，还原生活。和观众形成一种互动，积极促进戏剧的发展，不断满足群众精神文化需求，提供适应人民群众需要的文化服务，积极深入实际，深入生活，多创作人民喜闻乐见的表演艺术作品。
二、表演艺术是对生活的反映
（一）表演艺术是对社会生活的反映
既然艺术作品是植根于现实的，那么其所呈现出的艺术真实就必须是要源自于生活的，所以说，生活就成为了艺术的唯一来源渠道。在表演艺术中所涉及到的生活，实际上就是表演者对社会的一种实践体验，是创作者在生活中所逐步体验到的，是通过审美来进行发现的生活。并不是每一种生活都可以进行艺术反映。
“表演艺术作为一种特殊的表现形式，和社会科学一样，都是社会生活的反映。”表演并非是一种消极的形式来对生活加以反映，而是进行积极的，具有较大主动性的艺术反映，同时艺术需要反映出生活的本质。但是与其他社会科学所不同的是，表演艺术形式是用完全不同于生活的方式来进行反映，而社会科学则是用抽象的文字概念来进行反映，表演艺术却可以创作出具体的艺术形象，来对生活加以反映。这是表演艺术所不同于社会科学的一个重要的特点。形象，是表演艺术反应社会现实的一种手段，任何艺术都是无法脱离形象的，因为离开了形象，艺术本身就是不存的，也是不现实的。表演艺术不仅需要具有形式美，同时在内容的传递上也需要考虑到艺术美的问题。表演艺术家需要正确的处理再现和表现的关系，也需要处理艺术形象形似和神似的关系。表演艺术所创作出的人物对社会生活的反映，并非是一种直接的再现，或者是模拟，而是要通过对社会现实仔细的观察，加以自身的解读，融入进自己的表演技巧，来展现出这个人物内心的情感，是一种对生活的升华。
表演艺术，这是一种较为独立的艺术形式，是将动作场景来视为主要的表现手段，用舞台上的动作、声音和面部表情等作为主要的表现手段来对社会生活进行表现，从而传递出一个演员的思想感情。人们在劳动实践中，创造了丰富多彩的艺术生活，但是这些生活因为没有经历过艺术家的提炼创作，所以是一种原生态的美，这种美和艺术美之间的区别就是不够形象，也不够生动。而表演艺术如果不能具有形象美，那么就不会被观众所接受，也就无法爆发出艺术上的感染力。表演艺术在本质上的属性，就是要对生活进行艺术再现，是一种可以直接表现人类感情的艺术形式，是人内在情感的外化。例如说在著名话剧《雷雨》中，我们通过演员的表演可以看到人物在封建社会压制下性格的扭曲和分裂，这部话剧所展现的就是当时的新一代青年对封建制度的痛恨的态度，希望可以突破封建制度的压制来走入新的生活，但是我们通过大量的人物冲突看到了周朴园为代表的封建主义者与新青年之间的斗争，通过雷雨物化为舞台造型。所以说，这部剧真实地呈现出了当时社会的真实生活场景，但是又极具戏剧冲突性，让观众从中看到了生活的影子，但是又感受到了艺术的爆发力。从这里可以看出，表演者不仅需要重视对生活场景的再现，还需要突出自己的艺术能力，来加深观众对人物角色的理解。
（二）表演艺术是对生活的体察
在任何形式的艺术创作中都需要首先对生活进行观察，在对生活进行感悟的过程中，要始终把握住最本质的东西，才可以不被生活表面的现象所迷惑，从而可以让自己的艺术创作达到一定的艺术深度。这就需要艺术家加深对生活的体会，不是走马观花的对生活进行观摩。例如说我国的传统艺术形式书法，许慎早在东汉年间就提出书法的艺术美实际上就是形态美，这是进行书法艺术创作的艺术标准。而书法艺术就是以自然万物作为艺术基础的，是在自然美的基础上所逐步抽象出的艺术符号。现代人类所生活的社会环境，以及人们之间所形成的社会关系是非常复杂的，这需要表演者在长期的生活中进行深入的观察，才可以从中寻求到营养，从而对生活产生更准确的认识。表演艺术所需要的生活基础，并不是要让表演者进行表演之前去进行临时性的充电，而是需要表演者在其日常生活中就始终坚持对生活敏锐的触觉，来对生活进行观察和记录，逐步积累出自己的创作素材。我们经常可以在一些伟大的表演案例中看到，成功的表演艺术所呈现出的生活，与我们所经历过的某个事件十分类似，但是自己在经历时却没有对此加以注视。这说明表演艺术家需要建构出于平常人所不同的生活触角，要在生活中始终保持强烈的好奇心和求知欲，这样才能够对生活加以更为细微的观察。这正如法国雕塑家罗丹所说：“所谓大师就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现美。”
人们的社会现实生活是十分复杂的，也是有很多侧面的，从表演艺术这门艺术形式来看，就可以分为直接生活与间接生活经验。表演中的直接生活经验就是要源自于自身的社会生活实践，而间接的生活实践就是艺术家在文学、影视作品中所获得的生活经验。不同的表演任务需要表演者去寻找不同的表演经验，例如历史题材的演出任务，因为其生活场景无法在现实中寻找到对应，所以只能从其他的途径中来获得。但是不管是直接经验还是间接经验，都需要我们对生活进行认真的思考，否则很可能导致自己的生活出现差错。例如说对历史题材进行创作时，如果我们缺乏对历史的深度了解，那么就可能导致自己的台词或者服饰造型等出现和历史相矛盾的地方。这些微小的错误会直接影响到观众对表演作品的认同性，因为在很多观众眼里，真实意味着表演艺术的根本生命力。
（三）表演艺术是生活的情感体验和积累
