配音技巧教学篇1
关键词：声乐演唱；声乐技巧；呼吸；发声；共鸣
1声乐演唱及技巧的内在关系
声乐是嗓音、曲调、语言的完美融合，它既是一门艺术，又是一门科学。声乐的探索是一个实践的过程，通过日常演唱者的刻苦发声训练逐渐建立其模式化的声乐演唱体系。作为音乐教育的重要研究领域，声乐演唱在音乐教育中也有了新的教学模式的改进和提高，主要表现在对发声的科学化指导，对相关技能的全方位掌握，无论是对声音还是站姿、咬文嚼字都有着系统化的训练模式，从而在声乐演唱训练的基础上使得学生产生音乐的共鸣，达到富有感染力的演唱效果。
声乐演唱讲求技巧，如何运用正确的姿势，如何保证气息的支持，如何让声音自然圆润，如何更富有渲染力的表达歌曲等等，都要依靠声乐演唱技巧得以实现。声乐演唱技巧包括发声技巧、肢体语言表达技巧、共鸣腔使用技巧、咬字技巧等等。发声技巧的关键在于气息的运用，唱歌时，气息畅通无阻，才能将声音似喇叭般高低自由收放，得到圆润、松垮、通畅、宽衡的声音效果。肢体语言表达技巧是指通过肢体动作，配合歌词表达音乐的情感和演唱者的心声，除此之外，适当的肢体动作也可以确保演唱者畅通的呼吸，使整个演唱过程锦上添花。共鸣腔使用技巧是声乐演唱的基本技巧，包括咽喉、口腔、鼻腔、胸腔，通过四腔的协调一致影响声音的共鸣，从而引导或牵制声音的变化。咬字技巧主要运用在对歌词的阐释，通过掌握每一个字发音的规律及腔调，分析并运用到演唱中去，通过对咬字适当的夸张或缩略来配合不同的曲风，从而加强音乐的感染力。
声乐演唱的过程也是声乐技巧运用的过程，声乐技巧作为声乐演唱的辅助工具，对于音乐的演唱及内在情感的表达都有着重要的作用。声乐强调的是演唱，演唱即是声和情感的外在表达。为了更好的阐释声和情感在音乐中的融合，需要声乐技巧予以辅助，通过坚持不断地发声练习和肢体表达练习来达到最终的演唱效果。除了互通的内在联系外，声乐演唱及其技巧还有共通之处，即声音的共鸣。歌唱的动力在于气息，气息又贯穿声乐演唱技巧始终，无论是发声练习还是咬字技巧及肢体表达技巧练习，其都为“气息”所服务。在气息提供演唱动力的基础上，气息又帮助演唱者更好地阐释歌曲，表达歌曲。在音乐教学中，老师会充分利用声乐技巧提高学生的音乐素养，再由学生的悟性感知声乐，表达声乐。在领悟中，需要学生以积极地心态感知声乐演唱及技巧二者的联系，在技巧的辅助下将音乐完美的表达。
2呼吸训练
呼吸为声乐演唱提供“支持”，这种支持是一种自然的唱歌状态，即讲求气息的平稳通畅，从而推动声的发生，当然这种自然流畅的气息需要不断的气息训练加以强化，使得声音避免僵死和堵死的情况发生，声音在气息的推动下自然的形成“通”、“松”、“空”的特点。在我们的音乐教育中，呼吸训练作为基础训练，同样有着不容忽视的教学作用。古语说的好“善歌者必先调其气”，呼吸训练帮助声音正确的震动，随着不同振动频率、振幅使得声音有高有低，音色各异，在气息的支持下，完成整首歌的演唱。当然气息不仅仅对声音有着支持作用，还有着渲染作用。气息的渲染作用主要表现在“饱满性”上，即随着喉咙的打开，气息的通畅流淌，使得整个上半肢腔体得以扩大，在充足的空间内，产生“共鸣”。因此呼吸训练不仅决定着音色、音调，也决定着共鸣体的渲染作用。打好“气息”的坚实基础是声乐练习的第一步。
3发声练习
发声训练是声乐演唱训练的基本形式，即提炼出歌曲的基本曲调及动机、乐句，配合母音、音节，根据对不同音域的选择，在一定的音域内做半音上行或下行移动的练唱。正确的发声往往配合横膈膜控制呼吸法，在喉头的位置确定下，使得声与气息密切配合，无论是低音还是高音，无论是美声还是通俗，在喉部器官稳定的基础上配合声、气的调节都能达到理想的演唱效果。发声训练的另一大目的是为了调节共鸣腔体的使用，通过头和胸的控制扩张共鸣腔，在共鸣腔扩张的同时美化发声。训练中，老师往往会帮助学生做声区划分，注重学生呼吸、共鸣腔体的紧密配合，从而达到发声练习的最高效果。在发声练习中，通常选择a、e、i、o、u五个原音作为基础母音，从最易发声、最自然动听的母音练习开始，逐渐引导学生正确的发音，提高声乐学习质量的同时提高学习效率。
4共鸣腔体的运用
在呼吸训练中我们提到过，共鸣使得声音更有渲染力，更具饱满性，没有共鸣，声音失去艺术特点，由此可见共鸣的在声乐演唱中的重要作用。人体的共鸣腔包括胸腔、口腔、头腔，在歌唱中，由于曲调的不一，演唱形式的各异，咬文吐字的具体化，使得共鸣腔在演唱中的使用比例不同。通常来说，低音更多的使用胸腔，因此在低音域练习中，会注意胸腔发声练习，胸腔共鸣的关键在于保持声音的松弛，切莫用胸腔共鸣压迫喉咙。中音则适用于口腔共鸣，口腔共鸣是声音的直接共鸣区域，声音由喉咙发出后、口腔保持自然打开状、下颚自然放下，在需要时可以稍稍后拉，上颚保持上提感，在烟、喉自然松开的情况下，配合牙齿、唇部、舌获得更好地口腔共鸣效果。头腔共鸣主要应用在高音发声，头腔共鸣的最大特点在于声音的明亮、辉煌，富有穿透力。头腔共鸣不仅决定着音色，更决定着音质，练习时，老师通常会教导学生以闭口打哈欠状，双唇微闭，留宽气息通道，从而使得声音上提，以眉心震动为目标，集中声音的明亮，配合呼吸点、共鸣点、发声点，取得丰富，富有光彩的发音效果。
5歌唱语言及其表达
声乐不仅是对旋律的表达，也是对语言的表达过程。歌唱艺术以唱腔为基础，搭配语言，自古以来受到人们的追捧和热爱。如何才能充分表达歌唱语言，首先从咬字说起，歌唱时的咬字不同于说白话时的咬字，讲求呼吸的支持，根据音域和音质的要求达到不同的共鸣。吐字同样以气息为动力，以口腔为发声源，在吐字中我们既要考虑口腔的打开状态，找到共鸣点，又要确保呼吸的支持，咬准字的发音，在二者的相辅相成中保持正确的吐字效果。最后要提的是收尾，恰当的收尾做到承上启下的歌唱作用，不仅为下一句发音打好铺垫，更保障了整首歌的自然流畅的表露。
6结语
通过对声乐演唱及技巧的探索中我们发现，声乐技巧为声乐演唱提供了保障，使得声乐演唱更完美、细腻。此外声乐的各个技巧间又相辅相成，穿插其中，无论是共鸣还是发声还是气息支持，都成为声乐演唱艺术的一部分。
参考文献：
[1]杨思思.浅谈声乐演唱中呼吸的运用[J].湖南大众传媒职业技术学院学报，2011（03）.
