服装设计的基本概念篇1
关键词：概念性创意服装设计；材质形态
一、创意服装设计的概念
首先我们来看一下“创意”的概念，顾名思义，“创”――创新、创作、创造……促进社会经济发展。“意”――意识、观念、智慧、思维……人类最大的财富。创意是传统的叛逆，是打破常规的哲学，是破旧立新的创造与毁灭的循环，是思维碰撞，智慧对接，是具有新颖性和创造性的想法。
再看看“设计”的概念，从词源学的角度考察，“设”意味着“创造”，“计”意味着“安排”。英语Design的基本词义是“图案”、“花样”、“企图”、“构思”、“谋划”等，词源是“刻以印记”的意思。因此设计的基本概念是“人为了实现意图的创造性活动”，它有两个基本要素：一是人的目的性，二是活动的创造性。
那么接着来看“创意设计”，创意设计是把再简单不过的东西或想法不断延伸给予的另一种表现方式，创意设计包括工业设计、建筑设计、包装设计、平面设计、服装设计、个人创意特区等内容。创意设计除了具备了“原创”和“标新立异”的因素外，需要融入“与众不同的设计理念――创意”。把创意融入到设计中，才算是一件有意义的创意设计，我们的生活的日新月异就体现在每个人点滴的创意设计。
最后来看创意服装，即具有创新意识的服装，严格来分，有广义和狭义的区别，从广义来讲：所有的服装由于都是人们精心设计并制作出来的，只要是“设计"，追求的结果均有“创意、创新"的成分，只不过根据现实需要来增删创意的成分。比如说成衣设计的创意成分相比高级时装设计就少。从狭义的角度讲，创意服装它特别强调不同于日常生活中穿着的服装，它具有概念性，艺术性，实验性，标新立异，是设计者精神和情感的表达，是设计者对艺术，哲学，历史，文化的理解，以艺术品的形式存在。本文主要阐述的就是这种狭义的创意服装设计。这种服装现在有另一个服装概念体现的更为纯粹与直接，那就是“概念服装”，概念服装设计强调表现设计师的自我意识，设计思维可以不受生活装的束缚，在创意的宇宙中自由飞翔，它的作品有鲜明的个性风格和时代感，同时将社会和民族的优秀文化兼收并蓄，富有美感，有新意。所以，概念服装相对于广义上的创意服装，涵义更为丰富，尤其是思想内涵更突出。
综上所述，我们可以得出“概念服装设计"，即狭义上的创意服装设计的基本定义是：设计师以新颖、独特、超前的创新视角，辅以时代前沿的新材料、新工艺、新结构等诸多元素，设计、制作完成的服装作品，并籍此作品诠释设计师的艺术创造力及对服装设计艺术的理解。
二、概念性创意服装设计材料形态的特质性
服装设计的基础和前提是人，是将服装材料在人体上进行包装来体现的，创意服装设计也离不开“人”这一主体，但是创意服装设计在材料的选择上比日常的服装设计更广泛，不仅仅局限于普通的纤维类服装面料，它要求标新立异，要求服装具有“新、奇、特”的创新性，只有在材料形态的应用上做到宽泛性和异质性才能满足创意服装面料特质性的要求。在当今高科技的社会背景下，不断有新型材料的出现，因此创意服装设计在材料形态的选择上，能把握时代的脉搏，体现时代的特点，并且能够运用技术和艺术的手法，创造出多样化的效果。另外由于创意点的需求不同，我们选材还可以选择一些出其不意的、很少或很难想到可以用来做服装的其他领域的材料形态，用于典型化、集中的表现自己的创意和理念。我们赖以生存的大自然中所有可能的材料形态都可以被创意服装所利用，如食用的食材类，如菜叶，各种花卉叶片、瓜果皮壳等，制作器物所用的石材、烧制的陶制品、瓷片、金属物、木制物、橡胶塑料、玻璃，甚至是贵重材质的的金银玉钻等，生活废弃物的利用改造，用于扎系捆绑的绳带藤经等，用于局部的服装辅料逆袭为大面积的外用面料等等。
对于以上特别宽泛的被极大延伸的制作服装的材料形态，设计师不但要善于利用各种材料自身的内在性能、外在肌理纹路色泽等进行拆分和重组、变异和创新、抽象和简化等相关表现手法以及多种材料的组合产生新的视觉效果，做到材料形态的特质性，以突出个人独特的对时代、对人事物、对生命等的观念和理论；而且要善于注重材料的“环保、绿色、低碳”概念，学会保护那些稀有动物的皮毛、尽量少的破坏污染生活环境。设计师应该是美的创造者，只有爱护和保护一切大自然与人类共存的美好事物，时尚的服装才具有真正的美和真实的价值，这也是一种社会责任。
目前国内外各路设计师、娱乐大众化的全球舞台上、以及年轻朝气的学子为主力参加的很多创意装大赛、毕业设计作品等都以特质性的材质进行的概念性创意服装层出不穷。比如早年伊夫.圣洛朗在1965年秋冬发表的“蒙德里安样式"；近年如mcQueen的设计师莎拉・伯顿（SarahBurton）2012春夏服装会上，t台上的服装有由珊瑚和贝壳构成的套装，也有用铜丝、银线和金丝编织而成褶裥的透明硬纱，像是海盗埋下的宝藏；山本耀司发表的用纽扣连接起来的木板女装；再如我国设计师姚峰，他在驾驭各种异质材料在服装上运用的能力出神入化，玻璃、金属、无纺布、纸，甚至是食物等都运用在服装材料中，而蕾丝、绢绸、皮革等在他手中利用奇特的手法而焕发另类生命力。因此被业界称为“设计鬼才"，被誉为亚洲的“约翰・加利亚诺"，在国际享有极高的知名度。姚峰一直希望通过服装来表达他的生活哲学，每一次的服装秀，他都会带来一个值得思考的主题。对于院校著名的圣马丁艺术与设计学院每年毕业设计作品，国内每年的各大院校的毕业设计作品都有概念性创意服装设计作品的呈现，为我们带来美轮美奂的视觉饕餮大餐
基于以上的理念，由本人同事和本人组织学生小组进行了题为“非服用材料在服饰设计中的工艺技法探究”的创新实验，经过大量的资料收集与整理、根据现有条件进行了特定材料的遴选与敲定、并对所选材料进行了创意服装的设计与制作，部分实物展示如下：
选用的材料形态分别是金属类的钢丝球、经过彩色绘制的气球、蛇皮塑料编织袋、皱纹纸、一次性纸杯等，每种材料形态都有其特有的内在材质性能与外在肌理特点，主力体现材料本身的特质与美感；如气球的圆润轻盈活泼、纸装的挺阔塑型性、金属钢丝球的密集性肌理与易拉罐底的平滑性对比，展现出这些特殊材料概念性创意装设计的各种不同美感和艺术特点。结合本次概念性创意服装设计的“环保”理念，使服装展示出特有的视觉审美效果，对日常成衣服装设计也有很大的启示。
三、概念性创意服装设计的价值与意义
随着时代的前进，物质精神生活的进步，人们不再满足于纯粹实用的或简单普遍、没有个性审美意义上的服装设计，他们需要的是附着于这些设计作品之上的个性化、情感性和艺术化的带有审美色彩的精神价值的概念性创意服装设计。概念性的创意服装设计类似于传统纯艺术形式，它和传统艺术门类中的版油雕刻、音乐舞蹈、戏曲影视、文史哲学一样以创造一种更合理的生活方式为目的，只是它以特有的人体为支架、服装为艺术语言来体现设计者特有的对生命、生活、人事物的理念和态度。它的产生与形成并不是偶然的，而是社会经济发展和科技水平提高的必然结果，是一种文化的体现。人们的思想意识领域及生活的方方面面无不受到概念性创意设计的影响，概念性的创意服装设计的方法也将创新性发挥到最大程度，它作为先行探索者为我们的服饰文化、生活方式等作了种种尝试和探索，对我们的实用装设计起着指引和创新的重要作用。只要人类存在，设计就永不会停下，而概念性的创意服装设计在这个历史的长河里，留给我们的是一种永恒的创意理念，警醒我们时刻审视自我，审视各种关系的和谐发展；它影响到我们的日常生活和未来社会的发展，起到激发社会的文化和经济多元化的双重效应。
参考文献：
1.百度百科：创意的概念。
2.张艺.《当代概念服装设计研究》2012年学位论文.苏州大学
3.王丽霞、郭美情.《非服用材料在创意服装设计中的应用》.艺术科技.2013年5月。
服装设计的基本概念篇2
在很多人看来，体现“中国概念”的服装设计是最能突出作为一个中国服装设计师的显著之处，然而什么是“中国概念”、这一概念传递出的文化内涵又是什么？本文从“中国概念”服装设计的定义出发，论述了当下国内服装设计界在“国际化”和“民族性”之间的矛盾和困境，通过具体的服装设计个案研究，分析了服装设计定型化的危险，将服装设计中的“中国概念”看作一种传统文化价值和理念在当代设计艺术语言之中的重建、关照与建构。
关键词：
中国概念服装设计权力建构
中图分类号：J523.5
文献标识码：a
文章编号：1003-0069（2015）02-0046-03
“中国概念”作为国内服装设计领域一个炙手可热的话题与设计元素，体现了这一概念的理论与现实意义。然而，对于“中国概念”的具体含义、表现手法、文化内涵及其与权力建构的关系，无论是学术界还是设计界却都始终没有定论。基于此，本文将从“中国概念”服装设计的定义出发，通过具体的个案研究，来探讨服饰文化中的权力建构及其与“中国概念”服装设计的内在相关性。