任何艺术的创作都需要艺术主体在创作中投入真情实感，一个在感情上比较淡漠的人，对生活没有任何感悟的人，是不可能被生活中的细微之处所打动的，也就不可能创作出感动观众的艺术作品。我们可以想象，如果一个艺术家长期生活在城市，对农民缺乏认知，也缺乏感情，那么他创作出的农民形象是很难打动观众的。表演艺术同样如此，我们需要加深对创作对象的理解，进而才可以加深对艺术形象的感悟。
表演艺术形式篇6
【关键词】歌舞表演；发展趋势；人才需求
作为一种综合性的艺术表现形式，歌舞艺术具有叙事能力清晰、情感色彩突出、简单通俗等优点。歌舞表演艺术在我国以及世界上许多其它国家和地区均已由来已久，深受群众喜爱。但是近年来，在各国文化不断碰撞交流以及互联网络不断发展的同时，人们对于艺术形式的审美要求以及审美情趣也发生了明显的变化，因此，歌舞表演艺术在当今社会中的发展可以说是机遇与挑战并存，为了在众多的艺术表演形式中保持优势的竞争地位，进一步扩大消费市场，有必要全面分析歌舞表演艺术今后的发展形势，在此基础上制定合理的歌舞表演人才培养方案。
一、歌舞表演在当今社会的主要发展趋势
我国文化源远流长博大精深，经过长期的历史积淀，我国的许多个民族都形成了自身独特的歌舞表演形式，给人们带来了丰富的视觉享受。比如我国汉族的民间舞蹈花灯、采茶灯、打花鼓、打莲湘、唱春牛、地花鼓、二人台、二人转，藏族的弦子舞，蒙古族的安代舞，等等。但是，任何事物均具有不断发展的特点，如果墨守成规只能走向衰亡，因此，我国社会中歌舞表演艺术的发展一定要紧跟时代的步伐，不断进行变化和创新。笔者认为，今后我国歌舞表演艺术的发展形势主要包括以下方面：
（一）专业化与多元化相互结合。近些年来，我国居民在精神产品方面的消费不断增加，审美品位和鉴赏能力也在不断提升。对于艺术产品，消费者在追求视觉享受的同时，也更加在乎这一艺术表演形式是否制作精良，是否专业。因此，为了满足观众的审美要求，表演者要不断提高自身的专业素养。但与此同时，当前的文化艺术形式已经进入到了一个全新的多元化时代，任何一种单一的艺术形式都不能够长远的生存和发展下去，因此歌舞艺术团队在进行人才招聘的过程中，一定要注重考察人才的综合素养能力，考察其在具有专业的歌舞表演艺术的同时是否具备其他才能，只有充分保证团队中人才素质的综合性，才能够在现有的歌舞表演艺术形式的基础上进行不断的丰富和创新，实现歌舞表演艺术形式的多元化。
（二）世界性与民族性的不断融合。专业的舞台剧等歌舞表演形式在我国的发展尚处于初级阶段，因此在未来阶段内，需要不断加大这种文化艺术形式推广与宣传。但是与此同时，为了确保这种艺术形式能够在短时间内得到广大人民群众的认同，需要在不断的舞台表演过程中总结艺术经验，实现西方文化形式与我国传统艺术形式的不断交流与融合。想要顺利的实现这种趋势的发展和转型，需要做到两方面内容：1.国家相关部门必须要给予歌舞表演艺术充分的发展空间，给予其相关的优惠发展政策，同时给予一定的经济补贴，降低歌舞欣赏艺术的表演门槛，促进歌舞艺术形式在群众文化中的发展与完善。与此同时，国家需要对我国传统的歌舞表演艺术形式进行全面的保护，吸引更多的年轻人进行传统歌舞表演的艺术传承，促进这些文化艺术的长远发展；2.各相关艺术表演团体以及民间艺术文化表演团队需要加强合作，不断增加对歌舞表演艺术的宣传和推广。事实上，本世纪初以来，我国相关文化部门就已经联合电视台进行了关于歌舞表演艺术的宣传节目，以集中、全面、多元的角度，充分向全国、全世界的电视观众展示了中华民族优秀灿烂的歌舞文化。近年来，各种智能移动设备以及互联网络的不断发展又为歌舞表演艺术形式提供范围更广、速度更快的宣传平台和途径。
（三）题材的不断丰富化以及表现手法的不断创新化。歌舞表演艺术作为一种人民群众喜闻乐见的艺术表演形式，其突出特点表现文通俗易懂。在新时期内，想要实现歌舞表演艺术的繁荣发展，就要深入的挖掘并利用这种优势，在展现的题材上，歌舞表演艺术需要不断突破以往的局限，更多的以人们身边看得见、摸得着的事物作为艺术题材，这也就是目前经常听见的“接地气”，只有如此，才能让观众了解到歌舞表演与时俱进的特点，更加深入的感受到歌舞表演的魅力。比如在中华人民共和国庆祝60诞辰之际，相关主创单位为了创作出一场与当年“东方红”一样轰动、具有历史意义的大型音乐舞蹈史诗，主创单位调集了中国目前最优秀的演出团体与教学机构，如中国歌剧舞剧院、中央芭蕾舞团、总政歌舞团、海政歌舞团、空政歌舞团、中央音乐学院、北京舞蹈学院等共同出演。这场演出气势磅礴、耗资巨大、规模空前，体现了中国歌舞艺术的最高成就，是旷世之作。与此同时，我国歌舞表演的恢弘壮阔充分的展现在了人们的面前，使人们为之叹服。除此之外，歌舞表演艺术想要持续获得良好的发展，就一定要勇于创新艺术表现形式，在原有展现形式的基础之上，不断吸取其他艺术表演形式的长处，融会贯通，完成表现形式的创新。我国著名舞蹈表演艺术家杨丽萍在2003年突破传统表演方式，在音乐元素、舞蹈动作及舞台美术等方面做了全新的尝试，成功地导演并创作大型原生态歌舞集《云南印象》。在2009年，杨丽萍又亲自编导并主演《云南映像》的姊妹篇《云南的响声》，再获成功。可见在当今社会，只有勇于求新、求变，才能在艺术市场竞争激烈的环境中占据优势。
二、歌舞表演对人才的基本要求
根据上述对于歌舞表演艺术形式未来阶段内的发展形式的分析，可以得出这样的结论：目前我国所需要的歌舞表演人才既需要具有较高的艺术修养，又必须同时具备表演其他艺术形式的才能，总之就是必须要具备较高的综合素质能力。