配音技巧教学篇2
关键词：钢琴演奏艺术技术融合
对于钢琴演奏中艺术与技术关系的处理，应该着手于实践，不应仅仅在理论上做文章。有些钢琴演奏者，虽然技巧运用的恰到好处，然而对于音乐艺术的理解与分析却是一知半解，所以在演奏中缺乏情感的流露，不能与音乐艺术相渗透；还有一部分人对于他人的演奏能够给出到位、合理的评价，他们有着很好的欣赏水平与超高的欣赏能力，对于音乐的风格与结构非常了解，但是对于音乐的演奏训练却表现的力不从心。要想达到音乐演奏的最高境界就要把二者相互融合。
一、把音乐放在首位
钢琴演奏中，音乐这一元素应该始终伴随着它，在各项技巧训练中即在枯燥乏味的技巧练习和作品欣赏中，在这些环节中，音乐都应该发挥它的主导能力。技巧练习是音乐的基本素材，乐音的强弱、长短与高低还有音色的变换都为钢琴演奏注入了生机。作品欣赏中，我们能够感知作曲家的内心世界和他们的生活经历，为钢琴演奏情感的流露奠定基础。器乐表演技能的提升主要靠音乐的训练，所以音乐的训练最好应该比技能训练稍稍靠前。在学生刚接触到第一个音符时，就要倾注于自己的真实的音乐感受，然后随着双音、快速、织体和八度的技能提高，音乐的美感、色彩与结构都要与之相符合。
如果一个人精通于钢琴表演技能的教学，就能够很好的传承上述观点，但是在教学中却是不容易运用这些原则。教师在教学过程中经常把重点放在表现音乐这一层面上，然而这给学生带来了技术困难，使得他们很难专注于其他内容的学习。因此教师就会重复的纠正错误、分析节奏、讲解要领，让学生从理论上接受这些知识，然而却没有很好的运用于实践。音乐也就随之消失，它存在的意义就仅仅剩下了技术的培训。这个现象出现的原因主要是因为我们没有把技术与音乐结合起来，而是把他们分开来进行训练，在训练时，注重于技术的发挥，而忽略了音乐的重要性，仅仅把音乐作为了一个配角，没有把它的意义表现出来。
对于音乐的感受，梅纽因曾经说过，“当我很小的时候，我就把音乐作为我的全部。长大了就会发现音乐时刻存在着，在生活中的每个缩影里，把感受用音乐表现出来就是演奏家与作曲家的主要任务”。因此，如果对于音乐内在的品质了解的不够多，就是一个失败的音乐家，不能使演奏完整完美的进行。对于钢琴的演奏我们不仅要投入激情，还要学会表达。音乐灵感来自于深厚的文化底蕴，因此要让音乐渗透进作品的每个环节，这样才会使音乐在演奏时很好的表现。
二、把技术作为手段
著名的音乐家、教育家、演奏家都会很好的处理音乐与技术的关系，罗森塔尔曾说，“不懂技巧的人都会说技巧在演奏中不重要”。约翰夫·霍夫曼说：“艺术的展现需要技巧的运用，在钢琴上要学会运用。技巧是每一个钢琴家必须要有的装备。艺术的表现要得益于技巧的让位，一个艺术家的价值不在于他拥有多少技巧，关键在于他是否能够很好的运用技巧，如果技巧没有音乐作为载体而是把技巧作为了目的，那么这种艺术就没有它存在的意义。正确的处理音乐与技术的关系，就要把二者看做一个统一的整体，合理的分配二者的比例。
如果演奏中只限于过分的注重技巧，那么它只会吸引初学者。没有内涵的演奏时表面化的，没有内在的魅力。当代的钢琴家霍洛维兹在技巧方面表现的非常完美，他的演奏风格被叫做“钢琴旋风”，没有靠音乐来出头，他把作曲家的感受忠实纯真的表现出来，他曾批评追求技巧的行为“只顾把钢琴弹的响亮，然而不对其背景做研究，这会使音乐缺乏神秘与吸引力。
然而，我们并不是排斥技巧性表演，我们只是反对只是一味的卖弄技巧的表演。对于美的传承，每个人都不会反对，技巧性与音乐性在创作中表现出来的美是不可缺少的。在演奏中，是活泼欢悦的，艺术家要把这种感受表达出来，不能只限于技巧，但是这种欢悦是要有目的的，不能一味的沉醉于嬉戏中，否则，就会使演奏失去它本身的艺术意义。
综上所述，音乐与技巧之间的关系要很好的处理，音乐要在演奏中时刻保持主导地位，在各个环节中发挥重要意义，有机合理的把技巧与音乐结合起来，使表演达到最高境界。
参考文献：
[1]赵晓生.钢琴演奏之道[m].上海：上海世界图书出版公司，1999.
[2]郑兴三.钢琴音乐文选[m].厦门：厦门大学出版社，1999.
[3]张华.课程与教学论[m].北京：人民教育出版社，2000.
[4]高晓光.钢琴艺术百科辞典[m].北京：中国大百科全书出版社，2001.
[5]吴晓娜,王健.钢琴音乐教程[m].武汉：武汉测绘科技大学出版社，1999.
[6]应诗真.钢琴教学法[m].北京：人民音乐出版社,1990.
配音技巧教学篇3
关键词：学前教育；伴奏；演唱；幼儿歌曲
幼儿教育一个很重要的方面是音乐教育，幼儿歌曲的弹唱能力是衡量中职幼教专业学生的一把标尺。当前，中职学前教育专业毕业生在幼儿弹唱能力方面普遍存在以下几个问题：（1）因为基础训练强度不够，没有形成钢琴弹奏的熟练技巧，不熟悉各种音阶、琶音，手指跑动能力差，一旦配上歌曲伴奏，显得手忙脚乱。（2）缺乏系统的弹唱理论学习，没有形成完整的知识架构；在实践上，键盘和声的练习不到位。和声在和弦序进方面没有规范的设计，在键盘上每个大小调最基本的Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ级还不够熟练，所以，在伴奏中左手只能跟着旋律音弹八度或单音，有的甚至只能打节奏。（3）不同体裁、不同风格的歌曲在音型的选择上是有明显区别的，由于对音型分辨和使用能力差，选择面窄，不管哪一类曲子就用一两个音型，听起来枯燥乏味。
针对这些问题，本文试从钢琴的弹奏编配、儿歌的演唱技巧进行具体分析，提出以“唱”为主，以“弹”为辅的弹唱方法，结合中职音乐教材，根据学生实际，坚持理论联系实践，以提高学生幼儿歌曲的弹唱能力。
一、关于钢琴伴奏的训练要素
1.要打好钢琴伴奏的基本功。钢琴伴奏顾名思义，一边歌唱一边演奏，伴奏者眼看旋律的同时，在大脑中形成和声的配置和音型织体的编配脉络，并能在钢琴键上快速及时地演奏出来，从而对歌唱起到烘托渲染的作用。要将理论知识与演奏技巧相结合，不同的歌曲要采用不同的处理方式。钢琴演奏技术又是钢琴伴奏的基础，学生要在键盘上下工夫，熟练地掌握大小音阶、琶音和弦连接，并把这些技巧类型转化为简单的伴奏音型来进行弹奏，还要训练手指跑动能力，做到迅速、准确、灵活，快速移调。手指跑动能力是钢琴演奏比较难的技巧，要掌握触键方法，拿捏好手臂的支撑力量，坚持长期训练，才能形成熟练技巧。
2.要掌握丰富的音乐编配理论知识，没有理论的支撑，弹奏流于形式，成为声音的外壳，失去了思想、失去了灵魂。一首歌曲在手，要求在最短的时间内通过视唱了解歌曲调式、表达的内容、思想感情、体裁形式，并能快速设计和声功能、伴奏音型、前奏、后奏。调式至关重要，一旦分析出错，所有的和声就会张冠李戴。歌曲《哇哈哈》欢快活泼，深受幼儿的喜爱，在老师的伴奏下，小孩载歌载舞，是很好的伴奏曲，也是中职学生经常弹唱的练习曲。可是在调式的分析时，有的学生看作小调式，以为结束在“6”上就是小调式；有的认为是大调式。前者对偏音的处理不当造成调式分析失误，后者明显是缺乏调式的基本理论。《哇哈哈》其实属于我国民族调式的羽调，在音乐创作时融入了新疆歌舞音乐的元素，在弹奏时，要注意发挥想象空间，想象小鸟在歌唱，小兔子在跳跃，这样音型的交替使用，延长音、模拟音的处理就找到了依据，左手的伴奏可以采用切分节奏来表现音乐的舞蹈性。
二、关于演唱技巧的训练要素
1.演唱的基本训练，从声乐的角度来看，演唱的基本训练包括演唱的姿势、音色、气息的把握、咬字吐字、情绪等等。弹唱时，采用标准坐姿，两肩自然放平，后背挺直，双手放在键盘上。弹奏时可以适当加一些肢体语言，以调动幼儿情绪，引起学习兴趣。
2.儿歌的演唱，以童声音色为主，因此，不能叫喊、白声和挤压。要加强对发声方法的训练，唱得明亮、柔和、悦耳、清脆；气息的运用可采用胸腹式呼吸法，注意吸气的位置，讲究发声、吸气的科学性，避免在句子中间和没有气息支撑时不规范的吸气。
3.对不识字的幼儿，教师要采用范唱的方法，让幼儿学会聆听，咬字要清楚，字头字腹字尾连贯、准确、亲切。如果吐字都不清楚，听众会觉得别扭，传情达意就会大打折扣。