1“中国概念”服装设计的定义与现状
有学者认为，“‘中国概念’，既有中国也含世界，既有历史也有现代，其内涵可以总结为‘一个中心两个基本点’。一个中心是指以中国的‘神’为中心。两个基本点则包括中国的历史、现代与国际时尚流行趋势两个方面。”“‘中国概念’符号则可分为三个部分：特有地域的‘自然符号’如领土领海、气候、人种、黄河、泰山等；偏于精神性的‘文化符号’如汉字、儒学的表征曲阜孔庙、孔府、孔林等；特殊状态的‘无形文化符号’如古琴、昆曲、年节、语言思维等。”
那么服饰设计中的“中国概念”到底应该包含哪些内容呢？本文认为，首先应该是具有中国民族特色、体现中国民族文化的服装设计。在中国这样一个多民族的国家中，中国民族文化既是中华民族在其历史发展过程中创造和发展起来的具有本民族特点的文化，同时也是中华文明演化而汇集成的一种反映特质和风貌的文化，是历史上各种思想文化、观念形态的总体表现。此外，“中国概念”应该是一种传统文化价值和理念在当代设计艺术语言之中的重建、关照与建构。体现“中国概念”的服装设计符号也不能“停留在器物层面，而是定位在中国文化（传统与现代）环境外在有形和内在无形的物质载体上。”
2服饰文化中的权力建构
在众多文化研究所关注的基本问题之中，文化与权力是其核心主题。“在文化研究看来，权力和权威分布与社会之中，形成了特有的社会形构与权力形构，而解释这些权力结构便是文化研究的核心主题。”谈到权力与政治，服装设计似乎与其也有着密不可分的关系。从宏观的角度看，在全球化浪潮下的“民族”与“传统”意味着什么，是怎样塑成的又为何如此7对这些问题的探讨其实就是对服装设计和秀场文化中权力建构的追踪与透视。
“资产阶级，由于开拓了世界市场，使一切国家的生产和消费都成为世界性的了……过去的那种地方的和民族的自给自足和闭关自守状态，被各民族各方面的互相往来和各方面的互相依赖所代替了。物质的生产是如此，精神的生产也是如此，各民族的精神产品成了公共的财产。”马克思所预见的正是由于资本主义经济一体化带来的政治、经济、文化的全球一体化进程。因而，在整体全球化背景下的文化对话包含着复杂的多重的含义：既表现为对话、沟通和交流，也表现为竞争、对抗和征服。“在新历史条件下的文化对话、文化交流和文化贸易实际上是各民族之间，特别是强势民族和弱势民族之间的一场基于综合国力、物质生产力和精神生产力的角逐而来的不同的思想体系和价值观念的较量。”较量必分高下，那么谁能够被代表？谁在言说？如何言说？谁是沉默无声的？尼克，库迪（nickCouldry）在《走近文化》（insideCulture）中发出了这样的疑问，并认为文化研究即是在与权力的关系中思考文化。
回到对服饰文化的思考中，回答尼克，库迪的几个问题，得出的答案是不言自明的。在现代化进程中快速前行的中国，物质文化与精神文化间发生了严重不对等，整个民族在文化对话中丧失了话语权，其中包括在断层中迷失徘徊的服饰文化。袁仄教授在一次讲座中曾说“传统是农耕文明的产物”，有千年农耕文明和众多少数民族的中国有着无与伦比的丰富服饰文化，而这也一度成为制约当代服装设计师的弊端。余英时在《中国知识分子的边缘化》一文中指出“中国知识分子接触西方文化的时间短促，而且是以急迫的功利心理去‘向西方寻找真理’的……中国知识分子一方面自动撤退到中国文化的边缘，另―方面又始终徘徊在西方文化的边缘，好像大海上迷失了的一叶孤舟，两边都靠不上岸。”余英时对中国知识分子的描述与中国服装设计师的情况不无相似，在西方服装体系中匍匐前行的中国服装设计一方面在寻找与“国际化”的无限靠拢，一方面又难以舍弃“中国概念”这张王牌，将自己置于一个边缘化的境地。
以祁刚为例，他的设计语言关键词是“结构”、“华丽”、“艺术”，体现在他的作品上，一方面是工艺多用提花印染、喷绘、手绘、刺绣、盘绣、珠绣、再造肌理等；材质方面坚持以丝绸、蕾丝、高支棉、丝羊绒、丝麻纱线、皮草、水晶、珠饰、金属、羽毛等材质进行多样组合；结构上除“X”形、“t”形、“S”形外，多以里外层透的多层次、层叠和褶皱来强化对廓形的追求。另―方面，“诗情画意”也是祁刚会中不可或缺的元素，具体体现在服装往往是水墨画印制的面料、晕染的中国画色彩等，而舞台布景和秀场中的表演也每每出自祁刚本人的编排。故此，通过“中国概念”的艺术载体将结构的高级定制礼服呈现出来的这种表征方式，也成为了祁刚设计的理念和标签。在这样“交织”的情感下，祁刚的作品展现出犹如万花筒般的纷杂。在他的秀场中可以看到类似唐朝世时妆的夸张妆容、庞大的龙形配饰、宏大的罗马战场场景、唯美的花前月下古装表演，显示出“文化混搭”的边缘化特征。（图1-图4]
将中国民族与传统文化边缘化的一句“经典台词”想必是前些年流行的一个口号――民族的就是世界的。这一口号一度成为引领各行业走向国际的制胜法宝，在服装设计领域亦是如此，然而却多少带有些自我催眠的蒙蔽性。
首先，这带有明显的定型化特征。“民族”显然成为了中国服装设计师的标签，以及源源不断的设计灵感。这里的“民族”是指中华民族的整体文化话语，即包含民族文化也包含传统文化。民族情结令很多设计师囿于这种束缚，认为不继承传统就无法创新，从而不能冲破定型化的思维模式。两届“金顶奖”获得者，中国FDi指数最高的服装设计师张肇达擅从风格主题、造型结构、纹样色彩等方面展现本人对华夏文化及自然风光的热衷。张肇达重视民族文化和旅行，他认为做设计一定要走出去，被旅途中所见到的与生活环境不尽相同的异域景观所触动，从而有感而发的进行设计。他曾说过自己设计的三要素是“裁剪、肌理、色彩”，从他“不受滞碍的画笔泼洒”和叠加的三要素中，不难得出“张肇达作品”的特有形式。融合东方灵感与立体廓形，使他的服装设计作品更像是时装画的衍生品。（图5）
霍尔认为，“定型化是一种本质主义的思考方式，一，定型化是对差异加以简化、提炼并使差异本质化和固定化的结果；二，定型化应用一种‘分裂’的策略，通过排他的实践，把自己封闭起来，从而维持―种既定的秩序；三，定型化倾向于在权力明显不平衡处出现”。将设计“固定”于民族的设计师张肇达，寄灵感于旅行，在异域民族的独特风景和人文情怀激发下做了将近10年的“民族”系列，以繁复的肌理和浓郁的色彩表达心中被广袤中华大地激发所带来的设计激情，并且在每一季的秀场中展示的作品数量颇丰。然而，自2009年以后，张肇达逐渐不再单独自己的设计作品，转而与其他设计师合作，开始着手于一些商业品牌的运作或是索性开始画油画、办展览，虽然成绩斐然，然而他在个人品牌服装设计上的表现不禁令人感到一丝对于民族情怀“固定化”的担忧。
其次，“民族的就是世界的”还带有一定的边缘化特征，即“在权力不平衡处出现”（霍尔语）的边缘化。这一口号带有积极性，试图颠覆“中华民族这一文明古国”在人们心中的定型化特征，然而却暴露出没有摆脱定见的自相矛盾的二元对立结构。这―观点的基础是承认和赞美我们的民族存在，强调积极却没有取消对立，民族一世界的二元结构仍然存在。用更激进的方法说，民族就等于世界的话，那么世界等于民族吗？世界又等于全部国家吗？世界究竟是谁在言说的世界，是不是仍是西方言说的世界？话语权掌握在谁的手中？换句话讲，“民族的就是世界的”这一观点甚至可以看作是我们对于“世界”的一味追求以至于对民族的一种否定。改变这一自我边缘化的心理首先应当做的就是打破这种二元对立结构，放弃对民族符号的刻意追求和对国际认可的一味向往，因为每一个受中华文化影响，在当代教育中成长的中国设计师做出的就是中国设计。
3“中国概念”该走向哪里
服装设计的基本概念篇3
有些时候你认为它不能穿，是因为你的主观意识认为什么衣服是能穿的，什么衣服是不能穿的，但其实我们想要改变的就是这一点。第一次印象
见到白鹏，支离破碎的穿着方式却不显邋遢，一副黑框眼镜，扎个小辫，有如他的设计风格反叛，破碎却有迹可循。跟直性子的人聊天总是特别爽快，你不会听到那么多冠冕堂皇的修辞，他只会说我是怎样一个人，我就是我。
iLooK：你好，白鹏！我们好像是从你今年春夏的第一件作品开始知道你的，之前了解并不多。
白鹏：大家好，我是服装设计师白鹏，现在我所在的位置就是“Baipeng”在798的店。它是一个由旧厂房改造的，在我们来之前还是一个正在生产的空间，我利用这一块老旧的墙，还有一些屋顶，把它们改造得变得更旧，让它们跟纯白色有一种反差。
iLooK：你的家庭对你今天的选择有影响吗？
白鹏：我和主流比较脱节，跟主流的那种步调比较脱节。但总的来讲也都还可以，因为我的父母在20世纪80年代也做服装，我从小是在老人的家里长大的，所以他们会对我的选择比较支持一点。但是我小时候，他们基本上不太管我，也没有给我灌输关于服装的东西。我开始懂事的时候大概是七八岁，之前他们都在忙厂子或者各种其他的事，等到我懂事的时候，他们基本上已经做别的生意了。