目前，我国的歌舞表演艺术者大多以学院派专业化人士为主，此类型人才的突出特点表现为具有极高的专业度，在某一领域均可能达到较高的艺术造诣。而我国的歌舞表演人才培养形式也以专业化培养为主。仅声乐艺术就涵盖了西洋美声、中国民声、原生态以及通俗等唱法。舞蹈教学又分为中国古典舞、民间舞、外国芭蕾舞、现代舞、社会舞蹈等多个专业。然而，歌舞表演艺术是一种综合性的艺术表演形式，表演者必须恰到好处的把握和研究各种研究对象，因此在未来阶段内，相关艺术院校在进行艺术人才培养的过程中有必要扩展课程内容，在理论学习的基础上，争取更多参与舞台表演的机会，实现艺术理论与艺术实践的完美结合。
三、结语
总而言之，在我国文化艺术市场形势不断明朗的今天，居民在艺术精神产品方面消费的不断提升已经成为了一种必然的发展趋势。在这种社会形势下，歌舞表演艺术想要不断发展就一定要在坚持自身特色的基础上进行文化创新，以市场为导向进行人才培养，为我国的歌舞艺术提供源源不断的高素质、综合性人才。
参考文献：
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表演艺术形式篇7
摘要：从表演艺术的崭新视角，对篮球运动的表演艺术本质及其表达维度和存在维度加以论述。篮球运动是一种特殊的表演活动和艺术行为，篮球运动在发展过程中所呈现的表演及艺术存在形式揭示了其表演艺术本质；篮球表演艺术的表达是身体的表达，身体语言和身体呈现分别是其表达的基本方式和基本途径；篮球表演艺术的存在是社会的存在，社会体验和社会文化分别是其存在的基本条件和基本形式。
关键词：体育文化；篮球；表演艺术；竞技运动
中图分类号：G841
文献标识码：a
文章编号：1006-7116(2010)02-0046-04
伴随篮球运动由最初简单的学生游戏向现在复杂的文化体系的逐渐演变，各国学者分别从娱乐游戏、竞技项目、新兴产业和篮球文化等不同视角对篮球运动进行深入研究。然而，在现代篮球运动经济、娱乐和文化功能日益凸显的今天，现有理论已不足以解释现代篮球运动存在和发展的全部问题，篮球运动理论急需在视角、观点和体系上有所突破和升华。美国普利策奖和自由勋章获得者威尔・杜兰特曾经说过：每一门科学都是哲学开始，以艺术结束的。它起源于假设。而终结于丰硕的成果。因此，本文欲从表演艺术的视角对篮球运动进行阐释，并提出篮球表演艺术的理论构想，以期为我国篮球运动理论与实践研究提供新思路。
1、篮球表演艺术的理解维度
1.1篮球运动的表演存在形式
篮球运动是一种特殊的表演活动。美国社会学家戈夫曼认为：“每个人都在日常社会情境中，通过外在动作行为维护自我印象，并且还运用特定技巧进行表演，试图导演和操纵他人对他的影响。”可见，日常生活中的每一个身体动作都具有表演的特性，作为特定身体动作集合的篮球运动自然也具有表演的特性，它是以赛场为主要舞台，以篮球比赛及与比赛相关的其他活动为主要表演内容，明确指向观众的特殊表演活动。
表演蕴藏在篮球运动的发展过程之中。篮球运动以学生游戏的方式诞生，随着规则的完善和项目的普及，逐渐演变为一项竞技运动，并吸引了大批旁观者，进而有了最初的观赏者，“表演”的框架初具端倪；20世纪30年代以后，篮球运动开始走向职业化道路，真正意义的观众出现，“表演”的特性初步确立；如今，随着篮球竞赛表演市场的不断完善，篮球运动的表演性愈加明显。精彩纷呈的文艺演出、魅力四射的啦啦队表演，甚至球员们在赛场上的言行举止都饱含表演的意味，尤其是nBa全明星周末更是将篮球运动的表演内涵表达得淋漓尽致，如“魔兽”霍华德的“超人归来”、“大鲨鱼”奥尼尔的“太空舞步”等。表演是篮球运动的存在方式之一，表演使篮球运动摆脱漫无目的“孤芳自赏”，表现为明确指向观众的特殊表演活动，实现了篮球运动在表演中的存在和发展。
1.2篮球运动的艺术存在形式
篮球运动是一种特殊的艺术行为。黄琳华等写道“艺术活动应由4个环节构成：世界、艺术家、作品和鉴赏者。在篮球运动的艺术存在中，“艺术家”即运动员，“作品”即具体的篮球比赛，“鉴赏者”即观众。运动员通过在篮球运动中，展示自己的精湛技艺和特有的人格魅力，为观众呈现出一个极具观赏性和审美价值的特殊艺术作品――篮球比赛。篮球运动艺术魅力有效释放的过程，既是运动员内在生命活力和价值的有效外化和展现，也是观赏者心灵灵光的闪现和自我心灵的重塑。
篮球运动与艺术虽然是两种独立的文化形态，但在各自的发展中却不断地靠近融合。早期篮球文化对艺术的影响仅限于绘画涂鸦等艺术作品的范围内，而后篮球运动与艺术的混合性成为特技篮球表演的基础，如今篮球运动与艺术的联系更加紧密，如花式篮球、街头篮球和扣篮表演等都具有很强的艺术成分。从更广泛的意义上看，每一场篮球比赛都是一场艺术表演，明星球员们不拘一格的服饰、光怪陆离的发型、独具个性的纹身、精湛的球技、默契的配合以及华美的扣篮，都展现出篮球运动无限的艺术魅力。除了篮球比赛本身包含艺术性外，篮球运动与艺术活动还实现了最大程度的兼容。如比赛开幕式和间歇期的表演活动成了音乐艺术、舞蹈艺术等艺术形式的展示平台；篮球运动题材也给艺术家们带来了创作的灵感，由此产生了大量与篮球运动有关的雕刻艺术、摄影艺术、广告艺术和影视艺术等作品。艺术蕴涵篮球运动，篮球运动深藏艺术，篮球运动拥有了艺术，才能拥有人的完整的感性生活，拥有不断发展创新的动力源泉。
1.3篮球运动的表演艺术本质