4.不同内容不同风格不同情调的歌曲，演唱上要不同对待，区别处理。小孩子容易形成“学生腔”，读书唱歌一个调。教师的训练就要在情绪上、音色上注意调控，使得更接近儿童天性，更加生动活泼，活跃幼儿生活，协调课堂气氛。一首《颠倒歌》在模仿各种动物的肢体语言进行颠倒的演唱，借助夸张表情，营造了轻松幽默的氛围。
5.弹与唱之间的关系。伴奏固然重要，伴奏是伴随歌曲的演唱，所以，要总体服务于演唱，对歌曲起到烘托补充丰富的作用，成为歌唱的音乐背景。
以上，是自己中职学前教育专业儿歌弹唱教学的思考与实践，希望能对同行给予帮助。
配音技巧教学篇4
一、注重语言知识的传授
1.要认真教好音标,严格把好音标关。
学好音标是学好英语的前提。音标基础的好坏决定了语音、语调的好坏,要使初中生人人打好语音基础,对提高学生的听力水平无疑会起到事半功倍的效果。
2.要注意朗读技巧的训练和培养。教师在课堂上应有意传授语句重音、节奏、音变、连续以及语调等知识,加强学生的朗读技巧。朗读技巧的培养和训练不是一朝一夕的事,无捷径可走,只有坚持不懈,持之以恒,才能提高英语的朗读技巧。
3.要正确引导学生记忆单词,任何一门语音的学习都离不开词汇的学习和积累。词汇的学习要边学边记,最有效的方法是根据读音规则进行记忆。拼音文字的最大优越性就是词的读音与拼写一致。根据这一特点,会读的单词自然会拼,按读音记忆的单词也不会遗忘。
二、重视培养学生听力理解的技巧与良好听的习惯
在听力教学中,教师要注意对学生进行听力技巧的训练,这是提高学生听力理解水平的有效措施。所谓听力技巧,包括语音技巧和听力技巧。语音技巧包括连读、弱读、句子重音、意群划分等。而理解技巧是指对所听内容的检索、预测、取舍等技巧。教师要教会学生听音前注意操练、捕捉信息,即要快速地浏览习题,捕捉一切可以从题面上得到的信息,听的时候要边听边记,强化记忆,记录时要有重点,有技巧,如数词用阿拉伯数字记录,地点、人名用代号,长词用缩句,长句抓住主要成份。“抱住西瓜,再捡芝麻”,听句子回答问题时要把题干和问题有机地联系在一起,听对话和短文时,要抓住主旨大意,切忌因一、两个词而忽视全文。
三、寓听力理解训练于日常教学中
训练学生听力要与日常教学结合在一起,道德在课堂教学中,教师要尽量要用英语组织教学,这是听力训练教学的出发点,也是最有效的听力训练方法。其次,在课时安排上,可充分利用课前5分钟或每节课的复习时间,让学生听一些有关材料,作为“热身运动”或者利用课堂教学结束前数分钟安排训练听力。在内容选择上,充分挖掘并利用教材中的听力材料,不要轻易放弃,在内容的呈现上,应遵循听、说、读、写教学顺序,做到先听后说,先说后读,先读后写;或者把教材中的内容改成听力材料。第四,与课本配套的同步听力以及练习册、目标测试中的听力练习等,更是要坚持随着教学进行训练。
四、注意学生良好心理素质的培养
保持良好的状态,自觉养成好习惯对于听力的培养十分的重要。目前,初中生的心理控制能力有较大的发展,但是他们又有心理状态可塑性强的特点。从听力训练的初始阶级就应强调培养良好的心理素质的积极性首先,要对学生加强学习目的教育,鼓励学生树立信心,增强克服困难的勇气。教师要明确告诉学生,听是学好英语的重要途径之一,要加以重视。同时不否认听力理解有相当的难度,只要正视它,经过持之以恒的努力是能够克服的。其次教师在课堂上要创设一个轻松和谐的气氛,努力消除学生因害怕、担忧、反感而产生的心理障碍。第三,教师在课堂上要引入竞争机制,激发学生听的兴趣,看到学生一点一滴的进步,要适时给予表扬。如在训练时可采用抢答方式,看谁反应迅速,答得正确性。
五、重视日常教学的听力训练
提高学生的听力不是一时半会儿就能做到的。在日常教学中,教师要用英语组织教学,要是加上必要的手势、表情、简笔画等,学生的注意力会更加集中,想办法去听懂老师的话;充分利用与教材配套的材料,如录音带、同步听力练习册及目标测试中的听力练习等,要坚持随教学进行训练。
六、做好听后纠正工作
学生听一简单内容问题不会很大,但对一些较灵活的、容易出错的题目我想老师应重听,也可让学生多听几遍,并分析产生错误的原因,切实做好听后纠正工作,这样有利于提高听力。
配音技巧教学篇5
关键词：钢琴社会考级；钢琴初级练习曲；技术训练；趣味性
中图分类号：J624文献标识码：a文章编号：1005-5312（2013）09-0118-01
一、钢琴社会考级初级练习曲概述
目前，常用的钢琴初级阶段练习曲主要有以下几部：
1、《钢琴基本教程》
通常被简称为《拜厄》，成书于19世纪50年代的德国，这时钢琴音乐已经迈入浪漫时期，而且制作工艺、技术技巧等方面也相当成熟，现代钢琴的形制也已基本确定，一批又一批伟大的钢琴作品横空出世。
整部练习曲的主要侧重点在于技术训练上，在此基础上也保持了一定的音乐性和趣味性。作为钢琴初级练习曲的首选教材《拜厄》的实用性很强。首先，它的音符简单，容易掌握，且左右手训练分配较为合理，技术练习的针对性较强。其次，整部练习曲有着很强的系统性和循序性，随着程度的逐步提高，所涉及的技巧也开始越来越复杂。同时将指法与音符固定在一起，有利于学生养成良好的练琴习惯。
2、《钢琴初步教程》
就是我们俗称的“599”，由奥地利著名钢琴教育家、作曲家卡尔・车尔尼（Carl・Czerny，1791―1857）所创，是我国钢琴教学当中运用最为广泛、影响最为深刻的“599、849、781”系列练习曲之一。
该部练习曲有很多综合技巧练习，主要涉及的基本技巧大致上有固定五指练习、音阶及半音阶练习、琶音练习、双音及和弦练习、跳音练习、休止符练习、左手低音练习等几个方面的训练内容。对训练和培养学生手指与手腕技术，音阶琶音双音和弦技术及对钢琴音乐的初步认识有很大帮助。
布格缪勒《25首钢琴进阶练习曲》
本书25首练习曲都自带标题，对作品的内容有一个大致的描述，有助于学生对音乐形象的把握和理解。通过此书的练习，可使短句的处理、呼吸、力度强弱和其他的音乐表现等能力得到极大提升。
莱蒙《初级钢琴练习曲》
此书在技术程度上比“599”深，连音、跳音、断奏、小连线运用更多广泛，弹奏技巧更为复杂，但演奏习惯和音乐风格是一致的，可作为“599”的延续。故此书一般在“599”与“849”之间进行学习，起承上启下的作用。
《哈农》
《哈农》是钢琴学习者必不可少的练习，这本书通常会伴随我们的整个钢琴学习生涯。本书涉及到了钢琴常用的基本技术，使手指灵活敏捷、结实有力，手腕放松自然、平稳而不失弹性，是一本非常有练习价值的教材。
6、《钢琴流畅练习曲》
即“849”，此书是初级钢琴练习曲中难度最大、单曲篇幅最长的一部。本书的特点是每首作品都有速度标记和要求，要求在贴近速度的同时尽可能保持流畅。
二、教学训练中出现的问题及其适应的解决对策
（一）只注重技术训练，忽视音乐艺术解读
钢琴练习曲不仅是为了技术训练性，也要与音乐表现性完美结合。但在实际的教学中，往往侧重于技术技巧训练，而忽略音乐综合能力。特别是在考级的压力之下，钢琴技术速成而忽视钢琴音乐解读能力，成为制约学生钢琴音乐素养全面发展的最大障碍。
技巧终究是为音乐服务的。练习钢琴技术，说到底是为增强手指灵活度、提高双手配合度、优化触键的敏感度等，最终目的都是为了在钢琴弹奏过程中表现出不同层次的音色变化，制造出美妙的音乐。因此把握练习曲的艺术性与技术性同样重要，技术和音乐必须同时进行。
解决这一问题的关键是从作品艺术性方面上来把握练习曲，进行整体音乐分析。在学习中除了熟悉音符，更要了解乐谱上的各种标记，挖掘隐藏在背后的音乐，明确作曲家的生平、风格和文化背景及作品本身的音乐内容、形象、结构、情绪、风格等。
从初级入门阶段培养学生对音乐作品的敏锐触觉，引导和培养学生从更深层次的角度对所演奏作品进行全方位审视、理解的态度与习惯，做到“弹奏必有音乐”。
（二）忽视钢琴启蒙教育的趣味性