iLooK：你当初选择做一个服装设计师的初衷是什么，为什么想做服装设计师呢？
白鹏：因为我一直以来就对设计充满兴趣，从学校出来之后，我没有正常地上一些服装专科的培训课程，但往往也会上一些，大多数时间拿着相机去拍照，或者去一些旧书店、旧书市集。更多的时候我是在自己跟自己学习。然后，我觉得为什么会有这样的一个行为，就是因为我要让一些我心目中的感觉、我认为有颠覆性的一些概念可以直接地面对人群。所以我希望去做一个这样的品牌，开一间这样的店。那样它可以直接地跟消费者面对面，让我去挑衅这个社会。
iLooK：在你的设计中，你觉得从概念、剪裁、面料和制作的细节来看，做设计最难的是什么？
白鹏：我觉得最难的不是技术上的问题，应该是品牌的发展和管理，因为设计不单是设计本身，还是一个存在与发展的关系，品牌本身是公司的一个商业标志。因为你做的不是一个纯粹的艺术，所以最难得的是公司的运营和设计技术的结合。
iLooK：所以从某方面来说，一个优秀的设计师必须是一个优秀的商人。
白鹏：如果短期内不能把商业运作规划好的话，未来我不一定还能继续做出设计作品。比如说对于我们的主线品牌“Baipeng”来讲，它是把技术和设计融合在一起，达到最好效果作为目标，而不是把商业作为第一个目标。
破碎的完整
白鹏的第一个系列以破坏性、重构式、平面剪裁和反常规的制作方式，并融合古代东方的意识和实验、前卫的概念，隐含着一种很特别的吸引力，一切看似美好的东西一旦打破原有的规则都会迸发出一种新生的光辉。
iLooK：2013春夏是你的第一个系列，你是怎么想到做这个系列的？
白鹏：这个系列就像是整个品牌的最开始，我觉得它像是把一件一件纯粹的概念挂在上面，对我来讲它还是非常的单纯，然后，我觉得接下来会有很多的变化，覆盖在它上边。我觉得它不太像是一个真正的系列，像是一个最初的概念。
iLooK：你做这个系列之前，是已经做了很长时间的准备，还是突然想到要做这个系列？
白鹏：我之前做的准备跟服装没有太大关系，比如说平时也不太爱去看和服装相关的一些书，我做的准备都是对我自己的一个准备，所以现在做服装，做的时候我也不太会想这个系列要……而我想的是我把我自己变成一个这样的人，然后我去做什么，它自然会去融入。所以我之前做的都是一些不相干的事情，比如摄影，比如书，比如画，或者是文字上的一些东西。它们跟服装没有那么直接的联系，但是最后会转化成我的一个自然表达的状态。
iLooK：那么就是说你做这一个系列就是一个转化的过程，你前面所有的摄影，还有你做的一些积累，都是对这个系列的一个铺垫，对吗？
白鹏：我觉得大家做这个工作或者做其他工作都一样，只不过可能有些学校做的东西就是专门针对服装或者技术本身的，但我觉得其实这跟每个工作都一样，你去积累出一些你想要的、感觉对的东西，去成为你想成为的人，然后做的时候就成为这个样子了。
iLooK：听说你之前学服装设计，但是后来退学了，为什么放弃学习了呢？
白鹏：是的，不是放弃，是觉得那样的方式并不好，因为学设计嘛，不能变成跟“学”相抵触的一个东西，我认为怎么学都可以，主要是对想做的事有帮助的方法都可以，我认为我这样的方法对我自己来讲更有效率。
iLooK：但是有一个问题是，有些东西，比如说技术上的，只有在学校里才能学到，那你离开学校之后都是全靠自己学习吗，还是父母可以提供帮助？
白鹏：技术上的东西并不是都在学校里学的，太多学生从学校里毕业，但是做不出衣服的。现在的学校只教一个非常大众的、基本的一些宏观理论的东西，甚至是可能不适合你的一种意识。
iLooK：就是说学校更多是在传递宏观的概念？
白鹏：对，一个宏观的概念，这个宏观的概念是不一定适合你的。就设计本身而言，应该每个人都是完全不同的，完全不同的风格，这才叫设计的创作者。但如果你在一个宏观的、基本的概念下，你怎么去做呢？然后技术类的问题，在服装、时装设计学校里是很难学到的。
iLooK：那你现在做服装的时候会不会遇到一些专业技术上的难题呢？
白鹏：专业技术本身的话，任何牌子都会有，我觉得……我本身也是在做专业上的事儿，不是说我没有念科班学院就没有专业的基础，而我们现在也是以一个独立工作间的方式操作，可以做定制也可以做成衣，而且我目前也做所有从打版到制作的这一套东西。所以我觉得技术关键最困难的地方不是它本身，而是跟设计、跟你自己的理念结合在一起。
iLooK：你对自己的设计风格有一个怎么样的定位呢？
白鹏：创造性、延续性和实验性。
iLooK：我们看到你第一个系列，觉得你的剪裁方式跟别的有点不同，能介绍一下你这种特殊的剪裁方式吗？
白鹏：我用得比较多的是平面剪裁，而大家用的立体剪裁比较多。我刚才说的延续性，就是我希望有一些……我没有在国外留学的经历或者完全接受西方的那一套……所以我能够表达的其实是比较东方性的那一套，我只能这样做，没有太多其他的选择。所以我觉得平面剪裁是一种可以跟它很好贴合的技术，而且这也只是一部分，我还用了一些比较反常规的方式去操作。因为我们想要的就是打破一些硬的观念，然后用一种或者是传统、或者是激进的手法去表达一下意思。它本身没有什么太多的规则或规定。
iLooK：见你的作品，比如在剪裁上，看似很随意，但是其实在细节上还是下了很多工夫的。
白鹏：我觉得细节是体现设计师用心与否的关键之一。因为有时候会用一种比较开放式的，我特意做出一些比较粗糙的效果，所以这样的话细节就变得非常重要。但是我觉得细节和整体对我来讲完全是一个整体，本身分不开的，没有哪个点是特别的，它整体就是一个完整的部分。其实有一些衣服的平面剪裁让你看上去是一个平面，但是穿上之后，每个人都会有不同的效果。我用平面剪裁的原因是它跟我们想要的感觉是比较相像的，就是有流动性的。
iLooK：从你的设计里可以看到建筑感的线条，这是时装艺术化，是现在难能可贵的设计理念。你是怎么把你衣服的实穿性和这个艺术化融合在一起呢？
白鹏：从我这个角度来讲，我觉得主线的衣服本身就是要能穿的，我们主要考虑的却是创造本身。有些时候你认为它不能穿，是因为你的主观意识认为什么衣服是能穿的，什么衣服是不能穿的，但其实我们想要改变的就是这一点。衣服看似是非常不好穿的，但其实只是你的观念认为它不好穿，这是一种表达，有时候我们就要特意去挑战这种观念，让这种禁锢的思想能打开一点。这也是一种尝试和一种颠覆吧。
iLooK：那你承认你的衣服里有一点小小的幽默感和戏谑感吗？
白鹏：这很关键，你在做一个创意的同时，让它变得有趣和幽默是挺重要的。
iLooK：那你最喜欢的是哪一位设计师呢，你的设计会不会潜移默化地受到他一点影响？
白鹏：以前的话，maisonmartinmargiela或者像川久保玲这一类本身就是比较叛逆的一些人，我从学校出来之后，也是会喜欢他们这样的一种态度。但是也谈不上太多的影响吧，就是这种观念、这种精神对我有指导作用。
寻找另一种途径
有人说白鹏相对浮夸的设计作品更像是喧嚣都市中躲在角落里的静谧老人，或看破红尘或故作深沉。其实这是另一种掷地有声的探寻，反常规，循个性，但是另辟蹊径也不是人人都可以做得到的。
iLooK：还有，刚才逛你店的时候，发现你很多衣服的面料好像都比较特别，能为我们介绍一下你用的面料吗？
白鹏：我觉得面料是设计很关键的一步，现在在中国面料面临很大的问题，因为像我们这样的公司由于资金问题，没办法去做一些订货，而且我们的产量也不大，类似这样的问题很多，但还不算是最大的问题。把设计和技术结合在一起，面料也是技术的一部分，如果能够结合得好，不一定说非要什么面料都是要最好的，一样能出好设计。
iLooK：那你现在看了那么多中国设计师，中国设计师现在也挺火的，在各个媒体、品牌都做推广，想让中国的原创设计走上国际舞台。你觉得现在的中国设计市场怎么样？
白鹏：其实还是不错的。因为现在这个阶段虽然看起来不错，实际上有问题。因为服装需要基本的意识、基本的审美，而我们现在的设计品牌是卖给一些特定的人、特定的人群，这样的话，穿着这个品牌的服装再去走秀啊、再去做一个活动啊，就不太像服装本身的东西。虽然说在国外一些很有概念性的服装也不是卖给老百姓的，但是我觉得真正的购买力、消费力，真正有人去消费这个设计品牌，才是最重要的。
iLooK：因为在国外的话，之前跟很多设计师聊，比如说在法国，他们是有国家力量在支撑服装设计行业，所以他们发展起来的话就会觉得好像路会比在中国好走。但是现在中国媒体也在推广，服装设计这条路看似很好走，其实也是满途荆棘的感觉，对吧？白鹏：对，因为像法国那样的政府形式的，或者是协会形式的这种力量，我们全没有，不拖我们后腿就不错了，甚至基本上有一种对抗的感觉。