表演艺术区别于其他艺术的一个重要标志，是艺术作品创作和艺术审美欣赏的连结存在着“表演”这一特殊的中介环节。篮球运动表演活动和艺术行为的深刻内涵预示着现代篮球运动的表演艺术化发展趋势，在人类精神需求至高无上的今天，篮球运动也必将日益趋近其表演艺术的本质，即篮球表演艺术。
篮球表演艺术是现代篮球运动表演艺术化发展的必然过程和最终结果。如同整体不是部分的简单相加一样，篮球表演艺术亦不是篮球运动与表演艺术的单纯组合，而是对篮球运动中的表演环境、表演形式和表演内容的美学体现。因此，篮球表演艺术可以理解为：在特定的表演时空环境下，以经过组织和美化了的运动员技术动作、战术行为、身体姿态和动作过程为表演形式，以运动员在场上的创造性活动、个人及群体的情感宣泄和时空变换为主要表演内容，来满足人类精神需求的具有较强观赏性和审美价值的文化艺术形式。
2、篮球表演艺术的表达维度
方千华在对竞技运动的表演性进行研究时指出：表演不能游离于身体，表演的意义需要通过身体的投射来表达。篮球表演艺术的表达自然也离不开身体范畴。
2.1作为身体语言的篮球表演艺术
身体语言是篮球表演艺术表达的基本方式。英国美学家乔治・科林伍德指出：“表现某些情感的身体动作，只要它们处于我们的控制之下，并且在我们意识到控制它们时把它们设想为表现这些情感的方式!那它们就是语言。”可见身体动作是组成身体语言的基本素材。篮球运动中的身体动作主要是指运动动作，因此，篮球表演艺术的身体语言主要是以运动动作为基本元素，体现在技术动作和战术行为两个方面。技术动作方面，运动员通过对运动动作的身体姿势、动作轨迹、动作时间、动作速度、动作力量等结构规则进行不断的提炼、加工和美化，形成了各种具有语言意义的技术动作，如投篮动作，不同手法及抬臂、抖腕、拨指的每一个技术细节都是运动员不同身体状态的表达；战术行为方面，运动员通过各种跑位配合，为观众展现出丰富多彩的身体运动画面，如挡拆战术，默契的联合掩护和适时的各自跑位，以其极具节奏韵律的身体语言，传达出运动员的体能和角色信息。
篮球表演艺术的身体语言并不是运动动作的简单组合，它必须服从于一定的表现目的，通过运动员在实践中创造性的加工、改造、发展和重组而成，如乔丹的“飞翔”、约翰逊的“魔术”等，这些“天才篮球艺术家”的精湛球技绝不是与生俱来的，而是在运动实践中不断融入个人生命感悟的艺术结晶。因此，只有体现出篮球运动的公平竞争、表达自我、沟通情感。引起共鸣等交流作用的技战术行为或其他身体活动，方能称之为身体语言。离开了这种身体语言，篮球表演艺术便失去了独立存在的价值和可能。
2.2作为身体呈现的篮球表演艺术
身体呈现是篮球表演艺术表达的基本途径。身体语言的有效表达必须以身体呈现的竞争性和审美性为最终途径，方能实现人类对篮球运动美的感知和享受。竞争是公平竞争，是表达人类本真的竞争，篮球比赛的胜利者和失败者，只要对自身生命进行了真实而完整诠释，就能得到人们的赞扬和欢呼。如2009年，cBa铁军“八一”男篮14年来首次无缘季后赛，但仍赢得了广大球迷的热烈支持；审美性是篮球运动成为表演艺术的一个重要原因。篮球表演艺术通过运动员在比赛中的艺术表现诠释其独特的外在美和内在美。外在美不仅表现在运动员静态的人体美上，更表现在技战术运用的动态美上，如快速的移动、敏捷的抢断和精准的投篮无不演译着这种动态之美。在表现外在美的同时，篮球表演艺术更加强调把审美的意蕴引向内部，即呈现出运动员的个性气质、意志品质等内在美，从而使欣赏者沉醉于篮球运动美的意境之中，获得对生命的感知。
竞争性和审美性既是身体呈现的形式也是内容，形式与内容在“身体呈现”这个层面上融为不可剥离的整体。运动员只有在竞争和对抗中，呈现具有美感的技术动作和战术形式，才具有真正的艺术审美价值。而没有艺术审美价值的竞争，便如同古罗马竞技场上的血腥厮杀，只能成为少数人享乐的工具，不会有更多观众和市场。
3、篮球表演艺术的存在维度
篮球表演艺术的表达是身体的表达，而身体只有置于社会之中才能呈现其生命力。因此，当我们追问篮球表演艺术是如何借助身体表达得以存在的时候，社会便成为篮球表演艺术存在的理解之维。
3.1作为社会体验的篮球表演艺术
社会体验是篮球表演艺术存在的基本条件。社会体验即社会在对事物生物的和社会的阅历中见到深厚的情感和深刻的意义，观众欣赏运动员的表演，固然可以依靠个体体验得到对篮球运动的审美感受，但是，这种仅从客观得到的审美感受还只是一种旁观者所获得的赛场感染，人们只有通过社会体验，才能最广泛地体会运动员的身体语言所进发出的内在生命力量，理解和把握篮球运动的本质内涵。社会体验具有情感性。正如童庆炳所言：“体验的出发点是情感，最后归结点也是情感。”人们在长期参与篮球运动的过程中必然会产生丰富的情感，当这种深厚的情感成为人们普遍的精神需求时，篮球运动也就拥有了人的完整的感性生活，具备了表演艺术的特质；社会体验具有认识性。人们总是习惯从内心的情感出发去体验和揭示篮球运动的真谛，随着知识的增长，人们又会自觉以科学和理性的视角对篮球运动进行重新审视，这种科学理性的认识往往使人们在追求美好的本能驱使下，穿越时空，在体味篮球运动美的历史回顾中看到篮球运动“表演艺术”的影子，并逐渐形成对篮球表演艺术积极的认识。
人们对事物的认识总要经历由感性到理性的过程，篮球运动也不例外。社会体验的情感性构筑了篮球表演艺术存在的感性基础，认识性构筑了篮球表演艺术存在的理性基础，情感性和认识性辩证统一的社会体验的结果常常是一种新的更深刻的把握了篮球运动和生命活动本质的智慧的生成，即形成对篮球表演艺术的广泛社会认同。