儿童作为钢琴初级练习曲的主体使用者，应当通过趣味教育来激发和唤醒孩子的学习兴趣。但这些练习曲多采用主调旋律配以重复伴奏音型的作曲形式，显得乐曲单调生硬，容易使人感觉枯燥乏味，音乐形象也较为单一。
为解决这一问题，教师应融入趣味教育，对幼儿学生可采用游戏化教学，拉近师生关系的同时也可弥补练习曲讲授缺乏趣味的境况。教材选择方面，可适当加入趣味性高的作品。
配音技巧教学篇6
[关键词]音乐教学；管理；专业技巧
[中图分类号]J60-4[文献标识码]a[文章编号]1009—2234（2013）11—0156—02
随着我国公共性音乐教育的发展，人们逐渐认识到到音乐发展离不开社会的广泛参与，没有广大人民的参与，一个国家或民族就不能有称之为具有真正的音乐文明。他们将自己的注意力转向了国民音乐教育，认为音乐教育必须从集中在少数音乐人才的培养上转向提高全社会音乐生活的参与上来，在社会、经济、文化大发展的面前，国外六种教学法（奥尔夫、达尔克罗兹、柯达伊、综合音乐感、科思、铃木）被引进我国。从20世纪初引进的西方音乐教育为我国音乐教育提供了进一步发展的基础。
一、建构中国音乐教学体系，大力发展普及音乐教育
从19世纪的末叶到21世纪的初，我们一直在专心学习，模仿，传播西洋音乐，对中国凡千年来的音乐文化一直没有足够的重视。在20世纪初学堂乐歌和西洋音乐方面，一些词曲作家如黄自、刘天华等虽也尝试将传统与外来文化融合，但并没有完成继承和发展我国音乐文化的重任。建国后，全面引进前苏联音乐教育体制在我国音乐教育发展的同时，音乐文化的发展与继承的问题也越来越迫切地摆到我们面前。目前我国的音乐教育体系仍沿袭西方音乐教育体系，如我国的钢琴教材中，国内的、传统的曲目极少，只是作为点缀而演奏，西方完备的教材体系为钢琴教育提供了条件。不完善的中国民族音乐体系则无法为民族音乐提供生长和发展的条件。专业音乐院校培养出来的学生熟悉和喜爱外国音乐，善于演奏和演唱外国曲目，会写跟着外国潮流而中国人难以接受的作品对中国传统音乐文化却一知半解，面对我国五十六个民族的音乐文化传统却不能给予足够的重视，更谈不上继承和发展，一些民族音乐文化已濒临失传。而中国的孩子除了西方的音乐、钢琴、电子琴以外，可能更适应中国的京剧、川剧、黄梅戏等戏曲，曲艺中的“体态律动”和“锣鼓经”那些极富民族特色更贴近他们语言生活环境，极富情趣的地方音乐和少数民族活泼欢快、载歌载舞的表现。这一切都为中国传统音乐的学习，继承和发展带来了巨大的障碍。为迅速提高我国的音乐教育水平，需求建构中国传统音乐教学体系。
一是建立完善的中国音乐体系，加强对古文和占音乐的学习，利用现代科技尽快完善民族乐器研究与创作，以继承和发展我国优秀的传统文化和音乐。
二是发展民族音乐，并非排斥西方音乐，相反仍需学习吸收其精华。扩大视野建立全球意识，学习研究世界其他国家音乐并与本民族音乐相结合，开拓新的发展于方向，适应全球文化及音乐发展。
三是积极进行民族音乐理论探索，技术探索，培养能站在世界民族音乐发展前沿的民族音乐理论家、民族音乐演奏家和演唱家。
除了大力发展音乐师范的培养以外，还要对音乐专业的办学方向及课程设置进行调整和改革，使学生能胜任中小学的音乐教育工作。对师范院校的音乐专业的学生应加大思想教育，由于学生在学习期间缺乏接触中小学生的机会，毕业后从事音乐教育的思想不稳固，缺乏对学生的热爱、了解和理解，总想脱离教育岗位。对于音乐教师来说，教育思想准备、教师的一般修养、心理准备应当比专业学识更为重要，更应受到重视。
二、制定合理的专业技巧课课程表及专业技巧课管理方案
专业技巧课教学管理一直是音乐学院特别是综合性大学音乐学院教学方面最为复杂、最为繁琐的难题之一。音乐学院一般以技巧课为主，技巧课教学质量的好坏，必然直接影响到整个学院教学质量的优劣。本人多年从事音乐专业教学管理工作，同时结合佳木斯大学音乐学院实际，对专业技巧课的教学管理进行了深入研究并进行了相应的改革，经实践证明效果显著。
1.专业技巧课与理论课的区别
音乐学院专业技巧课一般指声乐、键盘、器乐专业技巧课，它与理论课教学有极大的不同，其主要表现在：
第一、上课课时不同。理论课周学时一般为2学时/周、3学时/周、4学时/周等，是集中上课，每小节课50分钟，2学时100分钟。而专业技巧课不同，音乐表演专业2学时/周，学生每周上二次课，一次课40分钟；音乐学专业0.5学时/周，学生每周上一次课，每节课20分钟。
第二、上课人数、地点、任课教师不同。理论课上课人数、地点、任课教师对同一个班的学生来讲是固定的。例如周二3、4节02级音乐表演专业配器课，主讲教师是王阳，地点在418教室，就是说02级音乐表演所有学生在同一时间、同一地点、听王平教师教师讲配器课。而专业技巧课不同，专业技巧课在上课人数、地点、任课教师相对来说是不固定的。例如02级音乐学专业学生的声乐课，不同的学生会在不同的时间上课，周一到周五都可能有02级音乐学专业的学生上课，不会固定在某一特定时间。即使在同一时间上课的学生，也不一定会是同一名教师，在同一个教室上课。例如：02音乐学某些学生周一上午上声乐技巧课，就会有不同的声乐教师，在不同的上课教室，给02音乐学专业分给自己的学生上课，一名教师在同一时间只能给一名学生上课。
第三、上课内容不同。理论课是针对所有学生在相同上课时间内讲授相同内容。而专业技巧课不同，不同的学生程度不同，上课的内容不同，教师要根据学生专业水平程度，不同的学生讲授不同的内容。例如键盘学生，同一年级程度好的学生，在大一就可以学习《车尔尼练习曲599》或《车尔尼练习曲849》；而程度不好的学生，在大一可能就只能学《哈农》或《拜厄》。
2.专业技巧课教学管理的特点
由于专业技巧课的特点，对于专业技巧课的教学管理也存在着以下几方面的特殊性。
第一、上课时间分散。同一年级、不同专业，甚至同一年级相同专业的学生，上课时间都是不相同的，不能像理论课，只要是同一年级，至少是同一专业的学生，在相同的时间上同一门课程，另外，教师连续上课时间相对较长，有些教师上课时间从周一8：00至晚上7：30，这给教学管理工作带来了很大的不便。
第二、上课地点分散。由于专业方向多，我们学院音乐表演就有声乐、器乐、键盘、舞蹈、作曲、指挥、戏剧表演与主持7个方向，因而任课教师也多，教师及学生上课地点分散、不集中，我们学院上课教室多达四十多个。
第三、任课教师工作量大。由于学生专业方向多，专业技巧课任课教师人数大大多于理论课教师人数，尽管如此，专业技巧课教师的周学时均达到20节以上，远远超过教师正常的工作量。
三、结合音乐学院专业技巧课特点及规律采取相应的措施
（一）改革技巧课教案、授课计划。多年来，音乐学院专业技巧课使用的教案、授课计划同理论课的相同，这给专业技巧课任课教师带来了极大的不便，费时、费力效果不好。因为所有的教学授课计划、教案都是针对理论课设计的，它具有通用性，而专业技巧课针对于每一名学生，具有个性特色的特殊性，这样，授课计划及教案应用在专业技巧课上极为不便，也失去了它原有的意义。根据专业技巧课的特点，也根据专业技巧课教师上课的实际情况，我们对授课计划及技巧课教案进行了相应的改革，措施如下：
1.根据所教学生的实际专业水平制定不同的授课计划。专业技巧课教师要将自己的学生不分年级划分为几个等级，不同等级的学生具有不同的授课计划，这项工作在期初完成。
2.期初不用准备专业技巧课的教案。专业技巧课教案重新制定，专业技巧课教师要给每一名学生书写教案，教案的内容及格式如下：
（1）填写好学生入学前专业学习简历。其中包括指导教师情况、所学教材、学习时间、入学考试时演唱、演奏曲目、现有专业水平、存在问题等，此项内容主要是掌握学生专业水平及存在的问题。
（2）制定学生学期教学计划。其中包括基本练习、练习曲、中外乐曲等。这一项需要教研室主任、系主任、教学院长审核、检查。
（3）每周记录。其中包括出席情况、教学内容及步骤、小结、上课效果打分。此项根据学期开课的周数及周学时数，按每次上课内容填写。例如：声乐技巧课周学时是2学时，学期开课16周，那就需要记录32次。上课效果打分按学生上课情况给分，分值分别为：18、16、14、12、10、8，对应的等级分别为优秀、良好、中等、及格、不及格、较差。学期累计平均分为该名学生的平时成绩。