iLooK，那你现在春夏第一季的作品市场反应如何？
白鹏：对于我现在这个阶段来讲，市场的反应还不是特别的重要，因为我觉得大家的反应好是很奇怪的，我想要做的一些就是反常规、有挑战性的。
iLooK：没有想到会这么好？
白鹏：好吗？
iLooK：以现在的销售情况还有媒体的反响来说，大家是认可的。
白鹏：我也不知道。但对于我来讲，我想做一件有挑战的事儿、挑战性的事儿、颠覆性的事儿，所以我觉得一开始大家都说好对我来说并不是那么的重要。
iLooK：那你之前提到说，你觉得成功的设计更商业，以后的话，在设计中，你会不会考虑到这个东西好不好卖，把这个东西考虑到你的设计中去？白鹏：对我来讲，这件东西好不好卖，永远都不是我第一个考虑的因素。
iLooK：所以说会开发一个副线？
白鹏：对，我会。我觉得对于一个设计品牌来讲，你必须要面对销售，应该把销售的品牌立体化，因为有很多的层次，所以对主线来讲，永远不能把销售看作第一目标。接下来可能会有一些支线的品牌和一些比较有意思、比较好玩的概念，在销售上也会有比较好的表现。比如我想做一个Baimarket的概念，一个像市集的场子，里面有各种各样的摊位，可能有咖啡店，可能有古董店，可能有油画摊，可能有现场音乐表演，或者是一次成像摄影，在我们的院子里把各种东西结合在一起，把它们变成一个品牌。类似这样好玩的销售方法，在商业上反而会比较有吸引力。
iLooK：那么目前的话，春夏系列已经出了，秋冬是呈一个怎样的状态呢？
白鹏：我觉得秋冬才算是真正的第一个系列。因为我觉得现在春夏这个系列太单纯了，秋冬系列还处于一个概念的阶段，但这个概念我已经做很久了。接下来就是把它实现出来。
iLooK：那你秋冬系列是对现在这个系列的延续还是一种颠覆或者突破？
白鹏：它跟这个还是完全不一样的。概念上会有一些延续的东西，我想让它……因为大家会觉得衣服不太实穿或者太过了，我想让它可以穿，但是它背后的概念或者它本身的形式会夸张很多，或者是好像看似不能穿，但是我想让它变得能穿，这样一个概念。
iLooK：品牌“Baipeng”现在是你的主线是吧？那么以后还会出现它的副线品牌，你能讲一下今后对这个品牌的打算吗？
白鹏：从服装来讲，目前我只想做好主线的工作，接下来我的支线不一定是服装本身，可能会有一种就像刚才所说的不一样的方式和不一样的产品，会是一种有意思的销售方式吧，但不一定非得是服装本身。
服装设计的基本概念篇4
关键词：符号学；服装设计；应用
中图分类号：G712文献标志码：a文章编号：1674-9324（2013）43-0080-02
一、符号学的概念及其应用于设计的背景
符号学（Semiotics），是一门研究符号的一般理论的学科，包括符号的本质、符号的发展规律、符号的各种异议、各符号之间的相互关系、符号与人类互动的各种关系（罗兰·巴特《符号学美学》，董学文、王葵中译本）。这是目前较为规范的定义。这个概念在20世纪50年代开始引入到建筑设计当中，随后受其影响使得“符号”与“意义”的概念在产品设计以及艺术设计的各个领域发生联结，成为设计界令人注目的一股设计思潮。在消费特征从消费群对单一产品功能的使用逐渐向新的消费模式演变——即变成产品的特色消费、生活方式消费，变成一种追求感性意义和价值的“符号消费”的今天，产品设计满足人们的个性化需求已经成为了当今关注的热点。服装设计作为产品设计领域的一个门类，他的主要服务对象是人，亦被称为是人体的第二层皮肤，人体的软包装。由此可见，在消费社会中产品设计创新的背景和对象发生变化的这个时代，服装设计过程中其形式与内涵都应该发生深刻的变化，应该研究符号理论的应用与体现，能够使人与服装、社会沟通协调发展并融为一体，在复杂的文化环境中创造更合理的、多元化的服装符号方式。
二、符号学在服装设计中的应用
符号的功能中包括了能指和所指两个方面。能指，指的是一种直觉的声音与图像，是一种感官效应。所指，指的是一种概念性的定义，属于一种抽象的心理意念。在服装设计中，设计也包括内在实质和外在表象两大范畴，外在表象是在服装给人能直接感觉到的范围，例如：服装款式造型、色彩、图案和面料质感等等，而内在表象则是某一服装其形象在人的内心深处所蕴含的人性理念，例如：一些少数民族的服饰，除了颜色款式本身有特点之外常常还蕴藏着其民族本身的一些图腾崇拜。这恰恰是和符号功能中的能指和所指相符的。因此在服装设计过程中我们可以在以下几个方面引入符号学作为设计创新的设计方法和应用拓展的导向。符号学在服装内外在表象方面的设计运用：
1.造型语言。就服装造型设计而言，我们常常首先体现在“廓型”的构思上。所谓“廓型”也就是服装的整体造型。许多著名的服装设计师的创作都是先从抽象的廓型而到具象的设计。最近由于世博会在中国上海举办，世界时装界再次刮起一阵中国风，不少知名设计师在自己的服装会上都开始展现出一些中国元素，2009年世界大牌armani时装推出的2010春夏时装秀在服装的款式造型上就充满中国屋檐的设计，完美地表达了其引领潮流趋势的设计概念。这不失为符号学在服装设计造型运用上的一个成功演绎。
2.色彩语言。色彩在形成服装状态的过程中，是创造服饰整体艺术氛围和审美感受的特殊语言，它是构成服装的重要因素之一。在服饰中给人的第一感觉首先就是一件衣服的色彩。同时设计师运用不同的色彩组合进行搭配，表现出热情奔放、温馨浪漫、活泼俏丽、高贵典雅、稳重成熟、冷漠刚毅、反叛创意等各种变化迥异的风姿，给人各种不同的心灵感受，这又是色彩语言在服装设计当中的内在方面的表现。同时色彩又具有隐喻性，也就是符号学中的所指，带有一种抽象的心理意念。
3.图案语言。图案是一种装饰语言，图案在服装设计中的运用往往是选取它的寓意成分。当今服装设计当中的图案设计已经不再是简单地描绘某一崇拜的图腾图案或者某一具体形象形体外形，而是通常会结合服饰整体造型，用“舍形取意”的方式，在色彩、线条以及构图上让他超出本身所含元素本身的、固有的内涵，延伸出各种外延。基本上都脱离自然原型的本体，成为人们在其民族服饰以及民间美术体系之中的精神创造物。服饰图案常分为三种：经典流行图案、流行的艺术思潮产生的流行的服饰图案以及地域民族风情的流行图案。在北京奥运会上，青花瓷系列颁奖礼服，来自北京服装学院的尤珈教授将青花瓷图案的典雅美与中国传统服装的神韵相结合，设计出了独特的青花瓷系列奥运颁奖礼服。青花瓷蕴含中国文化传统，色彩符合我们的审美，运用在颁奖礼服上，既有传统特征，又有独到之处。此后，青花瓷翩然成为时尚界的新宠，各品牌相继退出以“青花瓷”图案为设计灵感的作品。沪上名主持陈辰在国际服装文化节开幕当晚身着唐韵红绣“青花瓷”定制晚装，一现身便吸引了众多目光。这件中式晚礼服，呈现出中国文化元素的素雅与清秀的同时受到了各国著名设计师的高度评价。这是近时期服装设计界运用经典民族图案为符号将其服装推向世界的成功典型范例。
4.材料语言。我们发现，用不同种材料制作服饰，因其不同的基质，所做出来的服装会形成鲜明的视觉审美效果。服饰的所谓格调和风格，都需要通过特定的材质和加工才能真正体现出来。材质的选用，已经成为服装设计师们首先思考的审美元素。成功的设计往往都是最大限度地去充分地利用了材料的最佳性能，全面地了解织物在视觉、触觉、结构性能方面的特点及其材质和图案，用各种不同方式去组合才能创造出既符合流行趋势又拥有自身特点的优秀设计作品。如日本著名服装设计大师三宅一生，他被誉为面料的魔术师，三宅褶皱（pleatsplease）是一般大众对三宅一生（isseymiyake）品牌最直接的印象。其多年来对褶绉情有独钟，不断进行其素材的实验与开发，在他的设计工作室中，四壁挂满了他的试制品——各式各样的褶绉。运用褶皱表现他的个性，是他的出发点之一。他找到了设计语言并加以发扬光大。三宅一生的成功是一位设计师凭借独特面料形成自己独特设计风格的典型例子。
三、服装设计中的创新实践应重视符号学研究
符号学的设计方法要求设计师运用符号去思考形象，形成设计形象系统的符号表达，并在各种符号表达的整合中引起创造性观念的产生，从而自然在设计符号的意义表达中形成设计观念、风格突破。符号学理论为服装设计提供了一种极有启发意义的分析方法，通过符号造型和对服装表达意义相关元素的排列、综合等构成方式来解释服装设计的意义，立足传统，注重文化，强调符号精神内涵与形式创新的符号设计方法，将会是现代服装设计发展的重要创新手段，从而可以使服装的使用者能够更有效地理解和穿着服装。
参考文献：
[1]张凌浩.产品的语意[m].第2版.北京：中国建筑工业出版社，2009.
[2][德]伊丽莎白·瓦尔特，马克斯·本泽.广义符号学及其在设计中的应用[m].徐恒醇，编译.北京：中国社会科学出版社，1992.