3.2作为社会文化的篮球表演艺术
社会文化是篮球表演艺术存在的基本形式。美国人类学家克鲁克洪认为文化是“历史上所创造的生存方式的内涵。”篮球表演艺术只有作为社会文化的存在，才能体现出它的意义与价值。篮球表演艺术是篮球文化积淀和传承的结果。文化积淀方面，篮球运动经历了一百多年的文化锤炼和滋养，先后演变出“游戏文化”、“竞技文化”、“技艺文化”、“个性文化”等不同的文化形态，篮球表演艺术也是社会文化的表现形式之一，体现出特定文化的继承性。如篮球运动虽然起源于美国，但在全球传播过程中，秉承了不同国家及地区的文化特质，而表现出不同的技战术风格。如欧洲篮球“高、狠、准”、亚洲篮球的“快、灵、巧”等。在文化传承方面。篮球技术的物态文化通过自我发展、师徒传承和团队发展等传承方式，使篮球运动技术日臻完美，并日益展示出“表演艺术”本质；篮球制度文化形态以篮球规则的不断制度化、规范化和合理化为主要传承形式，使篮球运动最终成为公认统一的稳定项目类型；而篮球精神文化则在传承早期的“公平竞争”、“身心和谐”等思想内涵的基础上，不断融入时代性的思想元素，如“文化交流”、“人的全面发展”、“个性张扬”等，并成为人类精神需求的一部分。可见，随着时代的变迁，篮球文化历经各个历史时期的文化延续和传承，实现了篮球运动技术、制度和精神文化形态的全面发展，并逐步向表演艺术的方向迈进。
表演艺术形式篇8
关键词：钢琴艺术表演时代化个性化民族化
钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程，是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动：一是表演者把内心的精神转化为音乐，即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神，即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演，积极地影响和感染观众，帮助观众提高对音乐的鉴赏能力，调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展，对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步，以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展，还要考虑出新，结合不同层次群体的心理需要，从现代社会人们希望出现新事物的角度，以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求，真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。
一、个性化表演是钢琴表演艺术发展的基础
钢琴表演艺术据其特性及其作品的需要，表演者采用单独、侧面对观众的表演形式。这种传统的表演形式为表演者创造了一个对音乐更好地理解和阐释的艺术氛围，在突出表演者自我意识的同时，向观众传达对音乐的逻辑性和严谨性的理解；也正是这种传统的优秀的表演形式，我们才能欣赏到各种不同风格的表演。风格既表现于内容，又表现于形式，它是由内容和形式的统一所表现出来的总体的特色。对于一首作品，表演者根据自己想表达的思想内容，选择能够反映、表达自己心理的表演形式。不同的表演形式，也是表演者风格和修养的体现。例如演奏贝多芬的《热情》，表演者除了根据作品给予指定的表现形式进行表演创作外，施纳贝尔突出了严谨、理性的古典学风；李赫特尔感情激荡，气势恢宏，风格浪漫；鲁宾斯坦呈现了温文尔雅的气质；霍罗维茨则表现了炉火纯青的技术和强烈的个性；肯普夫表现出对作品的深刻理解和成熟的技巧。正是有了这些不同风格的创造，《热情》才会像钻石一样始终闪耀着夺目的光芒，产生了不同的审美价值。这对于有音乐素养的听众来说无疑是一种精神上的享受和心灵的慰藉。
在钢琴表演过程中，个性与共性不可分割地存在于一个有机整体里，共性寓于个性之中。也就是说，表演者把对作品的整体理解和感情寓于他们不同的表演形式之中。作品给演奏者提供了创作的基础，但也有许多潜在的不定点和空白，给了演奏者填补、再创造的空间。演奏者就可以借助一些手段，创造另外的一种音乐审美效果，拓展音乐表演的视界和话语空间。茵格而顿指出：“像绘画那样的‘原作’在音乐中是不存在的，音乐作品本身只能提供一个多层次的未定点。只有通过一次次的音乐表演来实现一个变体。每一个变体都包含有表演者的独特创造，并使音乐作品成为表演者和作曲者共同创造的艺术复合体。”[1]表演者在这个多层次的未定点的基础上，通过自己对作品的理解以及内心体验的思维活动，进行抒发人类思想感情并赋予音乐作品生命力的二度创作，尽量完善音乐意境，表现音乐情感与内容，并使其成为联结音乐创作和音乐欣赏的纽带。
钢琴表演艺术随着社会的发展和需要更应突出个性化的艺术表演形式。任何艺术如果脱离了创新与发展，就会变得苍白无力，没有生命力和活力。这就对传统的钢琴表演形式有了更高的要求和迫切的需要，同时对表演者来说，除了要有深厚的文化底蕴外，还要有跟上时代的敏锐头脑，来丰富自己个性化的钢琴艺术表演过程。
二、时代化表演是推动钢琴表演艺术发展的因素
“美”产生于人——主体的愿望，而主体愿望的产生则源于他的“社会性”！[2]任何创作活动都有一定的社会性，同样，钢琴艺术的表演形式也不能脱离社会性而存在，它与时代的不断发展有着必然的联系。