（4）期末成绩。期末成绩包括平时成绩和期末考试成绩，其中平时成绩占20%，考试成绩占80%，期末时由学院统一组织考试，专业技巧课考试组教师（每组5名）打分，去掉一个最高分、再去掉一个最低分，最后取平均分就是该名学生的考试成绩。这一项还包括提高率、期末总结、假期作业。
通过对技巧课教案的改革，提高了课堂教学效果，由于针对每一名学生设置，使教师教学目的明确，真正做到因人而宜，从而大大提高了教学质量。
（二）制定专业技巧课课表及专业技巧课管理方案。
专业技巧课课课表可以清楚地看到教师上课的班级、人数、地点、学时，方便了教学管理方面的各项检查工作，期中包括教师上课迟到、早退、学生迟到、早退缺席的教学秩序的管理、教师调、串课管理、教师工作量计算等，一目了然，方便准确。（表略）根据专业的特殊性及个别学生行为松散的特点，制定了专业技巧课管理方案。内容如下：
1.连续无故旷课三次（含三次），取消本学期考试资格。每学期累计旷课五次，取消本学期考试资格。
2.学生迟到或早退10分钟以上（含10分钟），按旷课处理。
3.教师根据学生上课的具体表现，确定其平时成绩。
配音技巧教学篇7
钢琴教学心得体会篇【一】
我从事钢琴教学已经有几年的时间了，在这几年的时间里自己在教学过程和学习中积累了一些钢琴教学的心得，下面谈一下我在钢琴教学中根据不同阶段的特点，在教法上的一点探索尝试。
因为钢琴的演奏是在听觉的专注、敏感，十个手指各自独立前提下的积极活动；这种双手不同动作及全身多种器官的配合运用，必须遵循有规律的、科学的、恒久性的训练，努力地去理解音乐、表现音乐，才能掌握钢琴的演奏技艺。
首先，乐感对于学习钢琴的学生来说是很重要的。那么，怎样培养和发展孩子的乐感呢？
在练习乐曲、音阶和练习曲的时候可以加入适当的表情。如音阶，用有力的断奏来表达一种威严、愤怒；用较慢的连奏来表示一种忧伤；用快速轻巧的指头弹奏来表示欢快随心所欲的情绪等等。这些都是训练孩子带着表情进行弹奏，展示自己表现才能的好办法；对练习曲和乐曲中的表情记号或力度记号做夸张性的弹奏和练习。一般来说，再简单的乐曲或者练习曲，都有可能进行对比，至于对比是力度上，还是在音色或者情绪上，可以请教老师来进行要求；多听、多看、不放过任何表演的机会。要鼓励孩子在适当的场合进行表演，这样可以使孩子得到更好的锻炼。听音乐会也是一样的，在听的同时可以使孩子学习到别人的长处，也是陶冶自己情操的一个好的机会。
有了较好的乐感，接下来要注意的就是练习方法了：
1、兴趣法。钢琴弹奏即是以钢琴的音乐美为核心，以全身多种器官和肢体的协调配合、手指的独立运用为基矗由于钢琴音域宽广，和声效果丰富，共鸣体大，所以又是最理想的多声乐器；因此在学生弹奏钢琴之前，应向学生讲述钢琴弹奏的价值、作用极其特殊魅力。
2、示范、讲解法。是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要，准确的示范弹奏，使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象：优美的旋律、娴熟的技术、技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中，教师应先作详细的准确的弹奏，然后再讲解弹奏要领，指出重点的技术困难之处，教给学生怎样克服技术困难的具体方法，最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解，并选用适当的力度、速度做出示范，进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。
3、模仿法。钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中，对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术，我会采用示范的形式与学生共同练习，这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段手走或不走弯路，准确的掌握弹奏技术和技巧。
4、分解法与完整法。根据乐曲或练习曲的特点，教学生学会分手、分句、分段、分声部练习，学会把乐曲或练习曲中的难点抽出来单练，这样把乐曲或练习曲进行分解进行一个局部的单独联系，或是在已弹好整体的前提下，对特殊技术难点集中力量，单独攻破；或对某一乐曲弹奏上进行精雕细刻；或对某一和声关系的细微变化、不同声部力度布局上的适当控制等耐心地分解练习等等。这样做既可以为合手练习铺平道路，还大大缩短了整首乐曲的练习时间，达到了事半功倍的效果。所以说这种方法在提高弹奏质量阶段是最有效的教法。
5、正误比较法。教师在正确示范的同时，还可以适时地选择典型的错误弹奏进行演示，目的在于让学生通过眼看、耳听、心想、脑记，对正确的弹奏与错误的弹奏进行比较，以提高学生的鉴别力和感知力。
6、衔接法。是遵循节奏的韵律，将几个局部的弹奏技巧连接起来，形成一条整体的、有机的、连贯的最佳弹奏状态。衔接法主要解决音与音、句与句、段与段之间的相互连接。把前一小节最后一个音与后一小节第一个音按拍子连续弹奏、反复练习，是提高整条曲子弹奏质量的有效方法。不少学生弹奏由各自反复的两段组成的乐曲时，都处理的太随意，不是衔接过紧，显得仓促，就是停顿过大，失去整体感。所以衔接法的正确运用可以避免弹奏中一些不该出现的错误发生。
7、音乐练习法。在第二阶段，切不可忽视音乐练习的方法。通过听所学曲子的旋律，有助于培养学生的节奏感和音乐感，还能激发学生内在情感的发现。教学过程首先要求学生听几编所学乐曲，使学生心中有歌，然后采用相应的触键方法，结合弹奏练习，也就是把如歌的旋律从心中转移到手指上。
总之，在钢琴教学中，应根据学生和掌握弹奏技术、技巧过程中不同阶段的特点，采取相应的教法，充分认识钢琴弹奏技术、技巧形成的规律性和阶段性，才能把钢琴教学搞得更好，进而完成教育培养目标和任务。
钢琴教学心得体会篇【二】
作为一名音乐教师，我在钢琴教学方面还是有着很大的特长的，钢琴教学是我最擅长的，在不断的教学中，我对钢琴教学有了自己比较客观的认识，我在总结自己的钢琴教学后，有如下心得体会：
一、讲解作品背景及作者的生平使学生对乐曲的把握更具表现力
在教学的过程中，尽可能多的介绍一些作者的生平，比如作者出生的年代，在什么情况下创作了该作品，其音乐表现的动机是什么，抒发一种什么样的感情，通过这样生动的描述使学生对该曲目产生一定的兴趣，另外，对把握乐曲的性质有很重要的作用。
二、乐感培养是基础和关键
钢琴的演奏是听觉的专注、敏感，十个手指各自独立前提下的积极活动；这种双手不同动作及全身多种器官的配合运用，必须遵循有规律的、科学的、恒久性的训练，努力地去理解音乐、表现音乐，才能掌握钢琴的演奏技艺。
首先，乐感对于学习钢琴的学生来说是很重要的。那么，怎样培养和发展孩子的乐感？
在练习乐曲、音阶和练习曲的时候可以加入适当的表情。如音阶，用有力的断奏来表达一种威严、愤怒；用较慢的连奏来表示一种忧伤；用快速轻巧的指头弹奏来表示欢快随心所欲的情绪等等。这些都是训练孩子带着表情进行弹奏，展示自己表现才能的好办法；对练习曲和乐曲中的表情记号或力度记号做夸张性的弹奏和练习。正如李昕老师所讲的，比如说教授汤谱森《火车》一课，可以很形象的先告知孩子火车跑的声音，引起他的兴趣后，告诉他全音符、二分音符、四分音符的长短，然后火车是怎样由慢到快跑起来的，加入形象的说明孩子会对这一课很感兴趣，接下来就是如何弹奏了。