服装设计的基本概念篇5
摘要：服装作为与我们生活息息相关的设计实用品，早已脱离了御寒蔽体的范畴，它不仅能反映出穿着者的个性爱好，更在一定程度上展现出社会的经济发展与人们的文化生活。随着社会的发展，国际间交流越来越频繁，服装由原先的地域化局限性逐步走向一个开阔的发展空间，巴黎时尚会各大秀场的时装，隔天就会出现在全球各个角落的时尚精品店当中。在这种快速消费的现代化当中，人们追求个性的潮流逐渐成为服装设计师设计作品的发展趋势。因此从服装的结构入手，将解构的艺术理念融入其中，展现给穿着者与观看者不一样的感官体验。正是服装设计师的职责所在。
关键词服装设计；解构；潮流
解构一词的出现与二十世纪，它的出现与人类的发展及社会科学和哲学的发展是离不开的。它是一种反传统的观念同时又是人类进步的文明表现。解构主义者称没有结构是一成不变固定静止的，任何作品都是由一种开放的状态形成的。德里达认为，解构并不是简单的颠倒原有的位置，关键在于其认定不同物体之间仅有一些微小差别，而没有优劣的等级秩序，不同物体同时存在着相互渗透、相互包容的关系。同时又是对原有事物按照新的逻辑关系进行重新的排列组合。
解构主义最早出现于建筑设计上，因此在20世纪80年的建筑风格上出现了不同的造型效果，比如立体形态与平面形态的结合，运用一些破坏、扭曲等处理手法达到耳目一新的设计效果，如盖里的跳舞的房子。艺术家利用这种分解的概念，将原有的形态打破，而后进行重组、叠加，在不破坏原有秩序的前提下重视局部的表现，创造出一种神秘的不确定感。
解构主义是一种前卫的、时尚的服装风格，始终保持着在世界范围内对服饰文化的影响，并且将设计理念进行了拓展和延伸。将解构的特点融入到服装设计理念当中展现出不一样的设计特点。作为服装设计的三大基本要素色彩、款式和面料，同样可以从解构的理念入手对三个基本要素进行设计创新。
在服装造型当中色彩能够美化人体形象。色彩的解构与重组要在对色彩理论知识熟知的前提下进行色彩设计。将原有的色彩提取后再创造，运用色彩对人心理刺激反应的原理，将其更加概括抽象，在艺术作品当中表现出独特的审美效果以及更为广阔的色彩世界。
服装的风格是一种审美特征和审美认知，并且是特定社会文化背景下的产物。服装的结构主义风格是以人的主体为造型基础，从而强调其造型的比例、层次以及立体感。解构主义则是将构成服装造型的基本元素进行分离、组合形成独特的轮廓特征。
解构主义兴起于20世纪70年代，对社会学、哲学、文学、艺术、心理学等都有深刻的影响。有着“面料魔术师”之称的三宅一生，提倡没有结构的设计模式。1992年三宅一生推出其代表作品褶皱系列，将整体的面料打散把东方传统的平面构成的概念运用到服装造型当中，形成了其独特的解构主义设计风格。1997年川久保玲的春季会名为DressmeetBody，将服装与人体合二为一，把服装当中的零部件进行重组排列，将口袋的造型颠倒展现出一种独特的不平衡感。
凯洛林・里诺滋・米尔布克对解构主义时装解释说：“解构主义时装，最显著的特点是在身体与服装之间所保留的空间。他们的服装，应用了多样化的方法，配合多样化的创意，顺着身体的曲线设计。”
解构主义最初是以东方的设计思维为基础，以和谐为设计根本所创造出来的二次空间。它打破了传统对服装结构的设计，除了突显服装的层次以外更加注重人体的舒适感。并且给穿着者一定的主动权，由穿着者来感悟和展现服装的设计理念。解构看似无形，但是又疏而不散这同时又和东方的玄学文化像通，展现出来其神奇的魅力。
解构将服装设计带入一个充满活力的风格当中，他将设计语言与禅宗文化合理的结合在一起，运用打散、分割、组合将服装的各个结构进行再设计，将服装本体与穿着者完美的结合在一起，展现出丰富多彩的设计语言。解构主义在当今服装设计当中更加具有吸引性。一件服装早已打破了原有的固定结构状态，经过设计师独特的设计手法，将解构的理念展现出来。它是一种充满个性的风格状态，将原有的严谨的服装解构打破，从复杂多变的视角入手使服装充满了不可捉摸的张力。这种理念看似无形，却疏而不散。设计师从不同的角度对整体的服装进行大胆的改造，将原有的部位重新整合分解从而得出新的造型结构。用截然不同的视角来诠释服装的意义与状态。
作为服装设计元素之一的面料，在创作过程中同样可以融入解构的理念。随着科技的发展面料的更新层出不穷。大量的新型材料的应用更是将服装的可视性提升到一定的程度。同样是日本设计师三宅一生，其面料便是最先打入国际舞台的时装艺术品。在服装设计的过程当中他总是致力于研究超前的服装作品，注重面料的选择与更新。在他的作品当中有很多前卫的设计概念，比如用一片面料裁剪出来的服装，以及“褶皱”系列，这种独特的设计理念将服装的整体造型带入一个全新的篇章。
服装设计的基本概念篇6
关键词：时尚文化；服装设计；相互影响
一、引言
当前世界范围内，随着经济的发展，文化建设也得到了长足的进步，人们在满足基本生活需要的同时，对时尚的要求越来越高，对服饰的要求也越来越高。笔者结合工作实际，就时尚文化与服装设计这一重要议题展开讨论，重点介绍了时尚文化概论相关概念，分析了时尚文化与服装设计之间的共同性，并讨论了时尚文化与服装设计之间的相互影响，以期得出时尚文化与服装设计在文化方面、设计方面、灵感方面相互契合之处。
二、时尚文化概论
艺术设计在很大程度上充分迎合了人们在审美情趣上的要求，在精神世界上的诉求以及情感方面的需求，充分体现了文化的相关内涵，因而具有很大的影响力。从心理学的角度看，社会生活中积累的民众内部非正常行为的集合叫做时尚，时尚这一概念随着社会生产力水平，分配方式，生产关系，以及物质财富以及精神财富的变化而变化。一般来说，时尚文化是社会一小部分人（潮人、艺术家、非主流人群以及歌星、影星等社会知名人物）所创造和倡导的，迅速通过现代媒体的传播为社会大众所接受的现象。时尚涉及到生活的很多方面，比如说在情感方面、行为方式方面、生活方式方面等。
从某种角度看，时尚文化是当下最为流行的文化的精髓部分，能够得到社会大众的普遍认可，换句话说，时尚是当前社会风尚中的乡里巴人部分，不是艺术家所匿藏的阳春白雪。时尚文化能够将社会大众，特别是年轻人在思维方式方面、情感方面以及心理方面联系更为紧密。当前，年轻一代人（特别是八零后和九零后一代人）在期望获得社会认可方面以及在实现个人价值方面有很多的共同之处，他们的价值意思、个人成长规划上与老一辈人有着深刻的不同，很多观念上的差异以及行为上的诉求导致他们对于文化的理解有着很多的共同之处，而时尚文化成为他们生活总不可缺少的部分，而他们本身的思想、行为也构成了当前时尚文化的一部分。
在我国文化建设的大潮中，时尚文化很自然地成为文化建设的前沿阵地，要在维持整个社会文化健康成长的基础上，处理好传统与叛逆、古板与情趣、规矩和个性等方面的矛盾十分重要。时尚文化从某种角度上看，难以捉摸，但是确是切切实实地改变着这个社会。大家都知道，服装设计过程中设计到很多元素，其中艺术元素、文化元素的融入更是使服装设计成为大家追求时尚文化的有效载体，分析当前时尚文化和服装设计之间的关系就很有必要了。
三、时尚文化与服装设计的共同性
服装设计和时尚文化在很多方面有着共同性，而且在很多方面相互补充，相互借鉴，分析下来，主要有如下几点共同之处。
1．商业性
无论任何文化元素都需要必要的市场操作才能体现文化本身的商业价值，时尚文化也是如此。在当前市场经济充分发达的今天，众多的文化形式都需要通过各种文化衍生品实现商业价值的获取，而这些文化衍生商品由于有各种文化的嵌入，更能够满足社会大众在物质层面、精神层面、在情感方面的需求，从而激发了消费者的消费欲望，促进了商品的销售，而商品的销售又推动了文化元素在社会更为深入的推广。
在当前，时尚文化元素已经成为很多产业前进的内在动力，为这些产业带来了巨额的利润。比如说日本的漫画文化、泰国的人妖文化，已经成为推动这些国际经济发展的重要动力源。我们在将话题回归到服装设计上来，服装的设计工作最终是要为了服装的销售服务，因为服装产业的直接目的在与盈利而不是满足社会大众的需要，所以当前的服装设计师必然在设计时考虑服装的受欢迎度，以期望获得更为高额的商业利润。而消费者在购买服饰的同时，也满足了自己在生活品味上、在审美情趣上、在穿着功能上的要求。服装设计和时尚文化在商业价值的获取上找到了契合点。而另外一方面，时尚文化和服装设计融合的过程中，也存在着一定的风险，一旦流行元素选取失误，必然会导致服装在市场销售上的失败，导致巨额亏损。
2．时效性
时尚文化是某个时间段社会时尚元素的集合，会随着时间的流逝产生、发展、衰退和消亡。和传统文化相比，时尚文化就如昙花一现一般：来得快、影响大、消失快，有着内在的时效性。时尚文化没有所谓的“保质期”，它在一定时期内深刻地改变着人们的生活，但是很快就会被新的时尚元素所取代。很多过往的时尚文化或许在老一辈人心目中留下深刻印象，会被他们时常回忆，但是却不能取代当前的时尚文化。当前社会越来越快的生活节奏，加上文化多元化的不断加重，导致文化在表现形式上以及获利方式上更为功利。更新换代的速度也是越来越快。
服饰也是如此，具有很强的时效性。流行元素，时尚文化在服饰上的体现就是新颖元素的不断加入，老旧概念的迅速消亡。服装设计和服装概念对文化是十分敏感的，一旦过时，相应文化的服装产品就将迅速过时，失去了市场购买力。