钢琴表演艺术传统延续下来规范化的表演模式可以被真正有音乐修养的少数群体所接受，是“精英”“贵族”式的欣赏方式。时代的发展、社会的需要、网络传媒等现代交流手段方式的迅速发展与改变，使钢琴音乐面对的是更多、更为广泛的群体，钢琴表演艺术应从音乐表演多元化角度，积极探索如何在表演形式以及音乐表现上使广大观众更好地接受。这也是推广钢琴音乐、提高国民整体素质教育和音乐修养，使更多的人能够欣赏和享受音乐的“准精英”式钢琴音乐的推广方式。
钢琴表演艺术发展至今，由于现代社会文化、观众对象的不同，“阳春白雪”式的钢琴表演艺术在后现代文化的特征上应有所突出。由于“观看并不是一面一成不变的镜子，而是充满生气的理解力。”[3]所以根据观众理解的差异，对于作品的艺术表演再现做出的反映，有可能正确、有可能歪曲。当然真正的艺术是不能以大众的喜好和接受能力作为艺术的标准的，这违反了艺术的原则。正如戏剧界所认同的：“观众不一定都是对的，但无视观众的艺术家却永远是错的。”[4]为了让社会能够更为广泛地接受和认同严肃音乐，我们可以在钢琴音乐的表演过程中采取更容易被大众心理所接受的传媒方式和艺术表现手段。“人是精神和肉体的结合物，所以每遇到一种运动，不仅视之而已，同时还有意用我们自己的动作来表出它们。……”[5]所以表演者在钢琴表演过程中，由于从内心生发了音乐的感受并产生了肢体动作，从而更好地表达作品内容及抒发自我情感的手段，即表演形式。它是音乐表演的重要组成部分，是音乐作品和观众思想产生共鸣的必要手段。作为媒介，表演形式有着举足轻重的作用。它帮助表演者创造一种情景，通过观众的想象来产生感情。随着时代、网络、高科技的发展，观众对钢琴音乐特别是适合现代钢琴作品新的表现手段有着强烈的渴求和愿望，希望表演者具有时代感、与生活体验相接近的表演形式，表现与观众共有的对现代生活的体验与感受，从而感染观众，同时也给钢琴表演艺术注入新的血液和生命力，使钢琴表演艺术从不同角度更完美地获得其美学体验。这也是现阶段社会发展对钢琴表演艺术的迫切需要，也是钢琴音乐、钢琴教育和文化发展的一个重要的方向和目标。
三、民族化表演是钢琴表演艺术发展的灵魂
21世纪更是一个在不断发展中求生存的时代，音乐的审美价值趋向多元化、开放性，但总的文化精神是一脉相承的，体现着一种民族精神，闪耀着华夏祖先的文明和智慧。
李凌的美学思想认为，“所谓‘民族风格’，它包括了这个民族的思想、情感以及它要表现这些思想、情感所选取、缔造的音乐形式上的一切特色的总和。”[6]追求表演艺术的民族风格，应该成为钢琴表演艺术遵循的一个美学原则。中国第一位在国际上获得西洋音乐演奏奖的钢琴家傅聪，正是因在他的钢琴演奏中充满了中国灿烂文化的诗情画意般的境界，以及中西贯通的音乐表现力而享有“钢琴诗人”的美誉。他演奏的肖邦被认为“赋有肖邦的灵魂”。傅聪之所以对西洋音乐理解得深刻，“大半得力于他对中国古典文化的认识与体会”。因为“只有真正了解自己的民族的优秀传统精神，具备自己的民族灵魂，才能彻底了解别个民族的优秀传统，渗透他们的灵魂。”[7]这也是傅聪在钢琴表演艺术上能做到真正中西融合贯通，用中国的古典文学表现西方音乐意境的精髓所在。
中国古代对音乐美学的研究源远流长。儒、道、法家对音乐美学都有系统化、理论化的研究。傅聪的父亲傅雷非常重视对傅聪进行中国传统文化教育。自小用近乎私塾的方式，从孔孟先秦诸子、《国策》《左传》《晏字春秋》《史记》《汉书》《世说新语》上选教材，以富有伦理观念与哲理气息、兼有趣味性的故事、寓言、史诗为主，以古典诗歌与纯文艺熏陶结合在一起，亲自对他施教。“我的东方人的根，真是深，好像越是对西方文化钻得深，越发现蕴藏在我内心里的东方气质。”[8]所以在傅聪的演奏中有蕴含中国音乐美学的“无我之境”。这和他自小得益于中国深厚的文化背景和成熟的领悟力是分不开的。
民族性有着博大精深的文化底蕴。是艺术再创造的土壤和源泉，是创造具有特色的表演艺术的动力所在。中国的钢琴表演艺术要坚持发扬民族性，与时代共进，突出个性意识，才能使钢琴表演艺术在社会发展潮流中始终保持活力，在时代变革过程中展现新的魅力。
参考文献：
[1]赵保清《浅谈音乐表演艺术》南京艺术学院院报2001年第2期
[2]《论音乐表演艺术的创造性——从布莱希特“陌生化”表演艺术理论得到的启示》冯效刚人民音乐1997年第11期
[3]艺术风格学：(瑞士)海因里希·沃尔夫林著、潘耀昌译：中国人民大学出版社2004年1月第251页
[4]《试论音乐表演艺术中表演者主体地位的确立》张放音乐探索1999年第1期
[5](德)罗采《卡里哥纳》H·里曼著缪天瑞译
[6]彭根发《李凌音乐表演美学思想初探》交响——西安音乐学院院报1996第4期
表演艺术形式篇9
演员凭借的是演出技巧，表演技巧的特点是：演员利用自己有生命的身体体现剧中人物行动，在有同样生命的观众面前演出来――这就是表演艺术的本质特征。
根据表演艺术的本质特征，要求表演必须以情感人，表演者必须动情，方能使观众情动。
表演者创造的艺术感情通过直观的舞台动作和舞台语言诉诸观众的视听。这种具体生动的当场交流，必须引起观众感情的共鸣。不论任何演出形式，不论表演者和观众直接交流还是间接交流，都应产生这种感情上的共鸣现象。
根据表演艺术的本质特征。要求演员在舞台上化身为角色并实现角色。