一般来说，再简单的乐曲或者练习曲，都有可能进行对比，至于对比是力度上，还是在音色或者情绪上，可以请教老师来进行要求；多听、多看、不放过任何表演的机会。要鼓励孩子在适当的场合进行表演，这样可以使孩子得到更好的锻炼，自信心会得到一定的提高。如教师示范、观摩音乐会、听音响资料等方式。通过音乐拨动学生的心弦，丰富学生的审美感知，得到美的享受，丰富自身情感。通过各种音响和“通感”作用引发学生的情感，使学生全身心地融于音乐作品中，直接强化学生的钢琴学习行为，从而达到良好的教学效果。
三、科学的方法提高学习的效率
1、正误比较法。教师在正确示范的同时，还可以适时地选择典型的错误弹奏进行演示，目的在于让学生通过眼看、耳听、心想、脑记，对正确的弹奏与错误的弹奏进行比较，以提高学生的鉴别力和感知力。
2、衔接法。是遵循节奏的韵律，将几个局部的弹奏技巧连接起来，形成一条整体的、有机的、连贯的最佳弹奏状态。衔接法主要解决音与音、句与句、段与段之间的相互连接。把前一小节最后一个音与后一小节第一个音按拍子连续弹奏、反复练习，是提高整条曲子弹奏质量的有效方法。不少学生弹奏由各自反复的两段组成的乐曲时，都处理的太随意，不是衔接过紧，显得仓促，就是停顿过大，失去整体感。所以衔接法的正确运用可以避免弹奏中一些不该出现的错误发生。
3、音乐练习法。在第二阶段，切不可忽视音乐练习的方法。通过听所学曲子的旋律，有助于培养学生的节奏感和音乐感，还能激发学生内在情感的发现。教学过程首先要求学生听几编所学乐曲，使学生心中有歌，然后采用相应的触键方法，结合弹奏练习，也就是把如歌的旋律从心中转移到手指上。
4、兴趣法。钢琴弹奏即是以钢琴的音乐美为核心，以全身多种器官和肢体的协调配合、手指的独立运用为基础。由于钢琴音域宽广，和声效果丰富，共鸣体大，所以又是最理想的多声乐器；因此在学生弹奏钢琴之前，应向学生讲述钢琴弹奏的价值、作用极其特殊魅力。
5、示范、讲解法。是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要，准确的示范弹奏，使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象：优美的旋律、娴熟的技术，技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中，教师应先作详细的准确的弹奏，然后再讲解弹奏要领，指出重点的技术困难之处，教给学生怎样克服技术困难的具体方法，最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解，并选用适当的力度、速度做出示范，进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。
6、模仿法。钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中，对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术，我会采用示范的形式与学生共同练习，这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段少走或不走弯路，准确的掌握弹奏技术技巧。
配音技巧教学篇8
关键词：声乐技巧；声乐艺术；作用
1声乐技巧的概述
声乐技巧是提高声乐表演质量的手段，在声乐表演中发挥着至关重要的作用。声乐技巧包含了多方面的知识内容，例如吐字清晰度，声音的高低，音乐的清亮度等都属于声乐技巧的部分，对声乐艺术的效果有着直接的影响。若某一方面出现偏差，都可能影响整体的声乐表演效果。不同的演唱者需要掌握不同的声乐技巧，如若选择不恰当，则会给演唱带来负面效果，大部分演唱家会根据自己的实际需要选择一定的声乐技巧，以获得理想的演唱效果。
2声乐技巧的作用
在声乐表演中，恰当地运用声乐技巧不仅能够适应表演需求，而且也能够提高表演质量，对演唱者来说是极为关键的部分，声乐技巧在声乐艺术中的作用主要体现在几个方面。首先，声乐技巧是声乐表演的基础。无论是对于声乐表演者还是声乐教学者来说，掌握基本的声乐技巧都是极为重要的学习内容。在声乐教学中，教师也十分重视声乐技巧的教授，因为声乐技巧是声乐表演的基础，是声乐表演的重要组成内容。声乐教学中的基本声乐技巧主要包括基础的发声、调息、吐字等技术，尽管这些内容并不复杂，但却对声乐表演至关重要。在声乐学习中，加强基本声乐技巧的训练，能够为歌唱表演打下扎实基础。此外，在学习声乐技巧过程中，应当制定相应的学习方案，通过有效的培训练习，为今后的声乐表演打下基础。大部分优秀的表演家在平时的训练中也常常将基本的声乐技巧作为重点练习，通过结合自身的实际特点，才能够更好地完成声乐表演。其次，声乐技巧可以塑造更独特的艺术形象。在声乐表演中，演唱者想要通过歌曲传递自己的情感，就需要对歌曲有更深入的理解，以便更好地控制自身的情感。演唱需要通过反复的学习与分析，才能加深对歌的理解，更准确地传递出歌曲所要表达的情感。我们常常会因某种声音而记住一个演唱家，因为其本人的音色有一定的独特性。声乐技巧中一个重要内容就是通过运用音色技术，在声乐表演中建立起独特的艺术形象。一些歌唱家在进行艺术表演时，往往会根据自身的音色特点进行演唱，听众会在很短时间内记住这种声音，进而记住演唱者。音色的运用在声乐技巧中发挥着重要作用，也是声乐表演的成功因素之一。歌唱家只有根据自身的音色特点选择相应的歌曲，同时配以恰当的声乐技巧，同时融入丰富的感情，才能更好地打动听众，引起听众共鸣，进而在听众心中留下深刻的印象。例如著名演唱家刘欢，他的音色极具独特性，他的噪音雄浑宽厚，中低音深沉有力，凭借着个人的实力及扎实的声乐技巧，给听众带来了很多优秀的音乐作用。再次，声乐技巧可以提升声乐演唱的质量。声乐技巧的运用能够更好地提升声乐演唱的质量，这在大部分演唱家那里都得以证明。声乐技巧的学习能够使演唱者打下扎实的演唱基础，减少演唱失误，使声乐演唱达到预期的理想效果。在声乐表演中，演唱者的自身的实际演唱水平直接决定了表演的效果，如若再合理地运用声乐技巧，不仅能够使演唱者更好地投入到歌曲中，也能够获得听众的共鸣与认可，进而有效地提高声乐表演的质量。例如演唱者在演唱《我爱你，中国》中，这首歌曲表达了海外游子对祖国的炽热情感，歌词中描写了祖国的壮丽山河，委婉亲切，演唱者必须以青年人热情投入到歌曲当中，调整好气息，将情感尽情抒发，音乐张力十足，将祖国儿女的赤诚之心表达得淋漓尽致，让听众亲切感受到浓浓的爱国主义情感，进而提高声乐表演的质量。最后，声乐技巧可以提升学生与演唱者的艺术审美。声乐表演是一种艺术的表达，是通过声音传达情感。无论是在声乐技巧的学习还是运用，不仅是为了更好地完成声乐表演，也是能够从中获得艺术的审美需求，提升个人的艺术修养。声乐技巧的应用不仅能够提升声乐表演的质量，还能够引导和帮助演唱者感受声乐艺术魅力。演唱者在运用声乐技巧进行表演时，对于情感的表达、处理是十分关键的。情感的合理表达能够在一定程度上彰显音乐的魅力，尤其是演唱者在表演过程中，若能将音乐与情感完美地融合在一起，配以恰当的声乐技巧，便能够更好地通过音乐传递自身感受，根据对声乐艺术的不同理解选择更恰当的表演方式，才能够提升表演质量。也可以说，演唱者只有真正投入情感的演绎歌曲，才能使歌曲更具感染力，将听众的情感带入角色当中，引起听众的深思，获得更好的表演效果，在声乐表演中获得成功。
3结束语
综上所述，声乐表演是音乐艺术的重要组成内容，是传递情感的有效方式。演唱者想要获得理想的演唱效果，离不开前期扎实的学习与训练，离不开声乐技巧的运用。声乐技巧作为声乐表演的基础必不可少。随着我国声乐艺术的发展，声乐技巧也越来越受到关注，只有重视和加强声乐技巧的练习应用，才能更好地面临声乐表演的各种问题，促进声乐艺术的可持续发展。
参考文献
[1]聂一波.声乐教学基本技能与实践———评《声乐技巧与歌曲的表现处理》[J].教育发展研究，2017（18）.
[2]胡力华.浅谈声乐技巧在声乐艺术中的地位和作用[J].北方音乐，2017（14）.