从根源上看，时尚文化以及服装设计的时效性来源于社会大众内心无穷无尽的欲望。人们总是对未知的事物充满了好奇感，而这种好奇感驱使着人们不断追求新鲜事物，一旦他们成功，又会将注意力集中到新的事物上去。所以从社会学的角度看，人类是之所以是一种群居性生物，是社会性事物，根本原因除了对繁衍要求很高以外还有一个重要原因就是天生的好奇性，西方神话中夏娃吃禁果反映的就是这一观点，而人类无穷无尽的欲望正是推动我们整个社会前进的内在动力。
3．群体性
时尚文化具有着很强的群体性，能够很好地被人们所接受，进而不断被传播。社会群体的划分有很多角度，但是从文化取向角度出发，人们可以被分为很多群体。一旦新的时尚文化出现，按照对新的时尚文化接纳程度来看，可以将社会人群分为各种不同的群体。
从时尚文化接纳程度来看，对时尚文化接纳程度最高的是女性群体和青年群体，这个两个人群也是时尚文化的忠实支持者，是时尚文化产业的忠实支持者和消费者。这两个群体对时尚文化有着十分深刻的理解和认同，他们消费时尚文化衍生商品，并通过日常生活的演绎推动着时尚文化的普及，从而形成一个循环。服装设计具有很强的群体性，不同文化、不同民族、不同、不同风俗习惯的社会人群在服装设计上也各不相同。
四、时尚文化与服装设计的相互影响
时尚生活通过很多层面影响这人们生活的方方面面，也深刻的改变着服装设计，指引着服装设计的方向。另外一方面，服装作为社会消费品中的一个较大的门类，也在很大程度上改变着时尚文化，在一定程度上左右着时尚文化的流行趋势，两者相互影响，相互促进。
1．时尚文化催生这服装设计的风格定位
某个特定时期某个特定社会范围内，服装的设计理念、设计方法在很大程度上受到时尚文化的影响。从本质上说，这是由于这一时期内设计师本身会受到周围环境时尚文化的影响，会将时尚元素融入自己的设计中来；另外一方面，只有符合当前时尚文化风格的服饰产品才会受到社会大众的欢迎。
2．服装设计引领这时尚文化的潮流
当前社会，生活节奏很快，而服装已经成为现代社会的消耗品，从某种意义上来说，现代服饰更大程度上是满足人们对美的需求，而不局限于服装本身的功能层面。而后现代美学学者认为，现代商品的销售在实现商品最基本的功能以外，更多的是体现商品与相关文化的契合点。所以，当前流行的服饰在很大程度上让人们了解了蕴含在服饰中的流行文化元素，促进了时尚文化的普及，也改变了流行文化的进程。
服装设计的基本概念篇7
蕴涵深刻寓意的国服中山装作为中国人一度推崇的常式礼服，它同时也承载着一种文化，一份民族自尊和自豪感。中山装在共和国成立以后至改革开放初期，均被作为中国的“正装”。2016年2月29日，民革中央召开全国“两会”新闻宣传工作通气会。民革中央副主席修福金介绍，在提案中建议中山装作为国家正式礼服。因此我们需要找回自己的民族精魂，中山装的回归并不是简单地复制以往的模样，而是一种赋予了新时代崭新内涵基础上的继承和发展。本课题中山装的概念创新设计根据中山装的服装形制和内涵进行创新主题设计，尝试把中山装的传统服装造型特点和当下流行趋势结合进行系列设计。
2中山装的概念与内涵
2．1中山装简介。中山装，外文名称是“Chinesetunicsuit”它的原设计师是孙中山先生。中山装是孙中山先生综合了西式服装与中式服装的特点而设计出的一种直翻领有袋盖的四贴袋服装。2．2造型特点。1912年民国政府通令将中山装定为礼服，修改中山装造型，并赋于了新的含义。服装形制是立翻领，对襟，前襟五粒扣，四个贴袋，袖口三粒扣。后片不破缝。这些形制是有讲究的，其一，前身四个口袋表示国之四维(礼、义、廉、耻)，袋盖为倒笔架，寓意为以文治国;其二，门襟五粒纽扣区别于西方的三权分立的五权分立(行政、立法、司法、考试、监察);其三，左右袖口的三个纽扣则分别表示三民主义(民族、民权、民生)和共和的理念(平等、自由、博爱);其四，后背不破缝，表示国家和平统一之大义;其五，衣领定为翻领封闭式，显示严谨治国的理念。2．3中山装的设计理念。1)服装款式。上衣为立翻领关闭式八字形领口，有风纪扣;衣身三开片，后背整块无缝。前门襟，5粒明扣;4个贴袋，左右上下对称，有盖，钉扣，上面两个小衣袋为平贴袋，底角呈圆弧形，袋盖中间弧形尖出，下为老虎袋，左右对称;左上袋盖靠右线迹处留有约3cm的插笔口。高档中山装，在袖口部位有3粒饰扣。与中山装配套的裤子一般采用同料同色的西式裤。有两个侧裤袋和一个带盖的后口袋，挽裤脚。2)色彩。中山装的色彩很丰富，除常见的蓝色、灰色外，还有驼色、黑色、白色、灰绿色、米黄色等。作礼服用的中山装色彩要庄重、沉着，而作便服用时色彩可以鲜明活泼些。3)材质。作为礼服用的中山装面料宜选用纯毛华达呢、驼丝锦、麦尔登、海军呢等。这些面料的特点是质地厚实，手感丰满，呢面平滑，光泽柔和，与中山装的款式风格相得益彰，使服装更显得沉稳庄重，而作为便服用的面料，可选择相对较灵活，可用棉布、卡其、华达呢、化纤织物以及混纺毛织物。
3“中山装概念”主题创新设计
以蕴涵深刻寓意的国服中山装作为系列设计的蓝本，深入分析中山装所承载的服装形制的内涵，在此基础上的继承和发展。采用其特点，比如笔架形状的带盖、翻领、门襟扣，以及体现出来的含蓄、内敛、庄重的气质。以主面料灰色搭配红色，色彩经典色调稳重，红色的点缀更是衬托其沉稳和典雅。效果大气中又能体现时尚，把中山装的传统服装造型特点和当下流行趋势结合进行系列设计，如图3－1、3－2。
4结语
“中山装概念”主题时装设计的实践与探索，让我们感悟到了中山装的文化品格和文化魅力，也引发了对民族服饰文化与时下服装产业的深层次思考，更为重要的是，使我们进一步增强了对民族文化的自信心。特别是在国力强盛、社会进步、科技发展以及大力推进文化创意产业和设计产业的今天，我们应该正视国际潮流与民族文化的交融，把握民族服饰文化在当代社会进程中传承、交流与发展。
参考文献:
服装设计的基本概念篇8
[基金项目]河南省科技厅软科学研究计划项目（1424004105330）
[作者简介]魏玉龙（1976―），女，河南省郑州市人，郑州轻工业学院讲师，硕士，主要研究方向：服装艺术设计。
[文章编号]1009-3729（2014）04-0104-04
[摘要]传统服装的大部分原材料是石油类制品，在服装的生产过程中会带来大量纺织原料、废料浪费与水污染，服装行业必须改变以往的设计理念和生产方式，走低碳可持续发展之路。服装设计师应通过大量使用天然环保面料、低染料与“再造”纤维织造的面料来设计制作服装，并大力宣传环保理念、积极引导消费者提高其对环保纤维制成衣的认识；通过设计创意类概念服装，激发人们热爱生命、希望与自然和谐共处的愿望，向消费者传达环保理念；旧衣新作，以有效减少资源浪费；设计“零浪费”与“一衣多穿”的服装，以提升面料的利用率。
[关键词]低碳理念；环保面料；创意类概念服装；旧衣新作；零浪费；一衣多穿
[中图分类号]tS941.2[文献标志码]a[Doi]10.3969/j.issn.1009-3729.2014.04.020
面对世界范围内的资源趋紧、气候变暖、环境污染严重的严峻形势，2007年哥本哈根“世界气候大会”提出：减少碳排放、保护环境是“拯救人类的最后一次机会”。“低碳”遂之成为了社会的焦点词汇，如何实现低碳经济、低碳消费也成为我国政府和民众关心的热点问题。
低碳意味着节约能源、开发新能源、坚持可持续发展。作为我国支柱产业之一的传统服装行业大部分服装的原材料是石油类制品，在服装的生产过程中会带来大量纺织原料、废料浪费与水污染，因此服装业必须改变以往的设计理念和生产方式，走低碳环保发展之路。随着中国人环保意识的逐步增强，人们选择服装不再单纯以“流行”为准则，是否环保也成为其选择服装的重要因素。目前，中国的环保服装设计主要是对天然纤维的研发与对低碳的生产环节控制，而服装设计师进行低碳理念的服装设计却十分不足。鉴于此，本文拟在广泛研究国内外低碳理念服装的最新科学技术与设计思想基础上，对低碳理念在现代服装设计中的运用与体现进行分析与论证，以期引导服装设计走低碳环保发展之路，并将低碳理念的服装推荐给消费者，使其接受并喜爱穿用低碳环保的服装。
一、选择环保面料制作服装，减少环境污染
环保面料一般指的是自然、低碳节能无有害物质、可循环利用的面料。例如，天然的棉、毛、丝、麻，以及近年来开发的竹纤维、彩棉等，这些不是从石油中提炼的面料，而是可以再生的自然资源，如果控制得当、合理利用，可以减少环境污染，是设计环保服装的优质传统面料。天然面料的服装对环保能起到积极作用，一向受到消费者的青睐。如在2009年中国国际时装周春夏系列服装展示会上，设计师梁子采用广东传统的莨绸面料制作的高级定制服装受到了广泛好评。莨绸是濒临失传的中国古老面料，距今已有500多年历史，它以桑蚕丝为原料先织成坯绸，再使用广东独有的植物中草药――薯莨的汁液浸染，纯手工制成，制造过程非常环保。梁子称莨绸为“世界上独一无二的绿色环保面料”[1]，“莨绸染整技艺”也成为第二批部级非物质文化遗产。
随着科技的进步，新型环保面料不断出现。例如，Rpet面料（再生涤纶面料）是一种新型的再生环保面料，它是将回收的宝特瓶经品检分离、切片、粉碎、冷却后，抽丝拉成极细的纱线再织造成的面料，俗称“可乐瓶环保布”。这种技术最早是由日本于2002年研制出来的，除了回收的可乐瓶外，废报纸、旧衣物的纤维、天然麻经过粉碎、化学反应、聚合等步骤都能制成Rpet面料，这一过程使生态圈系统的石油消耗和Co2排放量降低约80%[2]。台湾的Singtexindustrial企业通过利用星巴克和7-eleven连锁超市里顾客喝完咖啡后剩下的咖啡渣，生产出咖啡碳纤维。这种纤维在高弹机上织造成的面料具有弹性，很适合制作针织服装或内衣。世界知名的美国户外服装品牌timberland的设计师就使用这种碳纤维面料制作夹克，被称为是“最环保的夹克衫”[3]。由于弹力面料服装便于活动，许多运动品牌如nike、northFace、puma等都争相利用碳纤维面料制作运动服装，打造其健康环保的形象。