表演艺术不可能绝对地静止，也不允许绝对地静止。表演艺术总是直观性与过程性相统一的。观众在关心角色命运的同时，欣赏着演员的表演艺术的技巧。演员在演出中的艺术创造与观众的艺术欣赏是同步进行的。观众的审美感受与审美判断也是同步渗透的。
根据表演艺术的本质特征，表演艺术追求人物形象的整体美，其内容美和形式美必须是结合的。
不同的剧种由于表演手段的差别对两者有不同程度的侧重，但优秀的演员都能达到形象的完美、整体的和谐。人物的性格美、心灵美、感情美等，都是内容和形式统一的结果。不论戏剧家侧重于再现或侧重于表现，二者在戏剧中必须是结合的。在戏剧表演中，由于剧种不同，对再现与表现也有不同的要求。但是绝对排斥任何一个方面都是不可能的。
根据表演艺术的本质特征，舞台上一切都是假定的。
演员扮演的角色是假定的，角色的行动目的和人物关系也是假定的，舞台上的一切都是虚构的。但是只有演员是一个活的实体，他适应着规定给他的虚构、假定，从虚构的故事直到他要做的虚拟的动作。舞台上的各种外部条件，包括灯、服、道、效、化和布景，他都必须信以为真，“以假当真”是对演员最起码的要求。观众是在承认剧场中的假定性、承认表演的以假当真的前提下来观剧的。“以假当真”向来是表演者与欣赏者之间美学上的交接点。不论演出者追求“酷似的逼真”、表演的“当众孤独”和最“完善的幻觉”，还是追求明确的剧场性、间离效果、面向观众表演，观众总是以假当真地欣赏着演员的表演。观众一方面排斥着生活真实向舞台艺术的渗入，一方面又拒绝表演的“虚假”。
表演艺术同时还承栽着发展戏剧、完善戏剧的重要任务。因此，懂得戏剧艺术真谛的改革家们从不违背戏剧表演的客观规律性，总是以强调表演艺术来从事形式上的种种改革。十九世纪法国自然派提出“第四堵墙”理论，主要目的是为了在舞台上揭示人物的心理和私生活的某些隐秘，借以抨击当时的社会黑暗。但是在提出这种理论时就充分利用了表演艺术易于逼真而造成艺术幻觉的这种特性。
布莱希特建立起“叙述体戏剧”。创造了独特的戏剧形式。但他为了达到感情上的“异化效果”，却不得不利用表演技巧先充分发挥，感情同化效果。“异化”的手段主要是编导者的专用工具，演员却依然做着以感情打动观众的工作。
表演艺术形式篇10
关键词：钢琴曲；茶艺表演；背景音乐；可行性分析
当前茶艺与饮茶一样，成为人们重要的关注点。当前各种茶艺表演已经发展成为人们对传统茶文化内涵有效认知的重要途径。而茶艺表演的成熟发展，客观上也表明了我国茶文化的成熟发展。而在茶艺表演开展过程中，其背景音乐的选择对整个艺术表演观赏效果有着重要影响。钢琴曲作为现代西方的重要艺术形式，其能否承担其茶艺表演背景音乐的要求，就需要我们进一步完善探索。
1茶艺表演的发展过程及内涵分析
茶艺表演是从茶艺活动中不断成熟发展起来的，其通过形象化、生活化和艺术化等一系列方式展现各种茶叶的冲泡过程，可以说茶艺表演的丰富观赏性及其完善的表演氛围和环境，都使得观赏者在观赏过程中，充分感受其中蕴含的美和情感，因此可以说，茶艺表演是整个茶文化成熟发展的重要表现，也是我们在传统文化发展过程中所不可忽视的重要内容。通过对整个茶艺表演内容进行体系化分析，可以看到其中主要包含三类表演形式：一是民俗茶艺表演形式，通过对民风、民俗和社会化饮茶习惯进行加工改造，从而艺术化展现饮茶过程中的技巧。该类茶艺表演的核心在于反映民俗文化的相关内容。第二类则是仿古茶艺表演活动，通过对相关历史材料进行有效挖掘和加工，结合艺术化改造，通过有效反映历史内容，从而让观赏者感受其整体表演过程中所具备的历史文化内涵。第三种茶艺表演则是通过对特点文化内容进行艺术提炼和加工，通过选择茶艺作为展现载体来阐述茶文化内涵的茶艺表演形式。对于茶艺表演来说，其有着一系列条件要求，比如场地环境、服装道具、背景音乐等等。其场地环境在选择和布置过程中，要充分考虑观赏者的观赏要求，环境整体要干净且无嘈杂，通过在表演环境内融入相关艺术元素，从而使得观赏者在观赏表演的同时，感受到整个茶艺表演中所具备的内涵。而茶艺表演过程中使用的服装更是款式多样，类型丰富，整体服饰只要符合表演要求的服饰整体大方得体、符合人们的审美要求即可。而对整个茶艺表演活动来说，其使用的背景音乐有着重要影响和价值，良好的背景音乐能够有效升华人们对茶艺表演的了解和认知。而其背景音乐在选择和应用过程中，需要做到：选择的音乐从内容到类型与整个茶艺表演活动相一致、相匹配，通过选择恰当合适的音乐内容，从而帮助人们全面认知整体茶艺表演。客观的说，相对于动作和表情表演来说，音乐更具有感染力，尤其是背景音乐与整个表演活动相结合，势必能够提升表演效果，帮助人们更好理解整个茶艺表演中所包含的具体内涵。
2钢琴曲的特点内涵认知