配音技巧教学篇9
关键词：声乐学习心理活动心灵的歌声
声乐艺术是人的艺术，它通过人的思想、感情利用声学上的各种技能而获得成功。它的整个过程，既是技能方法上的过程，又是充满了心理意识的过程。声音的高、低、强、弱、快、慢、长、短，共鸣的嘹亮，声音的优美，色泽的圆润，以至个性、风格、色彩，激情演绎，无不从心理意识上打动人心。声乐学习从开始学习发声到表演，处处都离不开思想意识和心理准备。本文从心理学角度谈笔者对声乐学习的几点思考。
一、声乐学习从感觉入手是很有效的方法
模仿的运用
歌唱与发声技能技巧离不开歌唱者的感觉。对于初学声乐的学生来说，有些歌唱发声技能技巧很难用语言描绘，即使语言能描绘清楚，初学声乐的学生也很难理解。此时，就需要有一种最初级最直接的、让学生认知和理解声乐学习的方法——模仿的运用。
对于声乐的学习来说，模仿是其中一种常见的手段，恰当的模仿可以很快达到学习的目的。早在2000年前，古希腊哲学家德谟克利特就认为艺术起源于对自然的模仿。他说：“从蜘蛛那里我们学会了织布和缝补，从天鹅和黄莺等鸟的歌唱我们学会了唱歌。”亚里士多德认为模仿是人的本能，只是模仿所用的媒介不同，所取的对象不同，所用的方式不同。教师的示范极其重要，一些只能意会不能言传的技巧，如“声音位置的感觉”“声音共鸣的感觉”“气息控制感觉”等，如果从心理、意识上着手，运用模仿手段，就会变得简单、容易，心理意识使复杂的肌肉运动过程自动实现。www.133229.com通过教师的示范、学生的模仿，学生才能对“难以理解”“难以控制”的复杂过程得到感知。由此可见，模仿这种学习方法不仅出自人的本能，而且能最大限度地适应音乐艺术的规律和人的心理特征，它是通过视觉、听觉、动觉等感觉产生的，也是人类“呀呀”学语本能对位性的显现。
灵敏的听觉训练
初学声乐的学生，总是要不断认识歌唱的科学规律，一切声乐技巧都靠意识来统治发声器官，使它按照预定要求进行动作的结果。意识指导正确与否，通过声音效果和演唱效果来进行判断，耳朵最先对这种效果进行感受，通过听觉反应，经过思维的分析、综合，便形成一个正确的心理及科学意识，进而指导肌体动作。有些学生在声乐学习的过程中，学习的热情非常高，歌唱的欲望非常强，张口就唱，对听觉反应没有任何心理意识，没有内心的自觉意识，演唱盲目，这是非常错误而有害的。灵敏的听觉反应是声乐之舟的导航器，它可以让你感受声音的刚、柔、强、弱，节奏时值的长、短，声音的喜、怒、哀、乐。灵敏的耳朵不但要聆听“优美、动听”的科学声音，还要听紧张、虚散等不对路的声音，通过这样的对比，找到正确声音的路子和方向。不但要听自己的声音，还要听别人的声音，分析别人的缺点自己是否存在，别人的优点自己如何学习借鉴。通过灵敏耳朵的聆听来进行自我观察，逐渐提高对歌唱发声技能技巧的认识能力。
声音既不像文学所用的语言那样具有清晰具体的语言性，也不像雕塑所用的形体那样具有鲜明实在的造型性。声音在现实中缺乏原型，造成了它的朦胧性，看不见、摸不着，但是通过听觉，我们却可以掌握它的一些基本特征，从而可以根据相应的感受作出肌体的反应。所以，耳朵的听觉反应，是声乐学习者的良师益友。
二、声乐学习要注意分配技能的培养和训练
声乐学习中的注意是心理活动对一定对象（歌唱技能、发声技巧等）的指向和集中。在同时进行两种或几种活动的时候，把注意同时指向不同的几种对象叫做注意的分配。实践证明注意分配是可能的。如歌唱家在舞台上表演时，眼睛看着观众、耳朵听着伴奏、嘴里唱着歌词、手在表演，注意还指向速度、节奏节拍、技巧、情绪和情感、人物形象等等。
声乐学习中要合理分配注意的能量，没有反复的、长时期的训练是不可能做到注意能量的分配进而达到自如运用。认知心理学家把注意的能量分配看作“聚光灯效应”，即：“在灯的瓦特数不变的情况下，聚焦大小与灯的亮度成正比”。当注意心理指向多种活动或一个系列的运动时，注意的能量就会有意识地出现不同程度的分配问题。
人的注意分配技能是后天培养和训练出来的，我们能否在同一时间内把注意分配到几种活动上，必须依靠一定的条件。同时进行着的两种或几种活动中，必须至少有一两种活动是已经熟练和自动化了的，只有这样才不至于顾此失彼。声乐学习是多种活动的训练，如呼吸训练、打开喉咙训练、吐字训练、表情训练、放松下巴训练、歌唱姿势训练、表演训练、情感体验训练等等。当这些活动都很生疏时，把注意同时指向各种活动肯定是不行的。因此，必须分别练习、各个突破，经过长时间的磨练，在头脑中形成一定的反射系统，演唱时才可以不费力气地同时完成各种活动。
三、声乐学习离不开丰富的想象与积极的联想
想象与联想是一种特殊的思维形式，通过积极主动地想象与联想，能生动形象地间接概括歌唱的发声特点。在声乐的学习过程中，想象与联想的空间是无限的，它是一种无形的力量，推动着声乐学习者的进步。
积极主动的想象与联想是声乐学习的必需方法之一。音乐家史开勒斯说：“在唱一首歌的时候，是思想把歌儿唱起来。”歌唱者本人就是自己的“乐器”，在操纵自身乐器的过程中，人的声音看不见、摸不着、难以观察，是种抽象的物理音响。教师为了让学生理解声音、习得演唱方法，会用上许多具有启发意义的教学语言，例如用比喻性词语、某种场景的写实或夸张性的描述等等。学生依据教师的启发与引导，展开想象与联想，想象与联想越丰富，对音乐、发声技巧的感觉力就愈加敏锐、愈加强烈，对抽象声音、技巧的概括重组就越快。
想象与联想为建立正确的声音概念、掌握正确发声技巧提供了更多的可能。例如“哼鸣”练习，要求口腔里像含着一小块糖，脸部保持含蓄的微笑，声音靠前，集中在鼻腔，像小声哭泣般送出来，学生通过以上的语言引导，通过积极想象，联想“伤心、小声哭泣”的情景，便可以很快找到声音的位置以及面罩感。再如“闻花式”吸气，为了让学生在吸气过程中能充分打开鼻咽腔而又不至于提气，要求“把花的香味闻到肚子里去，甚至更深的丹田周围去”。通过这样的引导启发，学生加以想象联想的积极配合，不但能打开鼻、咽、口腔通道，还能很好地稳定气息，达到更好地演唱的目的。
四、声乐学习需要坚强的意志行动和自信心
意志行动
“意志”在《辞海》的解释是为达到既定的目的而自觉努力的心理状态。在每一个声乐学生的心中，都有一个共同的目标：学好，唱好。在这个艰难而漫长的过程中，所谓“自觉努力”，应该是指在声乐的学习过程中，始终保持强烈的歌唱欲望和积极的学习心态。来到声乐课堂，看见老师，看见钢琴，内心就要进行积极的心理暗示“我想唱”“我很想唱”，把老师所讲的歌唱方法在内心进行意念式练习，从无声的气息练习开始，从简单的发声练习开始，就要表现出这种兴奋状态。在演唱或发声之前，演唱和发声的效果已经作为行动的目的存在于大脑之中。通过意志的心理调控，带动意志的行为调控，促使肌体肌肉微妙恰当协调，这样，口、咽腔打开了，气息顺畅了，声音通道建立了，声带的张力精确了。随着音高的逐渐增高，意志的支配力量也越强。
实践证明，意志坚强的歌唱者克服歌唱发声中缺点和错误很快，接受正确方法也较快。意志力薄弱者，不仅克服歌唱发声中的缺点和错误较慢，接受正确方法也较慢。歌唱家卡鲁索毕生刻苦磨练，意志坚强，被誉为有史以来最伟大的男高音。男低音歌唱家夏里亚出身贫苦，小时候做过鞋匠、艺徒及商店抄写员，还在流动剧团当配角，由于酷爱声乐，刻苦好学，毅力超人，唱作俱佳，表达歌曲入木三分，刻画人物栩栩如生，具有崇高的国际威望。声乐学生运用意志心理进行声乐学习，是一种极为重要的方法。
声乐学习是一项艰苦的劳动，不但要付出辛勤的汗水，还要求学习者有百折不挠的顽强毅力。一般来说，基础训练并无速成的诀窍，一个技术、技巧的获得，声音观念的树立，需要花大量的时间和精力。歌唱的技术、技巧只有在实践中反复训练，在对与错中反复感觉、分辨，才能理解进而掌握。
“自我意识”与自信心
声乐学习保持良好的心态，有强烈的歌唱欲和表现欲是十分重要的，没有信心就不会有饱满的热情，更谈不上学好声乐。多唱（歌唱欲望）、敢唱（表现欲望）对声乐的学习是十分必要的。随着学习的逐渐深入，在歌唱的“不自然”阶段，有些学生的心理会产生微妙的变化，意识到自己的声音离老师的要求较远、有差距。一段时间内仍没有找到理想的声音，缺乏学习声乐应有的耐心、恒心，以至逐渐失去了歌唱的信心，认为自己唱不好，对自己的声音没把握，便不愿去练，不敢开口，纵使是开口唱了，也是被动、消极应付，久而久之便产生歌唱恐惧心理。这里需要指出的是，多唱、敢唱的目的，并不是去炫耀你的声音有多么好，而是通过多唱、敢唱来发现自身存在的问题，这就是歌唱中的“自我意识”。通过这样的自我意识，接受他人对自己的评价，总结自己的优点与缺点。当自己的心理意识评价与老师对自己的评价相矛盾时，学生就应该对自己的心理意识进行实事求是的检查，从而朝着正确的方向发展、进步。