目前仍有很多中国人不太认可再生产品制成的服装，认为其是用回收材料、甚至是垃圾制作而成的，产品档次太低。这是一种错误认识。作为服装设计师，要大力宣传环保理念、积极引导消费者提高其对环保纤维制成衣的认识；应通过大量使用天然环保面料、低污染面料，以及再造纤维织造的面料来设计制作服装。
二、通过创意类概念服装设计，传达环保理念
灵感的发掘与寻找需要设计师具有发现美的眼睛，从自然界中发掘和积累素材。创意类概念服装设计要求设计师从自然界物质的纹样、色彩、肌理中获取灵感，从而激发人们热爱生命、与自然和谐共处的愿望。被称为“时尚顽童”的英国设计师亚历山大・麦昆设计了一组以羽毛为主题的服装，有的直接用羽毛黏贴在立体的服装造型上，使我们感受到大自然的馈赠就在身边（见图1）；有的是在丝绸服装表面使用数码印花机喷印羽毛的纹样，再局部黏贴、固定羽毛，达到了虚实互映的装饰效果。
日本的著名时装设计师古川云雪也被称为“环保的设计师”，本色、自然是其服装设计的夺目之处。古川云雪尤其擅长使用非纺织面料或者面料再造手法进行创意概念服装设计，以抒感。2012年，他在中国展示的作品都是以环保为主题，用藤艺编织成夸张的花瓣造型或存在感很强的立体几何造型，非常另类而雅致（见图2）。他在服装上绘制羽毛鲜艳、栩栩如生的鹦鹉，传达了万物同在一个地球上生存、人人都有责任维护自然生态平衡的理念，其醒目的色彩和动感的造型提醒人们，要保持生态平衡，爱护自然环境，唯有这样，美丽的禽鸟才能在森林里繁衍生息，而不绝迹。
另外，废旧的耳机、磁带也可以通过再造制作为服饰配件运用在服装搭配中，营造出另类的时髦。虽然这些天马行空的创意服饰造型过于夸张、超前，还暂时不能用于我们日常生活中，但设计师通过创意类概念服装设计可将自己的低碳理念展现出来，引导消费者接受低碳环保的服装。
三、旧衣新作，减少资源浪费
随着人们物质生活水平的提高，人们更新衣物的速度过快造成了很多资源的浪费。减少购买新衣、将旧衣服循环利用、旧衣新作也成为践行低碳理念的一种方式，并且成为有识之士正在探索的新的盈利模式。
从2006年开始，伦敦时装周专门开辟了展位给一些年轻的致力于环保的设计师，以展示其用再生、回收材料，以及无污染物料和制造方式制作出的华丽时髦的服装。展览产生的积极影响使时装周的主办机构逐年扩大“低碳的服装设计”这一主题展区
图1亚历山大・麦昆的设计作品
图2古川云雪设计的藤艺服装
的规模，使其成为时装周的一个重要展区，吸引了越来越多持有环保理念的服装设计师在这个展区展出自己的作品。在2013年的时装展位中就有将几年前库存的、有瑕疵的旧衣服剪成布条，再用粗棒针手工编织成的外套，别具一格，赢得了人们的赞誉。
国内也有异曲同工的设计。FaKenatoo品牌创立者张娜早在2011年就开展“再造衣银行”的公益项目。通过对日常生活的敏锐观察，她将人们丢弃或闲置不用的废旧衣物和面料收集起来，聘请下岗女工分门别类去清洗拆分；然后根据厚薄、色彩合理搭配，重新拼接成新的面料；最后经过巧妙设计，缝纫成时尚的服装。可见，通过恰当的途径，用最低成本的原材料来设计的环保服饰完全可以实现经济实惠的目标。这些经过循环利用的服装具有丰富奇妙的面料肌理、独特个性的审美效果、唯一、无法复制的款式，“再造衣银行”项目取得了非常好的经济效益和社会效益，获得的大部分利润用来建立基金帮助一些下岗女工。张娜开展这个项目的初衷就是倡导低碳理念，希望通过人们的怀旧心理，减少资源浪费。虽然这些循环利用的服装没有轰轰烈烈地走向国际，成为品牌，但设计师别具一格的创新思维模式，充分贯彻了绿色环保理念，值得称道。
经营服饰的卖家与生产厂家往往都有大量的过季服饰库存，如果能够成立旧衣回收公司让其作为中间媒介来分类、处理和再利用旧衣物，再通过设计师进行环保服饰的再设计和再生产，几乎可以实现材料的零成本。这类低成本的环保服饰，通过服装设计师的创意设计，必将成为一种国际前卫的环保服饰设计潮流。
四、“零浪费”与“一衣多穿”，有效提升面料利用率
根据纺织行业的一项统计，仅在欧洲与美国，目前每年浪费掉的纺织面料就已接近10万吨[4]。通常情况下，一件成衣在生产制作过程中就会有15%的布料被浪费[5]。设计师如果能最大限度地利用面料，减少废料，那么对环境的污染就会越小。
芬兰设计师瑞桑恩（Rissanen）是帕森设计学院的第一个可持续时尚设计方面的助理教授，他主张服装设计面料的“零浪费”。他发明了一种全新的剪裁方法，就是将整块面料剪裁顺序上下颠倒过来，避免往常将衣袖、领口、衣服背面和前面进行衔接时造成的面料浪费，使整件衣服如同拼图一样完整地组合，最终达到物尽其用的效果。虽然这种裁剪方法目前还存在一定的局限性，例如需要的面料幅宽是固定的，以牺牲时尚为前提等，但是，随着“零浪费”设计理论研究的不断深入，有望在将来把“零浪费”服装推进正式的商业运作中。
另一种可选择的设计方法是1990年代日本著名的服装设计师川久保玲设计的“一衣多穿”服装。其设计简单到不像一件服装成品，仅是在一块正方形的面料上挖出大小不同的若干个洞，而穿着者可以自由地选择不同位置伸进自己的头和胳膊（见图3）。这种设计启发了整整一个时代关于服装的思考，也启迪了许多设计师进行“一衣多穿”概念服装的设计尝试。2000年，由川久保玲的徒弟渡边淳弥设计了一款可以上下颠倒穿着的运动衫（见图4）：脱下来把头套进腰部的开口就成了另一件运动衫。这虽然不是时尚界首款“一衣多穿”的服装，却是公认的主流时装界“一衣多穿”的典范。服装带给人的乐趣远不只是穿着的，更多的是思想碰撞出的无限可能性。“一衣多穿”虽不是国际知名品牌的主流设计，却是消费者最喜爱的设计理念。随着金融危机的大范围袭来，近年来消费者已经开始越来越关注一件衣服的价值，设计、创意、剪裁、面料、工艺、功能性……许多以往不曾考虑的问题开始更多地成为消费者购衣的考量点。而一些有才华又洞悉市场需求的服装设计师便开始了“一衣多变”的设计。
美国的服装设计师一贯以线条流畅、造型简洁、注重实用、性价比高为设计成衣的原则。他们能够站在消费者的立场思考穿着的舒服、随意，敏锐地感觉到设计“多任务的时装”是一种聪明讨巧的做法：一样的价钱，多一种穿法，人们就会觉得物有所值。年轻设计师osmanYousefzada设计的一件有2种穿法的裙子被人们戏谑地称为“大萧条连衣裙”：第一种穿法是把垂坠的部分斜穿过肩胛骨，成为一件波西米亚风格的长裙；第二种穿法是将垂坠面料抻拉并正好遮掩住小腹，成为一件腰腹部有堆叠褶皱的优雅礼服，2种穿法都很完美。人们称它是“大萧条连衣裙”其实是对其功能性的褒奖：一件服装满足2种场合、2个环境，实现了价值最大化。这件裙子的真正售价是600镑，其价格虽然比较昂贵，但让人耳目一新的穿着方式让它成为Browns百货公司长盛不衰的畅销产品。osman从那以后陆续推出了3种穿法、多种穿法的衣服，多变穿法的设计理念成为引领潮流的新理念。
DonnaKaran是美国知名的成衣品牌，其设计师DonnaKaran也被称为“多种穿法女王”。她已推出数年的“万用”针织外套通过正反前后的颠倒围裹能够演变成套头衫、围巾等，还可以通过拉链的开合、绳带的长短收缩变身为手袋、斜挎抽绳小包、超大日用包等12种穿用法，而且每年增加更多色彩和
图3川久保玲设计的“一衣多穿”作品
图4渡边淳弥设计的“一衣多穿”作品
面料，该外套一直保持畅销的状态。2011年夏季，她还推出了一件“无限连衣裙”（见图5），号称有百种穿法。这也带动了美国其他很多服装设计师争相挑战设计多种穿法的单品，丹麦的一家设计公司甚至推出有超过40种穿法的连衣裙。
国内也有设计师借鉴外国先进的设计理念，设计出一衣多穿的服装，例如上海FaSHion&aRt品牌的设计师叶谦用一片布设计出披风、斗篷、围巾的3穿外衣，连袖子也有2种穿法可替换，一种是甜美浪漫风格的泡泡袖，另一种是中性帅气风格的立体袖，可以方便地与其他单品服装进行搭配。
“一衣多穿”的设计方法意味着今天的环保服饰着重功能性、实用性的设计和更创意、节约的剪裁，这不仅有利于服装业的可持续发展，而且能有效提高衣服的性价比。这样的服装设计趋势，将促使更多的人接受环保服饰。
图5DonnaKaran设计的“无限连衣裙”作品
五、结语
低碳环保的理念正在成为未来中国服装行业发展的新趋势。2012―2013年最新一季的环保服饰倡导前卫的设计理念、合理的价格，这是环保服装设计的潮流。服装设计师所不断努力改进的环保服装，已不是10多年前用塑料瓶、包装袋和废报纸做成的简陋的“工艺品”，也不是仅能放在橱窗里展示创新理念的奢侈品。现代的低碳环保服装需要具备更实用、更时尚的特点，使消费者不但消费得起，而且可持续利用。这样的设计理念，将促使更多人接受环保服饰。
如何使服装更低碳环保是设计师的职责之一，也是设计师为环保贡献力量的一种方式。虽然设计师不能控制面料生产的环节，但是在低碳理念下，可努力通过多种创意设计和再利用的方法，合理利用自然资源使服装业走上可持续发展之路。以低碳为核心思想，设计、生产、推广、发展低碳服装，不仅有利于中国纺织服装业的可持续发展，而且从某种意义上将促使纺织服装产业的自主创新，推动生态经济和生态文明发展，实现人类社会与自然环境的协调发展。
[参考文献]
[1]王红，朱旭明.浅谈面料再创造与服装设计[J].纺织科技进展，2010（5）：74.