钢琴曲指的使用通过使用钢琴进行弹奏的乐曲，当然有的时候，钢琴曲也会与其他乐器相结合进行演奏。钢琴演奏艺术，出现与欧洲，而经过几百年发展，整个钢琴曲演奏艺术也实现了全面发展。根据研究，通过倾听钢琴曲，能够帮助聆听者有效提升自身逻辑思维能力和问题解决能力，同时学习、聆听钢琴曲的过程中，也会让人们思考过程更加清晰完善，同时适当倾听钢琴曲也能有效释放聆听者的压力，使其整体精神得到有效放松。通过对钢琴曲及钢琴演奏艺术进行深入了解，不难发现其中融入了丰富的人文理念，可以说在整个钢琴演奏艺术的发展过程中，形成了一系列极富人文情怀的艺术作品，很多经典的钢琴曲之所以能够传承，最重要的原因就是其创作背景源于具体的事例或者情感认知，也就是说钢琴艺术有一定真实性和生活化元素，正是其中融入了丰富的生活元素特点，从而使得该艺术形式有着重要生命力和价值。通过对钢琴艺术进行深入了解，可以帮助我们真实了解西方文化。钢琴演奏不仅是一种音乐，一种艺术，同时更是具有自身独立风格、融入完善情感内涵的艺术，因此在演奏钢琴时，具有场合上的要求，可以说不同场合，其可以演奏的钢琴曲风格也有着不一样的展现，如果使用场合不恰当，那么不仅很难实现其理想效果，同时还会造成相应误会和麻烦。钢琴曲艺术分类极为多样，且整体内容呈现出体系化特点，不同钢琴曲中所诠释和展现的情感理念是不一样的，因此想要体系化应用钢琴艺术，就必须理清钢琴曲艺术分类，选择合适的钢琴曲目。随着当前文化交流逐渐发展成为新常态，如今我们在应用钢琴艺术时，不仅要感知整个钢琴音乐艺术中所包含的情感内涵，同时也需要选择与其相匹配的艺术风格。客观上讲，茶曲与钢琴音乐艺术都是情感内涵的诠释和表达，因此我们可以尝试使用钢琴曲作为茶曲表演的背景音乐。
3钢琴曲充当茶艺表演背景音乐的可行性
随着当前人们对茶艺表演观赏需求量不断增加，如今优化茶艺表演内容，丰富茶艺表演素材，就成为整个茶艺表演活动的时展要求。对于茶艺表演来说，其背景音乐有着重要价值和作用，选择合适的背景音乐不仅能加深人们的认知和了解，同时也能升华发展整个茶艺表演的艺术品质和内涵。使用钢琴曲充当茶艺表演背景音乐是可行的，主要基于:首先，两种艺术都产生与社会生活和大众文化，而且两种艺术都是在经历长期历史发展过程中所形成的体系化文化内涵，两种艺术都融入了深厚丰富的历史内涵和特征，正是钢琴曲和茶艺表演背景音乐都需要丰富社会气息和生活化内涵，才使得两种艺术可以予以融合利用。使用钢琴艺术作为茶艺背景音乐过程中，钢琴艺术的丰富类型和多样内容，使我们可以合理完善应用这一艺术形式。比如想要展现茶艺表演的优雅时，可以选择温婉的钢琴曲作为茶艺表演背景音乐。其次，钢琴曲充当茶艺表演背景音乐，正是当前茶艺表演艺术提升自身品质内涵的重要要求。随着当前人们对茶艺表演观赏要求逐渐提升，作为其重要内容和核心的背景音乐也在面临提升发展的客观要求，相对于传统的茶艺表演背景音乐来说，钢琴曲不仅内涵丰富，同时其整体演奏效果也更具感染力和吸引力。对于当前茶艺表演活动来说，目前正处于品质提升的关键阶段，特别是整个表演活动的内涵与关联元素需要丰富发展。而使用钢琴曲作为茶艺表演的背景音乐，势必能够满足现代艺术不断发展背景下，人们对艺术的追求。最后，正是因为钢琴曲和茶艺表演都需要充分展现和诠释两种艺术中所包含的价值理念和情感内涵，而钢琴曲从内容到形成背景，恰恰都是对相应情感内涵的有效诠释和表达。钢琴曲在演奏过程中，其给予听众的直观感受就是行云流水，气势磅礴，其通过音符和旋律所展现出来的情感内涵，更符合人们对艺术的要求和渴望。因此，可以使用钢琴曲作为茶艺表演过程中所使用的背景音乐，这也符合西方文化与传统文化艺术体系化融入和发展的时代要求和发展趋势。
4钢琴曲充当茶艺表演背景音乐过程中的注意事项
从唐朝开始，饮茶就已经发展成为社会化大众的生活习惯之一。这就使得产茶、制茶等一系列社会活动不断提升，而在产茶、制茶等茶文化不断发展过程中，就形成了一系列与茶相关的茶艺表演活动，通过对茶艺表演活动的形式及内涵进行分析，不难发现其中包含了我国丰富的茶文化内涵，集中反映了人们在饮茶、品茶过程中的各种行为规范，更重要的是茶艺表演通过以技巧的形式，提升了饮茶过程的艺术性和可观赏性，可以说经过几十年的成熟发展，茶艺表演已经成为介绍和推广茶文化精神内涵的重要载体，同时其表演形式也更加成熟，不仅备受人们关注，同时随着人们饮茶活动的成熟发展，茶艺表演的市场关注度更高。但是在茶艺表演过程中，其亟待创新和发展。结合钢琴曲的特点内涵，可以尝试将钢琴曲融入和应用到整个茶艺表演过程中。但是将钢琴曲充当茶艺表演背景音乐时，不能死板硬套，要确保两者艺术形式能够体系化融合，从而实现“1+12”的演奏效果。因此在使用钢琴曲的过程中，必须注意做到：一方面，要确保选择使用的钢琴曲风格及类型符合茶艺表演的客观需要。钢琴曲类型多样，且内容丰富，想要实现两者有效结合，就得确保使用的曲目风格与茶艺表演的类型特点相一致。此外，还必须充分注意，在选择钢琴曲作为茶艺表演背景音乐时，确保茶艺表演风格与钢琴曲的风格类型相一致，也就是说应用钢琴曲的基础是风格类型上的一致性和匹配性。最后，使用钢琴曲作为茶艺表演背景音乐时，还需要注重茶艺表演者对演奏的钢琴曲有一定了解和认知。茶艺表演者只有熟悉钢琴曲的风格类型、特点内容、旋律节奏等等，才能确保自身表演与整个曲目相协调，当然熟悉钢琴曲，也是将背景音乐与茶艺表演有效结合的客观要求。
5结语
对于茶艺表演来说，其在对外表演过程中，也要融入适合国外表演的艺术元素，通过不断融入，从而符合国际传播要求。钢琴曲是一种西方艺术，通过借助钢琴弹奏各种旋律优美的曲目，钢琴曲弹奏有着自身极强的优势，无论是其渲染的感情，还是整个演奏过程中所具备的内涵和影响力，都是当代不可多得的艺术资源。通过对两种艺术特点进行全面剖析和认知，不难发现其从内涵到情感表达都具有一致性，因此可以使用钢琴曲作为茶艺表演的背景音乐，当然，在具体应用过程中，要注重内容上的一致性和风格上的匹配性。
参考文献
[1]杨东娜.论茶艺表演中背景音乐的选择[J].音乐时空.2013(17)：236-239.
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