多唱、敢唱为别人和自己提供了正确评价自己歌唱能力的良好途径，这对于提高学生歌唱发声的认识能力，培养和发展歌唱发声正确的心理意识是非常重要的。
五、多种记忆方法的运用有利于声乐技巧的提高
学生在声乐学习过程中，通过演唱实践感知过的技能技巧、思考过的内容、练习学过的动作、体验过的情感等等，在演唱完毕后，并不会消失得无影无踪，仍会在大脑皮层留下演唱兴奋过程的痕迹。根据遗忘先快后慢的规律，多回忆演唱感觉，勤做声乐学习笔记，不失为声乐学习的好方法。笔记的内容是多方面的，可以是唱某个高音的肌体感受，对好与不好的声音色彩的听觉感受、气息运用的控制感受、酝酿某种歌唱情绪的心理过程、咬字吐字方式方法、自己的某些演唱发声想法等等。通过多回忆、勤笔记的方式，就能使在声乐课堂上习得的歌唱技能技巧得到进一步强化。歌唱神经联系的形成，就是要依赖反复的练习，反复强化才能暂时巩固神经联系，识记的东西才能得以保持。声乐笔记可以很好地帮助学习者进行歌唱技能技巧的重现、再认、巩固并保持下来，逐渐积累成演唱经验。
正是由于音乐记忆，才使声乐学习者的歌唱技能技巧从无到有，从少到多，从浅到深，从单调到丰富。在声乐学习中，必须运用各种记忆方法，把知识巩固起来，否则永远是个“新生儿”。
六、声乐学习需要加强情感体验
音乐艺术不是反映事物的具体形象，而是侧重表现自我内心的情感、精神体验。在艺术实践过程中，人们必须通过各种音乐表现手段才能实现自己的艺术目标。假如把歌唱完善的技能技巧比作一棵大树，歌唱者的文化素养就是装饰这棵大树的绿叶，它对于歌曲演唱的内涵表达起着十分重要的作用。相同的一首歌曲，为什么有些人唱起来像一杯白开水，而有的人却唱得叫人回味无穷？这正是文化素养体现在歌曲中的理解力和表现力。
随着声乐学习的不断深入，学生建立起稳定的声音通道，声音色彩调整俱佳之后，在歌曲演唱方面的要求更多的就是怎样表达歌曲的思想情感，表现这种“自我内心的情感体验”，在这种“自我”的感悟过程中进行二度创作。此间二度创作过程正是检阅歌唱者文化素养以及综合素质的过程，一个优秀的歌唱者不仅要有精湛的歌唱技能技巧，更要有丰富广博的文化知识修养。演唱一首声乐作品，只有深入地分析其内涵，理解其内容，才能把作品表现得淋漓尽致。例如演唱歌曲《黄河怨》，为了恰当准确表现“国破家亡”“妻离子散”的深重苦难以及“清算血债”的决心，演唱者首先要深入了解中国的抗战历史，了解此音乐作品产生的时代背景以及作曲家的生平，甚至要去欣赏相关的影视资料，如《南京大屠杀》等，激发强烈的爱国热情，在演唱时通过内心积极想象联想，心潮澎湃，在这样的情绪之中就一定能很好地表现这首声乐作品。
可见，学习声乐不但要有好的嗓音、乐感和良好的声乐基础训练，还应有较高的音乐素养、艺术修养和相应的文化水准，这里且将其统称为文化素养。要通过文化素养来加强情感体验，提高声乐学习者的悟性、理解力和表现力。因此，声乐学生在歌唱技能技巧提高的同时，不要忘记提高自身的文化素养，让歌声真正成为“心灵的歌声”。
参考文献：
配音技巧教学篇10
人的发声器官布满了神经，各个神经元之间构成联系网络，通过器官表层肌肉向大脑中枢传递信息。艺术心理反应系统是学生将教师的技能信息传递给大脑神经中枢，然后大脑神经系统向发声器官发出命令，贯彻实施神经中枢的意志。意志实施与贯彻的好坏，主要通过听觉传入系统向大脑传递信息，大脑将信息进行调整再发出，让相关器官准确执行命令。事实上，大脑经过不断地接受、调整和保存信息，才让相关器官准确地执行意志，这种心理系统是声乐专业学生的学习过程。例如，演唱是呼吸器官、语言器官、共鸣器官、表情器官等生理动作的综合作用，是由演唱者的心理意识支配。声乐教学事实引起学生的心理反应，反过来心理反应又影响学生的生理动作。动作是学生演唱和发声的内驱力，动作的实施与贯彻需要学生的意识和意志完成。声乐教学过程中，学生演唱时打不开喉咙，教师采用反复训练、强化练习等办法，直到学生学会为止，这就是大脑意识和意志的贯彻过程。演唱动作属于高级生理过程，其受演唱者的心理意识和意志的支配，所以演唱者的一切行动都是大脑意识的表现。如果说演唱属于物理学范畴，那么音响、共振、泛音、高声、音长和频率就属于心理意识、直觉和意志范畴。《乐记》记载：“凡音由心生，人心使然之”。无论演唱属于生理范畴，还是物理范畴，其都属于表演者的心理活动。声乐演唱是演唱者感觉、知觉、意识、记忆、情感和思维等心理因素的共同结果。艺术心理学自始至终贯彻于声乐教学过程中，心理活动支配着表演者技巧的发挥。因此，声乐教学过程中，要巧妙、灵活地运用艺术心理学，达到预期的声乐教学效果。
二、艺术心理学与声乐技巧的关系
艺术心理学强调多种因素的协同活动，强调教学过程中心理行为控制。声乐教学需要建立在心理支配基础上，特别是技巧教学，否则就让学生处于盲目学习中。学生需要在听、视、感等方面建立联系，才能实现想象和内心的互动，提高自身的表演技巧。表演者要想将自身的技巧全面发挥出来，需要具备六个方面的能力：1.基础感觉能力，包括声音高低、强弱、长短；2.高级感觉能力，包括节奏、音色、音量和和谐；3.控制能力，包括音高、音强、时值、节奏、音色；4.想象能力，包括听觉想象、肌肉想象、创作想象；5.智慧能力，包括联想、反射和天资；6.感受能力，包括审美、情感和情绪等。上述能力都具有明显的心理特征，说明声乐表演属于复杂的心理过程。教师需要利用艺术心理教学法，全方面启发学生去感觉、理解声乐的内在规律和外在表象，从发展的声乐教学中发展规律，并将这些规律与自身的心理情感融合到一起。这样学生就可以更好地认识声乐教学，消除对声乐教学学习的畏惧情绪，提高声乐学习的效率。学生利用艺术心理理论，富有感情地演唱，增加生动的表现形式，以及丰富的形象思维，激发自身的创造潜能，更好地进行声乐表演。
三、艺术心理学的联想作用
声乐表演要求演唱者具有良好的心理素质，其不仅要掌握音乐技能，而且要在表演过程中体现自身的综合素质。表演者的发声能力和技巧都具有心理特征，都受心理活动影响。联想和想象是声乐教学中经常采取的一种思维手段，可以帮助学生更好地进行声乐学习。联想指通过生动形象和感慨认识来掌握表演特点，虽然看似超出人的现实感觉，但也属于表演者对客观实际的反应，具有一定的创造性。声乐表演过程中的联想与心理活动密切相关，诸如，音乐的感觉、音乐的创造等。一方面，演唱者在进行表演的过程中，每个环节都会产生联想，并依靠其进行表演思维。另一方面，表演者在处理歌曲的过程中，其自身对歌曲的联想又促进歌曲形式的表现，增强歌曲与表演者之间的互动。演唱者在表演前，要努力使自己进想已经，将歌曲情感意象化。简单地说，声乐表演者将歌曲中的情感联想成为一段美丽的动人画面，并在表演过程中展示出来。歌曲联想不是随意的，而是依据表演者的自身经历表现出来的。因此，当一首歌曲通过不同的表演者进行表达，就会产生不同的效果，与不同的受众产生不同的情感共鸣。下面就对艺术心理学在听觉表现、视觉表象进行详细分析：
（一）听觉表象
听觉表象就是表演者接受外界的声波刺激，在内心形成一种联想的图像，诸如，声音形状、声音运动等，并将其转化为音响。从艺术心理学的角度来说，听觉表象是感觉的基础，是声乐技巧的表现。因此，表演者要想获得美妙的歌声，需要在大脑中建立声音表象，然后按照表象去控制各个发生器官。听觉表象可能是按照表演者自身的兴趣、爱好和意愿实现的，也可能是模仿其他专家来实现的。听觉表现通过音响信息进行反馈，表演者找出音响和声音表象之间的差距，不断进行调整和完善，提高自身的表演水平。
（二）视觉表象
视觉表象是通过表演者的视觉能力和表演经验产生的，是表演者已知情景的再现。例如，《蒙古人》表演时，表演者就会回忆起蒙古草原的辽阔：“雄鹰在天上飞，马儿在地上跑，牛羊在河边吃草，河流蜿蜒过草原”。又如《坐上火车去拉萨》表演时，表演者仿佛是一位游客，坐着青藏专线火车，在青藏高原穿梭，美丽的心情表现在脸上。这些歌曲的视觉表象都是以上生活阅历的再现，引导表演者进行生动的表现。视觉表象是声乐表演的关键，直接影响表演者的情绪和内心的表达。表演者的联想随着歌曲节奏的变化而变化，并进行听觉和视觉的不断转化，提高声乐的表演效果。声乐表演要求表演者在头脑中不断进行情景浮现，灵活、生动地再现歌曲情感。表演者通过复杂的心理活动，将声乐与自身的经历融合到一起，两者相互影响和丰富，最终通过声乐表演再现出来，与观众产生情感上的共鸣。总之，联想渗透到声乐表演的每一个环节，帮助表演者更好地进行技巧展示。例如，呼气训练、吸气训练、吐字训练、发声位置控制、声音共鸣控制、声音运动等，都需要声乐学习者进行联想。在声乐教学过程中，教师应该充分利用联想来启发学生进行声乐学习。
四、结语