[2]冀海波.低碳环保新视点[m].北京：中国医药科技出版社，2014：36-51.
[3]付丽娜.面料再造及在服装设计中的应用[J].浙江纺织服装职业技术学院学报，2010（6）：33.
服装设计的基本概念篇9
关键词：Soa；SCpi
中图分类号：tp311
Soa是面向服务的设计架构（Service-orientedarchitecture），相比面向对象设计来说，属于更高的一个层面。现在，大多数基于Soa设计都是非常庞大的软件系统。从某种意义上讲，Soa也是一个广义的概念，基于Soa的设计可以为大的系统软件设计基础运行平台，在基础运行平台上开发不同的功能。
对于Soa的理解，大多数是更高层面的概念，专门面向大型软件的项目经理、软件架构师等等相对高端的软件设计人才。而对于基层的软件工程师和程序员能不能理解Soa的概念，应该怎样去理解进而可以让Soa的设计思想更加平民化，是本文描述的重点。
Soa实际上和很多其他学术概念有很多相似的地方，比如基础平台加上应用这个概念和软件二次开发就非常类似，也和基于Framework的软件开发有很多相似的地方，Framework是基础平台，在Framework上开发的功能也能够理解为基于Soa的应用。无论是二次开发也好，Framework也好，基础平台类的程序一旦写好了代码就不需要再修改了，而基于基础平台的应用可以千变万化，尽可能地发挥我们的创造力。
从体系结构的角度，Soa是一种软件体系结构和软件构造方法。在软件的基础架构上，Soa架构能够实现服务部署环境和服务实现之间的松散耦合，以及不同功能的服务实现之间的松散耦合性，有利于提高分布式系统的可伸缩性，有利于实现对资源的动态优化配置，最大程度地资源共享。在软件的构造方法上，Soa打破了传统的分布式组件容器的界限，以服务作为基本构造计算单元，通过服务的组合和组装完成系统整体功能。
从实现技术的角度，Soa不仅是一种体系结构，更是指以松散耦合方式实现业务层面各种服务能力的共享、供给和重用的方法学。Soa包含了编程模型及软件工程方法学等在内的一整套系统构造方法和环境。虽然Soa技术与软件服务化的使用模式并没有必然的联系，但Soa软件构造技术所带来的松散耦合和软件的可组合等特性，都有助于软件的使用方式逐渐演化为“定制化使用”、“托管部署和运维”的服务化使用方式。
而从普通程序员的角度去考虑，全部可以归纳为代码实现技术方面的问题，从面向过程、面向对象和面向服务不同领域层次来提升自己的设计能力。首先，“面向过程”是一种以事件为中心的编程思想，使用算法+数据结构的方式就能够实现。而“面向对象”（objectoriented，简称oo）是一种以事务为中心的编程思想，任何事务都可以抽象成为对象。如：一扇门可以看作是对象，汽车本身有颜色、大小、品牌、位置、运动与否、运动方向、速度等属性。面向服务是一种体系结构，是一个系统架构层次的概念，其所有的功能和服务都使用描述语言+定义，并且各自的接口都可以使用网络进行发现。
从普通程序员的角度考虑，从面向过程、面向对象到面向服务，都是面对不同软件规模的特定设计方式，以给自身的工作带来最大的方面为目的。而无论是面向过程还是面向服务，其设计实际上没有本质的区别，所有原则都可以遵循“封装”、“复用”、“再封装”、“再复用”的方法，区别只是规模不同。
总结：如果能够以普通程序员的角色理解Soa，对于广大基层程序员的设计水平来说可以得到很大的提升。从程序员层面理解Soa还涉及到代码复用技术、好的程序设计方法、数据结构设计和二次开发设计定义，也应该算作狭义的对Soa的理解。
参考文献：
服装设计的基本概念篇10
一、跨界让传统具有现代感
在现代舞中，新与旧的不是绝对的是非关系。尽管新的不一定总比旧的好，但新的每每比旧的更有趣，更能唤起人们的注意，在吸引人眼球的现代舞中加入传统的粤剧，自然让喜欢现代舞艺术的受众感受、触摸粤剧的美。不同艺术形式的交叉混合，都是能产生新的概念，基于这个理念，传统的粤剧角色进入现代舞剧中是一个极其有趣的创作理念。
服装设计创作前期首先了解传统的艺术粤剧的着装形式和角色特点。青衣是传统戏曲脚色行当，“正旦”的俗称，由于正旦所扮演的角色常穿青色褶子而得名。花旦，区别于正旦、武旦和老旦，扮演的多为天真烂漫、性格开朗的妙龄女子。花旦的服装及其复杂，对花旦演员的体力要求自然也就高，观摩花旦从化妆到着装的过程感叹传统戏曲服饰奢华与精致，穿着过程时间长，戏曲演员要提前2个小时进行化妆与着装。翎子一直都是大众对戏曲装束里印象最深的一种要素，“翎子”也称“雉翎”，传统戏曲盔头饰品，长约五六尺，以数根野鸡尾毛相接制成。剧中英武勇猛人物如京剧中的周瑜、穆桂英等都常戴用。主要作用在于加强表演的舞蹈性，表达剧中人物的感情，并增加装饰的美观。使用翎子的舞蹈身段称“翎子功”或“耍翎子”。凡是头上戴雉尾的小生，一般都是雄健，英武，扮相很英俊，气势很盛的青年角色。
接着确定整台舞剧的基本色彩，用白色、银色表达现代概念，用红色作为传统的色彩象征，黑色代表男性。结合《狐》剧舞蹈演员的形体特征设计出性感、妩媚的现代舞狐狸精、狐仙的角色形象，简化传统的粤剧戏服，选择英武的大红色刀马旦外衣、粉色娇媚的青衣华服形象，夸张的大脚裙裤外加上飘逸的雪纺是男现代舞蹈演员的主要服装形式。流动、优雅的法国爵士乐带动观众的听觉移动。
二、艺术创作的形式服务于创作的主题表达
在创作这幕现代舞剧的服装设计中，2008年北京奥运会闭幕式上属于伦敦的八分钟里的现代舞服装设计不断的出现在脑海里，所有的现代舞演员穿着象征不同职业的服装整齐划一的舞出，融合了古典芭蕾和现代街舞的舞蹈，展示出伦敦的活力和多元化，用一只舞蹈表现了伦敦的文化、历史、现代、兼容并包的精神，服装设计差异性设计淋漓尽致的表现了英国社会、文化、艺术多元化传承的国家特色。于是在基于创作的目的和主题是首要因素的前提下，大胆的引入时尚与传统对比的概念，现代女性服装选择当季最流行的服装样式展示现代女性的娇媚性感、独立自主、个性张扬，用缤纷的色彩分别表达当代女性不同职业和身份。群舞舞者中用正面花旦，反面青衣的形式说明女性的外强内弱的特征，也用这种服装说明每个女性都有坚强与柔弱的两面性，为了寻找爱坚强坚持，面对爱人却是温柔的失去了自我。男性的裙裤用黑色象征男权的力量和至今仍然是当今社会的主流，同时也是用宽阔的阔脚裤塑造年轻男舞者身材的雄伟特征。
服装设计初稿完成后，细节的调整建立在不断的与编剧和舞蹈导演沟通上，舞剧的创作主线，舞剧中各种舞蹈动作的特点，每个舞蹈演员的形体特征，同台共舞者的角色要求，让舞蹈演员服装的色彩在每一幕剧里和谐，不同角色之间同台时候颜色强对比要符合故事的主题和情绪。粤剧元素极尽可能用传统粤剧戏服外部服装，以达到有效的还原粤剧文化精华的作用，在这次的服装设计过程中通过角色与角色的同台对演来达到传统嫁接现代，通过简化传统粤剧服饰释放粤剧演员的表演幅度，在舞台动作上可以有更多的肢体语言，利用剧本的狐狸精和花旦对手戏的同台来直接表现艺术跨界相溶，完成编剧和导演要表达的主题。跨界的尝试过程中撞击出了很多的想法，每一次设计修改的沟通，以及对上届艺术展示的接触就更让我更深刻的了解到主创队伍想表达的思想，在跨界设计过程中，核心理念技术是为表现效果服务的，表达是为《狐》剧主题而服务的，借此文章表述个人的设计观念：跨界在现在是一种新的形式和探索，未来它就有可能是一种普遍现象，艺术与艺术的关联性与差异性往往能让不同的艺术形式复合在一起产生新的样式，重点是艺术家和设计师们不断的思考和研究创作出有思想、有内涵，映射现实社会问题，引起人们反思的美的艺术样式来。
注释：